¿Incomprendido o genio? Mimado por la crítica, Apichatpong Weerasethakul supone un nuevo estadio para el arte cinematográfico. Ese que reduce el celuloide a fetiche y nos muestra de maneras impensables diferentes ángulos de una misma historia. El cineasta tailandés, único en la conjunción de la mística con el compromiso social se ha ido ganando un hueco en el viejo continente desde que obtuvo el premio del Jurado de Cannes 2004 con ‘Tropical Malady’. ‘Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives’ (2010) supuso el espaldarazo definitivo con la obtención de la Palma de Oro y el premio de la crítica de Sitges en el año 2010. Weerasethakul renovaba la definición de ‘auteur’ con este alucinógeno lienzo sobre la familia y el pasado que se convirtió en uno de los hitos de aquel año. Algo que le otorgó al director de Khon Kaen el estatus de realizador de culto. Paradojas de la arte, es admirador del cine de Steven Spielberg y al igual que el Rey Midas la nostalgia es uno de los ejes de su filmografía. Viendo sus filmes quien diría que ‘E.T, el extraterrestre’ es el motor que impulsó su carrera. Una de las curiosidades de su obra es que todo largometraje viene concebido a partir de un corto. Un formato clave en su carrera como demuestra esta pieza en blanco y negro contrastado titulada ‘Cactus River’ (Khong lang nam, 2012) presentado este año.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2012

'CACTUS RIVER', de Apichatpong Weerasethakul

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2012

LA ODISEA DE HOMERO EN HORA Y MEDIA
Ulises (Ulisse, Mario Camerini y Mario Bava, 1954)

Hoy me complace dedicar la primera película de esta Sesión Doble a una de esas grandes estrellas del Hollywood clásico de las que, lamentablemente, ya van quedando pocas: Kirk Douglas. Que es un actor dramático enorme lo prueban sus trabajos en El loco del pelo rojo (1956) o Senderos de gloria (1957), pero nosotros nos vamos a centrar en su faceta de héroe del entretenimiento. Al igual que otros carismáticos nombres de la época, como Burt Lancaster y Charlton Heston, Douglas potenció sus excelentes cualidades físicas para el cine de aventuras en un puñado de inolvidables títulos como 20.000 leguas de viaje submarino (1954), Los Vikingos (1958) o Espartaco (1960), seguramente su papel más emblemático. A este grupo de obras que nos hicieron disfrutar de niños, demostrando que en la década de los 50 se hicieron las mejores superproducciones de este tipo, pertenece nuestro clásico a recuperar de hoy: Ulises (Ulisse, 1954).

por José Martín León
octubre 30, 2012

ULISES (MARIO CAMERINI & MARIO BAVA, 1954)

por José Martín León | octubre 30, 2012

LA PLAUSIBLE LIBERTAD DE MEL GIBSON

Vacaciones en el infierno (Get the Gringo, Adrian Grunberg, 2012)

“Soy culero porque el mundo me ha hecho así”, anuncia el vocalista de la cumbia que cierra Vacaciones en el infierno (2012), un título certero para definir el impacto abrasivo de un filme tan disfrutable como sinuoso en su ejecución. Noventa minutos antes, escuchamos 50,000 Miles Beneath My Brain de Ten Years After mientras dos payasos vestidos de amarillo intentan darse a la fuga en coche, con un suculento botín. El conductor pisa a fondo; su compañero –o socio, que dirían en la jerga– vomita sangre en los asientos traseros. Desde el cielo contemplamos la persecución, el vaivén de los coches atravesando ese páramo en donde se erige un muro a duras penas salvable: la frontera entre México y Estados Unidos. Seguidamente el coche se precipita hacia un montículo de tierra y se eleva y vuelca en el aire, aterrizando en la zona mexicana. El conductor, ya sin careta, es Mel Gibson. El actor, productor y director que representa el enigma del cine. El pasado año pudimos disfrutar de su inquietante poderío frente a una cámara en El castor, cuya historia –dirigida meritoriamente por Jodie Foster– sacaba a relucir al Gibson más turbador y, sin embargo, hipnótico de los últimos tiempos. El de Peekskill (Nueva York) había regresado meses antes al género de acción –de tintes negros– con Al límite. Un ejemplo de ese magnífico imán, tal vez excesivamente polarizado, que desconocíamos a finales de los 70, cuando se estrenó la primera entrega de Mad Max.

por Anónimo
octubre 29, 2012

VACACIONES EN EL INFIERNO | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 29, 2012

EL GRAJO Y LA MAMÁ
Kauwboy (Boudewijn Koole, 2012).

Representante de Países Bajos en los Oscar 2013. Preseleccionada a los EFA 2012 (European Film Awards).

Jean Piaget (1896-1980), psicólogo y epistemólogo suizo – clave en el estudio cognoscitivo de la infancia y padre de la teoría constructivista del aprendizaje –, determinó que la imitación de las labores cotidianas del adulto por parte del niño es un factor relevante para la experiencia y madurez de éste. Es la llamada ‘etapa concreta operacional’, encuadrada de forma general entre los seis y los doce años, que subraya que en una situación de acomodación predominante el sujeto mediante la emulación incorpora a sus estructuras de conocimiento nuevos comportamientos observados en el modelo. Por tanto, la presencia de la figura paterna y materna en el entorno habitual del niño supone también de manera indirecta una fuente de información para su desarrollo. Es la primera sensación de adultez en edades tempranas. Aunque las conjeturas de Piaget suenen a rancia tautología siguen siendo la base de los detallados estudios de la psique infantil que atiborran todos los inútiles planes de educativos de un gran número de países occidentales. Precisamente de la presencia y ausencia de modelos habla el filme ‘Kauwboy’ (2012), un evocador cuento moderno que nos acerca a la vida de un niño, maduro antes de tiempo.

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2012

KAUWBOY (BOUDEWIJN KOOLE, 2012)

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2012

Más vale tarde que nunca, rezará la distribuidora Karma Films. ‘Blue Valentine’ (Derek Cianfrance, 2010), una de las mejores películas de la temporada 2010/2011, por fin se estrena en España. Lo hará de forma limitada – tan sólo en cines de capitales -- y en versión original subtitulada, pero al menos el público de nuestro país podrá disfrutar de este realista retrato del amor que desde su presentación en Sundance 2010 conquistó a crítica y público. Su positivo paso por ‘Una cierta mirada’, del Cannes de ese año, dio el espaldarazo definitivo a un filme cuyo paso por las carteleras se acotó al público anglosajón. Ni siquiera la nominación al Oscar de Michelle Williams y el auge de Ryan Gosling sirvieron como acicate para una mayor distribución. Por suerte, Karma Films rescata una cinta destinada a conmover los corazones con las más cruda de las historias. En ‘Blue Valentine’ hay lugar para el amor pero también para el desengaño. Una historia muy personal cuyo autor, Derek Cianfrance, tardó diez años en concebir. Precisamente, este joven cineasta norteamericano estrenará el próximo año ‘The Place Beyond the Pines’, interpretada por el propio Gosling. Una cita ineludible.

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2012

EXPRESS | ‘Blue Valentine’ se estrenará en España

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2012

En el episodio de cine del pasado viernes en 'Nunca es tarde': repasamos los estrenos de la semana con 'Argo', 'Hotel Transilvania', 'Ruby Sparks', 'Vacaciones en el infierno', 'Outrage' y 'La pequeña Venecia (Shun Li y el poeta)'. En 'apuntes' presentamos 'La vida de Pi' y 'Iron Man 3'. Nos despedimos con la música de Lifehouse. Pasen una excelente semana. Sueñen, vean cine.

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2012

NUNCA ES TARDE | PROGRAMA Nº 29

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2012

¿Se imaginan a Leia como princesa Disney? Algo que sobre el papel pudiera parecer quimérico esta semana cobra visos de hacerse realidad. Disney compra Lucas Films y de paso anuncia la pre-producción del séptimo episodio de la joya de la corona, la saga de ‘La guerra de la galaxias’ (Star Wars). Por un lado, no suena a sorpresa ya que por todos era conocido los problemas económicos de la productora del otrora mecenas del cine George Lucas. El trasvase a Disney dará liquidez a una franquicia que demostró falta de ideas pese a su decente última tercera entrega. Por otro, Disney busca en la ciencia-ficción la gallina de los huevos de oro que parece negársele en el campo de la animación. Primero ‘Tron Legacy’ (John Kosinski, 2011), después ‘John Carter’ (Andrew Stanton, 2012), han sido fuertes apuestas del estudio que, sin embargo, hallaron el fracaso tanto en lo artístico como en lo económico. Quizás con demasiado estrépito ya que ambas son unas más que potables propuestas para el género. Disney en su desesperada se encuentra con un gigante moribundo y ahora la pregunta es ¿Cómo será Star Wars bajo la capitanía del estudio de cine familiar por excelencia?

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2012

EXPRESS | ‘Star Wars’ y Lucas Films adquiridas por Disney

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2012

AMOR FRACTAL
Ruby Sparks (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2011)

Está en los libros de biología. Siempre en las primeras páginas. Para entendernos como especie que forma parte de otro gran grupo, hemos de saber que nuestros porqués están limitados por un simple precepto: los seres vivos nacen, crecen, se reproducen y mueren. Con el tiempo, y gracias a los cerebros más perspicaces, descubrimos que lo de crecer es una fase estrictamente física, ajena a la fuerza intelectual. También entendemos – a base de tropiezos y una buena dosis de comedia agridulce– que hay quienes se limitan a reproducirse, sabedores de la proximidad de la muerte, como si a través de ese legado pudieran trascender más allá de la vida. De alguna forma, somos los animales crueles con mayor poder de seducción. Una materia que los escritores explotan desde hace mucho tiempo, ya que la literatura se encarga de sublimar un amplio catálogo de miserias, aventuras, romances, intrigas, lo mágico de la rutina en tapas de diversos colores y materiales.

por Anónimo
octubre 25, 2012

RUBY SPARKS | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 25, 2012

El ataúd errante

La muerte robada (Varastettu kuolema, Nyrki Tapiovaara, Finlandia, 1938).

El director de cine de origen finlandés Nyrki Tapiovaara falleció en el año 1940, a la edad de 29 años, en la Segunda Guerra Mundial. Solo había llegado a dirigir cinco películas. La primera de ellas, Juha, data de 1937. Está basada en una novela de Juhani Aho que ya había adaptado en 1921 el director Mauritz Stiller. Varastettu kuolema (La muerte robada) la dirigió al año siguiente y es su obra más conocida, o al menos por la que más se le recuerda. En 1939, inspirándose en las tiras cómicas del gran George McManus Bringing Up Father, dirige Kaksi Vihtoria (Dos vencedores). En el mismo año, Herra Lahtinen lähtee lipettiin (El señor Lahtinen avanza abatido; que nadie se enfade si la traducción no es todo lo correcta que debiera, pero esta sería la más aproximada), de la cual solo se conservan 43 minutos. Y su última película, Miehen tie (Como lo hace un hombre), está fechada en 1940. No llegó a terminarla: de ello se encargó el director Hugo Hytönen. Así pues cinco películas resumen su carrera, pero en realidad ni esto, pues dos de ellas no es posible verlas hoy tal y como en algún momento las concibiera Tapiovaara. En realidad ni de esta ni de ninguna otra forma, ya que es ciertamente complicado acceder a su filmografía.

La muerte robada (Varastettu kuolema, 1938) se trata pues de su segunda película. Extraña, desconcertante a ratos, apasionante en otros y con dos secuencias sencillamente prodigiosas, merece ser rescatada del olvido en el que permanece fuera de su país. Seguro que estáis pensando que vaya una manera tan poco respetuosa de despiezar una película. Pero no hay tal falta de respeto. Nyrki Tapiovaara renegaba de las reglas del montaje narrativo, por lo que su película parece en verdad hecha de trozos aislados pegados unos a otros, uno mismo lo diría si no lo hubiera defendido así su director, de cualquier manera. Su trama es de una gran sencillez, muy fácil de seguir pese a los cortes imprevistos y los brutales cambios de ritmo. De esta forma puede dedicar todo el tiempo del mundo a una secuencia y las siguientes discurrir a velocidad de vértigo sin ningún tipo de transición. El espectador es quien debe montar la película en su cabeza, adivinar qué demonios ha sucedido en ocasiones para en un plano ver que la pareja protagonista ha encontrado refugio en su huida de los soldados que los persiguen y, al rato, resulta que han pasado semanas y esos mismos soldados irrumpen en la casa donde se esconden y son detenidos. Un puro caos, cierto, pero da igual. Como hemos dicho, el desprecio de Tapiovaara o su no dar importancia al montaje (tampoco podía prescindir de él si lo que quería era hacer una película) provoca que la historia parezca avanzar a golpes, con grandes saltos. No se trata de que Tapiovaara fuera un experimentador radical. Es sencillamente que se saltaba las más elementales leyes del montaje cinematográfico porque para él eran un puñetero engorro. El montaje narrativo, señalamos de nuevo, porque cuando le interesa remarcar un detalle lo utiliza con resultados de una belleza y originalidad apabullantes.

por José Luis Forte
octubre 25, 2012

Cineclub: La muerte robada (Nyrki Tapiovaara, 1938)

por José Luis Forte | octubre 25, 2012

"La profunda soledad del samurái sólo es comparable a la de un tigre en la selva".

Bushidō (El libro del samurái)

Seguidor declarado del cine negro americano de los años 30, Jean-Pierre Melville basó gran parte de su obra en recrear la esencia del antihéroe solitario que reflejaban filmes como ‘Las calles de la ciudad’ (City Streets, Rouben Mamoulian, 1931), ‘Hampa dorada’ (Little Caesar, Mervyn LeRoy, 1931) o ‘Scarface, el terror del hampa’ (Scarface, Howard Hawks y Richard Rosson, 1932). Todas las etapas de su filmografía ofrecen un retrato del concepto de ‘el hombre’, la exaltación de la virilidad así como de sus valores y camaradería; aspecto heredado de las propias vivencias de Melville en el frente francés en la II Guerra Mundial. Pese a que siempre fue denominado como “el más americano de los autores franceses”, la influencia de la industria estadounidense en su obra era más iconográfica que narrativa. Un aspecto en el que diverge del resto de sus compañeros de generación José Giovani y Henri Verneuil, fundadores oficiosos de ese subgénero llamado Polar, más centrados en el continente que en el contenido de los primeros ‘noir’. Es tiempo del gángster romántico, de pasado, presente y futuro siempre en el lindero que separa la huida y la muerte. Es la llamada 'poésie du crime' que simboliza en todo su esplendor Alain Delon como ese metódico y taciturno ‘samurái’ representado en ‘El silencio de un hombre’ (Le Samouraï, 1967).

por Emilio M. Luna
octubre 24, 2012

CINE CLUB | EL SILENCIO DE UN HOMBRE

por Emilio M. Luna | octubre 24, 2012

El pasado 17 de octubre comenzó la segunda temporada de American Horror Story, una de las grandes sorpresas del pasado año. Terror y esperpento a partes iguales en este triunfo de FX que conquistó a crítica y público. El 28 de Octubre llegará a España de la mano de FOX y para celebrarlo abrimos un nuevo concurso con una copia en dvd de la primera temporada. Un pack muy especial que viene acompañado por más de una hora y media de contenidos extras. Para participar solo hay que dejar tanto en facebook como twitter (valen las dos, por tanto dos participaciones si se opta por ambas) el siguiente mensaje (en la publicación correspondiente en el caso de facebook): "American Horror Story con FOX España y @cinemohicano". El plazo de inscripción se cierra el jueves 1 de noviembre. Un día después anunciaremos vía red social al ganador o ganadora. A pasar miedo.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2012

CONCURSO FOX | AMERICAN HORROR STORY

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2012

Vuelve el más divertido y exitoso producto Marvel. Tras esa traca final llamada ‘Los vengadores’ comienza de nuevo la espiral con todos sus personajes por separado. Con las segundas partes de ‘Thor’ y ‘Capitán América’ en pre-producción, llega el turno, de nuevo, a Tony Stark e Iron Man. Es la franquicia más rentable, por el momento, para el joven estudio pese a que su segunda parte bajó bastante su nivel con el casi fusilamiento de la primera trama. Para esta tercera entrega, se prevé más oscuridad y menos comedia – la sombra de Nolan es alargada –. Se incorporan al reparto Ben Kingsley, Rebecca Hall, James Badge Dale y Guy Pearce. Dirige Shane Black que sustituye a Jon Favreau. El 26 de abril llegará a España. Una semana después a Estados Unidos. A continuación, el tráiler.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2012

EXPRESS | TRÁILER DE ‘IRON MAN 3’

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2012

UN CIRCO ESQUIZOIDE

Adam resucitado (Adam Resurrected, Paul Schrader, 2008)

Hubo un tiempo en que el subgénero del Holocausto mostraba serios indicios de agotamiento. Desde el final de la Segunda Guerra Mundial (incluso durante ésta, como demostró Chaplin en El gran dictador), el cine no había parado de husmear en aquel nefasto episodio sobre un genocidio perversamente arbitrario. A veces con respeto y sensibilidad; otras, no tanto. En pleno siglo XXI –y tras esa obra maestra titulada La lista Schindler–, el tema provocaba más aburrimiento que interés: todo intento de construir siquiera algo parecido a la cinta de Steven Spielberg, era navegar a contracorriente en un tiempo que demandaba nuevos enfoques para evitar la indeseable repetición. En estas llegó Roberto Benigni, inyectando melodrama con una historia tan calculada como efectiva. Era imposible contener esa lágrima desobediente que se escapaba al ver a ese entrañable niño jugándose la vida en lo que cree es un concurso, con la certeza de que su tenaz padre conseguiría los mil puntos necesarios para ganar el premio: un tanque blindado. Benigni –guionista, director y actor– ubicaba la cámara en el epicentro del seísmo nazi: largas columnas de humo, cenizas óseas en decenas de campos de concentración por toda Europa. Sabedor del impacto por contraste, entremezclaba la miseria y el amor en un cóctel trascendental y, básicamente, inolvidable. Para qué negarse a la ternura (sí, tal vez excesiva y adulterada) del “¡Buenos días, princesa!”. Pronto recibiríamos un regalo sin paternalismos ni sirope, con remitente de Polonia, el país de Auschwitz y el indeseable icono de la barbarie perpetrada por los esbirros de Hitler. El pianista, de Roman Polanski (un genio capturando la oscuridad del hombre), se hizo con el oscar a Mejor Película y sirvió de revulsivo a ese desgastado cliché, que había servido de coartada a demasiados autores sin talento, empeñados en ser originales y en mostrar su sensibilidad -a pesar del sistema de estudios-. Hemos visto toda clase de escenas grotescas. Incluso zombis nazis. Y aunque no llevaran el uniforme, sabías perfectamente que los malos eran los seguidores del Führer, que la infección provenía de Alemania y que los muertos vivientes no se conformaban con sembrar el terror en vida, sino que habían regresado para recuperar su anhelado imperio. Ahora putrefactos y desprovistos de su bien más preciado: la blancura de su piel.

por Anónimo
octubre 22, 2012

ADAM RESUCITADO | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 22, 2012

Jessica Chastain cambia de género y se pasa al terror con ‘Mama’ (2013). Andres Muschietti debuta en pantalla grande adaptando su exitoso cortometraje homónimo – con producción española – y contando con el respaldo de Guillermo del Toro. ‘Mama’ nos sitúa en la desaparición de dos niñas en un bosque tras el asesinato de su madre. Una vez rescatadas y entregadas a sus tíos (interpretados por la propia Chastain y Nikolaj Coster-Waldau) comienzan a suceder fenómenos nocturnos en su hogar. A tenor del primer avance está claro que permanece la esencia de su pieza debut pero… ¿Será capaz de mantener la tensión y el interés durante una hora y media? El apoyo de Del Toro no es señal inequívoca de acierto como demostró en ‘No tengas miedo a la oscuridad’ aún así la primera impresión es más que positiva. Su estreno llegará a las pantallas españolas el 8 de febrero. A Estados Unidos aterrizará el 18 de enero. A continuación, el tráiler.

por Emilio M. Luna
octubre 22, 2012

EXPRESS | TRÁILER DE ‘MAMA’

por Emilio M. Luna | octubre 22, 2012

Si existía alguna duda de que ‘Lincoln’ era una de las favoritas para la temporada de premios estas se disiparon en la exhibición especial del filme de Steven Spielberg en el festival de Nueva York. Críticas excelentes y la sensación de que El Rey Midas vuelve con fuerza en la lucha por la estatuilla dorada tras un periodo poco fructífero. Lo hace junto a Daniel Day Lewis que es candidato número uno a lograr el galardón interpretativo. ‘Lincoln’ nos acerca a la enigmática figura del décimo sexto presidente de Estados Unidos. Figura clave de la Guerra Civil americana y la abolición de la esclavitud. La adaptación de la novela ‘Team of Rivals’, de Doris Kearns Goodwin además contará con un reparto de lujo con Sally Field, Tommy Lee Jones, Joseph Gordon-Levitt, David Strathairn, James Spader, Hal Holbrook, Michael Stuhlbarg, Jackie Earle Haley, John Hawkes, y Walton Goggins acompañando al gran actor irlandés. El 18 de enero de llegará a España. En Estados Unidos se estrenará de manera limitada el 9 de noviembre. A continuación, el primer avance.

por Emilio M. Luna
octubre 22, 2012

EXPRESS | TRÁILER DE ‘LINCOLN’

por Emilio M. Luna | octubre 22, 2012

LENNY NERO, VENDEDOR DE RECUERDOS
Días extraños (Strange Days, Kathryn Bigelow, 2012)

Cuando nos llega el tráiler de la prometedora Zero Dark Thirty, el nuevo intento de Kathryn Bigelow de conquistar el Óscar tras su multipremiada En tierra hostil (2008), Sesión Doble se complace en recuperar una de las obras más fascinantes de esta realizadora a contracorriente: Días extraños (Strange Days, 1995). Mujer de carácter y emprendedora, ha demostrado con su más que interesante trayectoria, que el cine de acción no tiene que ser necesariamente un terreno reservado exclusivamente a los hombres. La carrera de Bigelow, que comenzó en 1983 con The Loveless, siempre se ha caracterizado por una insólita perfección técnica en las secuencias de acción y un ritmo adrenalínico que ha quedado impreso en estupendas cintas como Los viajeros de la noche (1987), Acero Azul (1989), Le llaman Bodhi (1991) o K-19 (2002). Casada con el megalómano James Cameron entre 1989 y 1991, fue mítico el momento en que Bigelow le arrebató el Óscar al mejor director en la ceremonia de 2009. La realizadora dio la sorpresa de la noche con En tierra hostil, su obra sobre el día a día de una brigada estadounidense de artificieros en Irak, desbancando a Cameron, claro favorito por Avatar.

por José Martín León
octubre 22, 2012

DÍAS EXTRAÑOS (KATHRYN BIGELOW, 1995)

por José Martín León | octubre 22, 2012

BLASÓN SIN ESCUDO

Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012)

Uno de los personajes de este año es Blancanieves. Este cuento, basado aparentemente en una leyenda germana de mediados del siglo XVIII, tuvo en la versión de los hermanos Grimm – publicado por primera vez en 1812 – el trampolín hacia el imaginario popular. Como es habitual con las fábulas en la época, su propagación fue inmediata pasando del vulgo al arte en cuestión de décadas. Ya en los albores de la industria cinematográfica llegó la primera adaptación a cargo de Harry Matthews (1913) que tuvo continuidad un año después con otro corto mudo de T.O. Eltonhead titulado ‘La leyenda de Blancanieves’ y protagonizado por Marion Fairbanks – que junto a su hermana Madeline fueron las primeras gemelas famosas del celuloide –. Tras estas dos modestas piezas, arribaron casi un centenar de producciones de diversa índole encabezadas por la versión de Disney de 1937 ‘Blancanieves y los siete enanitos’ (Snow White and the Seven Dwarfs). Setenta y cinco años después de esta fantástica película que fue dirigida hasta por cinco realizadores llegan tres versiones muy diferentes del cuento – que se unen al serial de éxito ‘Erase una vez…’ ('Once Upon a Time', ABC) – y destinadas a un determinado espectro de público. Lo hacen en forma de sátira romántica (‘Mirror, Mirror’ de Tarsem Singh), arte silencioso y blanquinegro (la aplaudida ‘Blancanieves’, de Pablo Berger) y portando oscura atmósfera y aires épicos con la cinta que hoy nos ocupa, ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’ (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012).

por Emilio M. Luna
octubre 22, 2012

BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR

por Emilio M. Luna | octubre 22, 2012

VUELVE EL WESTERN DE ACCIÓN

Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp (Tombstone, George Pan Cosmatos, 1993)

A principios de la década de los 90, dos nombres que han demostrado tener cosas más interesantes que contar como realizadores que como intérpretes, Kevin Costner y Clint Eastwood, insuflaron nueva vida a un género que parecía muerto y enterrado: el western. Los éxitos de taquilla de Bailando con lobos (1990) y Sin perdón (1992), avalados por los Óscar a mejor película y director en ambos casos, envalentonaron a los grandes estudios para producir una nueva oleada de filmes del oeste. En este período destacó un particular duelo entre dos filmes que contaban la historia del famoso tiroteo en OK Corral entre los hermanos Earp y la banda de los Clanton/McLaury. Dos obras con estilos, ambiciones y resultados bien distintos, ya puestos a compararlas. El Wyatt Earp de Lawrence Kasdan fue una superproducción de 63 millones de dólares, con un metraje de más de tres horas, a mayor gloria de Kevin Costner que pecaba de exceso de ambición a la hora de querer ser un meticuloso recorrido por la vida del personaje, distrayendo al espectador de la acción. Un filme muy interesante, por otra parte, que vio como la crítica lo masacraba sin piedad y el público le daba la espalda con una recaudación de 25 millones de dólares. Los mismos que costó el Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp de George P. Cosmatos que hoy abre nuestra Sesión Doble de la semana. El propio Kevin Costner intentó por todos los medios evitar la distribución de un proyecto que Hollywood Pictures (Disney) producía bajo la dirección del director de títulos tan potentes como Rambo 2 (1985) y Cobra, el brazo fuerte de la ley (1986), al coincidir su estreno en fechas cercanas al de su película. Finalmente, Tombstone no sólo se estrenó, sino que fue mucho mejor recibida por la crítica y triplicó en taquilla la inversión realizada.

por José Martín León
octubre 21, 2012

TOMBSTONE (GEORGE PAN COSMATOS, 1993)

por José Martín León | octubre 21, 2012

EL HOMBRE QUE PASEABA A LOS PERROS
En campaña todo vale (The Campaign, Jay Roach, 2012)

Fue durante una conversación telefónica. Mi novia de por aquel entonces me relataba lo bien que lo habían pasado ella y su amiga en el cine, viendo una comedia norteamericana que aterrizó en nuestro país con las dudas que suscitan los éxitos inesperados. Con bastante naturalidad pero sin los tecnicismos y florituras que gustan a los sabihondos, me dijo que había disfrutado muchísimo con esa despedida de solteros –créditos finales incluidos–, que por encima de ese guapo rubio que desprendía sex-appeal (Bradley Cooper), asomaba el verdadero hallazgo de Resacón en Las Vegas: un gordito con aspecto de oso de peluche llamado Zach Galifianakis. Un actor cuyo físico resumía punto por punto el gag, muecas contenidas e intervenciones que hacían de este secundario el heredero de una comedia gamberra de perfil inequívocamente ladino. Natural de Wilkesboro (Carolina del Norte), pero con ascendencia griega, Galifianakis reúne todas las aptitudes del showman que bebe de la contracultura. También me contó que esa pandilla de amnésicos tras una noche de juerga en Las Vegas, transmitía innumerables sensaciones, todas ellas gratas. “Tienes que ir a verla”, zanjó. Y eso hice. Y me encontré un producto tan efectivo como revitalizante. No aportaba nada especialmente insólito, sólo diversión, el triunfo de un barbudo que utiliza a su momentáneo bebé –al fin y al cabo no es suyo– para ilustrar la técnica de masturbación masculina, ante el estupor de unos amigos –un dentista mellado y un playboy con jaqueca– que desprecian y deponen en iguales dosis a ese tipo singular. También dejaba entrever la futura consagración de Mike Tyson como monologuista (actualmente protagoniza una obra autobiográfica dirigida por Spike Lee) en Broadway.

por Anónimo
octubre 21, 2012

EN CAMPAÑA TODO VALE | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 21, 2012

En el episodio de cine del pasado viernes en 'Nunca es tarde': valoramos el impacto de 'Lo imposible' en el público español. Repasamos los estrenos de la semana con 'Looper', 'Sinister', '¡Atraco!', 'En campaña todo vale' y 'Paranormal Activity 4'. En ''apuntes'' presentamos 'Gangster Squad (Brigada de élite)' con Sean Penn y Ryan Gosling. Nos despedimos con un nuevo tema de la banda sonora de 007. El corte, a cargo de Duran Duran para 'Panorama para matar' (John Glen, 1985). El título, 'A view to kill'. Pasen una excelente semana. Sueñen, vean cine.

por Emilio M. Luna
octubre 21, 2012

NUNCA ES TARDE | PROGRAMA Nº 28

por Emilio M. Luna | octubre 21, 2012

CARA Y CRUZ
Looper (Rian Johnson, 2012)

Hay una idea que se mantiene intacta después de ver Looper (Rian Johnson, 2012): la superioridad de Joseph Gordon-Levitt. Un actor que en apenas cuatro años ha pasado de ser una promesa a uno de los intérpretes más requeridos en Hollywood. Lo que se dice una estrella fulgurante, pues a sus treintaiún años ya ha trabajado a las órdenes de cineastas como Christopher Nolan y Steven Spielberg, quien le ofreció un papel en su nuevo proyecto sobre la vida de Abraham Lincoln. Lejos quedan los días en que ese joven californiano de rasgos orientales y andares desgarbados, triunfaba en la pequeña pantalla con la sit-com 3rd Rock From The Sun (en España Cosas de marcianos), que contaba las disparatadas aventuras de un grupo de extraterrestres muy excéntrico que se hacían pasar por terrícolas con la intención de estudiarnos detenidamente. Por aquel entonces una larga melena caía sobre los hombros de ese risueño chaval que ahora reclama su hueco entre los grandes. Borda todos los registros, desde la comedia romántica (500 días juntos) hasta la apolínea ciencia-ficción de Origen, pasando por la existencia perturbadora del enamorado de Brick. El punto de encuentro con su amigo y realizador, Rian Johnson, quien tras cosechar notables críticas en el Festival de Sundance gracias a dicha obra, hizo de Gordon-Levitt su actor fetiche. Era impensable que para su bautismo de fuego en el mainstream, el director prescindiera de un talento con relieve, lleno de matices y, sobre todo, carisma. Un aura de genio que se filtra en cada una de sus intervenciones. De una clase que aúna personalidad y rectitud, algo que evidencia en la escena más premonitoria de Looper, cuya trama se desarrolla en 2048, en un mundo donde existen asesinos que eliminan a personas enviadas desde el futuro para hacerlas desaparecer sin dejar rastro. Los brazos ejecutores de una banda criminal que afianza su imperio a pesar de la restrictiva ley: los viajes en el tiempo están prohibidos en 2072.

por Anónimo
octubre 19, 2012

LOOPER | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 19, 2012

Se abre la campaña de premios. Como es habitual, los Gotham Independent Film Awards abren de manera oficiosa la carrera al Oscar en octubre. Y lo hacen con las nominaciones a las mejores películas independientes de la temporada. Su incidencia en los galardones de la academia suele ser leve. En los últimos años solo ‘En tierra hostil’ (2009) repitió entorchado en el ya póstumo Kodak Theatre de Los Ángeles. El año pasado las ganadoras fueron , ex-aequo, ‘Beginners’ y ‘El árbol de la vida’. Tan sólo esta última fue nominada al Oscar en la categoría principal. Una tónica que pudiera cambiar este año a tenor de las nominaciones anunciadas esta tarde. ‘The Master’ y ‘Moonrise Kingdom’ se alzan como favoritas y atrapan las primeras menciones del curso. Ambas son sólidas propuestas en el apartado de mejor película tanto para los Oscar como los Globos de Oro.

A destacar la ausencia de ‘Beasts of the Southern Wild’ – ganadora en Sundance y la Cámara de Oro en Cannes – como mejor película así como la presencia del madrileño Antonio Méndez Esparza como director revelación por ‘Aquí y allá’ – ganador de la Semana de la Crítica en Cannes’12 –. El 26 de noviembre conoceremos los ganadores.

por Emilio M. Luna
octubre 18, 2012

GOTHAM AWARDS 2012 | NOMINACIONES

por Emilio M. Luna | octubre 18, 2012

Fotografía de Stanley Cortez (A.S.C)

En 1954, el actor Charles Laughton, decidió ponerse tras las cámaras para adaptar al cine la novela de Davis Grubb The Night of The Hunter cuyo protagonista, el reverendo Harry Powell, fue interpretado por Robert Mitchum. Dada la incomprensión tanto de público como crítica, la película resultó ser un fracaso para la época. Esto supuso un duro golpe para Laughton quien llegó a la conclusión de no dirigir más un largometraje. Hoy en día es considerada una de las mejores películas de la historia del cine. Memorable es la escena en que el predicador cuenta la historia de la mano derecha y la mano izquierda e inolvidable es el aspecto visual del film.

Quién se encargó de ello fue el director de fotografía Stanley Cortez, nacido como Stanislaus Krantz. Antes de dedicarse a esta profesión, trabajó como diseñador de sets para fotógrafos retratistas; entre ellos el luxemburgués Edward Steichen. Gracias a él aprendió la importancia del espacio y de mover la cámara a través de su cuerpo. Sus primeros pasos en el cine fueron en Noticias Pathé y con los años tras haber sido ayudante de cámara y operador de cámara, consiguió trabajar como director de fotografía. Sus primeras películas no son de renombre sin embargo se permitió a sí mismo experimentar con ellas. A lo largo de su carrera ha colaborado con Orson Welles en The Magnificent Ambersons (El cuarto mandamiento, 1942) o con Nunnally Johnson en The Three Faces of Eve (Las tres caras de Eva, 1957).

por Unknown
octubre 18, 2012

CINEMATOGRAPHY | THE NIGHT OF THE HUNTER

por Unknown | octubre 18, 2012

RITUAL EN SÚPER 8
Sinister (Scott Derrickson, 2012)

Confieso que soy un espectador terriblemente asustadizo. Alguien sensible a esa clase de terror que se adhiere a tu mente con efectos indeseables. El mismo que te encoge, que conecta con tus pesadillas, capaz de levantarte de la butaca con un rictus de angustia. En mi caso, es en casa –también cuando disfruto de una sesión en formato doméstico– donde percibo si el material que me han mostrado es efectivo o no. Quizá sea la sensación de estar siendo observado, o la necesidad de girarme cada dos por tres para comprobar que no hay nadie acechando a mis espaldas. Y es que, el verdadero terror te persigue sin tregua, permanece intacto durante largas horas, incluso días. Y sin embargo, este género sufre ahora las consecuencias de las modas de multisalas, viéndose reducido a un catálogo de comedias más o menos grotescas que subvierten (y desmitifican) los valores del miedo atávico. Una asignatura superada en numerosas ocasiones por el cine, en tiempos no tan remotos. Pero el slasher intencionadamente teen fraguado en el siglo XXI, ha insistido en camuflar las estrategias comerciales con productos de perfil bajo. El terror de masas, el que da beneficios y logra que la rueda siga avanzando, sólo convence a los complacientes. Las razones me esquivan (o tal vez no proceda entrar en ese tipo de debates), pero la oferta se reduce al terreno de los incondicionales, eruditos –a veces sin ínfulas– que han comido y bebido a Murnau, a Roger Corman, a John Carpenter, a Dario Argento y directores del estilo; asiduos de Sitges que celebran allí su fiesta anual.

por Anónimo
octubre 17, 2012

SINISTER | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 17, 2012

La década de los años 50 en Estados Unidos fue la década de la ciencia ficción en el cine y la televisión. Los escritores del género solían renegar de las películas que se estrenaban en las salas, pero lo cierto es que calaban hondo en el espectador. Había un miedo general y compartido a lo diferente, a lo extraño, a lo desconocido. La guerra fría contra los soviéticos estaba en su apogeo y esa amenaza que podía provenir de los cielos se llevó al delirio al dársele forma de extraterrestres. Pero no solo esto, que es importante, sino también que esos años fueron propicios para la fantasía y la ensoñación, no siempre inocente y blanca, y en un ámbito más terrenal debido al éxito de los autocines.

¡Ay, el autocine! Ese lugar que solo conocemos por las películas norteamericanas, tan propio para las películas de terror y de ciencia ficción de serie B, donde los jóvenes se juntaban y al amparo de los coches se dedicaban a todo menos a ver la película, y en el caso de que la pareja fuera tímida la aparición del monstruo de rigor o el extraterrestre avieso lograba arrancar el tan deseado abrazo. ¡Cómo va a extrañar que tuvieran éxito! En fin, una imagen tan fantástica e irreal para nosotros como la de las películas que allí se proyectaban.

por José Luis Forte
octubre 17, 2012

LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956)

por José Luis Forte | octubre 17, 2012

El padre de la novela negra nórdica

crítica a Wallander | Primera temporada.

Ya en el prólogo de la crítica a ‘Headhunters’ (Morten Tyldum, 2011), situábamos el estado de la literatura nórdica de género actual. La misma que invade todos los estantes literarios y que acerca sus lúgubres y enigmáticos parajes al imaginario del lector. Entre todos esos nombres, marcados por su amplio carácter comercial, destaca Henning Mankell, un veterano dramaturgo y novelista que lleva más de dos décadas deleitando a sus seguidores con las pesquisas de uno de los hitos de la investigación contemporánea: Kurt Wallander. No es el único trabajo –cuentos infantiles, novelas sociales…– de este escritor dotado con una prosa plena en sensibilidad pero sí el más reconocible. Wallander es de manera velada la primera piedra de ese éxito desmesurado que ya ha rebasado el pliego y se ha extendido a todo tipo de artes. Era cuestión de tiempo, era casi necesario su paso a la pantalla. Y tras una serie de largos interpretados por Rolf Lassgård (2005-2007) y un telefilme fallido a cargo de Stephen Apelgren en 2006, llega dicho paso de la mejor manera posible. Con la forma, estilo y producción de la BBC y con un actor principal colosal: Kenneth Branagh.

por Emilio M. Luna
octubre 16, 2012

Crítica en serie | Wallander (Primera temporada)

por Emilio M. Luna | octubre 16, 2012

Una de las grandes películas de este año es ‘Argo’. Presentada en diversos festivales como Telluride, Toronto y San Sebastián, nos encontramos ante una de las grandes aspirantes al Oscar. Es una nueva demostración de la madurez de un joven director que lleva el marchamo de clásico. Ben Affleck tras las excelentes ‘Adiós, pequeña, adiós’ (Gone Baby Gone, 2007) y ‘The Town’ (2010), da un paso en su carrera con este curioso thriller que nos sitúa en el secuestro de la embajada estadounidense en Teherán. Carente de opciones, el gobierno americano decide llevar a cabo una estrafalaria idea: contratar a un ‘experto del disfraz’ y montar una película como vía de escape para los prisioneros. Un punto de partida original que ha sido alabado por la crítica y el público americano (se estrenó de forma limitada al otro lado del Atlántico el pasado fin de semana).

por Emilio M. Luna
octubre 16, 2012

LANZAMIENTO | ARGO

por Emilio M. Luna | octubre 16, 2012

Tras la eliminación – o como ustedes deseen llamarlo – del líder de al-Qaeda Osama Bin Laden poco tardó – cuestión de horas – la industria cinematográfica americana en anunciar la adaptación de la operación más importante contra el terrorismo islámico de la historia. Abatido en Abbottabad, Pakistán, el 1 de mayo de 2011, Bin Laden era el icono de la Yihad e ideólogo de los atentados a las embajadas estadounidenses en Kenia y Tanzania – 7 de agosto de 1998 – y el consabido ataque en cadena al World Trade Center y el Pentágono en ese fatídico 11 de septiembre de 2001. La vida de este ‘terror de Occidente’ daría para varios filmes pero, como es habitual en el cine moderno, el efectismo de su final supone la plataforma idónea para un nuevo hito mediático. Y qué mejor que Kathryn Bigelow para llevarlo a cabo. La veterana cineasta ha sido el activo principal en la luz verde de este proyecto incluso antes de la operación de marras. Es tal la implicación de Bigelow que se le ha permitido junto al guionista Mark Boal, el acceso a documentos clasificados de todo lo acontecido. Por tanto, ‘Zero Dark Thirty’, pudiera arrojar algo de luz al habitual sesgo informativo que acompaña este tipo de sucesos.

por Emilio M. Luna
octubre 15, 2012

EXPRESS | TRÁILER DE ‘ZERO DARK THIRTY’

por Emilio M. Luna | octubre 15, 2012

Ayer concluyó la 45ª edición del Festival de Sitges. Una entrega de buen nivel que levanta un certamen algo renqueante en los últimos años. Cintas como ‘Looper’ (Clausura), ‘Lo imposible’, ‘Cosmópolis’, ‘Holy Motors’, ‘Antiviral’, ‘Beasts of the Southern Wild’, ‘El hombre sin pasado’, ‘Keyhole’, ‘Siete psicópatas’ o ‘Mekong Hotel’ han elevado el tono medio de una programación que ha sido acogida positivamente por el público y la crítica. Incluso ha habido hueco para clásicos como ‘E.T. el extraterrestre’, ‘Reservoir Dogs’ y ‘Memento’. Como es habitual, a modo de reflexión, elegimos los filmes más destacados y que habrá que tener en cuenta en las próximas fechas. Las cinco de Sitges’12.

por Emilio M. Luna
octubre 15, 2012

SITGES 2012 | LAS CINCO PELÍCULAS

por Emilio M. Luna | octubre 15, 2012

Coincidiendo con el lanzamiento de la versión en tres dimensiones de Avatar en Blu-ray comenzamos un nuevo concurso por cortesía de FOX. En juego, una copia en dicho formato del gran éxito mediático de 2009. Para participar solo hay que dejar la siguiente respuesta, 'Avatar en 3D con FOX', en la publicación correspondiente de la página de facebook de 'El antepenúltimo mohicano'. El plazo de inscripción finaliza el jueves 25 de octubre. Un día después se anunciará el ganador/a vía red social. Prepárense para un nuevo viaje a Pandora.

por Emilio M. Luna
octubre 15, 2012

CONCURSO FOX | AVATAR 3D

por Emilio M. Luna | octubre 15, 2012

BAYONA LO HACE POSIBLE
Lo imposible (The Impossible, Juan Antonio Bayona, 2012)

Juan Antonio Bayona pertenece a ese interesante club de jóvenes realizadores que parecen dispuestos a convencer al gran público de que el cine español puede ser bastante más que comedia casposa tipo Torrente, eternas revisiones de la Guerra Civil o las puntuales citas con Almodóvar, Trueba o José Luis Garci. Emprendedores nombres como Jaume Balagueró, Rodrigo Cortés, Juan Carlos Fresnadillo, Jaume Collet-Serra o la punta del iceberg, el consolidado Alejandro Amenábar, son la gran esperanza blanca para el futuro de nuestro cine, con obras que se atreven a tocar géneros como el fantástico y que en nada tienen que envidiar, ni técnica ni narrativamente a las películas de Hollywood. En 2007, Bayona irrumpió en nuestras pantallas como un elefante en una cacharrería, con el extraordinario éxito comercial de El orfanato. Más de 8,3 millones de euros de recaudación, 14 nominaciones a los Goya (se materializaron en 7 premios, incluidos los de mejor director novel y guión original) y críticas mayoritariamente benévolas, fueron su carta de presentación. Apadrinado por el todopoderoso Guillermo del Toro, muchos fueron los que vieron en Juan Antonio Bayona al nuevo Amenábar, ya que las comparaciones de El orfanato con Los otros fueron constantes. Se trataba de dos obras de terror sobrenatural en donde el mundo de los vivos se fundía con el de los muertos, protagonizadas por dos mujeres de gran personalidad (Belén Rueda, Nicole Kidman) y, por qué no decirlo, bastante similitudes con clásicos como Suspense (1961), Al final de la escalera (1979) o la taquillera El sexto sentido (1999). Sin embargo, mientras Amenábar se muestra más preocupado en facturar impecables ejercicios de misterio, magníficamente acabados técnicamente, en Bayona se detecta una especial buena mano a la hora de mostrar las emociones de los personajes. El orfanato ya nos revelaba a un creador que mimaba a sus criaturas y que no temía recurrir a la emotividad, pulsando todas las teclas dramáticas a su alcance para tocar la fibra sensible de la audiencia. Esto le sirvió a muchos para arremeter contra su película por un final demasiado lacrimógeno, pero lo cierto es que, salvando las distancias, había nacido nuestro Steven Spielberg particular. Al Rey Midas de Hollywood también se le ha criticado muchísimo al abusar del ternurismo en obras como El color púrpura (1985), El imperio del Sol (1987) o Always (1989), pero siempre ha dejado su sello de calidad, incluso en sus trabajos menos inspirados. Con Lo imposible (The Impossible, 2012), Bayona se consolida como un digno heredero de Spielberg y su cine más emocional.

por José Martín León
octubre 14, 2012

CRÍTICA | LO IMPOSIBLE

por José Martín León | octubre 14, 2012

Con la proyección de la esperada ‘Looper’ – que se estrenará el próximo fin de semana en España – esta tarde se pone punto y final a la 45ª edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Esta mañana se ha anunciado un palmarés que ha ratificado las sensaciones del certamen. Las mismas que aupaban a ‘Holy Motors’ de Léos Carax como la mejor película exhibida en estos diez días. Como ocurriera en Cannes’12, la nueva cinta de Carax – que volvía tras catorce años de retiro – ha maravillado al público y la crítica. El jurado la ha premiado con los dos entorchados más importantes: mejor película y director. ‘Holy Motors’ arribará a la cartelera de nuestro país el próximo 16 de noviembre. Una de las apuestas más curiosas y sugerentes de la temporada.

No ha sido la única triunfadora de esta edición. Creaciones como ‘Sightseers’ - fotograma de inicio - (mejor guión y actriz), ‘Robot y Frank’ (premio del público), ‘Chained’ (premio especial del jurado y mejor actor) y ‘Antiviral’ (premio del jurado joven) aparte de su buena acogida han logrado aparecer en el cuadro de honor de un evento que ha rayado a gran nivel. Salvo las típicas concesiones al género, se ha alabado una programación variada y llena de filmes interesantes. El máximo galardón a ‘Holy Motors’ aparte de un broche de oro al festival supone también un espaldarazo mediático para la organización ya que el filme de Carax seguro que será protagonista en este otoño y puede que en la temporada de premios europeos. Sitges recupera el tono en un mal año para los grandes festivales. Mañana en ‘El antepenúltimo mohicano’ seleccionaremos las cinco producciones más destacadas a nuestro juicio. A continuación, el palmarés.

por Emilio M. Luna
octubre 13, 2012

SITGES 2012 | PALMARÉS

por Emilio M. Luna | octubre 13, 2012

IN VENERE VERITAS

Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin, Asghar Farhadi, 2011)

Hace un par de semanas el ministerio de cultura y orientación iraní retiraba a su representante a los Oscar, ‘Ye habe ghand’ (Un bote de azúcar, Seyyed Reza Mir-Karimi, 2011), en respuesta de la presunta indignación de todos los estamentos culturales de la sociedad persa. El motivo, la sátira ‘La inocencia de los musulmanes’ (Alan Roberts, 2012), un panfleto antimusulmán que ha levantó ampollas y llevado a tomar esta drástica decisión. Combatir la controversia con controversia no es el mejor camino de un país cuyos cineastas más influyentes viven el yugo de la censura de manera constante. Autores como Jafar Panahi – que reflejaba su situación en el documental ‘Esto no es una película’ (In Film Nist, 2011) –, Mohsen Makhmalbaf, y Abbas Kiarostami han vivido en primera persona la dureza del régimen de Mahmud Ahmadineyad – en el poder desde 2005 –. Indignación, censura y crítica que definen a una nación que tiene el temor de puertas adentro e inspirador afuera como blasón definitorio. La ausencia de Irán impedirá revalidar la estatuilla lograda el año pasado por nuestra protagonista de hoy, Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin, Asghar Farhadi, 2011). Una cinta que no necesita la crítica descarnada para dejarnos un clarividente retrato de un estado en eterna reconstrucción.

por Emilio M. Luna
octubre 13, 2012

JODAEIYE NADER AZ SIMIN (ASGHAR FARHADI, 2011)

por Emilio M. Luna | octubre 13, 2012

El cine de Alfred Hitchcock siempre es protagonista en el subconsciente cinéfilo. Este año, sin embargo, será la figura del maestro británico la que reciba la luz de todos los focos. Dos producciones narrarán dos rodajes de sus películas insignia. HBO ha contado con Toby Jones y Sienna Miller para la miniserie ‘The Girl’ que nos situará en el set de ‘Los pájaros’ (The Birds, 1963). Fox Searchlight Pictures nos presentará este otoño una de las apuestas de la temporada, ‘Hitchcock’, que buceará en la preproducción de 'Psicosis' (Psycho, 1960). Pese a que este tipo de filmes hay que esperarlos con cautela, la simple caracterización de Anthony Hopkins como el cineasta de Leytonstone ha despertado gran expectación. Pudiera ser una de las fijas en la lucha por la estatuilla dorada. Junto a Hopkins, un reparto de campanillas donde destacan Scarlett Johansson (como Janet Leigh), Helen Mirren, Jessica Biel, Toni Collete y James D’Arcy. Dirige Sacha Gervasi (creador del documental ‘Anvil’). Se estrena en Estados Unidos el 23 de Noviembre aunque antes se presentará en el AFI el día 1. En España tiene programado su estreno el 8 de febrero. ¿Un ligero drama cómica o una serie aspirante al Oscar? A continuación, el tráiler de ‘Hitchcock’, de Sacha Gervasi.

por Emilio M. Luna
octubre 12, 2012

EXPRESS | TRÁILER DE ‘HITCHCOCK’

por Emilio M. Luna | octubre 12, 2012

Del 09 al 17 de noviembre se va ha celebrar la séptima edición del Festival Internacional de Cine de Roma. Un evento joven que supone una alternativa a la clásica Mostra de Venecia. Este año más si cabe con la elección en la dirección de Marco Müller, otrora capitán del certamen de la capital del Véneto. Con Müller se esperaba una programación espectacular que diera réplica a los eventos de Clase A. Algo que tras la publicación de su parrilla el pasado martes dista mucho de las expectativas. Ni Quentin Tarantino, ni Steven Spielberg, ni Nicolas Winding Refn… los romanos tendrán que conformarse con las últimas películas de Takeshi Miike, Roman Coppola, Valérie Donzelli o Marjane Satrapi. Eso sí, hay dos balas en la recámara del director germano. Habrá dos cintas sorpresas que se anunciarán durante el festival. Por un lado se rumorea que Nicolas Winding Refn pudiera presentar ‘Only God Forgives’ – es más que probable que ésta suceda en Sundance o Berlín 2013 – y la otra vertiente indica que serán dos filmes de perfil bajo atrapados por la censura de su país. A mediados de noviembre lo sabremos. A continuación, la programación oficial.

por Emilio M. Luna
octubre 12, 2012

FESTIVAL DE ROMA 2012 | PROGRAMACIÓN

por Emilio M. Luna | octubre 12, 2012

LAS PLANTAS QUE LLEGARON DEL ESPACIO EXTERIOR

La invasión de los ultracuerpos (Invasion of the Body Snatchers, Philip Kaufman, 1978)

Partiendo de la base de que La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) me sigue pareciendo uno de los clásicos de la ciencia ficción de los 50 más importantes y que mejor han resistido el paso de los años, me declaro un ferviente defensor de este magnífico remake de 1978. La obra original de Don Siegel fue en su momento una camuflada crítica al momento político que vivían los Estados Unidos, en una época en que el senador Joseph McCarthy desencadenó una caza de brujas contra cualquier persona sospechosa de ser comunista. Esta carga política desaparece por completo en la versión de Philip Kaufman, decididamente más anclada en el género de terror, sin dobles lecturas. Posiblemente estemos hablando de la mejor obra de un realizador simplemente correcto que, a al fin y al cabo, nos ha ofrecido títulos tan interesantes como Elegidos para la gloria (1983), La insoportable levedad del ser (1987) o Quills (2000).

por José Martín León
octubre 11, 2012

LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS (1978)

por José Martín León | octubre 11, 2012

En el episodio de cine del pasado jueves de 'Nunca es tarde': los estrenos de la semana con ‘Lo imposible’, ‘Frankenweenie’ y ‘Cosmópolis’. Además nuestro particular homenaje a James Bond en esta reducida versión del programa con el motivo del Puente del Pilar y la Hispanidad. Pasen una excelente semana. Sueñen, vean cine.

por Emilio M. Luna
octubre 11, 2012

NUNCA ES TARDE | PROGRAMA Nº 27

por Emilio M. Luna | octubre 11, 2012

INÚTIL RECORDATORIO
Lo imposible (Juan Antonio Bayona, 2012)

El oficio o hobby de comentar películas es una tarea que induce a la frivolidad. Normalmente la persona que escribe acerca de tal o cual cinta –sobre todo si es un estreno– prescinde de esa reflexión previa que mide la complejidad y el esfuerzo de todo ese equipo que, con mejor o peor fortuna, ha convenido en un proyecto ilusionante y dificultoso. Muchas veces, las dos horas de metraje que disfrutamos (o padecemos) en la gran pantalla son el resultado de varios años de trabajo continuo. Pero finalmente el autor debe enfrentarse al jurado más permeable y, sin embargo, menos piadoso: el público. El valor real del negocio deriva del espectador que paga su entrada. El boca–oreja es, pese a quien pese, el mejor instrumento de marketing. Hoy día apenas hay margen –salvo en contadas excepciones– para buscar la excelencia. Conviene fijar la mirada en fórmulas conocidas, o sea en conseguir réditos suficientes que te aseguren la supervivencia en esa oscilante industria del cine. El sueño es unir con solidez el aplauso de crítica y público. Y ocurre en muy pocas ocasiones. Así pues, analizar –sea como sea– cine es un acto de frívolos, de descreídos que buscan, no sin argumentos, el fallo y la virtud. O las dos cosas a la vez.

por Anónimo
octubre 10, 2012

LO IMPOSIBLE | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 10, 2012

Cuesta muchísimo empezar a escribir sobre esta magnífica cinta sin citar esa frase que muchos se empeñan en airear: “segundas partes nunca fueron buenas”. Pues bien, si alguien sabe que eso no tiene por qué ser cierto es James Cameron, director y guionista de la película que ahora nos ocupa: Aliens: el regreso (que manía tienen las distribuidoras de añadir coletillas a los títulos de esta saga), secuela de la maravillosa y pionera Alien (Ridley Scott, 1979). Cameron, fan declarado de la primera entrega, allá por 1983 ya tenía en mente un proyecto para retomar la historia que Scott y O’Bannon cuatro años antes habían llevado a la gran pantalla. Se daba la paradoja de que en ese año el joven (por entonces tenía 29 años) cineasta canadiense se hallaba en plena pre-producción de su primer gran filme y, merecidamente considerada, obra de culto: Terminator (1984). Así pues, tras contactar con David Giler y ampliar el guión de cuarenta y cinco páginas a noventa – gracias a que el rodaje se pospuso porque Arnold Schwarzenegger grababa en esos momentos Conan el destructor (Richard Fleischer, 1984) –, 20th Century Fox, sorprendida por la calidad del guión, se decidió finalmente a acoger con 18 millones de dólares el proyecto de Cameron supeditado, eso sí, al éxito que tuviese en su estreno Terminator.

Ni que decir tiene que la película cumplió con lo prometido, por lo que Cameron convenció primero a Sigourney Weaver para repetir rol principal y posteriormente a la productora para que contratara a la neoyorquina, ya que el director consideraba fundamental contar con la actriz para la cual escribió el guión. Obviamente, habría sido un error garrafal por parte de 20th Century Fox prescindir de Weaver para el papel de Ripley, como quedó demostrado pues su excelente interpretación mereció ni más ni menos que su primera nominación al Oscar como mejor actriz principal (algo inusual tratándose de un filme de ciencia ficción) y ganando, esta vez sí, el premio Saturno al que fue también fue nominada en la primera entrega. Y es que, es bien sabido que Cameron profesa admiración por mujeres “de armas tomar” (una de sus señas de identidad) como la teniente Ripley que no se achantan y desafían la autoridad machista, atributos compartidos con su protagonista femenina más representativa e icónica: Sarah Connor.

por Unknown
octubre 09, 2012

ALIENS (JAMES CAMERON, 1986)

por Unknown | octubre 09, 2012