Crítica | The Homesman
por Anónimo | octubre 16, 2014
Westerns
Westerns
LA CONQUISTA DEL OESTE SEGÚN REICHARDT
crítica de Meek’s Cutoff | Kelly Reichardt, 2010Kelly Reichardt nunca dejará de sorprendernos. Tras ganarse la confianza de la crítica gracias, sobre todo, a Old Joy (2006) y la ya imprescindible Wendy y Lucy (2008), la personalísima directora sorprende a propios y extraños al abordar un género tan difícil –y últimamente maltratado– como el western. Obviamente, conociendo las inquietudes de Reichardt, nadie esperará encontrar en Meek's Cutoff el espíritu aventurero de John Ford o Howard Hawks. Ni siquiera se acerca al carácter más crepuscular y desmitificador de Sin perdón (1992), de Clint Eastwood. Los paisajes polvorientos y montañosos son perfectamente reconocibles, pero la actitud de la historia y sus personajes está más cercana a la de una road movie. En este aspecto, Meek's Cutoff tendría más puntos en contacto con Wendy y Lucy de lo que pudiera parecer a simple vista. ¿Acaso no buscaba la Lucy encarnada por Michelle Williams, en su viaje por carretera hacia Alaska, una tierra de oportunidades? La búsqueda de un futuro mejor y la esperanza de dejar atrás una vida de miseria son las inquietudes principales que mueven a las criaturas que habitan este minimalista “western”, basado en un conocido episodio real de la época de los pioneros americanos.
La acción transcurre en 1845 durante el fantasmagórico viaje de un grupo de colonos a través del desértico estado de Oregón, en busca de lejanas tierras donde esperan asentar sus hogares y hacer fortuna gracias al oro. Estos hombres y mujeres deben luchar contra el calor, la desorientación y la falta de agua, pero su fe les empuja a seguir adelante, guiados por el viejo montañero Stephen Meek, mítico personaje de la historia norteamericana que lideró más de 200 caravanas a lo largo de su vida. Eran tres familias que confiaron en la experiencia y conocimiento como guía de este hombre y acabaron perdidas en medio del desierto cuando éste les llevaba por un supuesto atajo. Meek se encargó de inculcar a los colonos un terror irracional hacia los posibles ataques indios, narrándoles todo tipo de temibles leyendas sobre las barbaridades que cometían los salvajes con sus presas. Debido a esto, la aparición de uno de estos indios rondando la caravana hace que cunda el pánico entre los integrantes de la expedición. La primera reacción del grupo es atraparle con la intención de acabar con su vida, pero la desesperación ante la falta de agua hace que la mitad de los pioneros prefiera otorgar su confianza al prisionero como la persona más preparada para guiarles hasta la salvación. La convivencia servirá para que los captores empiecen a perder los prejuicios que tenían hacia estos nativos.
por José Martín León
agosto 11, 2013
agosto 11, 2013
Crítica | Meek's Cutoff
por José Martín León | agosto 11, 2013
Siete forajidos entran en un saloon y se apoyan en la barra. En la pared, frente a ellos, hay colgado un cuadro en el que se muestra una hermosa joven semidesnuda. Los ojos de los hombres se alzan entre ávidos y soñadores contemplando la imagen. Piden de beber y, como si nada importara, hablan de sus cosas y del deseo de estar con una mujer como la del cuadro. El borracho del lugar les cuenta que el sheriff no está en la ciudad. Terminan de beber. Dos de ellos entran en el edificio del banco. Uno se apoya en el mostrador y el otro se dirige al cajero. Sin ni tan siquiera sacar una pistola le pide que le dé todo el dinero. Con la misma calma, como si el día no hubiera hecho sino comenzar y aún tuvieran muchas horas por delante, los forajidos llenan su saca y salen de nuevo a la calle. Montan a caballo y el grupo escapa de la ciudad.Un comienzo inusual, que descoloca por completo al espectador pues se inicia con un tono bajo, casual, como si aquello no fuera importante. Como si los autores fueran conscientes de que no se trata más que de un punto de partida, la excusa inicial con la que necesitan partir para llegar a donde de verdad les interesa. Esto es un trámite, pero ojo, no es banal: ya se nos ha adelantado qué es lo que más desean esos desesperados hombres. Dinero y una mujer. Vale, de acuerdo: no hay que estar desesperado para desear esto. Pero ellos, además, lo están. Y de ahí derivará la fuerza dramática de esta siempre sorprendente y atípica película que William A. Wellman dirigió en el año 1948, Cielo amarillo (Yellow Sky), escrita por Lamar Trotti, el cual ya había trabajado con Wellman en esa otra maravilla que es Incidente en Ox-Bow (The Ox-Bow Incident, 1943), basado el guion en una novela del reputado escritor y también guionista W. R. Burnett, y fotografiada de manera casi espectral por Joseph MacDonald.
El grupo pronto es perseguido por un destacamento de soldados de la Unión. Cruel ironía pues la Guerra de Secesión acaba de terminar y los forajidos han luchado en el mismo bando de los hombres que los persiguen. Los forajidos, acosados, deciden iniciar una huida imposible a través del desierto: el Valle de la Muerte, el infernal Death Valley que ya nos dejara helados, valga el oxímoron, en la impresionante Avaricia (Greed, 1924) de Erich von Stroheim. Aunque el de Wellman fuera recreado en el Owens Lake.
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| Anne Baxter & Gregory Peck en Cielo amarillo (Yellow Sky, William A. Wellman, Estados Unidos, 1948) |
La larga secuencia de la travesía del desierto es fundamental para introducirnos de lleno en el siniestro tono de la película, ese desierto fantasmal y solitario, los hombres convertidos en sombras que asemejan espectros, por el cual el mismo Wellman ya nos había hecho vivir en la que quizás sea la película de aventuras más oscura de la historia: Beau Geste (1939). También nos servirá para conocer a esos hombres que han escapado de sus perseguidores para quizá encontrar una muerte segura.
El tono es casi el de una película de aparecidos. Más aún cuando al fin consiguen atravesar el desierto y lo que hallan al otro lado es una ciudad fantasma, una ciudad minera que vivió un momento de esplendor y que ahora agoniza sobre sus ruinas. El continuo sonido del viento, los edificios vacíos y la luz espectral que baña la abandonada ciudad nos introduce de lleno en el ambiente de la más gótica de las películas de terror. Y nosotros, como espectadores, contemplamos absortos esta película extraña y casi única en su mezcla de géneros en verdad imposible.
El tono es casi el de una película de aparecidos. Más aún cuando al fin consiguen atravesar el desierto y lo que hallan al otro lado es una ciudad fantasma, una ciudad minera que vivió un momento de esplendor y que ahora agoniza sobre sus ruinas. El continuo sonido del viento, los edificios vacíos y la luz espectral que baña la abandonada ciudad nos introduce de lleno en el ambiente de la más gótica de las películas de terror. Y nosotros, como espectadores, contemplamos absortos esta película extraña y casi única en su mezcla de géneros en verdad imposible.
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| Richard Widmark, un carismático villano en Cielo amarillo |
Pero la ciudad no está abandonada: aún permanecen allí un viejo buscador de oro (James Barton) y su nieta (Anne Baxter). El tesoro que oculta el viejo y la presencia de una mujer en aquellos desolados parajes hará que las más bajas pasiones de los forajidos se desaten de forma salvaje: el taimado, irónico e inteligente Dude (interpretado por un sensacional Richard Widmark en uno de esos papeles de malo inolvidables que él bordaba antes de convertirse en primer actor), el degenerado Lengthy (John Russell) y el protagonista de la película, claro, un Gregory Peck que con solo cuatro años haciendo películas ya era una primera estrella y que aquí utiliza su consabida sobriedad para dar fuerza a su personaje, James “Stretch” Dawson, el único que se planteará un cambio de rumbo en su vida. Son las cosas que traen el amor, eso dicen, que yo poco puedo confirmar al respecto. No voy a seguir desgranando el reparto, que esto va a empezar a parecer la lista de la compra, pero creo obligado nombrar a Half Pint, interpretado por el secundario Harry Morgan, el cual muchos recordareis por su papel en la serie de televisión MASH, aquella de los médicos de campaña medio pirados.
A partir de ese momento, y como ya se nos había anticipado de manera magistral en la primera secuencia de la película con los forajidos mirando absortos el cuadro del saloon y el posterior atraco, los forajidos solo buscarán cómo quedarse con el dinero del viejo, unos, y en cómo llevarse a la joven al granero, cosa que no hacen nada más verla porque como todos quieren, pues todos se ponen la zancadilla. La vida misma golpeándonos en la cara desde una película de género: el único lugar desde el cual el mensaje puede convertirse en universal.
Todo un acierto la elección de Anne Baxter como la joven que alterará las hormonas del grupo. Porque si nos hubieran puesto allí, no sé, a Ava Gardner, por ejemplo, pues no pasa nada: todo el mundo vería normal que aquellos vaqueros que lo más cerca que han tenido de sí una chica ha sido la que estaba pintada en un cuadro se volvieran locos. Pero igual de normal esta locura que si acabaran de visitar el lupanar del pueblo si la chica que se les planta delante es la espectacular Ava. Lo genial es colocar ante estos berzotas a Anne Baxter, una actriz que a mí me fascina pero que ni de lejos posee esa belleza ante la que nadie discute de la Gardner. Con modales, vestimenta y formas de chico, el que los hombres enloquezcan ante su presencia refuerza la idea de la soledad en la que viven, de su aislamiento del resto de la sociedad, lo que en aquella época significaba no tener contacto con mujeres, y de su estado de locura. Eso sí, Anne Baxter es una actriz increíble, y consigue que la veamos como la ven esos hombres: durante la película, creedme que pensaréis que no hay mujer más hermosa y deseable en la tierra.
A partir de ese momento, y como ya se nos había anticipado de manera magistral en la primera secuencia de la película con los forajidos mirando absortos el cuadro del saloon y el posterior atraco, los forajidos solo buscarán cómo quedarse con el dinero del viejo, unos, y en cómo llevarse a la joven al granero, cosa que no hacen nada más verla porque como todos quieren, pues todos se ponen la zancadilla. La vida misma golpeándonos en la cara desde una película de género: el único lugar desde el cual el mensaje puede convertirse en universal.
Todo un acierto la elección de Anne Baxter como la joven que alterará las hormonas del grupo. Porque si nos hubieran puesto allí, no sé, a Ava Gardner, por ejemplo, pues no pasa nada: todo el mundo vería normal que aquellos vaqueros que lo más cerca que han tenido de sí una chica ha sido la que estaba pintada en un cuadro se volvieran locos. Pero igual de normal esta locura que si acabaran de visitar el lupanar del pueblo si la chica que se les planta delante es la espectacular Ava. Lo genial es colocar ante estos berzotas a Anne Baxter, una actriz que a mí me fascina pero que ni de lejos posee esa belleza ante la que nadie discute de la Gardner. Con modales, vestimenta y formas de chico, el que los hombres enloquezcan ante su presencia refuerza la idea de la soledad en la que viven, de su aislamiento del resto de la sociedad, lo que en aquella época significaba no tener contacto con mujeres, y de su estado de locura. Eso sí, Anne Baxter es una actriz increíble, y consigue que la veamos como la ven esos hombres: durante la película, creedme que pensaréis que no hay mujer más hermosa y deseable en la tierra.
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| Anne Baxter en Cielo amarillo (Yellow Sky, William A. Wellman, 1948) |
Una película de aspecto fantasmal, pues no solo el tono, la atmósfera creada por Wellman, sino la fotografía de MacDonald, plena de claroscuros, de fuertes contrastes de luz, como en una película de cine negro pero de esas que beben visualmente de las películas de terror de la Universal del primer lustro de los años treinta, o lo que es lo mismo, del cine expresionista alemán de la década anterior, reforzará esta idea. Y entremezclada con una historia de pasiones desatadas, donde el deseo sexual compulsivo ocupa el primer plano. Toda una rareza para la época presentada en un envoltorio que aparenta normalidad: una película del oeste.
El enfrentamiento final en la oscuridad de un abandonado saloon de la ciudad fantasma goza de una más que merecida reputación: el tiroteo se resuelve en off en una secuencia magistral en la que contemplaremos solo sombras y saltaremos estremecidos cuando el sonido del viento sea roto por los disparos. Un saloon, el lugar donde empezó todo, pero ahora en su reverso siniestro porque aquí es donde anida el mal, los deseos retorcidos de los hombres.
Por José Luis Forte
Escribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
Cuando por las noches llueve, también le gusta leer.
arthurmachen [@] hotmail.com
La décima víctima
El enfrentamiento final en la oscuridad de un abandonado saloon de la ciudad fantasma goza de una más que merecida reputación: el tiroteo se resuelve en off en una secuencia magistral en la que contemplaremos solo sombras y saltaremos estremecidos cuando el sonido del viento sea roto por los disparos. Un saloon, el lugar donde empezó todo, pero ahora en su reverso siniestro porque aquí es donde anida el mal, los deseos retorcidos de los hombres.
Por José Luis ForteEscribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
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arthurmachen [@] hotmail.com
La décima víctima
por José Luis Forte
marzo 15, 2012
marzo 15, 2012
CIELO AMARILLO (WILLIAM A. WELLMAN, 1948)
por José Luis Forte | marzo 15, 2012
El cine de Serie B o cine de bajo presupuesto ha sido de siempre todo ese grupo de películas que contaban con actores desconocidos o grandes actores en decadencia como protagonistas, con directores todo terreno al frente o bien, cómo no, grandes en horas bajas (William Beaudine, Eugène Lourié), entendiéndose horas bajas como aquellas en las que ninguna productora los hubiera querido para producciones de presupuestos elevados, no necesariamente porque fueran incapaces de hacer magníficas películas, o directamente directores vetados por algún productor rencoroso (ese fue el sino del gran Edgar G. Ulmer, por ejemplo). En fin, todo un universo lleno de historias increíbles, películas que salían adelante gracias a la inventiva del equipo o sencillamente porque había todo un departamento que las confeccionaba como churros, esto último en las grandes productoras, que siempre contaban con su departamento de películas de serie b, películas pensadas para cumplimentar los grandes estrenos proyectándolas antes de las películas importantes, no por esto en muchos casos mejores.Hubo más de una vez en que estas películas B cosecharon éxitos tremendos, y también había productoras dedicadas a realizar en su totalidad películas de bajo presupuesto. El cine de género era su premisa, los seriales (el antecedente cinematográfico de las series de televisión) su abanderado y la televisión su refugio final. Para el recuerdo, saber que algunas de las películas más importantes y recordadas de la historia del cine nacieron en estos departamentos y productoras. Y dentro de la multitud de géneros, las películas del oeste o, dicho a lo fino, los westerns fueron uno de los más recurrentes.
El director Jack Arnold es recordado hoy sobre todo por sus películas de género fantástico, todas ellas dentro de la categoría de películas B: Vinieron del espacio (It Came from Outer Space, 1953), La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954) o Tarántula (Tarantula, 1955), citando las más populares, todas ellas excelentes. Pero de manera especial por esa obra maestra, subyugante y maravillosa, que es El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957). Pero no es ninguna de ellas la que he elegido para traer aquí.
No Name on the Bullet (que podríamos traducir como Bala sin nombre, aunque resulta menos sonoro que el original) fue rodada por Jack Arnold en el año 1959, justo cuando daba comienzo su época televisiva, su último refugio. Realizaría alguna película más, pero su época de gloria, o al menos la época que hoy más se recuerda, tocaba a su fin. No Name on the Bullet es una de estas películas de Serie B, un western que contaba con un actor muy querido en EE.UU, un héroe de guerra, compositor de canciones country y auténtico ejemplo de eso que tanto gusta de hombre formado a sí mismo que emprendió su carrera desde lo más bajo (recolector de algodón): Audie Murphy, un actor de mirada acuosa, ojos azules y baja estatura.
Por qué he elegido esta película y no alguno de sus clásicos de ciencia ficción lo explico ahora mismo: porque esta es, a mi gusto, una de sus mejores películas, si me apuráis mi favorita si no existiera la prodigiosa El increíble hombre menguante. Y me temo que está un tanto olvidada u oculta entre sus logros dentro del cine fantástico.
No Name on the Bullet comienza con la llegada de un misterioso pistolero, John Gant (Audie Murphy), a un pequeño pueblo cuyos habitantes viven tranquila y apaciblemente sus diarias rutinas. Gant es conocido por ser un asesino a sueldo, un tipo que mata por encargo, pero tan hábil que nunca ha podido ser acusado de asesinato: su táctica consiste en provocar a su futura víctima de manera que esta desenfunde primero su revólver y, ay, ya está perdida porque Gant es, ¿alguien lo dudó un segundo?, el pistolero más rápido del oeste. Sus crímenes son en defensa propia, eludiendo así a la justicia. Claro, en cuanto los habitantes del pueblo lo ven llegar, todos se hacen cruces pensando quién será el desgraciado al que Gant va a poner fuera de juego.
No Name on the Bullet comienza con la llegada de un misterioso pistolero, John Gant (Audie Murphy), a un pequeño pueblo cuyos habitantes viven tranquila y apaciblemente sus diarias rutinas. Gant es conocido por ser un asesino a sueldo, un tipo que mata por encargo, pero tan hábil que nunca ha podido ser acusado de asesinato: su táctica consiste en provocar a su futura víctima de manera que esta desenfunde primero su revólver y, ay, ya está perdida porque Gant es, ¿alguien lo dudó un segundo?, el pistolero más rápido del oeste. Sus crímenes son en defensa propia, eludiendo así a la justicia. Claro, en cuanto los habitantes del pueblo lo ven llegar, todos se hacen cruces pensando quién será el desgraciado al que Gant va a poner fuera de juego.
Esto desata una verdadera fiebre en el pueblo: porque no hay tipo que no crea que el famoso y temible pistolero viene a por él. Todos comienzan así a sacar a relucir algún acto del pasado que los haría merecedores de la venganza de alguien, alguien a quien no le ha importado contratar a Gant, el cual sobra decir que no se alquila barato.
Gant se pasea por el pueblo como un auténtico ángel de la muerte, su sola visión aterrorizando a todos, sacando a la luz sin soltar una palabra las miserias de cada uno de los habitantes del desdichado pueblo. Algunos se salvan de tener algo que ocultar, pero son pocos. ¡Vaya pueblo! Y uno de estos es el doctor, el único que se atreverá a enfrentarlo en una guerra dialéctica que ofrece los momentos más intensos y elegantes de una película que brilla en especial por la profundidad de su planteamiento rodado con una sobriedad casi espartana. El doctor juega una partida de ajedrez con el temido Gant y creedme que, si bien la secuencia es breve, no tiene que envidiar nada a la de El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957) del mismo Ingmar Bergman. Aunque, sobra decirlo, el objetivo de la película de Arnold no es conmover nuestras almas sino nuestra conciencia. Sin olvidar nunca entretener, claro, que es la forma más bonita de hacernos pensar.
Gant se pasea por el pueblo como un auténtico ángel de la muerte, su sola visión aterrorizando a todos, sacando a la luz sin soltar una palabra las miserias de cada uno de los habitantes del desdichado pueblo. Algunos se salvan de tener algo que ocultar, pero son pocos. ¡Vaya pueblo! Y uno de estos es el doctor, el único que se atreverá a enfrentarlo en una guerra dialéctica que ofrece los momentos más intensos y elegantes de una película que brilla en especial por la profundidad de su planteamiento rodado con una sobriedad casi espartana. El doctor juega una partida de ajedrez con el temido Gant y creedme que, si bien la secuencia es breve, no tiene que envidiar nada a la de El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957) del mismo Ingmar Bergman. Aunque, sobra decirlo, el objetivo de la película de Arnold no es conmover nuestras almas sino nuestra conciencia. Sin olvidar nunca entretener, claro, que es la forma más bonita de hacernos pensar.
Y para ello se vale de la genial idea de elegir a Audie Murphy como este espectro oscuro que aterroriza a todos con solo asomarse a la puerta del salón, un actor de aspecto angelical que aquí sabe transmitir ese aire necesario de pistolero sin piedad pero al tiempo vulnerable, sabedor de que su sola presencia sacará lo peor de las personas con las que se encuentra, lo cual le ha llevado a tener una visión amarga y desesperada de la vida que se refleja de manera brutal en el desenlace de la película. Rodado de manera tan sobria y elegante como el resto, también aquí Arnold dio con el tono justo: porque pocas películas del oeste encontraréis con un final tan amargo y resignado, pero al tiempo como si esto no importara, sin remarcar un solo gesto o engrandecer ninguna acción, sin épica, como si la consecuencia lógica de vivir fuera terminar cuanto antes con nuestro sufrimiento.
Por José Luis Forte
Escribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
Cuando por las noches llueve, también le gusta leer.
arthurmachen [@] hotmail.com
La décima víctima
Por José Luis ForteEscribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
Cuando por las noches llueve, también le gusta leer.
arthurmachen [@] hotmail.com
La décima víctima
por José Luis Forte
diciembre 28, 2011
diciembre 28, 2011
NO NAME ON THE BULLET (JACK ARNOLD, 1959)
por José Luis Forte | diciembre 28, 2011
PIUUUMMMMM!!!!
“Excelente Western, con todo el sabor de antaño, aderezado de excelentes interpretaciones a cargo de su dúo protagonista.”
Ed Harris es uno de los grandes, un mago de la interpretación, que lleva ya dos décadas brillando con luz propia. Harris es de esos actores que iluminan la pantalla y convierte lo cotidiano y mediocre en algo digno. Dignidad, podría ser unos de los calificativos que se podrían utilizar para definir su paso al otro lado del estudio. Ed Harris, como director es tan bueno como actor, en su ópera prima “Pollock”, nos muestra un retrato rodado con gran sensibilidad y sobriedad. Una cinta rodada con estilo, que él mismo protagonizó y que tuvo un gran reconocimiento por parte de la crítica. En su segunda película, Harris arriesga y se marcha el viejo y lejano oeste, para ofrecernos una película como las de antes. Para ello se rodea de buenos actores, una excelente producción y un guión simple y entretenido, que nos devuelve el cine de calidad que ha escaseado este 2008.
Viggo Mortensen, es sin duda, uno de los mejores actores de la actualidad, hace ya tiempo, que abandonó los personajes secundarios, para demostrar toda la calidad que atesora como intérprete. Él, es el motor de Appaloosa, y ofrece un recital que complementa la actuación de su partener y director. Appaloosa, es un western sencillo, clásico, que ya en el prólogo se nos ofrece el camino que seguirá la película, con un tiroteo que marcará toda la historia. Rodado con elegancia, dejando que la cámara solo se fije en los personajes, no en el paisaje, como otras producciones de este calado. El punto negativo, es Renee Zellweger. Una víctima del botox, su expresión de “chupar limones” se le ha quedado perpetua, y además su personaje no le ayuda mucho con lo que se convierte en odiosa y sin ningún interés. Es una pata coja de una película notable que pudo ser más, pero digna de aplaudir en estos malos tiempos para el séptimo arte. Recomendada para tramperos borrachos que pueblan Canovas.
Lo Mejor: Viggo Mortensen y Ed Harris
Lo Peor: Renee Zellweger.
“Excelente Western, con todo el sabor de antaño, aderezado de excelentes interpretaciones a cargo de su dúo protagonista.”
Ed Harris es uno de los grandes, un mago de la interpretación, que lleva ya dos décadas brillando con luz propia. Harris es de esos actores que iluminan la pantalla y convierte lo cotidiano y mediocre en algo digno. Dignidad, podría ser unos de los calificativos que se podrían utilizar para definir su paso al otro lado del estudio. Ed Harris, como director es tan bueno como actor, en su ópera prima “Pollock”, nos muestra un retrato rodado con gran sensibilidad y sobriedad. Una cinta rodada con estilo, que él mismo protagonizó y que tuvo un gran reconocimiento por parte de la crítica. En su segunda película, Harris arriesga y se marcha el viejo y lejano oeste, para ofrecernos una película como las de antes. Para ello se rodea de buenos actores, una excelente producción y un guión simple y entretenido, que nos devuelve el cine de calidad que ha escaseado este 2008.
Viggo Mortensen, es sin duda, uno de los mejores actores de la actualidad, hace ya tiempo, que abandonó los personajes secundarios, para demostrar toda la calidad que atesora como intérprete. Él, es el motor de Appaloosa, y ofrece un recital que complementa la actuación de su partener y director. Appaloosa, es un western sencillo, clásico, que ya en el prólogo se nos ofrece el camino que seguirá la película, con un tiroteo que marcará toda la historia. Rodado con elegancia, dejando que la cámara solo se fije en los personajes, no en el paisaje, como otras producciones de este calado. El punto negativo, es Renee Zellweger. Una víctima del botox, su expresión de “chupar limones” se le ha quedado perpetua, y además su personaje no le ayuda mucho con lo que se convierte en odiosa y sin ningún interés. Es una pata coja de una película notable que pudo ser más, pero digna de aplaudir en estos malos tiempos para el séptimo arte. Recomendada para tramperos borrachos que pueblan Canovas.
Lo Mejor: Viggo Mortensen y Ed Harris
Lo Peor: Renee Zellweger.
Puntuación: 7.5/10
por Emilio M. Luna
mayo 08, 2009
mayo 08, 2009
APPALOOSA (ED HARRIS, 2008)
por Emilio M. Luna | mayo 08, 2009
El halo de "film fantasma" acompaña a numerosas producciones, en ocasiones, a veces una mala acogida en festivales, otras que no tienen el beneplácito de la crítica o su recorrido comercial es muy breve, otras es su temática o sus rarezas en el metraje y a veces simplemente porque no tienen distribuidora en un mundo tan competetivo y tan ansioso de lo "actual" como el del séptimo arte. Se me vienen a la mente films como Cabalga con el Diablo (1999) de Ang Lee o Equilibrium (2002) de Kurt Wimmer, films que han llegado al nivel de culto por una razón u otra. El caso de la película que nos trata, Seraphim Falls (Enfrentados) es probablemente su falta de distribución así como un género, que aunque renace ligeramente, como el Western y algunos deslices en el guión, la han llevado a llegar a nuestro país con más de dos años de retraso. En Estados Unidos tuvo una acogida tibia, pese a su buen reparto y atractiva historia.Seraphim Falls, narra la historia de una persecución, por parte de un antiguo oficial del ejercito del sur, Morsman Carver, que busca venganza sobre otro oficial, en este caso confederado, Gideon, al que culpa de la pérdida de su familia. El comienzo es realmente brillante, donde nos muestra la caza a Gideon, por parte de Carver y sus esbirros, a medida que avanza el film, nos va dando rastros de la personalidad de cada uno, decantándonos de un lado o de otro en simpatías por los protagonistas, a medida que conocemos la historia. Es un western ejemplar, en todos los sentidos, muy cercano al thriller en esta primera parte del film. Apoyada en el efectivismo de la dirección de Von Acken y su pareja protagonista interpretada por Liam Neeson y Pierce Brosnan, cuya sola presencia, es ya un incentivo para ver la película. Con una excelente fotografía de John Toll (Leyendas de Pasión y Braveheart) y una buena partitura musical, el film avanza notablemente.
El problema, es cuando el guión gira en busca de un mensaje alegórico, bíblico, religioso, que te queda estupefacto, y te preguntas "¿por qué esto?", buscando mayor transcendencia el film decae notablemente por la incredulidad, para mostrarnos un mensaje sobre los pecados del hombre que sinceramente no era necesario. Me pongo en la piel de director, y podría sostener que buscaban un mensaje diferente, mensaje que no hacia falta explicar con ángeles y arcángeles, y alegorías cristianas, porque es un western sobre una venganza, sobre la injusticia, no hacia falta más explicación. Von Acken busca ser original, y le estalla el producto justo cuando rubricaba un fantástico film de aventuras. Es una justa explicación del por qué la película no tuvo ninguna repercusión en América y su tardanza en llegar a cines europeos.
Sin duda, es una propuesta muy entretenida y de calidad, que se une 3:10 to Yuma (¿Para cuando se estrenará en España?), o El Asesinato de Jesse James, como ejemplos de los westerns modernos de calidad. Con unas magníficas interpretaciones de sus protagonistas, en especial, de Pierce Brosnan, que cuando no hace de glamouroso agente de su majestad, gana mucho como ya nos demostró en Matador, una fotografía brillante y una correcta dirección el film pudo llegar a ser más, de no ser por un guión que hace aguas justo llegar a puerto.
Seraphim Falls, es un western, muy entretenido y logrado en su primera parte y que se vuelve pretencioso en su final, que te deja un sabor de boca amargo. Pese a ello, se merece un visionado tanto por su ritmo como por sus protagonistas.
Mi Puntuación: 5.5 Leer critica de Enfrentados (Seraphim falls) en Muchocine.net
por Emilio M. Luna
abril 08, 2008
abril 08, 2008
SERAPHIM FALLS (ENFRENTADOS, 2006)
por Emilio M. Luna | abril 08, 2008
2008 nos ha traido una buena cosecha de películas, entre ellas algunos westerns, un género decaído y olvidado por las nuevas generaciones y que gracias a films como 3:10 to Yuma, El Asesinato de Jesse James o incluso por ese western postmoderno como es No Country for Old Men, gran triunfadora en la gala de los Óscars, nos recuerdan la grandeza del cine de vaqueros americanos. Si bien,aunque de manera escasa, años atrás nos han llegado películas de este género de muy buena calidad, como la australianas "The Proposition" de John Hillcoat o "Ned Kelly" de Gregor Jordan, basada en el forajido homónimo con gran parecido a la historia de Jesse James en América, "El Perdón" de Michael Wintterbottom, y el western crepuscular "Open Range" de Kevin Costner, incluso "Seraphim Falls" con Liam Neeson es una propuesta agradable y entretenida. El cine americano empezó a nacer bajo una montura, y muchas de las grandes obras del celuloide tienen el sabor del cine de oeste americano. A finales del 2007, nos llegó, avalado por una cuidada escenificación y las grandes actuaciones de sus protagonistas, Casey Affleck y Brad Pitt (Copa Volpi 2007 en Venecia), El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford.Jesse James, el forajido leyenda, es uno de los símbolos de América, retratado en numerosas publicaciones, series de televisión y muchos films. Se me vienen a la cabeza Tierra de Audaces, las juveniles y las muy fallidas Arma Joven y American Outlaws o Forajidos de Leyenda. Jesse James es como Wyatt Earp, Pat Garret, Doc Holliday, todos esos personajes con los que crecimos y disfrutamos. De hecho, existe una serie que los recrea con una gran calidad como es Deadwood de la HBO. Miles son las versiones, las historias y leyendas sobre el personaje estrella del Western Americano. El Asesinato de Jesse James de Andrew Dominik es otra visión más de este héroe americano, buscando mayor realismo y con un estilo pausado, paisajístico heredando la poesía de Terence Mallick.
La obra de Andrew Dominik no es un western, tal cual, es un drama que nos cuenta la historia de Jesse James desde un punto de vista personal, así como la historia de su ejecutor, su seguidor Robert Ford. Dominik nos enseña a un James, pensativo, diferente, con sus miedos y temores, con sus rarezas y su fuerte carácter, nos presenta a un forajido en su decadencia, acompañado por un joven Robert Ford, que antaño lo idolotraba y se va a ver en la decisión de matarlo y demostrar la valía que siempre se le negó.
Dominik bebe en gran manera de Terence Mallick, por su gusto por el paisaje, una exquisita fotografía que nos transporta a la pradera americana, logrando una gram ambientación, El Asesinato de Jesse James, es una película diferente, preciosista y poética, donde todos los aspectos están muy cuidados y nos ofrece una escena impresionante, como es el asalto al tren de noche, increiblemente rodada y que se te queda en la retina durante el resto de la filmación. Dominik demuestra un gran pulso y un gran gusto en su dirección.
El cast, también acompaña, tanto Brad Pitt como Casey Affleck, están geniales en sus roles, en especial Pitt como Jesse James, dotándolo de ese aire melancólico y humano a su personaje. Affleck sigue confirmando su alzamiento al estrellato, y fue recompensado con una nominación como mejor secundario, algo difícil de entender, ya que es tan protagonista como Pitt.
La banda sonora es impresionante, creada por Nick Cave, el mismo de la anteriormente nombrada "The Proposition", un autor que hay que tener muy en cuenta en el futuro. El último tema cuando Ford habla con su novia, es sublime y es otra muesca más de las excelencias de este film.
El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford, es una película excelente con una impresionante fotografía y ambientación, con una dirección impresionante y actores en estado de gracia. Una obra maestra.
Mi Puntuación: 9 Leer critica de El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford en Muchocine.net
por Emilio M. Luna
febrero 26, 2008
febrero 26, 2008
EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD (ANDREW DOMINIK, 2007)
por Emilio M. Luna | febrero 26, 2008
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