crítica de El hombre de la Tierra | The Man From Earth, Richard Schenkman, 2007.

Si tuviéramos que pensar en películas que se desarrollan en un único escenario con muy pocos actores, quizá una de las primeras que se nos ocurriría es La huella (Sleuth, Joseph L. Mankiewicz, 1972), la cual ofrecía un duelo de trampas, trucos y frases inteligentes tan mareantes como las actuaciones de sus dos protagonistas, los gigantescos Laurence Olivier y Michael Caine. Aunque no estoy ciego a la valía de la obra del gran Anthony Shaffer, prefiero las incursiones de Hitchcock en este tipo de experimento entre lo cinematográfico y lo teatral, que en sus manos es tanto de lo primero que uno hasta se olvida de que tales premisas son las habituales en lo segundo. Náufragos (Lifeboat, 1944), con un guion magistral de John Steinbeck, Jo Swerling, Ben Hetch y el propio Hitchcock, o La soga (Rope, 1948), basada en la obra de Patrick Hamilton, son dos piezas maestras en este sentido. En fin, como imagino que mientras estáis leyendo esto ya se os habrán ocurrido un buen puñado de ellas que no voy a citar, estaréis comprobando que, sin ser demasiadas, sí que tenemos para elegir. El hombre de la Tierra (The Man from Earth, Richard Schenkman, 2007) sería una más de esta curiosa lista: un grupo reducido de personajes y un solo escenario, en este caso una casa de campo, más bien el salón de la misma pues apenas un par de secuencias acontecen en el exterior, es todo lo que ofrece para contar su historia. Ocho actores encerrados en una habitación, algunos menos que los enfadados Doce hombres sin piedad (12 Angry Men, Sidney Lumet, 1957), y hala, a soltarnos el rollo intentando que el presupuesto de la película resulte lo más bajo posible. Lo curioso en El hombre de la Tierra es que lo que se nos cuenta es una sorprendente, y absorbente como pocas, historia de ciencia ficción, un género en el cual el cine siempre ha tendido a jugar con pocos y claustrofóbicos escenarios y contados personajes cuando no estamos ante una poderosa superproducción, pero en esta ocasión sin naves espaciales ni efectos especiales, no hay alienígenas ocultos en los respiraderos ni hombres solos en una base lunar buscando compañía, aunque sea la de uno mismo repetido hasta el fin, no hay trajes de astrounauta ni vacíos siderales por recorrer. El único vacío es aquel en el que vive su protagonista, la soledad propia de un hombre que ha vivido nada más y nada menos que 14.000 años. Y es en el salón de su casa donde nos va a contar su vida.

El hombre de la Tierra es el último guion que escribió Jerome Bixby antes de morir en 1998. Hasta entonces había escrito relatos de ciencia ficción, varios episodios de la serie Star Trek, argumentos para películas como Viaje alucinante (Fantastic Voyage, Richard Fleischer, 1966) y guiones como el de la estupenda El terror del más allá (It! The Terror from Beyond Space, Edward L. Cahn, 1958), una de esas películas que siempre se citan como antecedentes de Alien, el octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979). En su último trabajo se percibe todo el amor por esa ciencia ficción clásica que había contribuido a edificar, pero también el de todos esos autores que tomaron el relevo en los 60 y conformaron la New Wave o New Thing, un movimiento que llenó de riesgo, delirio, drogas, argumentos provocadores y ejercicios literarios imposibles el género. De manera tangencial, algo en común tienen El hombre de la Tierra y el relato de Philip K. Dick La calavera (The Skull, 1952), por ejemplo. El apasionante guion de Bixby parte de un supuesto inverosímil que va creciendo de manera apabullante hasta que todas las locuras que en él se nos cuentan se nos antojan verdades incontestables. Una de esas historias que atrapan de principio a fin y que nos mantienen sin aliento deseando saber más a cada minuto que pasa. El gran mérito del director Richard Schenkman es haber sabido mantener con brío la fuerza interna de un relato poderoso escrito con absoluta maestría.

por José Luis Forte
agosto 23, 2013

Cine Club | El hombre de la Tierra (2007)

por José Luis Forte | agosto 23, 2013

ETERNA CAMADERÍA

"Excelente drama sobre la amistad y la familia, que con una simpleza desbordante llega a lo más profundo gracias a sólidas interpretaciones y una dirección de primera clase."

Injusta intrascendencia en la primera aventura americana de la realizadora danesa Susanne Bier con Cosas que Perdimos en el Fuego (Things We Lost In The Fire, 2007). Bier, una de las representantes del movimiento del cine nórdico denominado Dogma 95 lleva una interesante filmografía que le ha valido un puesto de honor en la cinematografía europea actual. Te Quiero para Siempre (Elsker Dig For Evigt, 2002) supuso su consolidación en el cine continental y, también, el adiós al tratado Dogma. Con Hermanos (Brodre, 2004) y Después de la Boda (Efter Brylluppet, 2006) obtuvo excelentes críticas, diversos premios y una nominación al Óscar (Después de la Boda) que hizo que su nombre sonara para los estudios americanos. Una oportunidad que llegó con Cosas que Perdimos en el Fuego. Chance que aprovechó y que confirmó el talento de Bier para diseccionar los sentimientos más profundos del alma. Bier progresa, y este curso ha presentado En un Mundo Mejor (Haevnen, 2010), representante de Dinamarca en los Óscars 2011.

Es difícil entender como un film cómo Cosas que Perdimos en el Fuego pasara desapercibido por la cartelera mundial. Cosechó buenas críticas en su estreno americano; esta encabezada por actores de primera talla como Benicio Del Toro y Halle Berry; es un drama cercano, duro y vitalista narrado de manera sutil; sobre todo, es un maravilloso relato sobre la amistad y el amor de fácil empatía y excelentes intenciones. La causa más probable fue su escasa promoción publicitaria que lastró un recorrido que mereció un camino largo y dilatado. Tristemente, es inevitable que nuestra vida se vea reflejada en alguno de los personajes de Cosas que Perdimos en el Fuego. Su realismo y su tacto la hacen una obra imprescindible del género dramático de este nuevo siglo. El paso del tiempo pondrá en el sitio que corresponde a esta evocadora obra de Susanne Bier.

Cosas Que Perdimos en el Fuego, narra mediante flashbacks como una mujer pierde a su marido y como un amigo pierde a un compañero. El amor profesado entre estas tres personas es el motor y eje de una historia que alcanza a lo más profundo del corazón. Su ritmo pausado es como el frío invernal que lentamente se va apoderando del cuerpo. A cada instante o recuerdo la cinta de Bier va ganando terreno hacia nuestros sentimientos, y mitad de metraje ya nos sentimos cómo Jerry Sunborne (Benicio Del Toro) o Audrey Burke (Halle Berry). Cosas que Perdimos en el Fuego es ante todo un retrato de la pérdida, la redención y, ante todo, la esperanza. No es la primera vez que Bier traza este tipo de vínculos de brutal fortaleza. Ya con Brodre (re-adaptada el año pasado por Jim Sheridan) nos mostró la unión de dos hermanos que el amor por una mujer no pudo quebrantar.

En Cosas que Perdimos en el Fuego, es inevitable la simpatía por el tercer personaje en discordia, Brian Burke. Marido, padre y amigo, Burke representa todos los ideales que el público puede tener en mente del esposo y amigo perfecto. Interpretado por un notable David Duchovny (con ese toque carismático del Hank Moodie de Californication), los momentos de Burke con Jerry están representados con un halo mágico donde el anhelo y la memoria juegan cómo aliados. Instantes cómo el cumpleaños, los dólares bajo el asiento o relación de los niños-vecino con Jerry son escenas rodadas con clase y por sí solas atrapan al espectador. Aparte de su historia e intérpretes la principal virtud de Cosas que Perdimos en el Fuego es un simpleza formal. Nada desentona, sin estridencias ni tópicos. Gran merito de Susanne Bier el haber plasmado lo mejor del cine indie americano con la profundidad del europeo.

Mención aparte para la pareja protagonista, destacando un magno Benicio Del Toro. Quizás, la mejor interpretación de su extensa carrera. Del Toro se muestra creíble y humano, en su particular ascenso del infierno terrenal en el que se haya. Halle Berry mucho más comedida, demuestra su talento en el papel de una mujer sin rumbo. Ambos encuentran la brújula que les lleva al camino que Brian Burke, su marido y amigo, hubiera deseado. Cosas que Perdimos en el Fuego, es un brillante y estremecedor lienzo sobre la vivencia humana. Una muestra de que siempre hay una luz en la oscuridad, una razón para vivir y seguir luchando por lo que creemos y amamos.

Lo Mejor: Benicio del Toro y Halle Berry. Cómo Bier dibuja la relación entre los dos amigos.

Lo Peor: Su escasa trascendencia en su estreno.

Puntuación: 90/100 MIRADAS

por Emilio M. Luna
noviembre 19, 2010

COSAS QUE PERDIMOS EN EL FUEGO

por Emilio M. Luna | noviembre 19, 2010

CON RENFE, RUMBO A YUMA

EL TREN DE LAS 3:10

“Magnífico western, que revitaliza y honra al género cinematográfico por excelencia, con unos inconmensurables Christian Bale y Russell Crowe”.

En 1957, un estupendo director, Delmer Daves, creó un excelente western psicológico, 3:10 to Yuma, interpretado por Glenn Ford y Van Hefflin. Con un pulso narrativo sobresaliente y muy buenas interpretaciones se creó un clásico de culto del cine americano. En pleno auge del género, y tras Sólo ante el Peligro (High Noon, 1952) el cine del oeste se fusionaba con el thriller, la tensión y la moral, dándole mayor profundidad tanto a la historia como a sus protagonistas. Era su época dorada, cincuenta años después, es un género casi extinto, y son pocas las incursiones acertadas en el género más antiguo del cine. Desde Sin Perdón, pocos western de calidad llegaron a nuestra pantalla: la infravalorada Open Range (2004), la atípica El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford (2007), y las australianas La Propuesta (2006) y Ned Kelly (2004), son los mejores ejemplos de un género muy rico que ha dado grandes tardes de entretenimiento a muchas generaciones.

En 2007, llega el remake del film de Daves, El Tren de las 3:10 a Yuma, dirigido por James Mangold y con un reparto de lujo. El resultado es increíble, con una cinta trepidante, entretenida y con un final apoteósico, cimentado en una dirección y producción sensacional y el duelo interpretativo de dos de los mejores actores del momento: Russell Crowe y Christian Bale. Los diálogos de sus personajes, Ben Wade (Crowe) como asesino sanguinario y Dan Evans (Bale), granjero arruinado en busca de recuperar la estima y ayudar a su familia, son soberbios. Dibujados con gran profundidad, llenan la pantalla y hacen que te identifiques con ambos. Es una historia sobre la misión de un hombre valeroso, donde el honor, la moral y la amistad son los principales ingredientes de un western recomendado para todos los amantes del buen cine.

Lo Mejor: El duelo interpretativo entre Russell Crowe y Christian Bale. El personaje de Charlie Prince, interpretado por Ben Foster. La música de Marco Beltrami.

Lo Peor: Que haya tardado tanto en estrenarse en España.

Puntuación: 9/10 Crítica para Avuela Pluma Cáceres el 11 de Septiembre de 2008

Por Emilio Luna
(Crítica de Cine y Tv)
http://www.elantepenultimomohicano.com/

por Emilio M. Luna
septiembre 11, 2008

EL TREN DE LAS 3:10 (3:10 TO YUMA, AVUELAPLUMA)

por Emilio M. Luna | septiembre 11, 2008

Basada en una historia real, Werner Herzog ya creó un documental basado en la historia de Dieter Dengler, una historia recogida en un libro "Dieter Needs to Fly" que narra la supervivencia de un piloto alemán enrolado en las fuerzas aéreas americanas en plena guerra de Vietnam, tras ser derribado por el enemigo en la jungla de Laos. El veterano director alemán, ha creado un estilo muy particular, con un gran gusto por la fotografía y la cámara en mano ( en segunda persona por momentos) para determinadas escenas, y aunque muchos lo definen en un momento bajo de forma, la calidad de su cine sigue en lo más alto. Tras una etapa de creación de documentales, el último, la magnífica Grizzly Man, volvió a los largometrajes, con una gran historia de acción, esperanza y amistad, dentro de la guerra de Vietnam, como es Rescue Dawn.

Como en muchos de sus films anteriores, saca lo mejor de su reparto, agobiándolos, abusando y haciéndolos sufrir. Como de Klaus Kinski se tratara, nuestro protagonista, interpretado magistralmente por Christian Bale, sufre lo indecible, adelgaza notablemente y hasta se come la fauna autóctona, dándole enorme verosimilitud a su personaje. Un sufridor, un hombre con coraje, Herzog exprime al máximo a Bale como hacía con Kinski y el resultado es primoroso. Bale lleva todo el peso del film, cuando está solo, nos transmite su soledad y cuando está con sus compañeros trasmite la esperanza, el respeto por ello. El personaje de Dengler conlleva un mensaje antibelicista, pese al sentido patriótico que lleva la cinta. Christian Bale llega a un interpretación genial, es uno de los grandes actores del momento, y hay que seguir su evolución, y como se desenvolverá en otros papeles y géneros diferentes.

El resto del reparto colabora notablemente, en especial el cómico Steve Zahn, un hombre destrozado por la cautividad y que se convierte en el confidente de Dieter en su cautiverio. Jeremy Davies (ahora en la 4ª temporada de Lost), es el contrapunto a Dengler, y su ambiguedad le da y quita carisma por momentos. Los momentos encarcelados son los mejores, en como se elabora el plan, las dudas, las noches todos juntos, todo con mucho realismo y veraz.

La fotografía es espectacular, cada plano, cada secuencia, es un ejemplo de la gran calidad del cine de Herzog, como nos dibuja la geografía Laosiana, esos bellos y a la vez crueles parajes, donde Dengler busca la libertad. La música de Klaus Badelt, es impresionante, con un gran tema central, destacar el momento de la fuga con una partitura ejemplar, llena de acción y emotividad.

Si hubiera que ponerle un pero, es que quizás, el final, es demasiado patriótico y puede que los productores exigieran un final así, en busca de algo de comercialidad de su producto. Algo que en principio ,es algo difícil, por ser una productora independiente, que tuvo poca distribución en Europa, pero que obtuvo unas grandísimas críticas en Estados Unidos, sobre todo por la interpretación de Bale y Zahn que tuvieron alguna nominación en algún premio independiente americano. De hecho en España no se ha estrenado, y lleva el camino de ser un producto de Dvd, una pena que este film pase desapercibido y nos lleguen otros de mucha menor calidad.

Rescue Dawn, es una gran película, sobre la crónica de supervivencia de un piloto, soberanamente interpretado por Christian Bale, enormemente entretenida, emotiva y de gran calidad de un director, Herzog, que vuelve con más fuerza.

Mi Puntuación: 8

por Emilio M. Luna
mayo 17, 2008

Crítica | Rescue Dawn

por Emilio M. Luna | mayo 17, 2008

La trata de armas y su influencia sobre los conflictos bélicos y políticos, es un tema de siempre candente actualidad, ya en 2006 Andrew Nicol nos ofreció un irregular film sobre el poderío del mercado armamentístico capaz de promover y crear guerras con el fin de obtener dinero y riquezas, en El Señor de la Guerra (The Lord of War). Un retrato algo descafeinado, pero esclarecedor del panorama actual. Resulta paradójica, la visión sobre este tema que se nos ofrece, en La Guerra de Charlie Wilson. Como Estados Unidos abasteció de armas al pueblo afgano en su lucha contra la invasión de la Unión Soviética en plena guerra fría, en mitad de la rivalidad entre rusos y americanos. Más tarde se demuestró que los afganos se defendieron con esas mismas armas del ataque americano tras el 11 de Septiembre, sin entrar en política, pero esto ya sucedió con Iran y otros paises de oriente próximo, que nos demuestra cuan hipócrita es este mundo. La guerra fría, el periodo entre guerras o postguerra es un terreno pisado por el mundo del celuloide en numerosas ocasiones, recordando esa gran obra maestra de Stanley Kubrick, Teléfono Rojo Volamos hacia Moscú, La Guerra de Charlie Wilson nos lleva a los últimos años de la guerra fría, en plena lucha por el armamento, guerra espacial y espionaje entre las dos grandes potencias mundiales.

La película nos narra como Charlie Wilson un carismático senador de Estados Unidos, logra subvenciones para ayudar a conseguir armas para Afganistán en su guerra contra los soviéticos. Wilson un hombre sin demasiada ética, bebedor, mujeriego y con don de gentes, ve la manera de desgastar al enemigo de su país, ayudando a los invadidos afganos proporcionando armas, con la colaboración de otros paises "amigos", como Israel, Egipto o Arabia Saudí. Además contará con la ayuda de un singular espía, Gust Avrakotos, y Joanne Herring una mujer rica e influyente de la alta sociedad americana.

En clave de comedia irónica, Charlie Wilson´s War, es la historia de como el dinero y los intereses pueden promoveer una guerra, no existen escrúcupulos e incluso los enemigos íntimos se unen por obtener beneficios. El guión de Aaron Sorkin, es un libreto algo simple, pero con diálogos sarcásticos y llena de críticas al gobierno americano. Un guión solvente sin muchos matices y cumplidor. La narración de Michael Nichols al igual que el guión es cumplidora sin más, La Guerra de Charlie Wilson, es una decente película con buenos y divertidos momentos que en el futuro, servirá para alguna lección de historia en bachillerato.

La labor actoral, es sin duda, lo mejor de la película, destacando a Philip Seymour Hoffman, impresionante como siempre, en su papel de Gust, el espía que colabora con Wilson en su guerra contra los rusos, sus frases son las mejores de la película y su ironía saca sonrisas y le pone el punto de vista cómico a un tema bastante serio. Tom Hanks (Charlie Wilson) cumple como siempre, y quizás la otra protagonista, Julia Roberts (Joanne) está algo desdibujada, por un personaje que no aporta nada, y perfectamente prescindible. Destacar aunque sólo sea por su sonrisa a Amy Adams, una gran actriz con un papel poco relevante, pero que en el futuro será una referencia en el cine americano.

El apartado técnico, a destacar unicamente su buena banda sonora, tanto por sus canciones como su música instrumental, sobría y que cede todo el protagonismo a los actores. Las escenas bélicas son un corta y pega de otros films, o de videos sobre la guerra de la URRS y Afganistán que le dan el toque de acción a un película donde priman los diálogos y las pesquisas del protagonista para conseguir lo que se propone.

La Guerra de Charlie Wilson es un buen film, entretenido y que nos muestra con sorna, la dualidad de la mayor potencia mundial, y lo poderoso que es el dinero en el mundo que vivimos. Con buenas intepretaciones y ácidos diálogos es una interesante propuesta y una buena descripción sobre los últimos tiempos de la guerra fría.

Mi Puntuación: 6 Leer critica de La guerra de Charlie Wilson en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 19, 2008

LA GUERRA DE CHARLIE WILSON (MIKE NICHOLS, 2007)

por Emilio M. Luna | marzo 19, 2008

Cada cierto tiempo, surgen films que la crítica maltrata o se muestra indiferente, películas que, en cambio, alcanzan un gran éxito y agolpan numerosos seguidores, es lo que se denominan obras de culto. Es la mayor división entre crítica y público, algunas lo son por su temática, otras porque portan la última actuación de un gran actor, otras porque son la representación de alguna "tribu" urbana y otras como esta película que nos ocupa, es por la traslación de una novela gráfica archiconocida a la gran pantalla. El año 2007 será recordado quizás por el díptico de Clint Eastwood de Iwo Jima, por la vuelta de John McLane en la Jungla 4.0 o por el éxito del Orfanato en España, pero sobre todo, será recordado por el estreno de 300 en nuestras salas. Un film épico, con una estética diferente, rodada acorde los tiempos que corren y una adaptación de la novela de Frank Miller, que no dejará indiferente a nadie.

Basada en un cómic, que a su vez tuvo su origen a partir del film "Los 300 Espartanos" de Rudolph Maté en 1962, una entretenida aunque tosca producción que se hacía eco de las grandes producciones históricas de la época y que pasará a la historia del cine como la primera narración de la batalla de las Termópilas, más que por su calidad cinematográfica siendo un film menor dentro de la filmografía de su director. La novela gráfica de Miller, aunque bastante simplona, tiene fuerza con sus viñetas cargadas de violencia, erotismo y épica. Por momentos, 300 copia plano a plano el cómic, convirtiéndose en la adaptación más lograda y respestuosa al material original que se ha hecho jamás.

Muchas productoras intentaron llevar a cabo, este ambicioso proyecto de llevar las Termópilas y sus guerreros espartanos al cine, que se quedaron en el camino por el gran desembolso necesario para crear una obra de relativa calidad. En unos tiempos donde el cine épico está algo agotado, muchas películas de este tipo han pasado por nuestra retina, Braveheart (1995) El Patriota (1999), Gladiator (2000), Las Cuatro Plumas (2002), El Último Samurai (2003), Alejandro Magno (2004), Troya (2004) o el Reino de los Cielos (2005), con mayor o menor fortuna nos ofrecieron épicas batallas, de grandes líderes y hombres, dentro de un género que acabó sobre explotado, debido a su costosa producción y cada vez menores ingresos en taquilla. Todo esta épica se trasladó al género fantástico, con la trilogía de El Señor de los Anillos (2001-2003), Las Crónicas de Narnia (2006), Stardust (2007) o multitud de títulos infantiles de una baja calidad argumental y fílmica.

Este ambicioso proyecto de adaptar la novela gráfica de Miller, se puso en manos del prometedor Zack Snyder, que tuvo un gran debut en Dawn of Dead (2003) y que en 300 nos da muestras de su inmenso potencial. 300, nos narra la epopeya de como Leónidas, rey de Esparta, lucha con sus trescientos hombres en el estrecho paso de las Termópilas contra la invasión de un millón de persas encabezados por Jerjes. Jerjes, sucesor de Darío I en las guerras médicas entre el imperio persa y los griegos, nos es representado como un ser ambicioso, deificado, sin ningún tipo de escrúpulo y cruel, que comandó un ejército de increíble número que tiene como misión invadir todo el territorio griego, para ello deberán luchar con la polis guerrera griega por antonomasia, Esparta.

Esparta, un pueblo duro, creador de guerreros, que no acepta la mediocridad, es liderado por un rey carismático, irónico y gran hombre, Leónidas, interpretado por un gran Gerard Butler, sin duda es la actuación más destacada del film, dentro de un reparto semidesconocido, donde encontramos a David Wenham, como Dilios, guerrero narrador de la epopeya y Lena Heady como esposa de Leónidas. Destacan también los personajes de Stelios, el Gran Capitán, y su hijo Astinos, y interpretando a Jerjes, un irreconocible Rodrigo Santoro. Un reparto perfectamente ensamblado que complementa el carisma de su protagonista Leónidas.

El film, que combina imagen real con efectos por ordenador de manera extraordinaria, es un conjunto muy entretenido, lleno de épica, violencia, sexo y acción a raudales, con grandes descargas de adrenalina y un emotivo final muy acorde con las obras de este género. Las batallas alternando cámaras superlentas, nos muestran perfectas coreografías de combates, nos introducen dentro de la formación espartana. Su combate con los llamados "Inmortales" es un buen ejemplo, de los aciertos de Zack Snyder. El guión al igual que el cómic, es simple y muy lineal, medianamente previsible, pero se enmascara con toda la acción frenética con la que Snyder nos muestra las Termópilas. Pese a que gran parte de las imágenes son irreales, la fotografía es muy bella, y muy realista siendo otro gran acierto de esta película, al igual que la banda sonora de Tyler Bates, que alterna sonidos de guitarra para las escenas de acción, aportándole mucha fuerza a las escenas de lucha, y le da solemnidad a las partes más íntimas de 300.

Sin duda, una excelente película, que nos muestra que con talento las nuevas tecnologías son un instrumento muy válido para el actual y futuro cine. 300, una obra que hará las delicias de los amantes del cine épico, y de aventuras, que nos cuenta como unos pocos se enfrentaron a muchos.

Mi Puntuación: 8,5 Leer critica de 300 en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 12, 2008

300 (ZACK SNYDER, 2006)

por Emilio M. Luna | marzo 12, 2008

Haciendo un ejercicio de memoria, allá por 1994 se estrenó Legendas de Pasión, película con muchos actores-estrella del momento, y en la que destacaba un actor de mediana edad que hacía de ganadero y ayudante, ese era Chris Cooper. Cooper lleva casi toda su carrera ejerciendo de gran secundario, siempre solvente, siempre sobrio, no recuerdo ninguna película suya, fuera bélica, drama o thriller en la que no cumpliera con creces, es de esas caras que imponen seriedad y credibilidad y siempre que aparece en pantalla deja huella. Es unos de los imprescindibles del cine americano, y como no pertenece al Star System, su nombre no destaca en los carteles de las películas y no tiene el recocimiento que mereciera a una gran carrera llena de grandes papeles. Uno más, ahora de protagonista, es el que interpreta a Robert Hansson, un antiguo espía investigado como posible "topo" por el FBI en el thriller El Espía.

El Espía es un film, que si bien no ha hecho mucho ruido es un buen film sobre investigaciones, espías y agentes encubiertos. Nos narra las pesquisas de los cuerpos de investigación americano para descubrir pruebas que acusen a Robert Hansson como un topo que pasa información a otros países sobre el sistema de defensa americano. Para ello se le asigna a un compañero joven que será el encargado de desenmascarar a un hombre con un aparente vida familiar y religiosa y grandes valores morales y humanos.

La pareja protagonista, es sin duda, uno de los aciertos de esta película, Chris Cooper, estupendo en su rol, como persona de fuerte carácter, desquiciado y ambiguo que nos trasmite esa inseguridad y nos hace pensar durante toda la proyección, "¿Es lo que dicen qué es?". Su partener de escena, Ryan Philippe como joven aspirante a agente especial, está realmente bien, muy creible, Philippe va mejorando film a film, adquiriendo la madurez para papeles con peso y dejando atrás la imagen blanda e inexpresiva de sus films de juventud. Del resto del reparto, destacar a Laura Linney, que al igual que Cooper en todos sus papeles, siempre cumple con notable nota.

Otro aspecto positivo, es su atmósfera, ligeramente agobiante, que nos introduce en la historia queriendo saber la verdad sobre Robert Hansson. El guión cumple, aunque hay tramos irregulares que no explica nada y da vueltas sobre los mismos argumentos de pruebas, quizás algo más de información sobre los documentos y acciones que Hansson hizo, hubiera ayudado a meternos más en la historia. El final es algo frío, acorde un poco a la narración del director Billy Ray.

El Espía es una buena película sobre espías, aunque ciertos detalles del guión nos mantiene distantes de la investigación, pero la sola presencia de una gran pareja protagonista en una turbadora atmósfera, merece la pena su visionado. Es una interesante propuesta de un género que nunca pasa de moda y siempre nos muestra detalles de calidad.

Mi Puntuación: 6 Leer critica de El espía en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 02, 2008

EL ESPÍA (BREACH, BILLY RAY, 2007)

por Emilio M. Luna | marzo 02, 2008

Todos los años, nos llegan pequeñas joyas del cine independiente americano, películas que pasan de puntillas por nuestras carteleras o incluso van directamente al mercado del video. Su escasa repercusión, bajo presupuesto o incluso problemas de distribuidoras hace que su recorrido sea breve por las salas de cine. Este, es el caso de The Lookout, ópera prima del guionista Scott Frank. Frank creador de libretos como Minority Report, Un Romance muy Peligroso o The Intepreter, realiza con gran pulso su primer film que tuvo grandes críticas en Estados Unidos pese a su pequeña difusión y que apenas si se vio en los cines españoles y europeos. Una pena, porque The Lookout es una atractiva y entretenida propuesta, que si bien no pasará a la historia del cine, nos deja buenos momentos y una excelente historia, llena de suspense y emoción al más puro estilo clásico.

The Lookout nos narra la historia de Chris Pratt, una estrella del hockey universitario que lo tenía todo y que tras un accidente de coche, sufre una minusvalía en el cerebro que no le permite tener memoria retentiva. Además tiene el recuerdo permanente del accidente y las muertes de sus amigos que le torturan todas las noches. Chris, con todo esto, se gana la vida como limpiador en un banco, y comparte piso con un compañero invidente mientras va rehaciendo su vida. Un día todo cambia al conocer a un hombre que le va ofrecer un cambio en su vida si ayuda a cometer un crimen.

La sinopsis nos indica una historia simple, que ya conocemos, pero es una historia bien contada, entretenida, un guión solvente, directo y bien enlazado. Todo unido a una gran ambientación, muy parecida a la de Fargo de los Coen, salvando las distancias claro. Y una gran banda sonora de James Newton Howard. La unión de todos estos factores nos dan una gran escena al principio del film en el plano-escena del accidente de coche, excelentemente rodado.

El reparto cumple muy bien, destacando a Joseph Gordon Levitt (Chris Pratt) que tras Brick, nos ofrece un muy buen papel de este prometedor actor, que habrá que tener en cuenta en el futuro. También su compañero invidente, interpretado por Jeff Daniels resalta, por sus toques de ironía y junto a Gordon-Levitt lleva el peso de la película. El resto del reparto es un conjunto de estéreotipos que cumplen sin más.

The Lookout es un excelente film, con un buen guión y gran dirección de Scott Frank, que postula a Joseph Gordon Levitt como un futuro gran actor, y que, si bien, ha pasado sin pena ni gloria por las carteleras de medio mundo, se merece un visionado por su interesante puesta en escena.

Mi Puntuación: 7 Leer critica de The Lookout en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 28, 2008

THE LOOKOUT (SCOTT FRANK, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 28, 2008

2008 nos ha traido una buena cosecha de películas, entre ellas algunos westerns, un género decaído y olvidado por las nuevas generaciones y que gracias a films como 3:10 to Yuma, El Asesinato de Jesse James o incluso por ese western postmoderno como es No Country for Old Men, gran triunfadora en la gala de los Óscars, nos recuerdan la grandeza del cine de vaqueros americanos. Si bien,aunque de manera escasa, años atrás nos han llegado películas de este género de muy buena calidad, como la australianas "The Proposition" de John Hillcoat o "Ned Kelly" de Gregor Jordan, basada en el forajido homónimo con gran parecido a la historia de Jesse James en América, "El Perdón" de Michael Wintterbottom, y el western crepuscular "Open Range" de Kevin Costner, incluso "Seraphim Falls" con Liam Neeson es una propuesta agradable y entretenida. El cine americano empezó a nacer bajo una montura, y muchas de las grandes obras del celuloide tienen el sabor del cine de oeste americano. A finales del 2007, nos llegó, avalado por una cuidada escenificación y las grandes actuaciones de sus protagonistas, Casey Affleck y Brad Pitt (Copa Volpi 2007 en Venecia), El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford.

Jesse James, el forajido leyenda, es uno de los símbolos de América, retratado en numerosas publicaciones, series de televisión y muchos films. Se me vienen a la cabeza Tierra de Audaces, las juveniles y las muy fallidas Arma Joven y American Outlaws o Forajidos de Leyenda. Jesse James es como Wyatt Earp, Pat Garret, Doc Holliday, todos esos personajes con los que crecimos y disfrutamos. De hecho, existe una serie que los recrea con una gran calidad como es Deadwood de la HBO. Miles son las versiones, las historias y leyendas sobre el personaje estrella del Western Americano. El Asesinato de Jesse James de Andrew Dominik es otra visión más de este héroe americano, buscando mayor realismo y con un estilo pausado, paisajístico heredando la poesía de Terence Mallick.

La obra de Andrew Dominik no es un western, tal cual, es un drama que nos cuenta la historia de Jesse James desde un punto de vista personal, así como la historia de su ejecutor, su seguidor Robert Ford. Dominik nos enseña a un James, pensativo, diferente, con sus miedos y temores, con sus rarezas y su fuerte carácter, nos presenta a un forajido en su decadencia, acompañado por un joven Robert Ford, que antaño lo idolotraba y se va a ver en la decisión de matarlo y demostrar la valía que siempre se le negó.

Dominik bebe en gran manera de Terence Mallick, por su gusto por el paisaje, una exquisita fotografía que nos transporta a la pradera americana, logrando una gram ambientación, El Asesinato de Jesse James, es una película diferente, preciosista y poética, donde todos los aspectos están muy cuidados y nos ofrece una escena impresionante, como es el asalto al tren de noche, increiblemente rodada y que se te queda en la retina durante el resto de la filmación. Dominik demuestra un gran pulso y un gran gusto en su dirección.

El cast, también acompaña, tanto Brad Pitt como Casey Affleck, están geniales en sus roles, en especial Pitt como Jesse James, dotándolo de ese aire melancólico y humano a su personaje. Affleck sigue confirmando su alzamiento al estrellato, y fue recompensado con una nominación como mejor secundario, algo difícil de entender, ya que es tan protagonista como Pitt.

La banda sonora es impresionante, creada por Nick Cave, el mismo de la anteriormente nombrada "The Proposition", un autor que hay que tener muy en cuenta en el futuro. El último tema cuando Ford habla con su novia, es sublime y es otra muesca más de las excelencias de este film.

El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford, es una película excelente con una impresionante fotografía y ambientación, con una dirección impresionante y actores en estado de gracia. Una obra maestra.

Mi Puntuación: 9 Leer critica de El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 26, 2008

EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD (ANDREW DOMINIK, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 26, 2008

Mucho se ha hablado de la decadencia de Ridley Scott estos últimos años, el creador de obras cumbres como Blade Runner, Alien, el Octavo Pasajero, los Duelistas, Gladiator o Thelma & Louise, había sido criticados por sus última obras, se hablaba de donde estaba aquel director de los años 80, el realizador de una de las obras cumbres de la ciencia-ficción como Blade Runner, film que lleva consigo una hueste de seguidores y tuvo, tiene y tendrá el beneplacito de la crítica y público. Ridley Scott, realmente, nunca desapareció, quizás sus proyectos, trataban de temas menos complacientes, que intentaron ser innovadores y se quedaron en ese intento. Si se observa su filmografía más reciente, hay películas verdaderamente interesantes: El Reino de los Cielos, en su montaje del director, es una excelente película que quizás no tuvo éxito por algunos errores de casting, pero que en otra época hubiese tenido mayor repercusión. Black Hawk Derribado, es una también notable cinta, con un gran montaje que fue defenestrada casi de inmediato por su alegato antibelicista e incluso los Impostores (Matchstick Men) era un film menor pero entretenido. Salvo un error como La Teniente O´Neill, su filmografía variopinta es muy interesante y ofrece más que muchos directores con su misma edad. Ahora en este 2007, y repitiendo por tercera vez con Russell Crowe, nos llega una película que lo vuelva a congratular con la crítica, American Gangster.

American Gangster es la doble historia de Frank Lucas (Denzel Washington) y Richie Lewis (Russell Crowe). Lucas, un gangster que va ascendiendo, como lo hacia Al Pacino en Scarface, desde abajo hasta dominar todo el mercado de la droga. Lewis es un policia honesto con problemas personales, que basa su vida en el trabajo. La historia de ambos marchan paralelas, hasta que la investigación de Lewis los une en la parte final de film. El encuentro entre ambos es de lo mejor de la película, es breve pero intenso y se observa un bonito duelo interpretativo entre ambos actores.

La grandeza de este film, tiene su base en estos dos actores, que están inmensos, en papeles que les van como anillo al dedo, realmente creibles y carismáticos. El resto del reparto también brilla, con Josh Brolin, como policia corrupto o Ruby Dee como madre de Frank Lucas. Aparte de la aportación actoral, el guión de Steve Zaillian es bastante bueno y junto con un inspiradísimo Ridley nos muestra una obra muy buena, interesante y entretenida.

El "Renacer" de Ridley Scott, nos llega con un film absorbente y nos muestra con una ambientación clásica, una gran historia de policias y gangsters al más puro estilo americano.

Mi Puntuación: 8,5 Leer critica de American Gangster en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 19, 2008

AMERICAN GANGSTER (RIDLEY SCOTT, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 19, 2008

Una buena pregunta para empezar, sería, ¿Qué es lo que ha hecho cambiar a David Cronenberg? Un director de culto, con películas para una minoría, lleva en los últimos tres años, dos films diferentes, siempre con los estilemas de autor, pero con un aire clásico, un tono más acádemico, unas obras repletas de calidad y dirigidas a públicos más amplios que sus anteriores obras. En 2005, nos llegaba Una Historia de Violencia (A History of Violence), sensacional película, que nos mostraba a un Viggo Mortensen excepcional, un guión excelente con un final impresionante. En este 2007, repite con Mortensen en Promesas del Este, un retrato muy realista sobre la mafia rusa en Londres, que continua ese trabajo que empezó en 2005, y contiene escenas que te dejan boquiabierto. Es una de las grandes películas de este 2007.

Viggo Mortensen es Nikolai, un Chofer de una familia de mafiosos rusos en Londres, un hombre duro y rudo, despiadado y poco dubitativo, pero que a medida que se desarrolla la trama, vemos que es un hombre con principios y que oculta algo más que su fachada de hombre impenetrable. Viggo, esta absolutamente genial, es la demostración de un actor en todo su esplendor, y su pelea en las saunas, totalmente desnudo, demuestra todo su compromiso con la película y su director y nos deja una de las escenas más impactantes del 2007. Increiblemente rodada, nos sentimos igual de desnudos, puño y cuchillo en mano como Nikolai, todo un honor para el séptimo arte.

Naomi Watts, es el eje de la trama, es Anna, una enfermera que intenta averiguar la verdad sobre la muerte de una joven, y que le va a llevar a la boca del lobo. Un "padrino" ruso, interpretado por Armin Müller Stahl y su hijo caracterizado por Vincent Cassell. Interpretaciones de lujo para un historia genialmente contada. Con multitud de detalles, no te aburre en ningún momento, temes a esa mafia implacable pero quieres saber más de ellos, sabes que Anna se está adentrando en un mundo peligroso, pero quieres que lo siga haciendo, para saber un poquito más de Semyon y Kirill, padre e hijo de esta familia rusa.

David Cronenberg, con un pulso increíble, con las escenas de acción, ágil en las partes más íntimas nos muestra sin ningún rubor y mucho realismo un visión sobre las mafias del este que hay en Europa. Siempre acompañada por la música de Howard Shore, sobria y muy acertada, que acompaña brillantemente a un conjunto sobresaliente. Es una pena que sea otras de las olvidadas por los premios, y se premie a Michael Clayton o Juno. Es cine que deja huella y nos muestra a un director, cada vez más interesante.

Con un gran reparto, una gran dirección y un guión excelente es sin duda uno de los mejores films de 2007, que nos muestra una nueva visión sobre las mafias y como un actor, Viggo Mortensen, se consagra entre los grandes.

Mi Puntuación: 9

por Emilio M. Luna
febrero 18, 2008

PROMESAS DEL ESTE (EASTERN PROMISES, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 18, 2008

Estar entre las nominadas a mejor película de la academia, debería ser sinónimo de calidad, pero a medida que pasan los años, incompresiblemente, hay films que se encuentran en la terna de las elegidas cuya calidad no es del todo merecedera de un galardón con tanta historia y prestigio. Michael Clayton, es un claro ejemplo de esto, sin ser una mala película, es muy difícil de entender que este por delante de American Gangster, 3:10 to Yuma o Zodiac, proyectos más arriesgados, redondos y complacientes para cualquier tipo de público. Realmente, es una degradación de estos premios cuya objetividad queda en entredicho. Si tuviera que decir una razón por la que se encuentra ahí y no como producto de videoclub es por sus actores.

Michael Clayton, es un telefilm, digo película, que se basa en todo su porcentaje en la actuación actoral. George Clooney, Tilda Swinton y Tom Wilkinson, ofrecen una gran demostración de sus cualidades como actores. Clooney, Michael Clayton, tiene una presencia en la pantalla imponente, resulta totalmente creible, y sus compañeros de reparto rayan a gran altura. Es una pena, que el guión se una copia de muchas otras películas que ya hemos visto como The Insider (El Dilema) de Michael Mann, y se nos presenta de manera demasiado obvía, previsible y poco elegante.

Tony Gilroy, buen guionista, en su primer trabajo como director, cumple a secas, se basa todo su trabajo en sacar primeros planos de los protagonistas y dejar que ellos resuelvan la papeleta. El guión es demasiado plano, y nos presenta información poco relevante y repetitiva y no explica otras razones que si podrían interesar al espectador. Nos hablan de empresas, de productos químicos y realmente no le prestas atención porque no te lo llegas a creer del todo. Es una conjunción de despropositos que te deja frío.

Para colmo, también esta nominada la música, es increible, las otras cuatro partituras que la acompañan son infinatemente mejores, y es un claro ejemplo que la academia deber renovarse en todos los aspectos. Por qué comparar Michael Clayton con No es Pais para Viejos o Pozos de Ambición es faltarle el respeto al séptimo arte. Como dije antes, Michael Clayton no es una mala película, pero no ocupa el lugar que le corresponde, y cuando pase el tiempo solo será recordada por otra buena actuación de un grande como George Clooney, en un papel hecho a su medida. Recomendada a abogados que se crean Mc Gyver.

Mi Puntuación: 5 Leer critica de Michael Clayton en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 17, 2008

MICHAEL CLAYTON (TONY GILROY, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 17, 2008

Paul Greengrass se consagra aún más en cada película que hace, es un director diferente, que dota a sus films con un ritmo excelente, siempre acompañado de su cámara en mano aportando realismo. En el Ultimatum de Bourne, lleva la película a una velocidad frenética y mete al espectador en el film, en sus persecuciones, en sus luchas y en su trama. El Caso Bourne de Doug Liman fue una revitalización del género de los espías, basado en un guión solvente, realista y con dosis de acción muy bien llevadas y argumentadas. Que tuvo su continuación en el Mito de Bourne de Paul Greengrass, excelente película, con persecuciones increibles y con un Matt Damon espectacular como en la primera parte. El Ultimatum de Bourne repite la fórmula de esta última, dándonos un film frenético, de altísima calidad, con un gran montaje, excelente score, y unas secuencias increibles.

Secuencias como el encuentro de Bourne con el periodista en el aeropuerto de Londres, o la pelea y persecución impresionante en Tánger, de lo mejor que nos llegó a nuestras pantallas en 2007. La Trilogía de Bourne, es ya una referencia en las películas de acción, su toque realista lo aleja de las películas de James Bond y similares, nos humaniza al protagonista, una persona con miedos, insegura, que no conoce su pasado y que busca preguntas en su presente. De hecho, si alguién ve Casino Royale la última película de 007, vemos cuanta es la influencia de Jason Bourne en su metraje, en las persecuciones, en la humanización de su personaje, y buscando mayor realismo.

Matt Damon es el Jason Bourne perfecto, excelente su interpretaciòn, con ese aúrea de persona con principios y bondadoso y letal cuando requiere la ocasión. En el Ultimatum de Bourne, al igual que las dos anteriores películas de la serie, esta rodeado de excelentes secundarios, como Joan Allen, David Sthathairn, Brian Cox o Julia Stiles, que tienen un peso importante en la trama y que cumplen holgadamente con sus papeles.

El montaje del Ultimatum de Bourne es su punto fuerte, no paramos ni un sólo momento, no hay respiro para Jason, todo a una velocidad increible, pero todo muy bien explicado y enlazado. Se puede tildar de simple su trama, y quizás si se analiza párrafo por párrafo del libreto de Tony Gilroy puede que así sea, pero entre la dirección de Greengrass, un Matt Damon muy carismático, un montaje de gran nivel y excelente banda sonora, ya quisiera muchísimos films ser igual de "simples".

La partitura de John Powell, es estupenda, y aunque repite el tema característico de la trilogía, lo amolda a la tensión y velocidad del film de manera notable. Es una gran banda sonora que no supera a los temas del Mito de Bourne pero sigue siendo de altura. Realmente hay pocos peros en esta cinta, simplemente que sea de un género habitualmente defenestrado por la crítica y no se le da la importacia como a otros.

Paul Greengrass demuestra, una vez más, que se puede hacer cine de acción de calidad e inteligente, un divertimento que no se olvida facilmente, y que nos pone en el lugar de unos de los heroes de acción del siglo veintiuno. Una gran adaptación de las novelas de Robert Ludlum.

Mi Puntuación: 8,5 Leer critica de El ultimátum de Bourne en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 17, 2008

EL ULTIMÁTUM DE BOURNE (THE BOURNE ULTIMATUM)

por Emilio M. Luna | febrero 17, 2008

Tercera revisión en 10 años del poema anglosajón homónimo creado en siglo VI, una historia en la que se basaron muchos escritores, como Tolkien, para la creación de sus posteriores obras, y tiene una importancia tal para la escritura inglesa, como lo puede tener El Cantar del Mio Cid o Amadís de Gaula para nosotros. Las dos anteriores, Beowulf (1999) es una película deleznable, una visión tecno-cutre con un Christopher Lambert más que acabado y Beowulf & Grendel (2005) de la islandesa Stella Gunnarsson es una producción canadiense con Gerard Butler como Beowulf, que sin ser una mala película, se queda en el intento de mostrarnos algo de épica del poema original y solo se salva, la actuación del protagonista y una bella fotografía.

La tercera revisión, viene con la técnica de la animación, que repite Robert Zemeckis tras Polar Express. En esta película navideña, se utilizaba como moldes a actores reales como Tom Hanks para dar una imagen realista a las animaciones, aquel proyecto erró pero fue la base del principio de un nuevo estilo de cine, que se caracterizaba por ser muy frio e inexpresivo. Con la misma técnica nos llega Beowulf, con actores de fondo de sobra conocidos como Anthony Hopkins, Angelina Jolie o Robin Wright Penn.

El resultado es más que decente y mejora la primera película de Zemeckis en animación, los personajes está muy conseguidos, los paisajes y elementos muy bien creados, una gran fotografía que por momentos hace parecer que todo sea "real" y muchas veces en algunos plano es difícil diferenciar si es animación o Beowulf es un actor en imagen real. Sólo en los planos largos de combate o movimientos masivos de personajes se ve cierto acartonamiento.

El Poema de Beowulf, sinceramente, no es un ejemplo de historia con muchos matices, es más bien simple y tampoco es que se pueda sacar un guión lleno de detalles. Es muy predecible, todo el mundo sabe como acabará la historia y nada sorprende, es la típica historia de un heroe, siempre con cierto aire a 300 de Frank Miller, Ray Winstone es Beowulf, un héroe carismático, que arenga constantemente como lo hace Leónidas a sus espartanos, Beowulf tiene sus Gautas que le son fieles y ven en él un líder. La labor de los actores tras la animación está muy lograda, pero si alguien destaca ,ese es el protagonista de la historia.

Una historia con heroes, con monstruos, dragones, con reyes y princesas, que si bien no es una obra perfecta, tampoco pretende serlo, es un buena revisión de esta historia, que a todos nos suena y casi nadie conoce. Una película experimental, que logra un buen resultado, y que hace pasar un buen rato con Beowulf

Mi Puntuación: 6

por Emilio M. Luna
febrero 16, 2008

BEOWULF (ROBERT ZEMECKIS, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 16, 2008

Es un hecho que la carrera de Paul Haggis va en ascenso, con sus triunfos con Million Dollar Baby y con Crash. Tras el gran guión para la película de Clint Eastwood, su opera prima fue Crash, que fue un éxito de público, premios y gran parte de la crítica. Crash, sin ser una película redonda, nos narrá de manera brillante, una historia coral, con un apoteósico final. Parte de la crítica la definió, una minoría, como tramposa, sensiblera e absolutamente inverosimil, otra parte la definiò como una obra maestra. De esta misma manera se ha juzgado, En el Valle de Elah, igual por parte de la crítica, también hay que decir, que ha tenido mejores críticas en Europa que en Estados Unidos, quizás el tema de la guerra de Irak y todo el mensaje antibelicista que esta película lleva consigo, ya cansa a los americanos. En el Valle de Elah, es otra gran película, que nos muestra un tema ya muy visto, pero con sensibilidad y sin adornos de ningún tipo.

El éxito de la película de Paul Haggis, se basa en la interpretación, mejor dicho, en la presencia de Tommy Lee Jones, que es un grande, y sólo por el film ya merece la pena. Una actuación pausada, reflexiva, la preocupación por su hijo es palpable desde el primer momento y no tiene que hacer ni una sola mueca para expresarlo. El lleva todo el peso de la película, como David antes de derribar a Goliath en Elah. El reparto funciona, pero no es del todo importante, Charlize Theron, cumple con creces, y el resto del reparto no tienen especial significancia. Sólo con el señor Jones basta.

En el Valle de Elah, puede ser interpretado como un panfleto sobre la guerra, nos muestra videos de primera mano, sobre la situación allí, con un toque documentalista, muy al estilo de Redacted la última película de Brian de Palma. Estos videos son los ejes de la trama, y son los que utiliza nuestro protagonista para hallar la verdad. El claro mensaje es antibelicista, el por qué de la guerra de Irak, es un tema trillado, multihablado, y muchas películas, documentales y artículos ya han dedicado un espacio para esta cuestión, pero En el Valle de Elah nos muestra la tragedia de una familia, de un padre que busca a su hijo, y le muestra que no sólo hay guerra en Irak, en cualquier lugar hay conflicto, aunque sólo sea en el grupo de amigos de su hijo. El mensaje final es una muestra de como ve el mundo el protagonista.

Haggis, utiliza planos parecido a Crash, de hecho se puede observar, en la zona del crimen, donde se encuentra el cadáver, se abre con un plano igual que en Crash, una zona a un lado de la carretera con matojos y matorrales. Una dirección muy efectista, centrada en primero planos a Jones. El guión es realmente previsible, pero la forma de contarlo por Haggis, lo hace entretenido y fluido. En definitiva, En el Valle de Elah, es un muy buena película, que no tendrá la repercusión que debiera, pero que pasará a la historia por otra gran interpretación de Tommy Lee Jones.

Mi Puntuación: 7

por Emilio M. Luna
febrero 14, 2008

EN EL VALLE DE ELAH (IN THE VALLEY OF ELAH)

por Emilio M. Luna | febrero 14, 2008

¿Quien no ha querido o sentido ser Christopher McCandless alguna vez en su vida?Seguro que después de ver esta película, muchos tendrán una respuesta positiva. El agarrar la mochila, el dejarlo todo, en vivir la vida que uno realmente quiere, sólo con lo indispensable, el conocer a gente diferente, lugares de todo tipo y mientras conocerte poco a poco y valorar lo que realmente es importante en esta vida. Así, podría describir el argumento de Hacia Rutas Salvajes, la cuarta película de Sean Penn, una película que es un culto a la vida, al optimismo, una aventura en primera persona que nos hace participe y nos invita a soñar con lo bueno que nos rodea y saca lo mejor de nosotros.

Hacia Rutas Salvajes, es una película profunda, que nos muestra desde diferentes ángulos, filosóficos y antropológicos, como una persona evoluciona en busca de la verdadera felicidad, huyendo de los estereotipos y de la hipocresía imperante en la sociedad. Un joven, Christopher, muy inteligente, que deja sus estudios, a su familia, una vida de lujo, adopta una nueva identidad -Alexander ¡Supertramp!- coje su mochila, sus queridos libros de Tolstoi y Dostoievski y se marcha a conocer diferentes zonas de Estados Unidos, con un objetivo final, sobrevivir en Alaska, y no precisamente en la capital, si no en la zona montañosa, labrando sus propias aventuras, conociendo a personas increibles, dejando huella por donde pasa, todas sus vivencias, como las disfruta,todo mostrado desde un punto de vista hiperrealista que nos hace reflexionar. Ayuda mucho, la voz en off de su hermana, que nos explica los "porques",todo, especialmente emotivo, que tiene como colofón su encuentro con Hal Hollbrook, en su última parada en la civilización.

Christopher McCandless, esta interpretado Emile Hirsch, genial su interpretación, incomprensible como no ha tenido ninguna nominación en los premios. Resulta creible en todo momento y nos hace identificarnos con él, con su carisma, con su cordura, con su seguridad, Hirsch nos muestra un sinfín de matices con mucho aplomo y con la solvencia de un veterano. El resto de reparto, en sus cortos minutos, cumple con creces: Marcia Harden, William Hurt, Vince Vaughn, Jena Malone....y sobre todo Hal Hollbrook, que es una joya sus pocos minutos en pantalla.

Sean Penn, dirige, aunque parece ceder el protagonismo a su director de fotografía Eric Gautier, que parece el verdadero impulsor de la película, con semejantes parajes es difícil no sacarle partido a la fotografía, pero Gautier logra paisajes increibles que llevan el ritmo de la narración y de las vivencias de Christopher. Todo acompañado con un preciosa banda sonora con las canciones de Eddie Vedder, esos tonos de guitarra que te meten aun más en el viaje de nuestro amigo.

Quizás su mayor pero, es su larga duración, que la aleja de muchos públicos, otros lo verán como demasiado idealista o incluso la verán como un bonito anuncio de alguna marca de coches.Yo creo que hay que ser abierto y dejarse llevar, porque son dos horas y media de disfrute, de emoción, que harán que esa noche sueñes con Alaska. "La Verdadera Felicidad, es la que se comparte"

Mi Puntuación: 8,5 Leer critica de Hacia rutas salvajes en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
febrero 12, 2008

HACIA RUTAS SALVAJES (INTO THE WILD, 2007)

por Emilio M. Luna | febrero 12, 2008

Tim Burton es un genio, todo lo que hace y como lo hace son grandes obras maestras, con su peculiar estética, magnífica producción, y con unos actores que sacan lo mejor de sí para este gran director. Con su actor fetiche, absolutamente genial, Johnny Depp, soberbio, es uno de los grandes del cine actual, y tarde o temprano recibirá su recompensa que lo separa de los grandes de la historia del celuloide...aún es pronto y no hay prisa. Estamos ante una vuelta al Tim Burton de sus orígenes, muy oscuro, sangriento y violento, estamos ante un MUSICAL, que narra el cuento de Benjamin Barker.

Benjamin Barker, un barbero, despojado de su familia, y desterrado, que vuelve con el sobrenombre de Sweeney Todd, dispuesto a vengarse de todos. Barker es Johnny Depp, que le da ese matiz oscuro, desequilibrado y a la vez humano, en sus gestos, sus poses, Depp está más expresivo que nunca, tiene una gran voz, por cierto muy parecida a la de Ewan McGregor en Moulin Rouge. El resto del reparto está muy conseguido y es de gran nivel, con Alan Rickman y Helena Bonham Carter entre otros, no creo que exista casting mas acertado.

La dirección artística es estupenda, y los momentos musícales muy bien conseguidos, eso sí, a quien no le gusten los musicales que se abstengan, porque la ración es triple, y muy pocas veces no se canta. El peso de la película es puramente musical, los diálogos casi todos cantados o recitados. También abtenerse a los que no les gusta la sangre,porque es la otra protagonista de esta película, que puede herir alguna sensibilidad.

Un Burton, macabro, violento, oscuro ante un cuento bonito y cruel que no dejará indiferente a nadie, aunque no lo creas y no lo quieras te introduce en la película y acabas siendo un personaje de ésta, durante su proyección y posterior a ella.

Mi Puntuación: 7.5

por Emilio M. Luna
febrero 08, 2008

Crítica | Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet

por Emilio M. Luna | febrero 08, 2008

Jason Reitman, ya sorprendió con su sátira y aguda comedia, Gracias por Fumar, con un Aaron Eckhart magnífico y un guión excelente. De su mano y con el guión de Diablo Cody, llega Juno, la representante "indie" del cine americano de este 2007/2008 en los premios y certámenes más importantes, y la heredera de Pequeña Miss Sunshine, Junebug o Half Nelson de películas pequeñas en la gala de los Óscars. La etiqueta de independiente, es cada vez más común en muchas películas, y se les añade como sinónimo de calidad, bajo presupuesto, ideas oríginales...sinceramente aunque hay muchos títulos que se autodefinen "indies" en muchos la calidad no es muy alta, no es el caso de Juno, pero tampoco es la maravilla que se nos vende desde los medios de comunicación, es una buena película, fresca y medianamente divertida, pero no pasara a la historia salvo por la interpretación de una gran Ellen Page y la ratificación de Michael Cera como un posible aspirante a buen actor.

Juno es la historia de una joven, y muy despierta, adolescente que comete un error y se queda embarazada, a partir de ahí, decide que dejará en adopción a la futura criatura, encuentra a unos padres que parecen muy buenos, con la ayuda de su familia. Así de simple, podría resumirse el argumento. Ellen Page (Junito) es la joven en cuestión, muy descarada, culta y espabilada chica, muy bien interpretada por esta actriz, que tiene un gran futuro y que ya gustó por Hard Candy. En el papel de "padre" del futuro bebé, está Michael Cera, que hace de jovén mojigato, inteligente y atleta y que es otra de las revelaciones de la película. Los padres Allison Janney y JK Simmons que están fantásticos, sobre todo la madrastra. Y Jason Bateman y Jennifer Garner como los futuros padres, que cumplen con creces.

El apartado actoral, es sin duda el fuerte del film, aunque la música también ayuda, todos temas de los años 70 y el guión de Diablo Cody está muy bien. Realmente no falla casi nada en esta película, quizás es que es demasiado simple, obvia y previsible, y no está muy lejos de un telefilm de las 16.30 de la tarde después de la crónica metereológica. Es entretenida, sacará alguna sonrisa a más de uno, y otros pensaran que es carne de dvd. Si me dan a elegir me quedo con Little Miss Sunshine o Half Nelson. Buena película para pasar el rato.

Mi Puntuación: 6

por Emilio M. Luna
febrero 08, 2008

Crítica | Juno

por Emilio M. Luna | febrero 08, 2008

BEN AFFLECK... decir Ben Affleck es decir, pésimo actor, malas películas, León de Oro en Venecia por Hollywoodland... donde interpretaba a un actor fracasado... Son muchos los casos de actores que se pasan al otro lado de la cámara con mayor o menor fortuna. Por suerte, e increiblemente, Ben Affleck como director en su primera película cumple, y notablemente. Tiene buen gusto el bueno de Affleck, a la hora de contar una historia, estoy muy seguro que ha bebido de los grandes directores de los últimos tiempos, y que Mystic River le gustó y muchó, porque tiene algunas coincidencias y guiños a la obra de Clint Eastwood. Affleck busca el clasicismo, en la narración de un tema polémico y de candente actualidad, buenos planos y aprovechando un guión ágil e indagando en los personajes principales.

Cuenta con un gran reparto, encabezado, por su hermano Casey. En un principio su personaje es frío y poco creíble; a medida que avanza el metraje su trabajo va convenciendo y sentimos empatía hacia él. Ha sido un gran año para Casey Affleck, recompensado con una nominación a mejor secundario en los Óscar. Le acompañan los clásicos Ed Harris y Morgan Freeman, que llenan la pantalla y le dan solidez a la película. En el apartado femenino están Amy Ryan, también nominado por su papel de madre, aunque vaya madre; y Michelle Monaghan, como novia del protagonista, que cumple sin más en pantalla.

La película, tiene un buen ritmo, aunque sufre altibajos a la mitad del metraje, quizás la moralina final, haga dudar algunos, a mí me hizo pensar, y me gustó mucho este cierre. Sólidas interpretaciones, muy bien dirigida y escrita esta ópera prima de Don Ben, que se ha ganado mi respeto.

Mi Puntuación: 7.5

por Emilio M. Luna
enero 30, 2008

Crítica | Adiós pequeña, adiós

por Emilio M. Luna | enero 30, 2008

Cabría preguntarse en primer lugar si Joe Wright y los hermanos Minguella fueron a la misma academia de cine; o si tienen algún parentesco; o si Wright por ser más joven admira a el mayor de los Minguella, Anthony. Me hago estas preguntas por el parecido de las obras, en el aspecto formal y su método de narración, de sus principales películas. Wright: Orgullo y Prejuicio y el film que me ocupa en estos momentos; y, Minguella: el Paciente Inglés, El Talento de Mr Ripley y Cold Mountain. Todas películas diferentes, pero con un corte película años 60, drama de épocas, fastuosa producción, y muy académicos (traducción: ir a los Oscars). Todas son grandes cintas, rodadas en un espacio de tiempo considerable, dirigidas a un público adulto, estilo británico, grandes repartos y mucha pretensión.

De mis palabras no quiero extraer que la película sea mala, todo lo contrario, simplemente que te deja el "deja vu", de ya la he visto, de otra manera, en otro pais, con otros personajes, incluso de diferente estilo, pero ya la he visto. Expiación, es un drama de época, entre guerras, con la Segunda Guerra Mundial de fondo, Inglaterra-Francia. Dos personas que se quieren y una terrible equivocación. Producción de primerisimo nivel, vestuarios, fotografía y una excelente banda sonora de Dario Marinelli, clara candidata al Óscar. Actores muy buenos. Siento debilidad por James McAvoy desde que lo vi en El último rey de Escocia. Actor muy creible, que sigue los pasos de Jude Law, Keira Knightley evocando a actrices del Hollywood clásico, físicamente y con su trabajo pausado y firme. Y buenos secundarios, como la joven Saoirse Ronan (que estará en lo próximo de Peter Jackson "Desde mi cielo"), Vanessa Redgrave y Romola Garai. Un guion bueno y gran dirección de Joe Wright. Me gusta mucho esos cambios de tiempo, con respecto a lo que vé Briony (Ronan) y su posterior explicación, puede resultar lioso, pero como producto final le da un toque de distinción a la dirección de este joven realizador.

La verdad, es que tiene muchos elementos positivos este film, pero con la sensación de ser una historia muy tocada en el cine, con muchos aspectos ya repetidos, una obra cuyo fin es emocionar al espectador, con el amor difícil, la adversidad y buena música de fondo. Es interesante, entretenida y hermosa, como otras muchas.

Mi puntuación: 7

por Emilio M. Luna
enero 28, 2008

Crítica | Expiación

por Emilio M. Luna | enero 28, 2008