Nominada a ocho Óscars, incluyendo el de mejor película, Moulin Rouge fue una de las grandes sensaciones de 2001. Se cumplen diez años del estreno de esta creación de Baz Luhrmann que revolucionó la taquilla y un género, el musical, que vivía horas bajas. Moulin Rouge tuvo un recorrido comercial impecable, impulsado por el ritmo de los galardones obtenidos (National Board of Review, Globos de Oro y dos Óscars). Sin embargo, el sector más tradicional de la crítica americana y la prensa europea fue muy exigente con el filme de Luhrmann al que se le achacaba un guión vacío, decorado con una estética de videoclip. Sea como fuere, Moulin Rouge es un bello envoltorio de una bonita historia de amor contada de manera original y atractiva. Con todos los defectos achacables, Moulin Rouge es un ejercicio que dio un vuelco a la industria cinematográfica y que elevó a sus dos protagonistas a la categoría de estrellas. Unos impresionantes Nicole Kidman e Ewan McGregor que hacen creíble este barroco relato romántico.

En este moderno dibujo del Molino Rojo (el primero data de 1928 a cargo de Ewal André Dupont), Kidman se llevó todos los elogios, incluida una nominación al Óscar. Pero el gran mérito del éxito de Moulin Rouge lo tiene su partener Ewan McGregor. Sólido en los momentos de drama y comedia, aporta un plus sensacional en las composiciones musicales opacando al resto de compañeros. Un reparto también excelente con Jim Broadbent y John Leguizamo. Entre los numerosos momentos llenos de magia y música, nos quedamos con la escena entre Satine (Kidman) y Christian (McGregor) con la interpretación del tema Your Song (compuesta por Elton John) a cargo del excelente actor escocés. A continuación en Escenas de Cine, Moulin Rouge.

por Emilio M. Luna
abril 17, 2011

ESCENAS DE CINE: MOULIN ROUGE (2001)

por Emilio M. Luna | abril 17, 2011

LA FURIA Y EL MIEDO

Preguntados por un clásico de ciencia-ficción lejos de la mente de Kubrick, la atmósfera del dueto Philip Dick-Ridley Scott o el mundo de aventuras de George Lucas, en muchas listas de aficionados se cuela un clásico de la llamada segunda fila, Pitch Black (2000). Tercer film de David Twohy tras dos incursiones en el género con Huída a Través del Tiempo (Timescape, 1992) y Han Llegado (The Arrival, 1996); películas de poco nivel, más cercanos al telefilme que a la infravalorada serie B. El éxito de Pitch Black derivó a partir de un bajo presupuesto pero con una idea que reunía los grandes atractivos del género. Todo unido a un héroe carismático y una sublime ambientación fue un éxito de taquilla en Estados Unidos, convertido en clásico de culto. Un furiano se ganó un puesto por meritos propios en la ciencia-ficción contemporánea.

Sin embargo, el éxito no se repitió en el resto del mundo a niveles recaudatorios, ya que su protagonista, interpretado por Vin Diesel no tenía el suficiente tirón lejos de Norteamérica. Por suerte, el mercado doméstico y televisivo le dio una segunda oportunidad a una cinta referente del cine de fantasía estelar. Una nave mercante, colisiona en un planeta desconocido. A bordo, un asesino sanguinario de conocida reputación pone en jaque a los tripulantes supervivientes. Pero el peligro se encuentra en la oscuridad de un territorio inhóspito que esconde un mortal anfitrión. Concebida cómo una serie B de calidad, Pitch Black se desmarca rápidamente de producciones poco relevantes, erigiéndose como una alternativa al Alien de Scott y Cameron que marcó tendencia en el género durante principio de los noventa.

El atractivo de la oscuridad, el terror a lo desconocido es el principal reclamo del film. Escenas potentes cuya fotografía de David Eggby y dirección artística, recrean un mundo cruel y despiadado. Twohy marca un ritmo que logra enganchar con el espectador, ofreciéndole una copa de cocktail adrenalítico con persecuciones y tensión, con cabida incluso, para temas morales y religiosos. El paso por el desfiladero y esa mirada al cielo eternamente nocturno, definen a una obra ejemplar en cuanto a cine de entretenimiento se refiere. Los efectos especiales, el arte conceptual y el diseño de las criaturas demuestran que no es necesario un presupuesto enorme para crear ciencia-ficción de calidad. El reparto cumple con creces, destacando a Vin Diesel y Radha Mithchell (Última Llamada y Melida y Melinda). Es curiosa la trayectoria de Mitchell, una más que solvente intérprete, que llena de calidad producciones de género y bajo presupuesto.

Diesel, se convirtió en el alma del film y fue el estandarte que prolongó el proyecto a una versión animada y una secuela: Dark Fury (Peter Chung, 2004), y Las Crónicas de Riddick. La primera es un regalo para los seguidores acérrimos de la película de Twohy, la segunda, en cambio, fue concebida, con enormes pretensiones. Expectativas que no fueron cubiertas, ya que Las Crónicas de Riddick (The Chronicles of Riddick, 2004) fue un fracaso, y echaron por tierra el futuro de una trilogía que seis años después tiene visos de resucitar. Diesel produjo este filme, con un mayor presupuesto pero cayó en todos los clichés de los que su predecesora huyó y triunfó. Parece que habrá tercera parte, volviendo a la fórmula original, con la vuelta de Riddick (Diesel) como rey de los necrófagos (tras el final del segundo episodio) a un planeta desconocido habitado por seres indescriptibles. Poco se sabe de esta cinta, salvo que será escrita y dirigida por David Twohy.

Las secuelas de Pitch Black, son otro claro ejemplo de la mercadotecnia actual, pero que no emborronan a una de las cintas preferidas por el espectador de principio de milenio. Film de sobremesa de lujo, que lo tiene todo para que el tiempo la mantenga en un lugar de privilegio en nuestras retinas. Junto a Horizonte Final una de las joyas del género en los noventa.

PUNTUACIÓN: 74/100 MIRADAS

“Todos me tenéis mucho miedo, normalmente me lo tomaría como un cumplido, pero ahora no es a mí a quien debéis temer.”

por Emilio M. Luna
agosto 12, 2010

MIRADAS: PITCH BLACK

por Emilio M. Luna | agosto 12, 2010

En Mayo de 2005 se estrenó Kingdom of Heaven, film que prometía encontrar al mejor Ridley Scott y lograr un gran éxito de taquilla. El resultado fue, un estrepitoso fracaso económico unido a unas críticas negativas que dejaron esta costosa producción como una obra menor del cineasta británico. La película ideada para su estreno, era un film cortado por exigencias de los productores y publicitado como un épico de grandes batallas y emoción a raudales. Un género épico, denostado ya ese año con cintas como Alexander (Oliver Stone) y Troya (Wolfang Petersen). Se acusaba a la obra de Scott, de ser políticamente correcta, aparte de tener episodios confusos y lagunas en el guión que te alejaban de la narración. El casting de Orlando Bloom en el “leading role” hizo el resto, ya que el intérprete londinense está demasiado verde para liderar una producción de estas dimensiones.

Pese a todo, El Reino de los Cielos, era un film medieval diferente, muy bien ambientado, con una historia pacifista que acerca al público a la trama y con personajes carismáticos. Las escenas de acción como el asalto al Kerab o el asedio de Jerusalem, están bien llevados, aunque Scott use en exceso la cámara lenta, quitándole dinamismo y credibilidad. Un film que mereció mejor suerte, y que tuvo su éxito en el mercado doméstico. Precisamente de éste, nos llegó hace un par de años, el Montaje del Director. Término acuñado por el propio Scott, que nos trae su versión, el como concibió su film sin el mandato o las exigencias de los grandes estudios. Un montaje que cuenta con 45 minutos de metraje, en el que no sólo se tapa los agujeros del guión estrenado en el cine, si no que además le dota de mayor profundidad e interés. Nos presenta a Balian, su pasado y su presente y el por qué de su futuro.

El error de su casting, no es subsanable, pero el personaje que interpreta Bloom, es muy rico, y con otro actor más preparado, la cinta de Scott hubiera pasado a los anales. Balian de Ibelin, es la típica figura de héroe inesperado, que cuya debilidad se convierte en fortaleza y hace liberar a un pueblo para conseguir la salvación. Adoctrinado por unos excelentes Liam Neeson y Jeremy Irons, habituados a ejercer de modelos a seguir en la gran pantalla, y acompañado por una, siempre deslumbrante Eva Green. El personaje de Sibylia, coge una enorme fuerza en este nuevo montaje, y al igual que el personaje de Balian, busca redención y ser justa como su hermano el rey Balduino deseaba. El guión les da una segunda oportunidad tanto a Balian como Sibilia, cuya relación resulta más veraz a ojos del espectador.

Es una historia contemporánea en una edad oscura para el hombre. Impresionantes los papeles de Balduino (Edward Norton) y Saladino (Ghassam Massoud), hombres adelantados de su tiempo, que desbordan humanidad e inteligencia. Un magnífico reparto, que encuentra colaboración en el aspecto técnico, con una excelente partitura creada por Harry Gregson-Williams, y una gran fotografía a cargo de John Mathieson (impresionante la luminosidad aplicada en el retrato del pueblo francés). Esta versión completa de la película, es la que debió haber visto la luz, en un excelente ejercicio de cine épico medieval que ganará fuerza con el paso de los años y que es justa con la labor de unos de los grandes de las últimas dos décadas, Ridley Scott. Este año volveremos a comprobar su maestría, con una nueva visión del mito de Locksley, Robin Hood, en uno de los estrenos más esperados de este curso. Scott nos recrea las Cruzadas como nadie lo había hecho antes, en su montaje personal de El Reino de los Cielos, una referencia para el género histórico y de aventuras.

"Nadie puede elegir su destino. Un rey puede mover a un hombre, un padre reclamar a un hijo, pero no olvides que aunque aquellos que te mueven sean reyes, o sean hombres con poder, tú eres el único responsable de tu alma. Cuando compadezcas ante Dios, no puedes decir que otros fueran responsables de tus actos, o que la virtud no era oportuna en aquel momento. Eso no es suficiente".

"Qué clase de hombre es el que no intenta mejorar el mundo?".

“No tengas miedo al encarar a tus enemigos. Sé valiente y recto, para que Dios te ame.Di la verdad, aunque te acarree la muerte. Protege al indefenso. Ese es tu juramento. ¡Levántaos como caballeros!”

por Emilio M. Luna
febrero 21, 2010

EL REINO DE LOS CIELOS (KINGDOM OF HEAVEN, 2005)

por Emilio M. Luna | febrero 21, 2010

EL TENIENTE VALIENTE

"Valiente nueva revisitación de este clásico de aventuras, que tuvo un paso silencioso por la carteleras de medio mundo y que mereció mejor suerte gracias a nueva buena producción y decentes interpretaciones."

Las Cuatro Plumas, la novela histórica (1902) de A.E.W Mason, ha sido adaptada varias veces a la gran pantalla. Una historia de cobardía, una leyenda sobre valientes, que jamás puede dejar de ser atractiva. Del cine mudo, nos llegaron las dos primeras adaptaciones en dos producciones a cargo de Searle Dawley (1915) y René Plaissety (1921). En 1929, el creador de King-Kong, Merian C Cooper, creó su particular visión de la novela de Mason, en un film interpretado por Richard Arlen y Fay Wray. La versión mas ajustada al original, fue la creada por Zoltan Korda en 1939, interpretada por John Clements y Ralph Richardson.. El film de Korda, compitió, ese mismo año con Gunga Din (George Stevens) interpretada por Cary Grant, en un género que estaba en alza: las aventuras coloniales. El film de Stevens, basado en la novela de Rudyard Kipling, y la cinta de Korda, fueron la inspiración para posteriores películas.

En 1955, Terence Young junto a Zoltan Kordan, crearon un remake del film de 1939, Tormenta sobre el Nilo (Storm Over the Nile). Y, en 1977, una producción británica a cargo de Don Sharp, volvió a recrear la novela original. Ambos filmes tuvieron poco éxito y relevancia. El género ya estaba dando síntomas de cansancio y pocas películas de este género cosecharon los éxitos de las producciones de los años cuarenta. Era inevitable, una modernización de esta historia, una adaptación para el siglo XXI que continuara el legado de Mason y Korda. Para ello, se contó con un director, que llegaba con el triunfo de Elizabeth (1998) y que años más tarde hizo su continuación en La Edad de Oro (2007), el hindú Shekhar Kapur. En 2002, rodeado de un joven plantel de actores y un presupuesto de treinta millones de dólares, se estrenó Las Cuatro Plumas.

La cinta, sufrió varios retrasos debido a problemas de presupuesto y recortes en el metraje. Unido, a la templada acogida de la crítica americana, la obra de Kapur apenas tuvo ganancias en las taquillas de todo el mundo. La críticas hablaban, de que la película era demasiado larga, las interpretaciones no eran del todo creíbles y que el guión estaba sin pulir. En parte, esas reseñas no van desencaminadas, ya que el film goza de una larga duración, que aturde por momentos, y la historia no se sostiene por si sola. Una obra, políticamente correcta con un final algo blando, pero que tiene grandes momentos y alguna muy buena interpretación. Heath Ledger, que se había convertido en una estrella gracias a Destino de Caballero (A Knight´s Tale, 2000) es, sin duda, lo mejor de esta película. Él encarna a Harry Faversham con valentía y pasión, y ofrece los mejores instantes del metraje. Junto a él, también destacan Djimon Hounsou (En América), Wes Bentley (American Beauty) y Michael Sheen, tan de moda gracias a su interpretación en Frost/Nixon. En cambio, la fémina del film, Kate Hudson, ofrece una paupérrima versión de la amada de Harry, en un personaje pobremente dibujado por el guión de Michael Schiffer.

La batalla de las tropas inglesas con las huestes del Mahdi, es el mejor momento, donde Kapur demuestra su talento para el cine épico. Una lástima que esta escena, sólo sea un oasis en el desierto de Sudán. Cabe destacar, que cronológicamente, esta versión de las Cuatro Plumas, está situada diez años después de los hechos narrados en la novela original. Pese a todos sus defectos, Las Cuatro Plumas, es una cinta entretenida, que ofrece un particular homenaje al género, que sólo un guión muy endeble lo alejan del altar de cine de categoría. Ahora, su destino es rellenar tardes televisivas, en una bonita manera, de que lo más pequeños conozcan el cine de aventuras, visitando nuevas sendas y conociendo a nuevos héroes. Sólo por esta valiente tentativa, merece su atención.

Si queréis saber un poco más sobre la película de Zoltan Korda y la historia de A.E.W Mason, aquí os dejo un enlace, con un artículo creado para la revista Versión Original. EL IMPERIALISMO EN ÁFRICA.

Lo Mejor: Heath Ledger. El único momento de batalla.

Lo Peor: Grandes bajones de ritmo. Narración confusa y, por momentos, insustancial.

Puntuación: 7/10.

por Emilio M. Luna
enero 13, 2010

LAS CUATRO PLUMAS (THE FOUR FEATHERS, 2002)

por Emilio M. Luna | enero 13, 2010

Escondidas en la carteleras de la mayoría de los cines del mundo, así como en la estanterías de cualquier videoclub, hay películas interesantes, que en un principio, no llaman la atención, pero después suponen una gran sorpresa, te dejan un buen sabor de boca por lo inesperado y gratificante que resultó su visionado. Este es el caso de Kiss Kiss Bang Bang, film estrenado en 2005, que fue relevado por las grandes superproducciones, a las pequeñas salas de los cines. En su ópera prima, Shane Black, nos muestra una comedia sobre el cine policiaco, de detectives, en tono paródico, con humor muy inteligente y repleto de ironía. Interpretado, en aquel momento, por el desahuciado Val Kilmer, y el mediático, y hoy de plena actualidad, Robert Downey Jr. Muy alejado de las parodias al uso de los hermanos Zucker y Jim Abrahams, con un toque elegante, se convirtió en un sátira que obtuvo muy buenas críticas en Estados Unidos y que el público español no llego a disfrutar en favor de producciones de mucha peor calidad.

Kiss Kiss Bang Bang es la historia de un ladrón de poca monta, Robert Downey, que por avatares de la vida, acaba haciendo una prueba como actor de un film de detectives. Para prepararse, para el papel, tendrá un asesor, Val Kilmer, detective, homosexual y con un sentido de humor muy particular. Se verán envueltos, en un turbio caso, que dejará asesinatos y otras complicaciones, además se abrirán los recuerdos de un amor pasado con la chica más popular de su instituto, todo en clave de comedia ligera, resuelta de manera algo caótica, pero que resulta simpática y fácil de digerir.

La película se basa en la excelente química, entre los dos protagonistas, ambos soberbios. Downey, sobresaliente en sus últimas interpretaciones y un Kilmer pletórico demostrando que sigue siendo un buen actor, y que simplemente la mala suerte en sus elecciones le ha relegado a otras posiciones en el cine actual. Ellos dos cargan con éxito, y sus conversaciones son de lo mejor de la comedia de los últimos años, con unos "gags" hilarantes e inteligentes. También destaca, Michelle Monaghan, en uno de sus primero papeles, que cumple como chica del film de manera sobresaliente, aportando belleza y complicidad con los protagonistas.

La narración y el guión puede resultar, algo desordenado y embarullado, quizás en busca de unir, a los protagonistas lo antes posible, y que realmente, la gran excusa del film son los dos actores. En ellos se basa su éxito. Aunque hay momentos un poco incomprensibles, saltos de tiempo, y escenas mal explicadas, se consienten, por el tono cómico con el que es contada. En sus aspectos técnicos, no pasa de cumplidores, muchos primeros planos, música neutra de fondo y una fotografía decente.

Los "gags" sobre todo al principio de la película, y en las escenas del lago y del cuarto de baño, son divertidísimos, merece la pena solo por ello echarle un vistazo. Kiss Kiss Bang Bang, una obra desconocida, que te saca multitud de sonrisas, sin llegar a humor grosero, con una sátira sobre las películas de detectives, y con dos actores cuya relación es lo mejor de un film muy entretenido.

Mi Puntuación: 7,5 Leer critica Kiss kiss bang bang en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
mayo 05, 2008

KISS KISS BANG BANG (SHANE BLACK, 2005)

por Emilio M. Luna | mayo 05, 2008

El halo de "film fantasma" acompaña a numerosas producciones, en ocasiones, a veces una mala acogida en festivales, otras que no tienen el beneplácito de la crítica o su recorrido comercial es muy breve, otras es su temática o sus rarezas en el metraje y a veces simplemente porque no tienen distribuidora en un mundo tan competetivo y tan ansioso de lo "actual" como el del séptimo arte. Se me vienen a la mente films como Cabalga con el Diablo (1999) de Ang Lee o Equilibrium (2002) de Kurt Wimmer, films que han llegado al nivel de culto por una razón u otra. El caso de la película que nos trata, Seraphim Falls (Enfrentados) es probablemente su falta de distribución así como un género, que aunque renace ligeramente, como el Western y algunos deslices en el guión, la han llevado a llegar a nuestro país con más de dos años de retraso. En Estados Unidos tuvo una acogida tibia, pese a su buen reparto y atractiva historia.

Seraphim Falls, narra la historia de una persecución, por parte de un antiguo oficial del ejercito del sur, Morsman Carver, que busca venganza sobre otro oficial, en este caso confederado, Gideon, al que culpa de la pérdida de su familia. El comienzo es realmente brillante, donde nos muestra la caza a Gideon, por parte de Carver y sus esbirros, a medida que avanza el film, nos va dando rastros de la personalidad de cada uno, decantándonos de un lado o de otro en simpatías por los protagonistas, a medida que conocemos la historia. Es un western ejemplar, en todos los sentidos, muy cercano al thriller en esta primera parte del film. Apoyada en el efectivismo de la dirección de Von Acken y su pareja protagonista interpretada por Liam Neeson y Pierce Brosnan, cuya sola presencia, es ya un incentivo para ver la película. Con una excelente fotografía de John Toll (Leyendas de Pasión y Braveheart) y una buena partitura musical, el film avanza notablemente.

El problema, es cuando el guión gira en busca de un mensaje alegórico, bíblico, religioso, que te queda estupefacto, y te preguntas "¿por qué esto?", buscando mayor transcendencia el film decae notablemente por la incredulidad, para mostrarnos un mensaje sobre los pecados del hombre que sinceramente no era necesario. Me pongo en la piel de director, y podría sostener que buscaban un mensaje diferente, mensaje que no hacia falta explicar con ángeles y arcángeles, y alegorías cristianas, porque es un western sobre una venganza, sobre la injusticia, no hacia falta más explicación. Von Acken busca ser original, y le estalla el producto justo cuando rubricaba un fantástico film de aventuras. Es una justa explicación del por qué la película no tuvo ninguna repercusión en América y su tardanza en llegar a cines europeos.

Sin duda, es una propuesta muy entretenida y de calidad, que se une 3:10 to Yuma (¿Para cuando se estrenará en España?), o El Asesinato de Jesse James, como ejemplos de los westerns modernos de calidad. Con unas magníficas interpretaciones de sus protagonistas, en especial, de Pierce Brosnan, que cuando no hace de glamouroso agente de su majestad, gana mucho como ya nos demostró en Matador, una fotografía brillante y una correcta dirección el film pudo llegar a ser más, de no ser por un guión que hace aguas justo llegar a puerto.

Seraphim Falls, es un western, muy entretenido y logrado en su primera parte y que se vuelve pretencioso en su final, que te deja un sabor de boca amargo. Pese a ello, se merece un visionado tanto por su ritmo como por sus protagonistas.

Mi Puntuación: 5.5 Leer critica de Enfrentados (Seraphim falls) en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
abril 08, 2008

SERAPHIM FALLS (ENFRENTADOS, 2006)

por Emilio M. Luna | abril 08, 2008

Robin de los Bosques es uno de los personajes por excelencia, del mundo del celuloide, multiples son las adaptaciones, desde los comienzos del cine moderno hasta la actualidad. Atrás quedan las versiones de Michael Curtiz (Robin de los Bosques, 1938), con el Robin Hood más recordado de todos los tiempos, el gran Errol Flynn, más antigua si cabe, es la adaptación con Douglas Fairbanks (Robin Hood, 1922, Allan Dwan). En 1976, Richard Lester, nos mostró a un Robin longevo en Robin y Marian. Otras recreaciones del héroe de Locksley son la parodía Las Locas Aventuras de Robin Hood de 1993 de Mel Brooks, o la serie de la BBC que actualmente se emite en cadenas españolas, un producto de baja calidad, aunque con algunos elementos curiosos que homenajean a anteriores films. En breve, comenzará el rodaje de "Nottimgham" protagonizada por Russell Crowe, y dirigida por Ridley Scott, en la que promete ser una particular visión sobre el ladrón de ricos en "pro" de los más pobres. En 1991, nos llegarón a la par, dos versiones sobre Robin Hood, una más austera, Robin Hood, El Magnifico, dirigida por John Irving y con Patrick Bergin y Uma Thurman en la piel de Robin y Marian, entretenida, aunque algo tosca. Y, la superproducción, Robin Hood, el Príncipe de los Ladrones, que fue una de las películas más caras de la época, multipublicitada, taquillera y algo infravalorada por la crítica, pero que en la actualidad (como en otros casos) es una referencia en el cine de aventuras, y otro clásico del cine, habitual en los periodos vacacionales.

En Robin Hood, el Príncipe de los Ladrones, el director Kevin Reynolds, reunió a un gran reparto, con el actor más taquillero del momento, Kevin Costner, acompañado por un gran Morgan Freeman, Alan Rickman, Christian Slater y Mary Elizabeth Mastrontonio. Además tuvo un gran presupuesto y producción en sus manos, de la que obtuvo un decente resultado final. Acompañado con la buena música de Michael Kamen, el guión quizás era lo más flojo, aunque es difícil sorprender, en una historia que ya conoce de sobra todo el mundo.

La narración comienza, con la fuga de Robin de Locksley de Tierra Santa, con la ayuda de un valiente y noble Musulmán, Azeem, y en su vuelta a su tierra, ve como su tierra en ausencia del rey Ricardo Corazón de León, está en el poder del tirano sheriff de Nottimgham, que tiene a toda la población sin recursos, y mal viviendo. El Sheriff tiene la ayuda de un cruel teniente y de una bruja que aporta el toque fantástico a la trama. Desterrado de Nottimgham, Robin se refugia en el bosque de Sherwood, donde hallará el apoyo de otros proscritos, en su lucha contra el malvado Sheriff de Nottimgham, además tendrá que luchar por el amor de Lady Marian, antigua conquista de juventud. Todo con grandes dosis de acción, romanticismo, humor y aventura.

Es la típica historia de Robin Hood, con los añadidos de Azeem y la bruja de Nottimgham, que le restan credibilidad, pero aumentan el interés si es que nos ceñimos a una película de aventuras y no a un documento histórico. La ambientación es realmente buena, nos traslada al Nottimgham medieval, con un buen diseño de producción, vestuarios, acorde al presupuesto que tenía el film. El punto fuerte del film, son las interpretaciones de Kevin Costner y Morgan Freeman, con gran química entre ellos, en una historia de amistad y honor. El villano está al mismo nivel que los protagonistas, y Alan Rickman demuestra que este tipo de historias y de papeles le vienen como anillo al dedo. Una virtud es la música, el desaparecido Michael Kamen, deja una partitura excelente que transmite toda la acción en los bosques de Sherwood, y posee un buen tema central, además hay que destacar el tema de Bryan Adams "Everything I do", un clásico de los 90 y de las baladas románticas.

Quizás, se pudo sacar un mayor partido del presupuesto y de la historia, demasiado simple, pero enormemente entretenida, en ningún momento baja el ritmo, lo que ayuda a no pensar en determinadas acciones de los protagonistas, en ocasiones imcomprensibles. Hay que destacar el final, con un cameo excelente, que cierra el film de manera brillante, muy al estilo de las superproducciones del Hollywood de los 50.

Robin Hood, es una bonita y simpática película, que alegró y alegrará muchas tardes a muchas personas, apta para todos los públicos, donde no sólo querremos ser Robin, sino también Azeem el Grande (¿El nombre se lo puso él?). Grandes Morgan Freeman y Kevin Costner.

Mi Puntuación: 8 Leer critica de Robin Hood en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
abril 01, 2008

ROBIN HOOD, EL PRÍNCIPE DE LOS LADRONES (1991)

por Emilio M. Luna | abril 01, 2008

La memoria ha sido siempre un tema recurrente en el mundo del cine, la pérdida de la memoria se ha tratado de una manera u otra en multitud de películas, buena prueba de ello es esa obra majestuosa llamada Memento de Christopher Nolan. Una de las enfermedades de nuestro tiempo, es el Alzheimer, trastorno degenerativo de las neuronas cerebrales, que va limando la capacidad de retención de la memoria del cerebro humano. No es extraño que el cine se haga eco de esta enfermedad, que limita al ser humano,y que borra de su memoria a todos sus seres queridos y todos sus recuerdos. Varias notables cintas tratan este tema de manera más o menos elegante, la actual Lejos de Ella (Away from Her, 2007) magnífica ópera prima de Sarah Polley, o la desconocida y grandísima película coreana, A Moment to Remember (Nae Meriosukui Jiwoogae. 2004) de la que os hablaré más adelante, ambas son dos buenas muestras de un cine que trata esta enfermedad con elegancia y gran sensibilidad. En clave más juvenil, pero igual de tierna y sensible, en 2004 se estrenó un film basado en una novela del mismo nombre, que fue un éxito de ventas, El Diario de Noa, The Notebook, una película que se convirtió en una película de culto, rodada con pocos medios, y con la etiqueta de independiente que autoimpuso su director Nick Cassavetes.

The Notebook, es la historia, dividida en dos tramos, de la vida de una pareja, Noah Calhoun y Alli Hamilton. En una residencia, un hombre le cuenta una historia a una mujer sobre dos jóvenes enamorados, Noah y Allie. Él, perteneciente a una familia humilde, ella a una clase alta de la sociedad americana. Se conocen como un amor de verano, y se prometen que estarán siempre juntos. La madre de Alli, no muy conforme con esto, manda a su hija a la ciudad alejándola de su novio e impidiendo que tuviera relación con el chico. A partir de ahí, ellos siguen sus vidas, hasta que por avatares de la vida se vuelven a encontrar. Aparentemente, es una historia muy simple, ya vista en multitud de ocasiones y de diferentes maneras, pero hecha y narrada con un sensibilidad y tacto increíble, que hará que emocione a cualquier persona.

El gran acierto del film, es sin duda, su pareja protagonista. En un principio parece que la pareja veterana, Gena Rowlands y James Garner sería la que llevaría el peso interpretativo del film. Pero increíblemente, la química entre los jóvenes Rachel McAdams y Ryan Gosling, es la auténtica protagonista de El Diario de Noa. Absolutamente creíbles, carismáticos y con un "feeling" que traspasa la pantalla. Excelentes interpretaciones de estos jóvenes actores que se comen a sus parteners de reparto, llenan la pantalla y te identificas con ellos desde el primer momento. Destaca sobre todo a Rachel McAdams, una actriz que veremos en muchas producciones en el futuro, y reune belleza y saber estar en pantalla. De Ryan Gosling, ya está todo dicho, desde The Believer, paso a paso se consagra como un prometedor actor.

El film es un compendio de tópicos, que se aceptan con simpatía, a medida que avanza la trama, va adquiriendo mayor interés, sobre todo a partir de su separación, y de cómo evolucionan sus vidas. Hay momento realmente logrados, como el paseo por barca y las escenas posteriores, genialmente narradas por Cassavetes, todo acompañado por una bonita música y excelente fotografía de Robert Fraisse.

El Diario de Noa, es una excelente experiencia, que deja un gran sabor de boca, gracias, sobre todo, a Ryan Gosling y Rachel McAdams. Una historia sobre el amor verdadero, ese que te hace llorar, ese, que nunca se olvida.

Mi Puntuación: 8,5 Leer critica de El Diario de Noa en Muchocine.net

Pd: Película, que gustará a muchos y que otros la verán como film para acompañar a la novia, harta de John McLanes, Jason Bournes o John Rambos y compensar enfados. Sin duda, una bonita historia muy bien narrada y excelentemente interpretada.

por Emilio M. Luna
marzo 26, 2008

THE NOTEBOOK (EL DIARIO DE NOA, 2004)

por Emilio M. Luna | marzo 26, 2008

En 2001 empezó unas de las más grandes creaciones del cine, con la adaptación de la obra de J.R.R Tolkien, El Señor de los Anillos, la obra literaria fantástica más conocida en todo el mundo, con millones de lectores y seguidores. El resultado es, una trilogía basada en los tres libros que componen la gran obra de Tolkien, con un gran éxito de público y crítica, que tuvo su colofón en la gala de los Óscar de 2003, con 11 estatuillas, entre ellos el de mejor película. Tres films y 29 nominaciones, para una obra mastodóntica, que es un fenómeno de masas en todo el mundo, cine de aventuras y épica que coronó a su director Peter Jackson y a su larguísimo elenco, y que ya es una referencia en el mundo del cine.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL ANILLO (THE FELLOWSHIP OF THE RING)

Mucha era la incertidumbre generada durante el rodaje del film, numerosas cuestiones planteadas, enormes dudas y el temor que no fuera una digna adaptación de la obra de Tolkien. Peter Jackson, era un director, que se le conocía por películas de corte fantástico y de terror, pero con muy poco bagaje en su filmografía, con un reparto sin estrellas, y un largo rodaje en un nuevo territorio como Nueva Zelanda, aún no explotado por las grandes estudios. Todas estas dudas, se disiparon con el estreno de La Comunidad del Anillo en las navidades del 2001, es la película más fiel de la trilogía de Jackson, y fue un gran éxito en todos las dimensiones, que hizo creer en el director neozelandés y dar crédito a su adaptación sobre la obra del anillo. Tuvo el reconocimiento de la campaña de premios, y el marketing que llevaba consigo era tan grande como el metraje de la película. Fue un fogonazo que recaudó millones en todo el mundo y cuya calidad cinematográfica superaba lo esperado en un primer momento. En mi opinión es la mejor de tres grandes películas que nos remontan a nuestra etapa infantil, con historias sobre el bien y el mal, príncipes y princesas, héroes y villanos todo con una gran producción, riqueza de medios y efectos especiales innovadores y de primer orden que la convierten en el clásico de cine de fantasía.

La Comunidad del Anillo es el primer eslabón que narra la aventura de Frodo Bolsón en la Tercera Edad de los Hombres en la Tierra Media. Las naciones libres formadas por hombres, enanos y elfos luchan contra el poder oscuro del este, Mordor, y su señor Sauron lugarteniente de Morgoth. Sauron creo un anillo con el poder de dominar a todo el mundo, anillo que perdió en la batalla de la última alianza de hombres y elfos. El anillo solo tiene poder infinito con Sauron, todos lo desean y caen a su merced, por una serie de extrañas razones llega a las manos de un diminuto ser, de la raza Hobbit, llamada Bilbo Bolsón en su viaje a la cueva del dragón Smaug. Bilbo guardo en secreto el anillo durante muchos años, hasta que su dueño reclamó su poder de nuevo. Aquí comienza la Comunidad del Anillo, Frodo, sobrino de Bilbo, y con la ayuda de Gandalf el mago, debe destruir el anillo único de poder, para ello contará con la ayuda también de tres hobbits, dos hombres, un enano y un elfo. Iniciará un camino lleno de peligros con el objetivo de llegar a Mordor, en el único lugar donde se puede destruir el arma de Sauron, el Monte del Destino.

El gran atractivo de este film, es el viaje de Frodo y sus compañeros, tal como suceden los hechos, parece un viaje imposible, lleno de adversidad y aventuras, que contagia al espectador, deseoso de nuevos peligros, vicisitudes y enemigos. Es la gran diferencia con las otras dos películas, un viaje donde parece que va a ser poco probable el éxito, esta sensación desaparece en los films posteriores. La Comunidad del Anillo nos presenta a los personajes, sus personalidades, que después se irán matizando en mayor o menor manera en Las Dos Torres y el Retorno del Rey. Sobresaliente la actuación y el personaje de Gandalf, interpretado por Ian McKellen, destacan también, un héroe inesperado Aragorn, interpretado por Viggo Mortensen, el ambicioso Boromir (Sean Bean) el valiente elfo Légolas (Orlando Bloom), la belleza de Arwen (Liv Tyler) y el protagonista Frodo Bolsón (Elijah Wood) que a medida que avanza en su viaje, gana en carisma y expresividad.

Grandes momentos nos deja La Comunidad del Anillo, el amor entre Arwen y Aragorn, la muerte de Boromir en Amon Hen, el encuentro con los Nazgul en Bree y Amon Sul, las minas de Moria o el duelo de magos. Todo con mucha épica, y grandes dosis de aventura y entretenimiento. Todo acompañados por unos efectos especiales impresionantes, un estilo de dirección de Jackson, que fue copiado hasta la saciedad por otras películas épicas o fantásticas, un gran guión en la mejor adaptación de los tres libros, una gran banda sonora de Howard Shore. Un trabajo muy cuidado por Peter Jackson, detallista y con buen gusto, seguro que al maestro Tolkien le hubiese gustado el mundo que diseñó el director neozelandés.

Este fue el comienzo de la saga más importante de los últimos años, nos presentó a actores por entonces poco conocidos y los elevó al estrellato, tanto como a su director. Este primer film, le dió credibilidad y seriedad a su obra, y es el mejor ejemplo de cine de aventuras de la última década.

Mi Puntuación: 9,5 Leer critica de El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo en Muchocine.net

VERSIÓN EXTENDIDA: se añaden 30 minutos más de metraje, se alargan algunas escenas. Las más relevantes es la explicación de la muerte de Isildur, y la llegada a Lothlorien. No aportan nada nuevo pero si ayuda a su comprensión.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LAS DOS TORRES (THE TWO TOWERS)

Las Dos Torres es el intermedio, no tiene principio ni final, por lo que es la más débil cinematográficamente hablando, pese a ello Peter Jackson la dota, de un gran ritmo, y de las tres películas, es la más entretenida, sin duda. Tras el éxito de La Comunidad del Anillo, existía una gran expectación por el próximo episodio, y tras un año de espera en la navidad de 2002, llegó Las Dos Torres, que no decepcionó a la gran mayoría, salvo a los acérrimos seguidores de Tolkien. El film es el que menos fidelidad guarda con respecto al libro. Cambio de situaciones y personajes con respecto a la obra literaria original. Además el guión tenía algunos altibajos, la narración a veces no era demasiado fluida. Pese a estos defectos, Jackson mostró una espectacular película, llena de batallas, más aventuras y uno de los asedios mejor elaborados vistos en pantalla. Todo sobrecargado, con una gran producción y cantidad de medios. Es la que menor calidad tiene de las películas de la trilogía, pero su vistosidad y entretenimiento, hicieron que fuera otro éxito de crítica y público, y otro buen ejemplo del cine de Peter Jackson que corroboraba el talento de su anterior trabajo. Recaudó mas de 900 millones de dolares en todo el mundo, y muchos héroes en los sueños infantiles nacieron tras Las Dos Torres.

La acción transcurre por historias paralelas, por un lado Frodo y Sam siguen su viaje a Mordor, Merry y Pippin capturados por los orcos de Saruman, y Aragorn, Légolas y Gimli, van en su busca. La Comunidad ya no se volverá a reunir hasta el final. En las Dos Torres se nos presentan al pueblo de Rohan, los caballeros jinetes, con nuevos personajes, el rey Theoden y sus sobrinos Éomer y Eowyn, un pueblo en decadencia por la maldición al rey, a ellos llegaran Aragorn, Légolas y Gimli, y con la ayuda de un cuarto personaje (no revelable) intentarán ayudar al pueblo de Rohan del ataque de las hordas de orcos y uruk-hais del mago Saruman. Esta trama es la más entretenida de Las Dos Torres, que tiene su apoteosis en la batalla del Abismo de Helm, realmente espectacular, donde los tres héroes cobran un carisma impresionante. Con menos interés, la historia de los Hobbits, Pippin y Merry nos presenta a los árboles, los Ents, mientras sigue el discurrir de Frodo y Sam, que les llevará al personaje bandera de la trilogía, Gollum, y que tras varias aventuras les llevará al reino de Gondor, donde nos mostrará a Faramir, hermano de Boromir. Varias historias que podían estar mejor enlazadas, para ser igual de interesantes cada una de ella, y no caer ante la espectacularidad de las escenas de los jinetes de Rohan.

Hay momentos soberbios, como la emboscada de Huargos, la citada batalla de Helm, la visión de la Puerta Negra, el batallón de Éomer en la andanada final. Épica a cantidades raudales, como nunca se había visto. La Trilogía va adquiriendo profundidad, y se nos muestra a los protagonistas de una manera más detallada, entendiendo sus comportamientos. Destacar el papel de Aragorn, el rey desterrado, de Légolas y de Gimli, así como los nuevos personajes, El rey Theoden (Bernard Hill), Eowyn (Miranda Otto) y sobre todo Éomer (Karl Urban) y Faramir (David Wenham) todos ellos tendrán vital importancia en el film final de la trilogía.

Una gran banda sonora de Howard Shore, sobre todo, en las partituras dedicadas a Rohan con tonos celtas, y un buen tema central depurado con respecto a La Comunidad del Anillo. Los efectos especiales, siguen siendo impresionantes, tanto en las batallas masivas como en la recreación de Gollum, muy realista. Los efectos son tan protagonistas como el casting, y su gran calidad hace que no se note en el resultado final. Un resultado que le llevo a una nueva nominación como mejor película en los Oscar.

Excelente film de aventuras, entretenido, interesante, con gran calidad en los efectos especiales, la producción y la banda sonora. Que nos acerca a lugares diferentes de la Tierra Media, nuevos mundos y razas, todo con épica y valor.

Mi Puntuación: 9 Leer critica de El señor de los anillos: Las dos torres en Muchocine.net

VERSIÓN EXTENDIDA: 42 minutos más de metraje, es la versión extendida más interesante, nos muestra la relación de Boromir y su hermano Faramir, conversaciones y diálogos interesantes que profundizan más en la trama. Muy recomendable ver esta versión del film.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (THE RETURN OF THE KING)

Y llegaba el final de la trilogía, se esperaba un film majestuoso, lleno de excesos, pero grande en cuanto a duración como a calidad. Y así fue, El Retorno del Rey es un gran colofón a toda la obra de Peter Jackson, más de tres horas de fantasía, batallas, emoción y épica, para la segunda película que más recaudó en toda la historia, dentro de una trilogía multimillonaria. Arrasó en el apartado de premios de medio mundo, y fue el reconocimiento a la dedicación y gran trabajo de Jackson y su equipo. Con todas sus virtudes y defectos, con todos sus seguidores o detractores, El Retorno del Rey, es el mayor ejemplo de cine actual de calidad de este nuevo siglo. Nació un nuevo estilo desde las navidades de 2003 y fue el nacimiento de un nuevo mecenas del cine, como luego demostró con su visión-homenaje de King-Kong en 2005 y como demostrará en el futuro en sus próximas producciones Lovely Bones y puede que la precuela a la trilogía, el Hobbit. No sólo encumbró al director, la saga del anillo, también a muchos de sus actores como Viggo Mortensen, Elijah Wood, Orlando Bloom o Ian McKellen, que siempre serán recordados por sus personajes de la Compañía del Anillo, así como la compañía de efectos especiales Weta, responsable de todos los efectos especiales de los filmes.

La última escala (sin desvelar demasiados datos), nos lleva por un lado a Frodo y Sam, adentrándose en Mordor, con la compañía de Gollum, mientras, Gondor lucha contra el asedio de las huestes de Sauron, necesita la ayuda de Rohan y de nuestro héroes Aragorn, Légolas y Gimli, así como de los hobbits y algún mago que otro. Ayuda que llegará de manera espectacular en la batalla de Minas Tirith, que llevará al culmen de la batalla de la Puerta Negra de Mordor. Mientras los pequeños Hobbits siguen con sus aventuras y dificultades para llegar al final del camino. Un final que les mostrará el poder del anillo que les pondrá en una tesitura moral que les hará dudar.

La emoción por las batallas, la amistad, la camadaredería, el valor y el honor, es permanente en El Retorno del Rey, en la más épica de los films de la trilogía, que nos lleva a las mejores del género junto a Braveheart (algún parecido tiene con la producción de Gibson). Las batallas perfectamente rodadas, con el estilo característico de Peter Jackson, con muchos planos aéreos y desde varias perspectivas, todo cargado con muchos efectos especiales, y una escenificación muy real y de gran calidad. Hace falta mucho dinero para lograr una película así, pero también mucho talento para llevarla a cabo con el resultado logrado.

Las interpretaciones, van acorde con la calidad del film, sin destacar en especial a algún actor, todos forman un conjunto sólido creible y con el que te identificas fácilmente. Muy atractivos son los papeles de Aragorn, Éomer y Faramir, a estos dos últimos se le podía dar una mayor profundidad como a otros, pero entonces necesitariamos una duración tan larga como el libro. El guión mejora con respecto a Las Dos Torres, es mucho más fluido, y las conexiones con las diferentes historias más ágil. El interés va creciendo paulatinamente al igual que la emoción, que lleva al final. Después llegamos a un bonito y largo epílogo, que pone punto y final a la trilogía más famosa, tras la de los Caballeros Jedi.

Howard Shore, crea otra gran partitura, evolucionando notablemente, sobre la Comunidad del Anillo, no repitiendo el mismo tema e innovando, dando fuerza cuando requiere, y solemnidad a las partes más íntimas del film. Tuvo su recompensa en forma de dos óscar, así como el óscar a la mejor canción por Into the West de Annie Lennox.

En definitiva, dignísimo final para El Señor de los Anillos, con un film maravilloso, lleno de aventura y batallas que hará las delicias de todo el mundo, y que se convierte ya en un clásico del cine. Tolkien estaría muy orgulloso de como Peter Jackson llevó la Tierra Media al cine, ójala repita con El Hobbit. Una gran película.

Mi Puntuación: 9 Leer critica de El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey en Muchocine.net

VERSIÓN EXTENDIDA: se añaden 48 minutos más de metraje, donde no se añade nada que sea importante aunque si explica muchas situaciones. Especialmente bella, son las escenas, breves, de las Casas de Curación, con la música y voz de Liv Tyler. También este nuevo montaje nos muestra el destino de el mago Saruman y aclara la reacción final de Aragorn en la Puerta Negra.

CONCLUSIÓN: Puntuación de la Trilogía: 9

por Emilio M. Luna
marzo 24, 2008

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS (THE LORD OF THE RINGS)

por Emilio M. Luna | marzo 24, 2008

Dotado de un talento y un gusto increíble, en los últimos años ha surgido un joven director, Christopher Nolan, cuyas películas tienen una fusión del mejor cine clásico con el cine actual. Nolan se distingue por una gran dedicación, detallismo y gran profundidad de sus personajes, crea ambientes con una atmósfera propia, agobiante y realista. Desde Following (1998) su primera creación, una pequeña joya en blanco y negro, pasando por su primera obra para las grandes salas, Memento (2000), que fue un gran éxito de crítica, nominado al Óscar al mejor guión, la posterior Imsomnia (2002), donde se acerca al cine negro con un virtuosismo impresionante, la revisión del Señor de la Noche en Batman Begins (2005), en su primer film para grandes estudios, Nolan nos muestra a un cineasta con una gran personalidad, una estética propia, personal, y con la que un servidor se siente, totalmente identificado. y maravillado. Cerca de estrenar The Dark Knight, la segunda entrega de el hombre murciélago, su film anterior de 2006, se estrenó en España en Enero de 2007 es una muesca y muestra más de la calidad de este director, El Truco Final: El Prestigio.

El Prestigio, basada en una excelente nóvela fantástica de mismo nombre, escrita por Christopher Priest en 1995, nos narra una historia de una rivalidad entre dos magos a finales del siglo XIX en Londres, Alfred Borden, un mago purista, con gran talento pero muy tosco en la escenificación y Robert Angier, mediocre en la técnica, pero puro espectáculo y elegancia en el escenario. Compañeros en sus inicios, un desafortunado accidente les separa, y el deseo de venganza y la posterior envidia de los éxitos profesionales de cada uno de ellos, les lleva a una batalla en busca de la gloria personal y la desgracia ajena. Es el retrato de una obsesión de dos hombres.

El tema de la obsesión, no es nuevo para Nolan, es un de los temas incorporados en cada uno de sus obras, obsesión que traslada al público con brillante narrativa y buenas historias. En el Prestigio, alterna flashbacks, con el tiempo presente, siempre teniendo los diarios de cada uno de los protagonistas como eje, al igual que en el libro. Los diarios son las pautas que siguen tanto Borden como Angier. Brillantemente, Nolan articula las escenas y la trama como de un truco de magia se tratara y nos explica en un principio el personaje interpretado por Michael Caine. El guión esta lleno de giros, y es necesario estar atento a todo para no perder una pista. El final, como muchos dicen, es previsible pero el en El Prestigio, lo imparte no es resultado, si no el proceso que te mete de lleno en el film, te engaña, te dejas engañar, te atrapa, no quieres conocer el truco hasta que llega el desenlace. Desenlace calcado a la novela de Priest y que algunos decepciona y otros como a mí, supone un digno colofón, que te hace pensar horas después como Nolan te ha engañado.

No sólo trata de la obsesion de Borden y Angier, de manera más corta pero latente nos hablan de la rivalidad de Edison y Tesla, dos inventores de la electricidad que luchaban por ser el mejor. Dándole el toque de ciencia-ficción, se nos habla de la "Teoría del hombre Teletransportado" tocada en numerosas novelas. Numerosos detalles tiene esta película, que la alejan de otro film estrenado en las mismas fechas, El Ilusionista, de Neil Burger que sin ser un mal film, carece de la profundidad e interés de la película de Nolan. Un detalle bonito y que demuestra la calidad es la escena de Borden en la carcel y "engaña" al guardia, sin ningún efecto especial y con un actor en estado de gracia.

Porque es otro acierto de El Prestigio, los actores. Unos maravillosos, una vez más, CHRISTIAN BALE Y HUGH JACKMAN en grado superlativo, dándole empaque y credibilidad a sus papeles. De Bale (Alfred Borden) está todo dicho, la sorpresa es Jackman (Robert Angier) con el carisma de los grandes clásicos, es un actor a tener muy en cuenta y es el futuro del séptimo arte. Les acompaña, un siempre brillante, Michael Caine. Un buen reparto, donde la presencia femenina tiene presencia pero poco brillo, cumplen sin más.

El apartado técnico como todas las obras de Nolan, excelente, una fotografía magnífica, una escenificación de Londres, lúgubre y decadente perfecta. Una banda sonora, del colaborador habitual de Nolan, David Julian, que acompaña y deja todo el protagonismo a la historia. Vestuario, sonidos...todos los detalles muy bien cuidados como nos acostumbra en todos sus films.

Se ha hablado que es un film menor de Christopher Nolan...pues ya quisieran muchos directores tener una película como El Prestigio en su filmografía. El Truco Final es una gran obra del talentoso Christopher Nolan, que nos atrapa, nos engaña y nos traslada a un mundo de magia en el Londres victoriano de finales del siglo XIX.

Mi Puntuación: 9 Leer critica de El truco final (The Prestige) en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 13, 2008

THE PRESTIGE (CHRISTOPHER NOLAN, 2006)

por Emilio M. Luna | marzo 13, 2008

Este año 2008, se estrena una de las películas más esperadas de los último tiempos, The Dark Knight, El Caballero Oscuro, la continuación de la nueva franquicia creada por Christopher Nolan, Batman Begins, que no sólo fue un éxito de público sino que tuvo una aclamación unánime por parte de la crítica. Batman Begins dio un nuevo lustre al personaje del señor de la noche, vapuleado por las últimas dos películas de Joel Schumacher, amparado por un gran guión, un grandísimo reparto y un excelente director, Christopher Nolan, que tras cada película demuestra ser el director joven más interesante del momento. En Batman Begins, Nolan se acerca más a la novela gráfica de Frank Miller que a la visión que Tim Burton nos ofreció en las dos primeras películas del hombre murciélago. Burton creo un Gotham, oscuro, gótico y tenebroso, Nolan en cambio busca un mayor realismo, dotando de humanidad al heróe e indagando en sus temores y en su personalidad dándonos un film profundo, emocionante y muy interesante.

El film nos narra como Bruce Wayne, se convierte en el Caballero Oscuro, en una primera hora impresionante, nos narra quien es, que hace y como consigue volver a Gotham para ayudar a la ciudad a combatir a la mafia que impera. Nos muestra a un Wayne, dubitativo, temeroso y perdido, que va encontrando su camino con la ayuda los diferentes personajes que le acompañan en cada momento. Hiperrealista como característica principal, es un film sobre una novela gráfica que podría pasar en cualquier ciudad del mundo.

El primer acierto del film, de entre todos los que tiene, es un reparto sensacional. Christian Bale, cada vez más interesante, se convierte en el mejor Bruce Wayne que jamás ha habido, nos trasmite todas sus preocupaciones aparte de tener mucho carisma y es fácil identicarse con él. Del lado de Batman están, unos estupendos, en sus breves roles, Gary Oldman, Morgan Freeman y Michael Caine. Del lado enemigo destacar a Ken Watanabe, Tom Wilkinson y sobre todo, Cillian Murphy, el Espantapajaros, que da un aspecto demente a un muy buen personaje. Completa el casting un excelente Liam Neeson y Katie Holmes que es lo más flojo del film y que es sustituida por Maggie Gyllenhaal en The Dark Knight.

El guión y la dirección es, como el resto del film excelente, la primera media hora es apabullante de lo mejor de la década y una buena muestra del cine que representa Nolan. A partir de ahi, se observa un pequeño descenso en el interés, en las escenas de acción en Gotham, donde ahi ya no se nota la labor del director, y si de los productores, buscando más escenas de acción que quizás no son del todo necesarias. Pese a ello el conjunto global es impecable, y se reserva un As en la manga, The Joker, que aparecerá en su continuación este verano.

Impecable en el apartado técnico, y excelente score por James Newton Howard, cuyos temas de la banda sonora tienen el nombre de diferente especies de murciélagos, y se adaptan plenamente a la acción que transcurre en el film, dándole la épica y emoción necesarias. Montaje y decorados muy buenos dando una visión de Gotham diferente a las que nos imaginabamos en los films de Burton y en los circos montados por Joel Schumacher en sus películas del hombre murciélago.

En definitiva, Batman Begins, es una de las mejores películas basadas en una novela gráfica, y es la primera piedra, que lo parece que nos espera en verano con El Caballero Oscuro, donde veremos la confrontación del héroe con el Joker, en un duelo que promete gran cine y entretenimiento a raudales. Batman Begins, nos deja no sólo un gran film, sino a la reafirmación de un gran actor, Christian Bale, y de un grandísimo director Christopher Nolan, que nos ofrece film tras otro una demostración de la gran calidad que atesora su cine.

Mi Puntuación: 9 Leer critica de Batman begins en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 04, 2008

BATMAN BEGINS (CHRISTOPHER NOLAN, 2005)

por Emilio M. Luna | marzo 04, 2008

De plena actualidad por la sensación independiente Juno, Jason Reitman se ha convertido en unos de los directores jóvenes del cine americano más prometedores y a tener en cuenta para futuros proyectos. Con Juno su segunda película ha alcanzado grandes de cotas de alagos y premios, pero hay que destacar que en su ópera prima Gracias por Fumar, ya nos dió muestra de un gran talento tanto en el guión como en la dirección, y nos mostró una película diferente, entretenida, divertida y con grandes intepretaciones que también tuvo enorme reconocimiento en los circuitos independientes del cine americano. Ya anteriores películas nos habían hablado del tabaco, de la industria, de las mafias, de los intereses ocultos. The Insider de Michael Mann o incluso la española The Smoking Room tienen como tématica los emporios tabacaleros, pero ninguna lo hace con la ironía y sátira de Gracias por Fumar.

El film de Reitman narra la personalidad de Nick Naylor, un hombre con gran personalidad, con una enorme dialéctica, capaz de convencer a cualquiera, sin estudios pero con gran poder de convicción, y que es el represante de las empresas tabacaleras y que defiende que el tabaco, realmente, no es peligroso para la salud. Naylor es un caradura, que se rie del todo el mundo, y hace todo lo posible por lograr sus objetivos, aunque tenga a todo el mundo en contra. Tiene su conciencia, representada en su hijo, pero realmente su trabajo es defender lo indefendible y utiliza todos sus talentos para lograrlo.

Aaron Eckhart es Nick Naylor, en una excelente interpretación de un ejecutivo sin escrúpulos, Eckhart se está labrando una fama de buen actor y sin duda, va camino de ser un grande a no mucho tardar. Cínico, irónico y encantador, convence a cualquier público, tanto físicamente como por su capacidad interpretativa. Eckhart es junto al guion y dirección de Reitman lo mejor de un film muy entretenido. Del resto del reparto destacar a J.K Simmonds que repite también en Juno y que hace de jefe de Eckhart, todavía más manipulador que su pupilo.

La historia es muy llevadera y se nos hace breve, todo gracias a un buen guión que exalta las excelencias interpretativas de Eckhart, nos hace sonreir, gracias a un humor fino, hilarante y muy inteligente. La historia es predecible, porque con gente como Nick Naylor todo el mundo sabe el final, pero entretiene y mucho y nos ofrece una visión sobre las empresas tabacaleras que todos intuíamos pero nunca habiamos visto.

Gracias por Fumar es un film de bajo presupuesto, pero grande en ideas, con buenas dosis de humor inteligente y demostrando que el cine americano aún tiene mucho que ofrecer y que aun quedan buenos guionistas y que postula a un gran director como Reitman y un actor como Aaron Eckhart en alza a la espera de su papel en The Dark Knight.

Mi Puntuación: 7 Leer critica de Gracias por fumar en Muchocine.net

por Emilio M. Luna
marzo 03, 2008

GRACIAS POR FUMAR (THANK YOU FOR SMOKING)

por Emilio M. Luna | marzo 03, 2008