Orientalismo para multisalas

crítica de La leyenda del samurái (47 Ronin) | 47 Ronin, de Carl Rinsch, 2013

Como ha ocurrido con varios títulos recientes que no han sido capaces de encontrar su público (R.I.P.D., El llanero solitario, Cowboys & Aliens, etc.), La leyenda del samurái (47 Ronin) viene lastrada por una reputación de producto fallido desde antes de su estreno. Y ese, sea cual sea la calidad de la película en cuestión, es un escollo que, salvo excepciones, ninguna puede saltar y que las condena inexorablemente al fracaso comercial y al desprecio crítico. Con rumores sobre un presupuesto descontrolado que podría ascender a los 225 millones de dólares, el rodaje de secuencias adicionales y remontajes en los que no ha tenido nada que ver su director (el debutante Carl Rinsch), el regreso al cine de Keanu Reeves no es el desastre pronosticado desde un punto de vista cualitativo, pero sin duda alguna es una de esas películas que se quedan en tierra de nadie. Al público japonés (o con filia nipona) le sabrá a poco y le perturbará la cantidad de elementos fantásticos introducidos en una trama que se sabe de memoria. La leyenda de los 47 Ronin (samuráis que han perdido a su señor) es una de las historias más populares de Japón y ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones, siendo una de las versiones más conocidas la que Kenji Mizoguchi dirigió en 1941: La venganza de los cuarenta y siete samuráis (The 47 Ronin / Genroku Chûshingura). Por supuesto, en esta historia no había ningún héroe interpretado por una estrella de Hollywood ni monstruos con reminiscencias a las criaturas de Hayao Miyazaki. Elementos que sí están en la superproducción que nos ocupa… pero también una buena ración de instantes reflexivos, momentos que hacen que la acción se ralentice y que pondrán nerviosos a los espectadores más inquietos y acostumbrados al ritmo incesante de los blockbusters. Además, resulta algo desconcertante comprobar cómo el protagonismo va pasando de Keanu Reeves a Hiroyuki Sanada sin centrarse totalmente sobre ninguno de los dos, cambiando el foco narrativo de uno a otro según el fragmento de la historia en la que nos encontremos y generando la sensación (acertada) de que esto responde más a cuestiones de post-producción que de guión. Por lo tanto, y generalizando un poco, La leyenda del Samurái resulta demasiado artificiosa para el público oriental y demasiado lenta para el occidental.

por Unknown
enero 04, 2014

Crítica | La leyenda del samurái (47 Ronin)

por Unknown | enero 04, 2014

SOBREDOSIS DE MAGIA
crítica de Oz, un mundo de fantasía | Oz: The Great and Powerful, Sam Raimi, 2013

    Los estertores del siglo XIX dieron vida a una fábula de largo recorrido. En su título, El mago de Oz, residía todo un universo lleno de matices, capacidad embriagadora y cierto espíritu freak, de parábola no tan evidente, pero cargada de esa fascinación que ya habían incorporado personajes como Alicia (la del País de las Maravillas) y Peter Pan. Base inconsciente del escritor L. Frank Baum, autor de la fastuosa saga literaria que nos dio a conocer a Dorothy, a Totó, a ese trío de inofensivos traumados hechos de paja, hojalata y —no tan— fieros rugidos. A las brujas en sus puntos cardinales, a la narración multicolor desde Kansas, un lugar demasiado anodino para una adolescente soñadora. En definitiva, carne de primera para la industria del cine, cuyos capitostes querían explotar el filón del relato infantil, trazando nuevas estrategias para atraer a su potencial público. O sea, los niños. Para ello, inmersos ya en la década de los 30, Louis B. Mayer y el productor Mervyn LeRoy acudieron a Victor Fleming para desarrollar la gran adaptación de El mago de Oz, que resultó un fracaso mayúsculo. Años más tarde, como suelen apuntar sus fans, se haría justicia con un clásico que ha resistido —mejor o peor, gracias a o por culpa de las numerosas remasterizaciones— al implacable paso del tiempo. Cuentan que, durante el rodaje, Judy Garland mostraba la típica conducta de adolescente engreída, que varios Totós salieron volando sin alas y que apenas hubo tiempo para las risas tranquilizadoras. Todo normal, ya que el cine —y, sobre todo, la industria que lo mueve— está en parte forjado por las crónicas que desmitifican al mito. La otra mitad, esa que definimos como mágica y apasionante, es el resultado de aunar técnica y algo de talento.

por Anónimo
marzo 06, 2013

CRÍTICA | OZ, UN MUNDO DE FANTASÍA

por Anónimo | marzo 06, 2013

SIEMPRE JUNTOS, ETERNAMENTE SEPARADOS
Lady Halcón (Ladyhawke, Richard Donner, 1985)

He de reconocer que dentro del nutridísimo grupo de aventuras fantásticas de los 80, Lady Halcón (EE.UU., 1985) nunca ha sido de mis favoritas. Siempre he tenido debilidad por Dentro del Laberinto (1986) o Willow (1988), mientras que al filme de Richard Donner lo metería en el mismo saco que a Legend (1985), aquella fábula esteticista de Ridley Scott, como otra propuesta que, en mi opinión, podría haber dado algo más de sí. Ambos títulos comparten un impecable aspecto visual, una arrebatada historia de amor y una discutible elección de la banda sonora. Sin embargo, y siendo justos, hay que reconocer que se trata de una más que buena película que ha soportado estoicamente el paso del tiempo. En esta sesión pasaremos a desentrañar las luces y las sombras de uno de los clásicos del género por méritos propios.

por José Martín León
diciembre 26, 2012

LADY HALCÓN (RICHARD DONNER, 1985)

por José Martín León | diciembre 26, 2012

AVENTURAS EN LA CIUDAD SUMERGIDA DE ATLANTIS
Los conquistadores de Atlantis (Warlords of Atlantis, Kevin Connor, 1978).

Vivimos una época en donde la crisis creativa ha llegado a Hollywood y las grandes productoras se dedican a desenterrar antiguos éxitos para hacer dinero con sus remakes. El cine de aventuras tiende a ser grande y caro, con apabullantes efectos digitales pero también una falta alarmante de ideas. Se ha perdido algo que antaño nos hizo pasar los mejores ratos frente a una pantalla, el sense of wonder (o sentido de la maravilla), esa capacidad que tenían incluso muchos productos de serie B, que veían compensadas sus carencias presupuestarias con formidables dosis de imaginación, fantasía y una saludable falta de complejos a la hora de mezclar ingredientes imposibles en sus historias. Un ejemplo reciente de esta corriente vendría a ser la fracasada (aunque muy reivindicable) John Carter (2012), que no supo ser entendida como el entretenimiento ligero y desacomplejado que es. Y es el caso también de nuestro primer título de nuestra aventurera Sesión doble de esta semana: Los conquistadores de Atlantis (1978), un título hoy prácticamente olvidado, pero que a muchos nos hizo pasar muy buenos momentos en nuestra infancia.

por José Martín León
diciembre 24, 2012

LOS CONQUISTADORES DE ATLANTIS (1978)

por José Martín León | diciembre 24, 2012

CUANDO PI ENCONTRÓ A RICHARD PARKER
La vida de Pi (Life of Pi, Ang Lee, 2012)

De todos los realizadores orientales que han desembarcado en Hollywood con la intención de expandir sus talentos, tal vez sea Ang Lee el mejor ejemplo de perfecta integración en la maquinaria estadounidense, sin renunciar por ello a su maestría para asumir cualquier género. El taiwandés lo mismo borda un drama de época (Sentido y sensibilidad, 1995), que un retrato de la Ámerica de los 70 (La tormenta de hielo, 1997), pasando por un curioso western (Cabalga con el diablo, 1999), una exótica fantasía de artes marciales (Tigre y dragón, 2000), un cuestionado blockbuster de superhéroes (Hulk, 2003) y, especialmente, el romance homosexual Brokeback Mountain (2005), que le supuso el Óscar al mejor director. Esta hazaña bien podría repetirse en 2013 con la adaptación del best-seller del canadiense Yann Martel La vida de Pi, una superproducción de 120 millones de dólares que, a priori, podría despertar desconfianza a causa de la dificultad de plasmar semejante historia a la pantalla. Afortunadamente, el reto ha sido solventado con resultados brillantes.

por José Martín León
diciembre 04, 2012

LA VIDA DE PI (ANG LEE, 2012) | CRÍTICA

por José Martín León | diciembre 04, 2012

SPACE OPERA
Flash Gordon (Mike Hodges, 1980)

Una de las comedias más exitosas de los últimos tiempos, Ted (2012), nos traía esta temporada a un deslenguado oso de peluche que compartía amistad eterna con Mark Wahlberg. Los que nacimos en la década de los 70 nos encontramos en ella con un impagable regalo nostálgico: la presencia de Sam J. Jones, mítico Flash Gordon del cine, riéndose de sí mismo (y del personaje por el que siempre será recordado) y haciendo un gran homenaje a la película de 1980, de la que sus protagonistas se declaran fervientemente enamorados. En una de las líneas de diálogo de Ted, el oso decía: “Es tan mala, pero es tan buena”. A continuación vamos a analizar cuánto hay de cierto en esta apreciación.

por José Martín León
noviembre 14, 2012

FLASH GORDON (MIKE HODGES, 1980)

por José Martín León | noviembre 14, 2012

BLASÓN SIN ESCUDO

Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012)

Uno de los personajes de este año es Blancanieves. Este cuento, basado aparentemente en una leyenda germana de mediados del siglo XVIII, tuvo en la versión de los hermanos Grimm – publicado por primera vez en 1812 – el trampolín hacia el imaginario popular. Como es habitual con las fábulas en la época, su propagación fue inmediata pasando del vulgo al arte en cuestión de décadas. Ya en los albores de la industria cinematográfica llegó la primera adaptación a cargo de Harry Matthews (1913) que tuvo continuidad un año después con otro corto mudo de T.O. Eltonhead titulado ‘La leyenda de Blancanieves’ y protagonizado por Marion Fairbanks – que junto a su hermana Madeline fueron las primeras gemelas famosas del celuloide –. Tras estas dos modestas piezas, arribaron casi un centenar de producciones de diversa índole encabezadas por la versión de Disney de 1937 ‘Blancanieves y los siete enanitos’ (Snow White and the Seven Dwarfs). Setenta y cinco años después de esta fantástica película que fue dirigida hasta por cinco realizadores llegan tres versiones muy diferentes del cuento – que se unen al serial de éxito ‘Erase una vez…’ ('Once Upon a Time', ABC) – y destinadas a un determinado espectro de público. Lo hacen en forma de sátira romántica (‘Mirror, Mirror’ de Tarsem Singh), arte silencioso y blanquinegro (la aplaudida ‘Blancanieves’, de Pablo Berger) y portando oscura atmósfera y aires épicos con la cinta que hoy nos ocupa, ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’ (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012).

por Emilio M. Luna
octubre 22, 2012

BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR

por Emilio M. Luna | octubre 22, 2012

MR. SCOTT, EL CUENTACUENTOS

Legend (Ridley Scott, 1985)

Tras Enemigo Mío, completamos nuestra Sesión doble de esta semana con otro filme de 1985 y, al igual que la película de Wolfgang Petersen, un rotundo fracaso comercial que con los años se ha visto convertido en título de referencia dentro del género de la fantasía en los 80.

Ridley Scott venía de rodar dos obras maestras consecutivas dentro de la ciencia ficción, Alien el 8º pasajero (1979) y Blade Runner (1982), cuando se embarcó en uno de sus proyectos más personales, Legend (1985). Un cuento de hadas como los de toda la vida, con valientes héroes, princesas en peligro, elfos, hadas, enanos, unicornios y monstruos. El guión de William Hjortsberg poseía todos estos elementos sin salirse un ápice de lo establecido. Una historia bastante poco original, típica variante de la eterna lucha entre el Bien y el Mal que de no ser por la mano maestra de Scott en la dirección, habría sido condenada al mayor de los olvidos. Ciertamente, la gestación de la película fue de lo más problemática. El titánico presupuesto de 30 millones de dólares de la época y un rodaje que se extendió desde 1982 hasta su estreno tres años más tarde a causa de múltiples vicisitudes no presagiaban un buen final. Un incendio en los estudios Pinewood de Londres donde se rodaba el filme hizo que se tuvieran que construir improvisadamente nuevos decorados. De un metraje de 150 minutos, Scott tuvo que recortar casi una hora para hacer de su obra algo más rentable. En el montaje estrenado en salas estadounidenses, la magnífica banda sonora de Jerry Goldsmith fue sustituida por otra más infantil compuesta por la banda electrónica Tangerine Dream por razones igualmente comerciales. Mia Sara tenía 15 años cuando comenzó a interpretar a la princesa Lili y acabó el rodaje casi con 18. Sería mentira afirmar que todos estos inconvenientes no se reflejaron en el resultado final: Legend es un título fallido, tan cargado de fascinantes hallazgos visuales como de imperfecciones argumentales y, sobre todo, de montaje.

por José Martín León
octubre 03, 2012

LEGEND (RIDLEY SCOTT, 1985)

por José Martín León | octubre 03, 2012

¿A QUIÉN VAS A LLAMAR?
Los cazafantasmas (Ghostbusters, Ivan Reitman, 1984)

¿Qué se puede decir de este filme que no se haya dicho ya o que todos no sepamos? Que estamos ante una de las comedias más taquilleras de la Historia del Cine, que significó el espaldarazo final a la fama de sus protagonistas o que tiene como tema principal una de las canciones más pegadizas de los 80, todo eso es innegable. La pregunta clave es si merece Los cazafantasmas (Ghostbusters, 1984) el calificativo de clásico moderno de la comedia o si, por el contrario, ha sido mitificada en exceso gracias al poder de la nostalgia. En nuestra sesión de hoy, quiero apostar por lo primero. Es un clásico y muy merecido. Para asegurarme de ser imparcial, he tenido la oportunidad de volver a verla hace un par de horas y, ciertamente, encuentro detalles que en su día pasaron desapercibidos. El tiempo pone cada cosa en su sitio y mientras en 1984, Los cazafantasmas pudo ser más apreciada por sus efectos especiales y espectacularidad, en la actualidad es cuando mejor se puede apreciar el verdadero punto fuerte de la función: su guión. Como la belleza, que no dura toda la vida, los efectos visuales del filme han quedado desfasados y nos dejan valorar con más claridad unos diálogos muy ingeniosos y cargados de doble sentido y unos actores en estado de gracia, perfectos todos ellos en sus respectivos personajes.

por José Martín León
septiembre 15, 2012

GHOSTBUSTERS (IVAN REITMAN, 1984)

por José Martín León | septiembre 15, 2012

EL HOBBIT, SEGÚN GEORGE LUCAS
Willow (Ron Howard, 1988)

Después de abrir boca con Krull, tengo el placer de comentar uno de los clásicos indiscutibles del género de aventuras de los 80, una obra que nació del despecho de George Lucas por no haber podido hacerse con los derechos de adaptación al cine de El Hobbit de Tolkien. El megalómano director de La Guerra de las Galaxias (1977) buscaba una nueva gallina de los huevos de oro tras la finalización de su triunfal trilogía en 1983 con El retorno del Jedi. Después de producir y escribir el guión de la muy exitosa Indiana Jones y el Templo Maldito, vio peligrar su carrera con dos grandes fracasos consecutivos en 1986. Sus producciones Dentro del laberinto y, muy especialmente, Howard un nuevo héroe, casi le llevan a la ruina; así que necesitaba otro taquillazo para recuperar parte del crédito perdido con las aventuras del dichoso pato. George Lucas no tuvo la suerte de Peter Jackson y sus pretensiones de llevar las hazañas de Bilbo Bolsón al celuloide naufragaron. De esta contrariedad, y como no hay mal que por bien no venga, nació nuestro clásico de hoy: Willow (1988).

por José Martín León
septiembre 13, 2012

WILLOW (RON HOWARD, 1988)

por José Martín León | septiembre 13, 2012

CABALLEROS VS. ALIENÍGENAS

Krull (Peter Yates, 1983)

Cuando hablamos del cine de fantasía y aventuras de los 80 siempre tendemos a nombrar Legend (1985), Lady Halcón (1985), Dentro del Laberinto (1986) o Willow (1988), posiblemente, las más populares y queridas por el cinéfilo que ronda los treinta años. Todos estos títulos irán pasando por nuestra sección, inevitablemente, pero también pretendo hacer justicia con algunas obras menos conocidas y peor valoradas. Y si tienen méritos suficientes para ser sacadas del olvido, mejor que mejor. Este es el caso de nuestro primer plato de esta noche.

por José Martín León
septiembre 13, 2012

KRULL (PETER YATES, 1983)

por José Martín León | septiembre 13, 2012

SCHWARZENEGGER, EL NACIMIENTO DE UNA ESTRELLA

Conan el bárbaro (Conan The Barbarian, John Milius, 1982)

"Lo mejor de la vida es aplastar enemigos, verlos destrozados, oir el lamento de sus mujeres."

En 1932, el escritor Robert E. Howard creó una serie de relatos para la revista pulp “Weird Tales” protagonizados por un bárbaro llamado Conan. Nada hacía presagiar que la aceptación de este trabajo llegaría al extremo de que ochenta años después el personaje siga dando beneficios mediante libros, cómics, juguetes, videojuegos y, por supuesto, películas. El año pasado nos llegó la última de ellas, “Conan el bárbaro”, protagonizada por el musculoso e inexpresivo Jason Momoa. La cinta se saldó con un estrepitoso fracaso crítico y comercial. Si la comparamos con el clásico que se atrevió a versionar, era de prever.

El auténtico Conan, el de toda la vida, el que mejor ha captado el aroma de los relatos (aun traicionando muchos aspectos de los libros) y el que conoció una mejor encarnación por su actor protagonista, es sin duda el plasmado en “Conan el bárbaro” (Conan the Barbarian), filme dirigido en 1982 por John Milius (Missouri, 1944) y protagonizado por un campeón de culturismo metido a actor llamado Arnold Schwarzenegger (Graz, Austria, 1947). Sin duda, este neófito encontró en este papel la mejor plataforma para saltar al estrellato, llegando a ser uno de los intérpretes más taquilleros de los 80 y 90. En el guión, como curiosidad, tenemos a Oliver Stone (Nueva York, 1946), más tarde reputado director de éxitos como “Platoon” (1986), “Wall Street” (1987) o “JFK” (1991).

por José Martín León
agosto 05, 2012

CONAN EL BÁRBARO (JOHN MILIUS, 1982)

por José Martín León | agosto 05, 2012

DAR, EL BÁRBARO ECOLOGISTA

El Señor de las Bestias (The Beastmaster, Don Coscarelli, 1982)

Hoy vamos a dedicar la primera sesión a uno de esos pequeños títulos de los 80 que muchos de nosotros disfrutamos de niños. Aquellos que por muchas veces que se emitieran por televisión, conseguían que permaneciéramos pegados al sillón y lo pasáramos en grande. Es por ello que su valor sea más nostálgico, incluso, que puramente cinematográfico. Y más aún teniendo en cuenta que perteneció a la oleada de películas que surgieron en el mismo espacio de tiempo que la mítica “Conan el Bárbaro”, intentando apuntarse al carro del éxito, con mayor o menor fortuna. “Ator el poderoso” y sus secuelas, “Cromwell, el rey de los bárbaros”, “El guerrero rojo”… infinidad de ellas han tenido su momento de gloria en nuestra memoria cinéfila, pero mi atención esta noche se la lleva “El Señor de las Bestias”.

Don Coscarelli (Libia, 1954) es un realizador que había gozado de cierta popularidad en 1979 gracias al éxito de una cinta de terror de bajo presupuesto titulada “Phantasma” (aquella de “El Hombre Alto”). De ésta rodaría hasta tres secuelas, todas bastante inferiores. Así no es difícil afirmar que “El Señor de las Bestias” es, junto a aquella, su mayor aportación al cine. Con un presupuesto limitado (seguramente costó menos de la mitad que “Conan el Bárbaro”), Coscarelli logró un relativo éxito comercial, con más de catorce millones de dólares recaudados, por lo que tuvimos dos entregas más de este personaje en 1991 y 1996, ambas protagonizadas por el actor original, Marc Singer, pero sin el director del primer título tras la cámara. Ni que decir tiene que ambas secuelas son perfectamente olvidables.

por José Martín León
agosto 04, 2012

EL SEÑOR DE LAS BESTIAS (THE BEASTMASTER, 1982)

por José Martín León | agosto 04, 2012

Este fin de semana en Cáceres se podrá disfrutar de cintas como la nueva maravilla de estudios Ghibli: Arriety

II EDICIÓN FANTER FILM FESTIVAL
(Festival de Cine Fantástico y Terror de Cáceres) – El Periódico Extremadura

FIN DE SEMANA DE TERROR EN CÁCERES

Largas colas ascendían por la calle Clavellinas hace un año. Una propuesta diferente, pensada para todos los públicos, desembarcó en Cáceres acompañada de un éxito sin precedentes. No fue necesario ningún rostro mediático, sólo mucho trabajo, una programación fresca y un género –el terror y la fantasía– siempre sugerente. Hablamos del Fanter Film Festival de Cáceres que este fin de semana cumple su segunda edición.

Heredero del extinto Festival de Cine Fantástico cacereño, este evento organizado por el equipo del portal extremeño Abandomoviez (liderado por Pablo Carrero) evoluciona mejorando la sala de proyección (Centro Cultural Capitol) y presentando una programación versátil y con títulos muy atractivos.

Attack the Block, uno de las cintas estrella del Fanter Film Festival

Desde la cruenta historia de venganza de la excelente cinta coreana Encontré al diablo (I Saw the Devil, Kim Ji-Woon, 2010), hasta el juvenil viaje ochentero que plantea la británica Attack the Block (Joe Cornish, 2011); pasando por el curioso falso-documental noruego Proyecto Troll Hunter (André Øvredal, 2010) que nos acerca unos de los iconos del folklore escandinavo. Un cartel notable –con diez largometrajes precedidos de un cortometraje a concurso– donde se encuentran las producciones más destacadas del circuito de certámenes del género.

Toda una guía de cómo pasar un buen “mal” rato cinematográfico. Además, la entrada y las palomitas son gratis ¿Qué más se puede pedir? Todos están invitados a un festival digno de apoyar. Es el futuro estandarte del entretenimiento de Cáceres.

Publicado el viernes 13 de Abril de 2012 en Distrito Ocio (El Periódico Extremadura).

Por Emilio Luna.

1.500 caracteres para una opinión.
Críticas para el El Periódico Extremadura.

El antepenúltimo mohicano

PROGRAMACIÓN II EDICIÓN FANTER FILM FESTIVAL

Viernes 14: Alta Tensión (Haute Tension, Alexandra Aja, Francia, 2003) a las 18.30h; Proyecto Trollhunter (Trolljegeren, André Øvredal, Noruega, 2010) a las 22:00h; y, Encontré al diablo (Akmareul Boattda, Kim Ji-Woon, Corea del Sur, 2010) a las 00:15h.

Sábado 15: Pánico (Hush, Mark Tonderai, Reino Unido, 2009) a las 17:00h; Storm Warning (Jamie Blanks, Australia, 2007) a las 19.30h; Attack the Block (Joe Cornish, Reino Unido, 2011) a las 22:00h; Frozen (Adam Green, Estados Unidos, 2010); y, Á L’Intérieur (Alexandre Bustillo, Francia, 2007) a la 01:45h.

Domingo 16: Arrietty y el Mundo de los Diminutos (Karigurashi No Arrietty, Hiromasha Yonebayashi, Japón, 2010) a las 12:00h; y Carne cruda (Tirso Calero, España, 2011).

Proyecto Trollhunter, de factura noruega, fue una de las anónimas sensaciones del pasado 2011

ENTREVISTA AL DIRECTOR DEL FANTER FILM FESTIVAL DE CÁCERES

Hablamos con Pablo Carrero, director del Fanter Film Festival Cáceres que comienza mañana en Cáceres. Es también el creador y coordinador de la página web de cine fantástico y de terror Abandomoviez, todo un referente a nivel mundial en cine fantástico y de terror.

“En Extremadura lo normal es pedir para hacer. Nosotros queremos hacer y luego pedir.”

Este viernes comienza la II edición del Fanter Film Festival. La primera fue todo un éxito. ¿Desde cuándo comenzó a gestarse esta segunda entrega?

-“Pues justo al terminar la primera edición. Tras la finalización de ésta comenzamos a buscar nuevas películas. Nuestro objetivo, al no ser un festival que presente películas a estreno, es intentar presentar una programación con cintas no demasiado conocidas que para el público suponga una novedad. Eso significa alejarse a veces de lo comercial donde, a veces, se encuentra más calidad incluso. Para ello también tenemos como referencia las puntuaciones de los usuarios en la base de datos de Abandomoviez. De hecho, ya estamos apuntando posibles para una tercera edición”.

¿Es fácil organizar un festival de estas características en tu ciudad? ¿Se encuentran apoyos?

-“No. Es difícil. El Fanter es una realidad, primero, por Abandomoviez que pone el dinero y, segundo, por el equipo humano que tiene detrás: amigos, familia, compañeros…de no ser así el evento costaría el triple y no sería viable. Gracias a las facilidades de mi gente es posible. Económicamente es complicado porque todo el peso lo lleva Abandomoviez aunque contamos con la colaboración de Caja Duero, el Ayuntamiento de Cáceres y Centro Comercial Ruta de la Plata, entre otros. Queremos ser un festival que no sea dependiente. En Extremadura lo normal es pedir para hacer. Nosotros queremos hacer y luego pedir; llamar la atención y que alguien apoye el proyecto porque crea en él. De todas formas, ojalá sea Abandomoviez el principal sponsor, eso significaría que todo marcha muy bien.”

¿Cuántas personas componen el equipo del Festival? El año pasado encontrasteis mucho apoyo en colaboradores de vuestra web.

-“Unas cuarenta personas. Sin este número sería imposible a nivel de organización. Además este año se celebra en el Centro Cultural Capitol donde se dobla el aforo con relación al año pasado. Personas trabajando muchas horas sin ánimo de lucro –recalca– que lo dan todo por el buen funcionamiento del festival. El éxito inicial de éste fue clave para que todos los voluntarios se animaran y pudieran aguantar el cansancio.”

Festival gratuito desde las entradas hasta las consumiciones, premios, buen cine... Parece que el éxito ya está garantizado antes del inicio. ¿Qué planes de futuro tiene el Fanter?

-“Nos marcamos varias etapas. Primero ser un referente en Cáceres, que lo apoyen los cacereños. El segundo paso es atraer a gente de fuera. El tercero sería la posibilidad de estrenar películas que las marcas Abandomoviez y Fanter signifique algo importante para las distribuidoras, algo que sería un sueño. Y cuarto tener repercusión internacional, algo que supondría el colofón al proyecto. Sitges es nuestro referente.”

Con respecto a la programación. Diez películas para todo tipo de público. Se ha subido el nivel y la selección parece muy flexible. De entre todos los filmes destacan el thriller coreano Encontré al diablo y la británica Attack the Block ¿Qué cinta recomiendas por encima de las demás en esta segunda edición del Fanter?

-“Recomiendo Encontré al diablo, una película que me sorprendió gratamente. Te va calando y cuando llevas hora de metraje abres la boca y ya no la cierras hasta el final. También destaco Proyecto Trollhunter, una película para ver en el cine por su grandes efectos especiales. Ojo con El interior, un bombazo. Filme con mucha sangre y muy bestia.”

¿Cómo crees que ha estado la cosecha del género de terror y fantástico el pasado 2011? ¿Qué película tienes apuntada en rojo este año?

-“El problema del género es el virus del remake, del reboot…parece que Hollywood se ha quedado sin ideas. Parte importante de culpa lo tiene el público que va a lo seguro. Por ello los estudios no arriesgan. De este año tengo una apuntada, que es muy Fanter, que se llama ATM. Una cinta americana que ha sido un éxito en Italia y que no se ha estrenado en su propio país.”

Mucha suerte para el Fanter Pablo. Muchas gracias por atendernos.

-“Gracias a vosotros. Os espero en el Fanter Film Festival”.

por Emilio M. Luna
abril 12, 2012

II EDICIÓN DEL FANTER FILM FESTIVAL DE CÁCERES

por Emilio M. Luna | abril 12, 2012

Mejor morir otro día

La muerte de vacaciones (Death Takes a Holiday, Mitchell Leisen, EE.UU. 1934).

La muerte de vacaciones (Death Takes a Holiday, 1934) es la segunda película que dirigió Mitchell Leisen y ya en ella, tan pronto, podemos ver las que serían las grandes características de su obra, al menos las que de manera constante han definido sus mejores filmes: el romanticismo como un sentimiento más fuerte que la vida y la comedia enloquecida y disparatada. En La muerte de vacaciones prima lo primero sobre lo segundo, pero que nadie dude de que reserva momentos muy divertidos. En esa sabia mezcla radica su fuerza. La muerte de vacaciones nos presenta una trama algo delirante, una de esas películas que parece que solo se podían hacer bien en el pasado: la Muerte decide pasar unos días con los humanos para conocer de primera mano por qué la temen tanto y cuáles son sus anhelos, buscando sobre todo saber de eso que parece ser la razón última de todas las cosas: el amor, nada más o quizá nada menos. Una comedia romántica que en su tramo final se decanta por mostrarnos los sentimientos más exacerbados, el amor más arrebatado, la pasión como algo que está más allá de nuestra experiencia terrenal. ¡Uf! Desde luego hay que creer de manera firme en ello, o al menos creer en que lo que se cuenta es bueno para hacerlo creíble y no caer en el ridículo. Porque hacer el ridículo es justo lo que pasó con la nefanda versión que en el año 1998 dirigiera Martin Brest, ¿Conoces a Joe Black? (Meet Joe Black): hay historias que si no son narradas con pasión es mejor no contarlas.

Desde la primera secuencia Leisen y sus guionistas se preocupan de dejarnos bien definido el carácter de sus personajes. Para ello, se nos muestran unos planos de una fiesta en un pueblo en la que un grupo de extranjeros se divierten y gastan su dinero. Este grupo será el que a lo largo de toda la película sigamos en los tres días siguientes, justo los que la Muerte se tomará de vacaciones. Compran rosas y se las van pasando de unos a otros: este movimiento es el que le sirve a Leisen para pasar de un personaje a otro en una presentación de esa elegancia tan propia no ya solo de este director, sino en general del cine de los grandes estudios de la época dorada de Hollywood. Pero mientras todos se divierten en la dichosa fiesta, la joven y hermosa Grazia (Evelyn Venable) está rezando en la iglesia, la mirada perdida y con una expresión de estar en un profundo éxtasis. No se trata de presentarla como una mojigata, sino como alguien que ya desde su nombre nos da pistas sobre su personalidad: su afán de trascendencia. Grazia no parece de este mundo, siempre distraída, melancólica, las cosas terrenales no la llenan. Es el anhelo de lo trascendente, de lo que no está al alcance de los demás humanos, lo que la arrebata. Solo ella estará preparada para lo que acontecerá después. Es un personaje predestinado y por esto es una presentación modélica. Nadie sino ella podrá comprender a alguien que tampoco pertenece al mundo de los vivos. De vuelta de la fiesta, ya de noche, nuestros protagonistas sufren un accidente automovilístico del cual “milagrosamente” salen ilesos. La velocidad de los coches en la noche parece excitarlos a todos y el afán de peligro se torna un auténtico delirio suicida, de manera especial en Grazia, que se nos muestra exultante ante la perspectiva de ir cada vez más deprisa. Uno piensa que si hubieran salido disparados por lo alto del acantilado que atraviesan hubiera sido plenamente feliz. Elegantes travellings por el palacio en el que se alojan los protagonistas sirven para mostrar no solo la grandeza del lugar en el que viven, sino su vida regalada y esplendorosa, su situación privilegiada justo en el momento en el que acaban de escapar de la muerte. Grazia, en el jardín, tiene un presentimiento de que algo extraño se acerca, de que algo inusitado va a suceder. Su espíritu intuye, adivina lo sobrenatural. Después, solitaria y de nuevo en el jardín, sufrirá en off su primer encuentro con la Muerte. Una sombra gélida, un viento frío que no agita las hojas de los árboles. Por mucho que Grazia se presente a nuestros ojos con su cuerpo grácil y sus vestidos con velos transparentes como un ser angelical, ya habréis comprobado que en realidad es una morbosa de cuidado y más siniestra que el que está por llegar de vacaciones. Elementos de su carácter que se exacerbarán en el desenlace y gracias a los cuales este tendrá toda la fuerza y credibilidad que precisa.

por José Luis Forte
febrero 22, 2012

Cineclub | La muerte de vacaciones (1934)

por José Luis Forte | febrero 22, 2012

HISTORIAS DE LA CRIPTA

“Decente aunque insatisfactoria cinta de terror gótico plena en estereotipos y carente de cualquier originalidad. Al menos se nota la mano de Del Toro en la ambientación y el arte conceptual."

Cómo otros muchos subgéneros de terror, dista mucho del apogeo de las casas encantadas en el celuloide. Hogares tenebrosos que heredaron en forma de desgracia o ritual, un ambiente hostil con sus huéspedes. Cementerios indios, experimentos del gobierno, asesinatos psicopáticos o cómo simple puerta del averno, los lugares poseídos han sido uno de los temas más recurrentes del cine fantástico en las últimas tres décadas del siglo XX. Filmes cómo The Haunting (Robert Wise, 1963); La Leyenda de la Casa del Infierno (The Legend of the Hell House, John Hough, 1973); El Resplandor (The Shining, Stanley Kubrick, 1980); Al Final de la Escalera (The Changeling, Peter Medak, 1980); o, Poltergeist (Tobe Hooper, 1982) son las muestras más relevantes de un tipo de terror que desde los comienzos del cine tuvo sus manifestaciones con El Legado Tenebroso (The Cat and the Canary, Paul Leni, 1928) o El Caserón de las Sombras (The Old Dark House, James Whale, 1932).

En el nuevo milenio la aportación se reduce a cuentagotas en favor del efectismo y la teatralidad asiática. Los Otros (The Others, Alejandro Amenábar, 2001); Dark Water (Honogurai Mizuno Sokokara, Hideo Nakata, 2002); Amityville (Andrew Douglas, 2005); o 1408 (Mikael Hafstrom, 2007) son las propuestas más recientes que, salvo el caso de la primera, han pasado de puntillas por la cartelera mundial. Intentando captar la esencia de las obras de los años setenta, llega la nueva producción de Guillermo del Toro, dirigida por Troy Nixey, No Tengas Miedo a la Oscuridad (Don’t Be Afraid of the Dark, 2010). El cineasta mexicano, perdido entre contratiempos que han malogrado sus proyectos El Hobbit y la Montaña de la Locura, deja su impronta en forma de bocetos en este largometraje de cierto toque familiar, casi de sobremesa, carente de sobresaltos y donde el envoltorio es su principal valedor.

La tópica historia donde los retales de una familia desestructurada se unen en una casa de maléfica tradición es el punto de partida de No Tengas Miedo a la Oscuridad. La protagonista, una niña (Bailee Madison) depresiva y aislada, encuentra en unas extrañas criaturas la atención que anhela por parte de su padre. Desafortunadamente para ella, estos seres quieren algo más que amistad. Tras un comienzo lento pero esperanzador, No Tengas Miedo a la Oscuridad va conectando con el público con una fusión que aúna la leyenda del Ratoncito Pérez con la producción televisiva Historias de la Cripta (Tales from the Crypt, 1989). A medida que avanza el metraje, los altibajos se tornan más profundos hasta un punto donde la narración de Nixey desbarra y se queda en tierra de nadie. El resultado: aburrimiento e intrascendencia ante ningún tipo de sorpresa o alarma.

Todo resulta demasiado cándido e infantil. Guy Pearce y la recuperada Katie Holmes poco pueden hacer en sus planos caracteres que se dejan llevar por los sucesos típicos de esta clase de filmes. Una monotonía edulcorada con un maravilloso y etéreo escenario junto al diseño de unas criaturas que beben de la imaginación de su productor. En definitiva, una película que funciona únicamente cómo simple homenaje a las creaciones setenteras. En pleno siglo XXI hace falta algo más que una mansión y un juego de iluminación competente para sorprender a la audiencia. Así lo demuestra su paso comercial estadounidense. No Tengas Miedo a la Oscuridad es una cinta fallida que, probablemente, tendrá una grata resurrección a su llegada al mercado doméstico o a las largas tardes dominicales.

Lo Mejor: La ambientación.

Lo Peor: Guión demasiado irregular y personajes levemente perfilados.

Puntuación: 5.3/10 CINE USA 2011/TERROR.

por Emilio M. Luna
octubre 10, 2011

DON'T BE AFRAID OF THE DARK (TROY NIXEY, 2011)

por Emilio M. Luna | octubre 10, 2011

EVIL SANTA 
Rare Exports: A Christmas Tale (Jalmari Helander, 2010)
 
"Singular cuento fantástico finés que con un tono modesto y familiar da un nuevo giro al tradicional personaje navideño del norte de Europa."

Ganadora del festival de Sitges y encargada de abrir el Festival de Cine Fantástico de San Sebastián, Rare Exports: A Christmas Tale ha sido una de las sorpresas anónimas del cine de género europeo. El cineasta finlandés Jalmari Helander adapta un cortometraje propio elaborado en 2003 al largo formato, creando una curiosa cinta navideña que aúna suspense, comedia y drama familiar. Helander con una amplia carrera como cortometrajista en su país natal, obtuvo el éxito con su nombrada pieza y con otras derivadas de ésta creado una pequeña franquicia denominada Rare Exports. Junto a su hermano, Juuso Helander, decidieron dar el gran salto creando el guión para una ópera prima que ha diferencia de la gran mayoría de cintas finesas ha traspasado fronteras obteniendo una moderada repercusión en festivales europeos. Rare Exports: A Christmas Tale, es una buena carta de presentación para un realizador con un estilo visual y narrativo muy interesante.

por Emilio M. Luna
enero 20, 2011

RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE

por Emilio M. Luna | enero 20, 2011

Fin del evento más importante del cine de género en Europa. Termina Sitges 2010 en una competición oficial muy igualada, con buenas películas aunque de calidad inferior a la edición anterior. Sitges ha sido todo un éxito gracias a una gran participación de público batiendo el record de asistencia. Las crónicas provenientes de la ciudad catalana han sido bastante eclécticas en cuanto opinión y gustos. Los filmes que más han destacado han sido 13 Assessins de Takashi Miike, Housemaid de Im Sang-Soo, Monsters de Jess Edwards, I Saw the Devil de Ji Woon-Kim(presentada en San Sebastián) y la ganadora del máximo galardón Rare Exports: A Christmats Tale de Jelmari Helander, peculiar adaptación finesa sobre el mito de Papa Noel. Mucho cin asiático y bastante polémica con el estreno de A Serbian Film de Srdjan Spasojevic. Sangre, sexo y demasiado crudeza para un film que busca el escándalo. Hemos podido ver The Black Death, una producción más académica que hará pasar un buen rato a los aficionados de las aventuras medievales. Resaltar que Monsters (pronto la crítica) ha sido el contrapunto crítico con numerosos admiradores y detractores. (Decir en una pincelada que Monsters es una interesante película que mantiene la tensión en todo momento, seguramente, una de las sorpresas de la temporada). Poniendo punto final les dejo con el palmarés completo de Sitges 2010.

Premiados Competición Oficial Fantástica

-Mejor Película: "RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE", de Jalmari Helander.
-Premio Especial del Jurado: "WE ARE THE NIGHT", de Dennis Gansel.
-Mejor Director: Jalmari Helander por "RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE".
-Mejor Actor: Patrick Fabian por "THE LAST EXORCISM".
-Mejor Actriz: Josie Ho por "DREAM HOME".
-Mejor Guión: Nicolás Goldbart por "FASE 7".
-Mejor Fotografía: Mika Orasmaa por "RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE".
-Mejor Banda Sonora Original: Alex & Willie Cortes por "NUITS ROUGES DU BOURREAU DE JADE".
-Mejores Efectos Especiales: Gareth Edwards por "MONSTERS".
-Mejores Efectos de Maquillaje: Vitaya Deerattakul & Andrew Lin por "DREAM HOME".
-Mejor Diseño de Producción: Yuji Hayashida por "THIRTEEN ASSASSINS".
-Mejor cortometraje: "THE LEGEND OF BEAVER DAMM", de Jérôme Sable.
-Mención Especial por su original homenaje a una indiscutible obra maestra del cine fantástico: "VICENTA" de Sam Millor.

por Emilio M. Luna
octubre 17, 2010

PALMARÉS FESTIVAL FANTÁSTICO DE SITGES 2010

por Emilio M. Luna | octubre 17, 2010

Como comentábamos hace unos días a propósito de la programación de la Seminci, Sitges es uno de los festivales más valorados del cine español. El Festival de Cine Fantástico de Cataluña es una de las referencias del cine de género en Europa y cada año nos brinda filmes de gran calidad que acaban siendo objeto de culto. La edición anterior se caracterizó por un nivel notable donde destacaron cintas cómo Mr. Nobody, Moon, Valhalla Rising o el estreno de Solomon Kane. A lo largo de su historia se han presentado en España cintas como Una Historia de Violencia, El Laberinto del Fauno, The Host, The Fountain, Hard Candy o The Fall de Tarsem Singh. Una programación siempre acertada que este año sigue manteniendo un nivel muy alto. A las 12:00 de la mañana de ayer se inaguraró el evento con una de las propuestas españolas más esperadas, Los Ojos de Julia, que promete ser la heredera en taquilla de El Orfanato. Además Sitges presentará Monsters (de la os hablaré en próximos días); Let Me In de Matt Reeves; A Gun and a Noodle Shop de Zhang Yimou; El Último Exorcismo de Daniel Stamm; A Serbian Film de Srdjan Spasojevic y Outrage de Takeshi Kitano.

La cinematografía española será protagonista con la presentación de Agnosia, Carne de Néon, Héroes o Finisterrae entre otras. Además de algunas de las nombradas en la sección oficial destaca Black Death, un thriller medieval sobre la peste negra que viene acompañada de buenas críticas americanas. Del 7 al 17 de Octubre lo mejor del cine fantástico, ciencia-ficción y terror del panorama mundial en Sitges. A continuación, la lista completa de participantes en la sección oficial. Desde el Antepenúltimo Mohicano os iremos informando de los estrenos más destacados.

SECCIÓN OFICIAL

-13 ASSASSINS (Takashi Miike, Japón).
-14 DAYS WITH VICTOR (Román Parrado, España).
-A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP (Zhang Yimou, China, Hong Kong).
-BEDEVILLED (Jang Cheol-soo, Corea del Sur).
-BLACK DEATH (Christopher Smith, Alemania).
-LA CASA MUDA (Gustavo Hernández, Uruguay).
-CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima, Japón).
-DREAM HOME (Pang Ho-cheung, Hong Kong).
-FASE 7 (Nicolás Goldbart, Argentina).
-KABOOM (Gregg Araki, EUA, Francia).
-KOSMOS (Reha Erdem, Turquía, Bulgaria).
-THE LAST EXORCISM (Daniel Stamm, EUA).
-LEGEND OF THE FIST: THE RETURN OF CHEN ZHEN (Andrew Lau, Hong Kong,China).
-MONSTERS (Gareth Edwards, Reino Unido).
-MY JOY (Sergei Loznitsa, Ucraina, Alemania).
-LES NUITS ROUGES DU BORREAU DE JADE (Julien Carbon y Laurent Courtiaud, Francia).
-THE PERFECT HOST (Nick Tomnay, EUA).
-RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE (Jalmari Helander, Finandia, Noruega, Francia, Suecia).
-RUBBER (Quentin Dupieux, Francia).
-SECUESTRADOS (Miguel Ángel Vivas, España).
-SOMOS LO QUE HAY (Jorge Michel Grau, México).

por Emilio M. Luna
octubre 07, 2010

FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES 2010

por Emilio M. Luna | octubre 07, 2010

BURTON EN NARNIA

"Más que decepcionante revisitación del mundo creado por Lewis Carroll, debido a una historia demasiado insulsa e infantil que se vuelve tediosa y cada minuto, más intrascendente."

El País de las Maravillas, un mundo mágico que el séptimo arte ha visitado en numerosas ocasiones a lo largo de su historia. Desde su primera creación en 1915, a cargo de W.W Young, muchas han sido las adaptaciones de la novela de Carroll; en su mayoría ninguna capta la esencia del cuento. En forma de miniserie, telefilme, remake o animación, el libro siempre ha superado al celuloide. Una obra literaria compleja de adaptar, que Carroll publicó en 1865, y que ante el éxito que logró, creo una segunda parte, Alicia a Través del Espejo, publicada en 1871. Lewis Carroll un peculiar escritor, cómo lo es el creador de la última adaptación a la gran pantalla de su obra más representativa, Tim Burton. Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland, 2010) es una de las cintas más esperadas de este curso que además viene unido al formato de las tres dimensiones.

Alicia en el País de las Maravillas, es una producción que Disney encargó al genio californiano. La pregunta que debe tener el espectador antes de su visionado es: ¿Cuánto tiene de Disney el film? ¿Y, cuánto de Burton? De la respuesta de esta pregunta, dependería el éxito de la película. El económico ya esta justificado, gracias al cacareado formato tridimensional, Alicia en el País de las Maravillas será una de las películas más taquilleras. ¿El artístico? Pues en este caso respondemos a las preguntas anteriores, y tristemente Disney absorbe por completo a Tim Burton. Algo impensable en el realizador fantástico por excelencia, y que sólo reconocemos su inconfundible estilo al inicio del metraje. Sin conocer los créditos de este filme, nadie podría imaginar que su creador es el mismo que Sweeney Todd (2007), La Novia Cadáver (Corpse Bride, 2005) o Batman Returns (1992).

Por momentos, parece que Tim Burton recorrió el mundo de C.S Lewis y visitó Narnia junto a los hermanos Pevensie. En numerosos fotogramas de Alicia en el País de las Maravillas nos recuerdan a la primera aventura en Narnia: El León, La Bruja y el Armario. Un guión “infantilizado” hace que el espectador desconecte a medida que avanza, ya que no es lo suficientemente sugerente para llamar su atención. El libreto, es bastante simple y previsible, carente de fuerza y originalidad. Alice in Wonderland, se convierte en una obra, sólo y para los más pequeños de la casa. Los adultos deberán buscar que el conejo les procuré un trozo más grande de pastel. Todo lo que no tiene el guión, lo tiene el apartado técnico. Grandes diseños y efectos especiales, así como una buena partitura musical del compositor habitual de Burton, Danny Elfman.

Del apartado actoral, poco se puede decir. Mia Wasikowska, la nueva musa independiente, cumple como Alicia, en el comienzo de una prometedora carrera. Johnny Depp, se enfunda, de nuevo, el estilo “Jack Sparrow” en la construcción del personaje de Sombrerero Loco. Un personaje que debería haber tenido menos protagonismo pero que Depp hace agradable y simpático. Alicia es una versión libre y diferente de las novelas de Carroll (la historia trascurre diez años después de la primera visita al País de las Maravillas), que sin ser una mala película, su poso desaparece en minutos y deja una sensación de decepción. Probablemente, junto al Planeta de los Simios (The Planet of the Apes, 2000) la peor cinta del gran Tim Burton. Alicia deberá visitar, otra vez, El País de las Maravillas para encontrar el rollo de celuloide acorde a la gran historia que vive.

Lo Mejor: El diseño artístico.

Lo Peor: Historia aburrida e intrascendente.

Puntuación: 5/10

por Emilio M. Luna
junio 14, 2010

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

por Emilio M. Luna | junio 14, 2010