DE ILUSIÓN TAMBIÉN SE VIVE
crítica de Reality | Matteo Garrone, 2012

    Han pasado cuatro años desde que Matteo Garrone levantara ampollas con su controvertido retrato de la Camorra italiana, Gomorra (2008), adaptación del no menos polémico best-seller de Roberto Saviano. Aquella celebrada película que le reportó innumerables premios y reconocimientos: Gran Premio del Jurado en Cannes, cinco Premios del Cine Europeo (incluido el de mejor filme), siete David Di Donatello, entre otros, por lo que la expectación ante su siguiente trabajo era notable. Reality (2012, Italia) supone un radical cambio de género y estilo conforme a Gomorra y, pese a la división de opiniones, volvió a otorgarle un nuevo Gran Premio del Jurado en Cannes.

por José Martín León
marzo 18, 2013

CRÍTICA | REALITY

por José Martín León | marzo 18, 2013

LOS PAPAS DEBEN ESTAR LOCOS

crítica de Habemus Papam | Nanni Moretti, 2011

     La actualidad manda y, ante la sorpresiva dimisión de Joseph Ratzinger (Benedicto XVI) como jefe supremo de la Iglesia católica y el reciente nombramiento del nuevo Papa Francisco I, me parece un buen momento para recuperar esta película italiana de Nanni Moretti, vista en Cannes 2011 y ganadora de 3 Premios David di Donatello, de un total de 15 nominaciones. El personal director (e intérprete) de la Caro Diario Diario (1993), Abril (1998) y La habitación del hijo (2001) –su obra maestra, un drama desgarrador sobre la pérdida de un hijo–, filma una comedia bastante menor en su filmografía, una sátira que comienza con la fumata blanca que indica que un nuevo Papa ha sido recién elegido en el Cónclave por los cardenales para representar a la Iglesia, tras la muerte de Juan Pablo II. El problema surgirá cuando el pobre hombre sufra un ataque de pánico ante tal responsabilidad, que hará que se niegue a salir al balcón para saludar a los miles de fieles que esperan en la Plaza de San Pedro. Los cardenales, desconcertados y superados por la anómala situación, recurrirán a los servicios del mejor psicoanalista del país para que ayude a Melville, que así se llama el aterrorizado nuevo Papa. Mientras dure esta recuperación de su crisis de ansiedad (y de fe), cardenales y doctor deberán permanecer encerrados entre las cuatro paredes de la Basílica, incomunicados con un mundo exterior que no se explica la falta de noticias sobre su nuevo jefe de la Iglesia.

por José Martín León
marzo 15, 2013

CRÍTICA | HABEMUS PAPAM

por José Martín León | marzo 15, 2013

el dato| máximo galardón del cine francés otorgado por la Academia de las artes y técnicas cinematográficas gala (Académie des Arts et Techniques du Cinéma). Se cumple su trigésimo octava edición.

el pasado año| venció, cómo no, ‘The artist’, de Michel Hazanavicious. Listado de ganadores.

fecha de la gala| el 22 de febrero en el Théâtre du Châtelet de París.

notas| En una tediosa gala celebrada en la capital, ‘Amour’ cumplió los pronósticos al obtener los cinco premios más importantes. ‘De óxido y hueso’ (con tres entorchados) y ‘El adiós a la Reina’ (con tres) otras de las protagonistas de la noche. La cinta que más nominaciones acaparaba, ‘Camille Redouble’, se fue de vacío, igual que ‘Holy Motors’. La tendencia ‘pro-Argo’ llega a Francia al obtener la efigie a mejor película extranjera.

por Emilio M. Luna
febrero 23, 2013

LES CÉSAR 2013

por Emilio M. Luna | febrero 23, 2013

“Más allá de las colinas, fascina porque no es explícita, no necesita palabras ni acciones para reflejar ese opresivo universo. Una mano magistral nos guía por ese tétrico monasterio ortodoxo, por esos sentimientos ocultos bajo la llave que también encierra el miedo.”

notas| con estudios de literatura inglesa, los primeros pasos del rumano Cristian Mungiu se acercaron a la docencia y el periodismo. Después de estudiar dirección cinematográfica realizó algunos cortometrajes que recibieron buena acogida en varios festivales menores. Su gran presentación en sociedad vino con su primer largometraje, Occidente (Occident, 2002), un drama sobre la emigración con toques de humor negro, que fue estrenado en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes 2002. Mungiu mostraba ya su interés por denunciar y un compromiso social por mostrar un mundo más real. La siguiente parada sería la sección Forum de Festival de Berlín 2005, donde escribe, dirige y produce Turkey Girl, un episodio incluido en la película antológica Lost and Found (2005), conformada por seis cortos ambientados en la Europa del Este poscomunista. En 2007, Mungiu escribe y dirige su segundo largometraje, Cuatro meses, tres semanas y dos días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile), presente en la Selección Oficial del Festival de Cannes 2007. Una intensa, cruda, y escalofriante historia de dos estudiantes que planean hacer un aborto, durante los últimos días del comunismo en Rumanía. Una cinta con la cual plasma un estilo propio que lo catapulta a consagrarse como uno de los grandes representantes de la nueva ola de cine rumano. El director de Iaşi se alzó con la Palma de Oro, uno de los galardones cinematográficos más importantes a nivel mundial. En Historias de la edad de oro (2009) Mungiu vuelve a participar de manera conjunta con otros cuatro realizadores. Se encarga de escribir todas las historias y dirigir el último segmento, el políptico relata de manera cómica, los últimos años del comunismo en Rumanía. Fue presentado en la sección Un Certain Regard, del Festival de Cannes 2009. El director regresa a Cannes por cuarta vez en Competición y presenta Más allá de las colinas (După Dealuri, 2012), su segunda película en la Selección Oficial. No se fue, de nuevo, de vacío al ganar el premio a mejor guión y el premio de Mejor actriz (ex-aequo: Cosmina Stratan, Cristina Flutur). Una carrera meteórica, por tanto, de un autor al que le interesa hablar de historias crudas, que miran de reojo al pasado comunista de su país. El resultado, un cine comprometido que presenta a personajes que narran sus ideas de manera real y que portan una gran carga filosófica y mística. Sin duda, Christian Mungiu es uno de los grandes realizadores europeos de la última década.

por Anónimo
febrero 10, 2013

MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS (DUPA DEALURI, CRISTIAN MUNGIU, 2012)

por Anónimo | febrero 10, 2013

El REFLEJO DE OTRA VIDA
Sebbe (Babak Najafi, 2010)

     Este primer largometraje de Babak Najafi es una muestra más de la reciente popularidad del cine sueco (o del escandinavo en general), cuyo inicio podemos fechar en el éxito de Déjame entrar (2008), la escalofriante película de Tomas Alfredson, y cuya expansión puede fácilmente ligarse al fenómeno de la saga Millenium. Ésta nos adentra en un mundo oscuro, de personajes crueles y tramas morbosas, mientras que aquella nos invita a contemplar la sociedad sueca bajo un prisma más íntimo y sutil pero igualmente crítico. Sebbe (2010) pertenece a esta segunda categoría, y recuerda incluso a Déjame entrar, de forma más directa, por sus temas de acoso escolar y alienación social. A su vez, esto último puede asemejarla a otras obras como Elephant (2003), con la que comparte no solo parte de su temática sino también algunas marcas de estilo como los planos de seguimiento de la espalda o nuca del protagonista, como recurso que refuerza esa sensación de enajenación. Pero la película de Najafi es más cercana que la de Gus Van Sant, y también más sencilla, menos ambiciosa.

    En concreto, se vertebra en torno a la relación entre una madre viuda y su hijo, pues aunque el protagonismo recae sobre este último, tanto si nos fijamos en el propio título de la película como en el eje principal de su narración, la madre tiene un desarrollo propio y es quién explica con más claridad el conflicto de Sebbe. Por ello Najafi resalta la relevancia de los momentos que ambos pasan juntos, que imaginamos escasos ya que la madre trabaja durante la noche como repartidora de periódicos y duerme durante el día, tiempo en el que su hijo acude al colegio o vagabundea por las calles. Así pues, es en estos contados momentos: durante la cena, o limpiando, o antes de salir, donde ambos personajes tienen la ocasión de liberar sus emociones acumuladas durante el resto de la jornada, que para los dos ha sido bastante penosa. En efecto, la temática de acoso trasciende la que sufre el joven entre las paredes escolares, a manos de varios compañeros de clase entre los que se encuentra su vecino, pues su madre también lo padece en su empleo, con claridad en al menos una escena del filme, e igualmente existe cierto abuso recíproco en el seno de esta familia monoparental. En otras palabras, teniendo en cuenta lo que tienen que aguantar fuera de casa, al regresar a ésta el hijo pero sobretodo la madre se comportan a veces de forma violenta e irracional, con consecuencias funestas como por ejemplo cuando ella lo echa a él de casa.

por Ignacio Navarro
febrero 07, 2013

SEBBE (BABAK NAJAFI, 2010)

por Ignacio Navarro | febrero 07, 2013

"No es de débiles ser compasivo, es precisamente lo que nos hace humanos."
 (Rufus Norris)

    En los primeros minutos de metraje, observamos como Rick, un joven con problemas mentales, mientras está lavando concienzudamente un coche, recibe una paliza por parte del cabeza de familia de los Oswald, unos vecinos del barrio. Este suceso marcará el comienzo del fin de la inocencia de Skunk, una adolescente que es testigo del fatal evento. Es ahí donde entra Archie – interpretado por un entrañable Tim Roth, muy alejado de sus papeles de villano –, un particular y elegante abogado muy al estilo Atticus Finch de esta residential area del norte de Londres. Todo en él es bondad y amabilidad para con sus vecinos, impartiendo justicia para quien más la necesita. No sería desacertado ni desproporcionado pensar que esta modesta ópera prima guardaciertas similitudes con Matar a un ruiseñor (To Kill A Mockingbird, 1962), aquella obra maestra filmada en 1962 por Robert Mulligan, pues los personajes antes mencionados parecen tomar prestados los roles de aquella otra. Incluso la preadolescente Skunk (magníficamente interpretada por la también debutante en el cine Eloise Laurence) nos recuerda a Scout Finch, ya que ambas descubren el muy complejo mundo de los adultos y comienzan a experimentar cambios emocionales y a descubrir sentimientos antes ocultos. Además, no sólo comprobamos como en ambas películas un incidente marca una fase emocional distinta, sino que también define el comienzo de la acción y de la reacción en la trama.

por Anónimo
febrero 07, 2013

BROKEN (RUFUS NORRIS, 2012)

por Anónimo | febrero 07, 2013

"La valía de un hombre se mide...

por la cuantía de soledad que le es posible soportar."

Nietzsche.

     Siempre nos ha provocado morbo el hecho de observar sin ser vistos. Quizá esa curiosidad por el otro colma nuestra necesidad de no hablar de nosotros, de buscar consuelo en aquello que nos es ajeno, y por ello, sentimos probablemente menos culpabilidad, aflicción o desasosiego. Desprendiéndonos de la superficialidad de un Big Brother de masas, pero manteniendo el objetivo vigilante y omnipresente, el realizador João Canijo nos presenta una película coral con ciertos toques de tragedia griega y marcada por un realismo por momentos hiperrealista. Si a esto añadimos la insistencia de Canijo por buscar un sentimiento patrio (quizá perdido tras la dictadura salazarista), tenemos todos los componentes que conforman esta última cinta del director portugués.

     En lo que se refiere al aspecto narrativo y técnico, parece que Sangue do Meu Sangue (João Canijo, 2011) nos remite a la multipremiada cinta de Jaime Rosales llamada La soledad, puesto que la polivisión ocupa gran parte del metraje. Gracias a ésta, podemos ser testigos de diferentes acciones en un mismo plano. El uso de esta técnica pretende aportar expresividad a la situación. Y no solamente esto, sino que además, se le permite a los espectadores jugar a ser voyeurs, partícipes de escenas paralelas que suceden en la privacidad de una casa. Si el realizador de la cinta española intentaba mostrar con esta fragmentación la incompatibilidad y necesidad de los personajes de vivir juntos, así como el lenguaje secreto del silencio, João Canijo lo utiliza, quizá, para hablar sobre la importancia del lenguaje. En este filme, observamos un ir y venir de personajes que constantemente expresan sus sentimientos, se confiesan, se sinceran, demuestran amor y odio por medio del verbo. Aquí hay poco espacio para el silencio. Pero siempre todo bajo un halo de cotidaneidad, de realismo. De ahí que el realizador haya optado por representar el melodrama como uno propio de televisión, formato en el que estuvo trabajando durante muchos años. Incluso la opción de mostrar diálogos simultáneos aporta una mayor realidad a la acción. Sin embargo, esta normalidad vital está siempre llena de contrastes, que es precisamente lo que hace que, al otro lado de la pantalla, el espectador encuentre interés por todas y cada una de las historias. Mientras a un lado de la escena vemos un acto de cariño, de amor, a otro, el estado anímico es claramente diferente. Por paradójico que parezca, Canijo también nos habla de incomunicación, en medio de tanto diálogo. De hecho, la violencia tratada se antoja como producto inevitable de ese aislamiento. Tan paradójico como el hecho de que el director haya escogido ese título que predice la unión congénita entre sus personajes, cuando realmente existe entre ellos un distancia (casi) irremediable.

por Anónimo
enero 29, 2013

SANGUE DO MEU SANGUE | JOÃO CANIJO, 2011

por Anónimo | enero 29, 2013

'Camille Redouble', de Noémie Lvovsky, lidera las nominaciones a los Premios César.

el dato: máximo galardón del cine francés otorgado por la Academia de las artes y técnicas cinematográficas gala (Académie des Arts et Techniques du Cinéma). Se cumple su trigésimo octava edición.

el pasado año: venció, cómo no, ‘The artist’, de Michel Hazanavicious. Listado de ganadores.

fecha de la gala: el 22 de febrero en el Théâtre du Châtelet de París.

notas: nominaciones engañosas ya que ‘Camille Redouble’ (13) y ‘El adiós a la reina’ (10), las que mayor numero acaparan, no deberían tener demasiado protagonismo. Sorprendente es el caso de la cinta de época de Benoît Jacquot que, tras su floja presentación en la Berlinale’12, ha pasado sin pena ni gloria por las carteleras europeas. La favorita clara es ‘Amour’ (también con 10 menciones), destinada a barrer en las categorías principales. Destaca la presencia de los siempre excelentes Jérémie Renier y Benoît Magimel (por ‘Coclo’) y del joven Kacey Mottet Klein, protagonista de L’enfant d’en haut. A continuación, el listado completo.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

LES CÉSAR 2013 | NOMINACIONES

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

El último instante de libertad

Alicia en las ciudades (Alice in den Städten, Wim Wenders, 1973).

En una playa solitaria un hombre hace una fotografía con una cámara Polaroid. Espera a que se revele entre sus manos. Compara el resultado con la realidad y no parece satisfecho. Coloca en el suelo unas cuantas fotografías más, las mira y las recoge. No encuentra en ellas lo que busca. El escritor Philip Winter sufre una crisis creativa y vital y vaga como un fantasma por las carreteras solitarias de Estados Unidos. Tiene el encargo de escribir un artículo sobre este viaje, pero le resulta imposible. Busca en sus fotografías captar algo de la realidad que vive y se le escapa, pero lamentará en más de una ocasión que no muestran lo que él ve, la realidad según pasa ante sus ojos. Incapaz de cumplir con su encargo y ante la negativa del editor de adelantarle más dinero, opta por volver a Alemania, su país natal. En el aeropuerto se encontrará con que no puede volver por una huelga de controladores aéreos. Deberá esperar al día siguiente y si quiere volar, la única opción es ir a Ámsterdam. En este viaje demorado conocerá a una joven alemana, Lisa, y a su hija que tampoco pueden retornar a Berlín. Así Phil conocerá a la niña Alicia y para nosotros dará comienzo una hermosa historia de amistad, quizá la más gélidamente narrada de la historia del cine, pero sin duda una de las más emocionantes y profundas que nos pueda ser dado admirar.

por José Luis Forte
agosto 29, 2012

Cineclub | Alicia en las ciudades (Wim Wenders, 1973)

por José Luis Forte | agosto 29, 2012

SANGRE FÁCIL

Headhunters (Hodejegerne, Morten Tyldum, 2011)

“Me llamo Roger Brown y mido 1’68, no hay que ser psicólogo para entender que esto hay que compensarlo. Mi casa, por ejemplo, vale treinta millones. No me gusta y no puedo permitírmela pero a ella… a ella le encanta.”

La literatura nórdica de intriga se ha convertido en un subgénero en sí misma. Abrazada por el éxito de la saga ‘Millennium’ de Stieg Larsson, acapara todos los estantes de librerías y grandes almacenes gracias a la aceptación de un lector imantado a la siempre sugerente atmósfera escandinava y también, por qué no decirlo, a un concepto de prosa desabrida y liviana. Excelentes autores como el sueco Henning Mankell o la noruega Karin Fossum, dotados de un don especial para unir el horror con la crónica socio-política, han sido arrastrados por esta corriente que tuvo como despertar a las plumas del tándem Maj Sjöwall–Per Wahlöö, auténticos pioneros del género. Ahora es tiempo de Camilla Läckberg, Åsa Larsson, Kjell Eriksson o el nombrado y difunto Larsson. Un dominio que trasciende más allá de la novela y que a cuentagotas va calando en las artes audiovisuales.

por Emilio M. Luna
agosto 29, 2012

HEADHUNTERS (HODEJEGERNE, 2011)

por Emilio M. Luna | agosto 29, 2012

De Paolo & Vittorio Taviani. Oso de Oro en la Berlinale 2012.

Los hermanos Taviani llevan a la prisión de Rebibbia la obra Julio César, del gran William Shakespeare, con César debe morir (Cesare deve morire, 2012). Es la misma historia, los mismos actos pero planteados tras las rejas de este complejo carcelario del municipio romano. Con este filme, los realizadores no solo conquistaron el Oso de Oro en la 62ª Festival de Cine de Berlín, el máximo reconocimiento del certamen, además han sido profetas en su tierra al alzarse con cinco Premios David di Donatello, incluyendo mejor película y director.

Como el trabajo del escritor británico, la cinta no escapa de los dilemas del poder y la amistad en pro de las libertades colectivas. Cesare deve morire nos muestra dos historias paralelas, dos mundos (nada distantes) dirigidos hacia un punto en el cual la lucha de clases se hace latente. Una situación que nos regala una reflexión sincera con un enfoque actual y de marcado carácter social. El tema de la libertad hace replantearnos muchas cosas y es precisamente este apartado el que puede despertar la sensibilidad; se trata de presos condenados a muchos años de cárcel, algunos cumpliendo pena máxima. Entre traficantes de drogas y criminales del crimen organizado el teatro cobra otro sentido, la misma prisión se torna una enorme sala de ensayo que permite a los realizadores plasmar sus particulares visiones de las personas privadas de libertad, dándoles poder como solo el arte puede lograrlo.

por Anónimo
agosto 21, 2012

CÉSAR DEBE MORIR (CESARE DEVE MORIRE, 2012)

por Anónimo | agosto 21, 2012

VIOLÍN SIN CUERDAS

Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes, Marjane Satrapi & Vincent Parronnaud, 2011)

La pasada semana leí una noticia que hablaba de la posibilidad de morir de amor. En ella aseguraban que es algo más normal de lo que parece: puedes sufrir un infarto luego de la tristeza acontecida por la pérdida de un ser querido o un romance maltrecho. El amor, pues, sería parte de la ciencia. Una ciencia frágil e inexacta, pero dependiente de los designios de la naturaleza, alojada en ese rincón que tantos ríos de tinta ha costado a poetas y pretenciosos. Ya lo decía Enrique Vila–Matas: “Todo la literatura habla de tres cosas: del amor, de la muerte y del paso del tiempo”. Esta última hace que las dos primeras sólo coexistan a su merced. Dichos conceptos, de una forma u otra, son la piedra angular de toda narración, ya que son temas recurrentes, que nos inquietan, que moldean nuestra vida, que enmarcan nuestras pasiones en la vasta decadencia del hombre (antiguo o moderno). Es realmente fascinante ver cómo algo tan manido –y repetido hasta la saciedad– alimenta la imaginación de millones de artistas y, de paso, sirve para alentar el espíritu romántico de la plebe. Aquella palabra inabarcable, sin sinónimos, se ha transformado a lo largo de los siglos. Aún resuena el eco de clásico que sentenció con tristeza: “Fue bonito mientras duró”. Pero el tópico resiste, y ese amor –o lo que sea– no ha muerto sino que se ha devaluado, como una moneda sin recorrido económico. Hoy más que nunca, los sentimientos responden a su carácter utilitario.

Y éste es el camino narrativo que intenta seguir Pollo con ciruelas, la nueva obra de la escritora y dibujante –ahora metida a cineasta– Marjane Satrapi. Ella fue la creadora de un cómic exquisito titulado Persépolis, una autobiografía en la que Satrapi retrató toda su vida en el efervescente Irán asolado por la guerra con sus vecinos iraquíes. Tras el éxito de ventas y crítica, la propia autora decidió hacerse cargo de su transposición a la gran pantalla. Escribió y dirigió su libreto junto a Vincent Paronnaud, una copia fidedigna de las viñetas impresas en papel. Persépolis se benefició del boom de las adaptaciones de historietas, una moda –nada pasajera, por cierto– que, en muchos casos, respondía más al efecto estético que a la calidad del guión. No obstante, éste no era un buen ejemplo de ese negocio: allí había personajes verosímiles, evidenciando una síntesis vital de primer orden; emotiva, compleja, interesante, una trama social en donde la familia era parte indisoluble de un drama mayor: la tragedia del conflicto bélico. Y, sin embargo, mostraba equilibradamente el paso de la infancia –más breve y amarga– a la etapa adulta, te situaba frente a esa niña cuyo espíritu rebelde, quizá el de un enfant terrible, no comprendía los porqués de una cultura precursora de dogmas atávicos y muy restrictiva con el género femenino. Es decir, una prueba de fuego que se adivinaba gris pero levemente esperanzadora¬. Y era inevitable sonreír cuando la veías comprando un cassette de Iron Maiden de estraperlo. Y durante su adolescencia, la seguías en su viaje hacia Europa, entonces en las antípodas de la decrepitud moral.

por Anónimo
agosto 03, 2012

POLLO CON CIRUELAS (POULET AUX PRUNES, 2011)

por Anónimo | agosto 03, 2012

Don Cheadle & Brendan Gleeson en 'El irlandés' (The Guard, 2011)

GUINNESS Y DINAMITA
El irlandés (The Guard, John Michael McDonagh, Irlanda, 2011)

A lo largo de un curso cinematográfico son numerosas las cintas que pasan de puntillas por la cartelera. Muchas ni siquiera llegan a estrenarse en España, o directamente sufren el ninguneo de unas distribuidoras y unos espectadores desinformados que buscan en la pirotecnia del mainstream un refugio confortable y libre de diseños más sinuosos. Aún así, muchas acaban convirtiéndose en películas de culto. Ocurrió con Escondidos en Brujas, una producción británica que contaba la historia de dos sicarios enviados a esa ciudad de cuento de hadas situada al norte de Bélgica, después de que uno de ellos matara –sin querer– a un niño flanqueado por imágenes religiosas, en el reconfortante templo de Dios. Ante una premisa tan dura y violenta, la sospecha de estar contemplando un panfleto turístico (que también) se desvanecía al instante: se evidenciaba un comportamiento frío y sarcástico de los asesinos que esperaban la señal del boss, un gánster psicótico que, paradójicamente, guarda un ápice de humanidad (ya sea por arrogancia o simple narcisismo) para tener la (in)decencia de matar en la distancia luego de nutrir a su víctima en aquellas catedrales góticas y canales que sortean cíclicamente un subsuelo opaco. Y ése es el pistoletazo de salida a una sucesión de escenas brillantes. Todo ello acompañado de unas voces y unos rostros creíbles, solventes, camuflados bajo una atmósfera llena de matices, ironía, humor negro, ritmo y pausa para enfatizar el tempo de los inflamables diálogos que pueblan el guión de Martin McDonagh, quien también ocupó la silla de director. Esos actores son caras conocidas en Hollywood y, por tanto, muy útiles para representar un determinado estilo que choca de bruces contra su entorno, valiéndose de hombres como Ralph Fiennes, Colin Farrell y Brendan Gleeson. O sea, palabras mayores.

por Anónimo
julio 24, 2012

EL IRLANDÉS (THE GUARD, 2011)

por Anónimo | julio 24, 2012

Leila Hatami (Nader & Simin) vuelve a las pantallas con 'The Last Step' con la que obtuvo el premio interpretativo

El festival internacional de cine de Karlovy Vary (República Checa) es un evento único. Y no sólo por sus cuarenta y siete ediciones que han sobrevivido a todo tipo de vicisitudes (Guerra Fría, La primavera de Praga o “La revolución del Terciopelo”). Anclado en una tradicional primera semana de Julio, este modesto certamen es el estandarte del cine de autor contemporáneo. Orientado en sus primeros años como vano del realismo de los países del Este europeo (especialmente soviético), Karlovy Vary ha ampliado sus miras con el paso de la décadas. En la actualidad, y conservando ese toque nostálgico e íntimo, es junto a Locarno el bastión del cine independiente y minoritario del continente. Un trampolín para realizadores noveles y perfecta cantera para los festivales de Clase A (Berlín, Cannes, Venecia, San Sebastián). Un prestigio ganado a pulso y que corrobora año tras año.

El pasado 29 de Junio comenzaba la nombrada 47ª edición. Todas las miradas enfocaban, como no a la sección oficial donde se encontraban las obras que se disputarían el Globo de Cristal (Crystal Globe), galardón característico del certamen. Doce filmes con claro tono social donde destacaba por encima de todas la transalpina Romanzo di una Strage, de Marco T. Giordana que venía precedido de una grata acogida en su país. También, presencia española con La lapidación de Saint Etienne, de Pere Vilà. Repasamos las cintas a competición.

por Emilio M. Luna
julio 13, 2012

KARLOVY VARY INTERNATIONAL FILM FESTIVAL 2012

por Emilio M. Luna | julio 13, 2012

Imagen del rodaje de 'Carmina o revienta', exitosa ópera prima de Paco León.

CUESTIÓN DE ESTILO
Carmina o revienta (Paco León, España, 2012)

Silencio. Una cocina en penumbra. La tenue luz de las farolas se cuela a través de la ventana. Junto a ésta hay una vela que alumbra varias estampitas religiosas. Carmina, una cincuentona entrada en carnes, con moño y camiseta de leopardo, vacía el contenido de una bolsa. Se apoya cansada en la encimera. Suspira, se lamenta. Se percata de que hay sangre en el suelo. Es de un corte que tiene en la pierna, por debajo de la rodilla. Se envuelve la herida con una servilleta de papel y plástico para conservar comida. Luego está sentada. Saca un cigarro de la cajetilla y lo enciende. Y fuma. Lleva las uñas pintadas de rojo chillón. Las manecillas del reloj colgado en la pared marcan las 04:34. Espera. Una calada. Dos. Fuma lenta pero ávidamente.

por Anónimo
julio 11, 2012

CARMINA O REVIENTA (PACO LEÓN, 2012)

por Anónimo | julio 11, 2012

Audrey Tatou es Nathalie en La delicadeza, drama romántico que supone el debut del escritor David Foenkinos

DOS TAZAS DE AZÚCAR
La delicadeza (La délicatesse, David & Stéphane Foenkinos, Francia, 2011) | El Periódico Extremadura

El músico y novelista francés David Foenkinos debuta en la dirección cinematográfica, junto con su hermano Stéphane, con La delicadeza (La délicatesse, 2011). Este ‘hombre orquesta’ formado en la Sorbona siempre ha tenido el amor muy presente en su obra literaria. Su salto a la gran pantalla desde la silla de comandante en jefe no podría ser de otra manera que hablando de romance y pasión.

La delicadeza representa el clásico relato de las idas y venidas del amor, de su incertidumbre, de su sutileza y también de su dureza. Foenkinos nos muestra el lado conocido de este sentimiento universal de formar sorprendentemente convencional. Incluso aburrida por momentos. Por suerte pequeños detalles calan hondo en el espectador y pese a no aportar nada nuevo al genero de la comedia dramática romántica deja un halo agradable tras su final.

por Emilio M. Luna
julio 08, 2012

LA DÉLICATESSE (LA DELICADEZA, 2011)

por Emilio M. Luna | julio 08, 2012

Las chicas de la sexta planta, un filme francés con claro con claro color español

LAS CHICAS DE LA SEXTA PLANTA
(Les femmes du 6ème étage, Philippe Le Guay, Francia, 2010) – El Periódico Extremadura

BURGUESÍA E INMIGRACIÓN A LA FRANCESA

Con el premio César (otorgado por la academia francesa) de Carmen Maura por montera llega a nuestros cines la enésima muestra de la buena salud del cine galo: Las chicas de la sexta planta (Les femmes du 6ème étage, Philippe Le Guay, Francia, 2010). Francia no sólo acoge sus cintas comerciales con fervor también logra exportarlas en toda Europa con buenos resultados; a la vista de la enorme cantidad de películas que traspasan los Pirineos. Una salud que, por otro lado, no siempre es sinónimo acérrimo de buen cine.

por Emilio M. Luna
junio 24, 2012

LAS CHICAS DE LA SEXTA PLANTA (2011)

por Emilio M. Luna | junio 24, 2012

Juliette Binoche es Anne, una periodista que indaga en la prostitución estudiantil en Ellas (Elles, Francia, 2011)

UN GATILLAZO SUPREMO

Estoy sentado tres o cuatro filas por detrás del centro de la sala. No he calculado el centro geométrico de la misma, pero es mi sitio, ni demasiado lejos ni suficientemente cerca. La cabina de proyección está ubicada justo encima de mí, y la distancia entre la pantalla y un servidor es buena. Parece una manía estúpida, y lo es. Pero lo hago de forma casi automática, sin pensar (respeto a los que prefieren comerse la pantalla y a los que vigilan desde la oscuridad en la antaño llamada “fila de los mancos”). En resumen, estoy listo para disfrutar de la sesión. Se apagan las luces y lo primero que veo es el rostro en penumbra de un hombre en primerísimo primer plano. Se estremece, sus rasgos no son identificables apenas, pero sabemos que es un hombre que yace tumbado. Tal vez esté sufriendo el dolor más indescriptible, acaso un delirio fruto de la fiebre o cualquier enfermedad. Y, sin embargo, por debajo se asoma la cabeza de una mujer, y entonces traduces perfectamente lo que está pasando: ese hombre desencajado alcanzará el nirvana, y su entregada servidora tiene mucho que ver en ello. Lo que desliza entre sus labios es altamente inflamable.

por Anónimo
junio 23, 2012

ELLES (ELLAS, MALGORZATA SZUMOWSKA, 2011)

por Anónimo | junio 23, 2012

The Last Farm (Síðasti bærinn, 2004), primer cortometraje de Rúnar Rúnarsson

Hace un par de semanas os presentábamos el segundo cortometraje del interesante cineasta islandés Rúnar Rúnarsson, Smáfuglar (Two Birds, 2008). Una maravilla de quince minutos profundamente dolorosa y bella. Ahora, turno para su primera creación, Síðasti bærinn (The Last Farm, 2004). Un viaje a la soledad enclavado en una remota cabaña donde un anciano esconde un sobrecogedor secreto.

Mucho talento, de nuevo, en este joven director que sorprende por una primorosa puesta en escena. Síðasti bærinn estuvo nominado al Óscar 2005 como mejor cortometraje. Pronto en El antepenúltimo mohicano, Eldfjall (Volcano, 2011). A continuación, The Last Farm subtitulado al castellano.

por Emilio M. Luna
junio 21, 2012

SÍÐASTI BÆRINN (RÚNAR RÚNARSSON, 2004)

por Emilio M. Luna | junio 21, 2012

El arte de amar de Emmanuel Mouret, nuevo filme galo que llega a nuestras carteleras

EL ARTE DE AMAR (L'art d'aimer, Emmanuel Mouret, Francia, 2011) – El Periódico Extremadura

AMOR CALEDOISCÓPICO

Qué bonito y complicado es el amor. Una frase que es un absoluto cliché pero que articula más de un noventa por cierto de las creaciones artísticas contemporáneas. No existe nada que el amor (y sus variantes) no mueva; está en el aire, como diría John Paul Young en 1978. Y que mejor lugar para hablar del sentimiento más universal que Francia.

De nuevo llega a España otro éxito más de nuestros fructíferos vecinos. Una industria cinematográfica, la francesa, que no entiende de crisis o competencia foránea. Película estrenada equivale a un total apoyo de su público. Es el caso de la cinta que hoy nos ocupa, El arte de amar (L'art d'aimer, 2011), una comedia romántica ligera y agradable ideal con la llegada de los primeros aires estivales.

por Emilio M. Luna
junio 11, 2012

EL ARTE DE AMAR (L'ART D'AIMER, E. MOURET, 2011)

por Emilio M. Luna | junio 11, 2012