Retrato de la locura

crítica de Fausto | de Aleksandr Sokúrov, Faust, 2011

En la breve historia del cinematógrafo se pueden encontrar grandes hitos que han traducido en imágenes algunos de los mitos literarios más trascendentales para la Historia (esta ya con mayúsculas en tanto que universal) y el imaginario colectivo de las sociedades. Todos los filmes del expresionismo alemán - desde la primera película del movimiento, El gabinete del Doctor Caligari (1920) hasta la ya normalizada por los estudios Nosferatu (1922) - supieron no solo llevar al celuloide una vanguardia artística anterior, sino reflejar el inconsciente alemán, viciado y atormentado en vísperas de la II Guerra Mundial, a partir de figuras como Fausto que ya existían en la literatura. Como este personaje cuando vende su alma al diablo para conseguir a Margarita, el pueblo germano debería cumplir con las cláusulas de un acuerdo que le había tachado como único responsable de la anterior guerra. El espíritu ario, devastado por el conflicto, entraría, al igual que Fausto, en una espiral de desolación y sentimiento de culpa, pero también de odio y ambición, el caldo perfecto para la proliferación de una paranoia difusa pero implacable que terminaría dando lugar al III Reich. Pero ¿cómo transmitir el punto de vista perturbado de un loco, de ese antihéroe salido de la pluma de Goethe en el que muchos vieron la semilla del Nazismo? Aleksandr Sokúrov ha intentando indagar en los abismos a los que conduce la ambición del hombre en lo que los críticos han acertado en llamar su "tetralogía del poder". Desde Moloch (1999), pasando por Taurus (2001) y The Sun (2005) hasta llegar a Fausto (2011), el cineasta ruso ha filmado las dudas de Hitler poco antes de ser vencido, los desvaríos de un Lenin senil en vísperas de su muerte y la obstinación delirante del emperador japonés Hirohito previa a reconocer su derrota ante los Estados Unidos. En todas ellas, la obsesión con el poder deriva en una distorsión de la realidad por parte de los protagonistas que el director pone en imágenes para reflexionar sobre la Historia y a la que ahora con Fausto se acerca nuevamente desde los márgenes del relato sobrenatural del escritor teutón.

por EAM
febrero 02, 2014

Crítica | Fausto, de Aleksandr Sokúrov

por EAM | febrero 02, 2014

ENSAYO SOBRE EL OCASO DEL EXISTIR

crítica de Una vida sencilla (A Simple Life)| Tao Jie, Ann Hui, 2011

Retratar la vejez es, quizás, uno de los más peliagudos enfrentamientos que un director puede tener a la hora de hacer cine, y no porque sea difícil en sí observar el ocaso de la vida de cualquier ser humano, sino por el trasfondo que debe cargar la historia que se cuenta juntando las experiencias alcanzadas de cada individuo y en base a ello conseguir plasmar con atino cómo finaliza el paso de cada persona en este mundo. Y es que hablar de los últimos años de un ser amado es, en muchas ocasiones, difícil pero debería ser todo lo contrario ¿en dónde, entonces, radica el problema? Bueno, es que como seres terrestres temer a lo desconocido es algo casi innato, y la muerte es ese paso final ¿o no? hacia lo desconocido, esa línea tan delgada que separa lo vivo de lo inerte. Los seres humanos nos aferramos desde muy pequeños a la idea de la vida, y no solo a eso, batallamos constantemente por instinto a aferrarnos a este mundo y no dejar que una enfermedad o un destino azaroso nos priven de disfrutar lo que en este universo se cocina. Pero deberíamos estar preparados para la muerte. Es lo normal. Un pasaje bíblico muy conocido (y que coincidentemente se nombra también en la película de la que hoy hago mención) es Eclesiastés 3, dónde el predicador, ferviente e iluminado, hace un examen contemplativo de su vida y escribe la famosa frase “Todo tiene su tiempo: tiempo de nacer y tiempo de morir”. Cuando Salomón escribió esto era ya un anciano, y había gozado y disfrutado de los pequeños placeres de su reino, y la experiencia le daba garantía de lo que escribía no era en vano. De la misma manera, Ann Hui, directora de cine hongkonesa muy prolífica y responsable de esta pequeña pero hermosa cinta ha filmado con el mayor de los detalles una historia basada en hechos reales y que respira, además, sinceridad y honestidad en cada uno de sus minutos; la finalización de la vida de una mujer con el estigma y el placer de haber cumplido todo a su tiempo.

por Unknown
julio 23, 2013

Crítica | Una vida sencilla

por Unknown | julio 23, 2013

EL DÍA MÁS ABURRIDO EN LA TIERRA

crítica de 4:44 Last Day on Earth | Abel Ferrara, 2011

Empecemos con una perogrullada: todos sabemos que vamos a morir, pero casi nadie sabe cuándo va a ser el momento exacto en el que exhale el último suspiro. Ahora, imaginad por un segundo que el mundo tal y como lo conocemos tuviera fecha de caducidad y que todos fuéramos conscientes de ella. Quiero decir, todos sabemos que nada dura para siempre y que es muy probable que la raza humana se acabe extinguiendo, que algún día caiga un meteorito del tamaño de Texas y nos rompa a todos por la mitad o que a los nietos de los nietos de nuestros nietos, llegado el momento, no les servirá de nada la crema protectora factor 10.000 cuando el Sol explote. Pero imaginad que supiéramos que, mañana a las 4:44 horas de la zona Este de los Estados Unidos (lo que supone que para nosotros sería a la hora de la cena más o menos), la humanidad al completo fuera a perecer por culpa de la desaparición de la capa de Ozono provocada por nuestra inconsciencia ecológica. Puede que alguno acabara sucumbiendo a la presión y se suicidara; otros aprovecharían para correrse la última gran juerga; los más familiares dedicarían sus últimas horas a estar con sus allegados; los más pasionales se despedirían haciendo el amor sin control; los que todavía tuvieran algo de fe rezarían a sus dioses para que les acogieran en el Paraíso que les tocase a cada uno... Y es muy probable que algunos de nosotros, afectados todos de cinefilia y cinefagia, intentáramos ver por última vez nuestra película favorita o algunas de ellas. Me cuesta decidir cuál sería la elegida por mí, pero sí estoy convencidísimo de algo: si hoy fuese mi último día sobre la Tierra y quisiera despedirme eligiendo sólo un título en particular, estoy convencido de que la última opción que pasaría por mi mente sería 4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara, 2011), uno de los ejemplos más inútiles, pretenciosos y aburridos del reciente cine digital en su vertiente apocalíptica.

por Unknown
julio 17, 2013

Crítica | 4:44 Last Day On Earth

por Unknown | julio 17, 2013

SALVAJES EN LOS PÁRAMOS DE YORKSHIRE

crítica de Cumbres borrascosas | Wuthering Heights, Andrea Arnold, 2011

En la Mostra de Venecia de 2011, en competición, se encontraba la enésima adaptación de la única novela de Emily Brontë: Cumbres borrascosas. Toda una osadía si nos atenemos a la escasa capacidad de sorpresa que, a priori, puede tener una historia mil veces contada. Y mil veces trasladada a pantalla, destacando la conversión del romance de Heathcliff y Catherine por parte del maestro Luis Buñuel, titulada Abismos de Pasión (1954). Wuthering Heights (2011), de la directora británica Andrea Arnold, al igual que la versión del de Calanda, es una adaptación libre de la obra literaria. Para los que desconozcan los entresijos argumentales, se trata de una historia de amor imposible, destructiva y feroz, que tiene lugar en los páramos del centro de Inglaterra, concretamente en Yorkshire. Remito la localización geográfica porque tiene especial relevancia. Me atrevería a decir que es un protagonista más. Uno de los vértices de un triángulo amoroso. Que el medio natural donde se vive es un condicionante es una obviedad fácilmente comprobable. No es lo mismo vivir en el desierto, que en la montaña o en la costa. Las sociedades y sus costumbres cambian según el clima, la flora y la fauna. Las pautas y ritmos de los países nórdicos difieren de los usos y hábitos de los mediterráneos o los caribeños. La realizadora británica lo sabe, es consciente de la influencia del paisaje en el amor bestial –en el sentido animal– de dos salvajes, de la fusión de la pareja con la bravura de esos montes, húmedos, fríos, que calan. De ahí su concepción como una película capaz de estimular los sentidos, con primerísimos planos de hojas, bichos y barro. Cuya banda sonora no puede ser otra que —a excepción del temazo “The Enemy”, del grupo Mumford & Sons, casi en los créditos finales— el ruido del viento, el azote de los árboles y el estrepitoso silencio de la soledad que evocan los amplios horizontes. Sin nada antinatural, ni tan siquiera música extradiegética.

por Anónimo
julio 09, 2013

Crítica | Cumbres borrascosas

por Anónimo | julio 09, 2013

MADRES SIN DERECHO A SERLO

crítica de Maternity Blues | Fabrizio Cattani, 2011

Por lo general la maternidad se enfoca con ilusión, como un regalo o una experiencia vital fundamental, un sacrificio ciertamente, pero de constante y eterna recompensa. Sin embargo, en una de las mejores películas estrenadas en nuestro país en las últimas semanas, Stoker (Park Chan-wook, 2013), una madre le dice a su hija que muchas veces se ha preguntado por qué las personas tienen hijos, y pasa luego a argumentar una posible justificación. Para ella ser madre es visiblemente un calvario, y no solo por el dolor del parto sino por el agobio y las penurias que vienen después… y por no sentirse capaz de entender y de cuidar de su hija. Casualidad o no, esta semana se estrena otra película que nos muestra ese lado oscuro de la maternidad, aunque no ya centrada en la problemática relación materno-filial, sino directamente en unas mujeres que han perdido toda empatía hacia sus retoños, que, como dice uno de los personajes de esta película, carecen de instinto maternal. Sus hijos no significan pues nada para ellas, más allá de un ahogo existencial insostenible, y por ello finalmente se ven obligadas a quitarles la vida. Es una premisa polémica y provocadora que aventura un drama desgarrador en toda regla.

por Ignacio Navarro
mayo 23, 2013

Crítica | Maternity Blues

por Ignacio Navarro | mayo 23, 2013

LA SOLEDAD DE UN ADICTO AL SEXO

Shame (Steve McQueen, 2011)

A lo largo de su historia, el cine nos ha ofrecido distintos retratos de perdedores, de seres humanos vapuleados por la vida y que, en su debilidad, caen presos de distintas adicciones. Desde el alcohol (Días de vino y rosas -1962-, Leaving Las Vegas -1995-) a las drogas (El hombre del brazo de oro -1955-, Réquiem por un sueño -2000-), pasando por el juego (El gran pecador -1949-), todas estas problemáticas han sido tratadas con mayor o menor fortuna por los mejores cineastas. La adicción al sexo ha sido, tal vez, la que aún no había encontrado un perfecto reflejo en el celuloide. Se ha solido caer en la ligereza a la hora de tratar el deseo incontenible que sufren algunas personas de mantener relaciones sexuales con más asiduidad de la normal, y casi siempre se ha mostrado en las películas a la mujer como víctima de este trastorno. Dos cintas españolas como Las edades de Lulú (1990) o Diario de una ninfómana (2008) intentaron explotar la cara morbosa del asunto con resultados mediocres. En 2011, queda oficialmente saldada esta deuda que había con el cine y Shame (2011) puede considerarse la obra maestra del subgénero, con el valor añadido (y es ahí donde reside gran parte de su originalidad) de que es un hombre el protagonista.

por José Martín León
enero 07, 2013

SHAME (STEVE MCQUEEN, 2011)

por José Martín León | enero 07, 2013

Parece paradójico que en pleno momento de recesión, y más aún, trasladándonos a su mismo epicentro, estemos hablando de un nuevo resurgimiento de ideas y de estilo, de una amalgama de temas y autores que son muy probablemente producto del decaimiento económico, moral y político a que la sociedad griega se está viendo avocada. Tan paradójico como el hecho de que, a pesar del bajo presupuesto con el que cuenta el cine griego, y la escasa rentabilidad de éste en estos tiempos que corren, se abogue por defender un cine que a ojos de crítica y público , provoca extrañeza y desconcierto a partes iguales. Fruto de esta denominada nueva ola del cine griego es Alps (Alpeis, 2011), de Giorgos Lanthimos, otra vuelta de tuerca a los patrones del cine europeo, inclusive a los mismos del cine heleno. El autor de Canino se desmarca de esa larga e irrepetible sombra dejada por Theo Angelopoulos o Costantin Costa-Gavras. No obstante, hereda (de algún modo) del primero ciertas características en lo que a estilo narrativo se refiere. Tanto Lanthimos como Angelopoulos hacen un uso particular del silencio en sus películas. Es, para ellos, el verdadero motor del relato. De ambos, el autor de Alps toma prestado la intencionalidad de destapar la crudeza y la descomposición de una sociedad que insiste en encontrar su identidad. No es casualidad por lo tanto que descubramos en Alps una cinta colmada de huecos, de vacío existencial, de soledad, de frialdad.

por Anónimo
diciembre 18, 2012

ALPS (ALPEIS, 2011)

por Anónimo | diciembre 18, 2012

VIOLÍN SIN CUERDAS

Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes, Marjane Satrapi & Vincent Parronnaud, 2011)

La pasada semana leí una noticia que hablaba de la posibilidad de morir de amor. En ella aseguraban que es algo más normal de lo que parece: puedes sufrir un infarto luego de la tristeza acontecida por la pérdida de un ser querido o un romance maltrecho. El amor, pues, sería parte de la ciencia. Una ciencia frágil e inexacta, pero dependiente de los designios de la naturaleza, alojada en ese rincón que tantos ríos de tinta ha costado a poetas y pretenciosos. Ya lo decía Enrique Vila–Matas: “Todo la literatura habla de tres cosas: del amor, de la muerte y del paso del tiempo”. Esta última hace que las dos primeras sólo coexistan a su merced. Dichos conceptos, de una forma u otra, son la piedra angular de toda narración, ya que son temas recurrentes, que nos inquietan, que moldean nuestra vida, que enmarcan nuestras pasiones en la vasta decadencia del hombre (antiguo o moderno). Es realmente fascinante ver cómo algo tan manido –y repetido hasta la saciedad– alimenta la imaginación de millones de artistas y, de paso, sirve para alentar el espíritu romántico de la plebe. Aquella palabra inabarcable, sin sinónimos, se ha transformado a lo largo de los siglos. Aún resuena el eco de clásico que sentenció con tristeza: “Fue bonito mientras duró”. Pero el tópico resiste, y ese amor –o lo que sea– no ha muerto sino que se ha devaluado, como una moneda sin recorrido económico. Hoy más que nunca, los sentimientos responden a su carácter utilitario.

Y éste es el camino narrativo que intenta seguir Pollo con ciruelas, la nueva obra de la escritora y dibujante –ahora metida a cineasta– Marjane Satrapi. Ella fue la creadora de un cómic exquisito titulado Persépolis, una autobiografía en la que Satrapi retrató toda su vida en el efervescente Irán asolado por la guerra con sus vecinos iraquíes. Tras el éxito de ventas y crítica, la propia autora decidió hacerse cargo de su transposición a la gran pantalla. Escribió y dirigió su libreto junto a Vincent Paronnaud, una copia fidedigna de las viñetas impresas en papel. Persépolis se benefició del boom de las adaptaciones de historietas, una moda –nada pasajera, por cierto– que, en muchos casos, respondía más al efecto estético que a la calidad del guión. No obstante, éste no era un buen ejemplo de ese negocio: allí había personajes verosímiles, evidenciando una síntesis vital de primer orden; emotiva, compleja, interesante, una trama social en donde la familia era parte indisoluble de un drama mayor: la tragedia del conflicto bélico. Y, sin embargo, mostraba equilibradamente el paso de la infancia –más breve y amarga– a la etapa adulta, te situaba frente a esa niña cuyo espíritu rebelde, quizá el de un enfant terrible, no comprendía los porqués de una cultura precursora de dogmas atávicos y muy restrictiva con el género femenino. Es decir, una prueba de fuego que se adivinaba gris pero levemente esperanzadora¬. Y era inevitable sonreír cuando la veías comprando un cassette de Iron Maiden de estraperlo. Y durante su adolescencia, la seguías en su viaje hacia Europa, entonces en las antípodas de la decrepitud moral.

por Anónimo
agosto 03, 2012

POLLO CON CIRUELAS (POULET AUX PRUNES, 2011)

por Anónimo | agosto 03, 2012

Matthew McConaughey ante la mejor interpretación de su carrera con Killer Joe (William Friedkin, Estados Unidos, 2012)

William Friedkin (director de El exorcista) vuelve a su mejor forma con Killer Joe. Al menos, es la primera afirmación que se extrae tras su presentación el pasado año en la Mostra de Venecia. Un thriller criminal que obtuvo una buena crítica por parte de la prensa especializada y que valoró la interpretación de Matthew McConaughey como la mejor de su irregular carrera.

Killer Joe, que cuenta también su reparto con Emil Hirsch, Thomas Haden Church y Juno Temple, narra una rocambolesca historia de venganza y asesinos a sueldos. Su estreno comercial en Estados Unidos está fechado para el 27 de Julio. Sin estreno confirmado (aunque se pudo ver en Sitges en octubre) en España. A continuación, el trailer definitivo.

por Emilio M. Luna
mayo 08, 2012

EXPRESS: TRAILER DE KILLER JOE (W. FRIEDKIN, 2012)

por Emilio M. Luna | mayo 08, 2012

Con la proyección fuera de concurso de Damsels in Distress (Whilt Stillman, 2011) se puso punto y final a una excelente edición de la Mostra de Venecia. Una edición de gran nivel que no tuvo el reflejo deseado en su palmarés final. Prueba de ello fueron los numerosos abucheos de la prensa al conocer el listado de ganadores. Cómo se iba rumoreando en las últimas horas, el Fausto de Alexandre Sokurov ganó fuerza adelantándose a la sobresaliente Shame de Steve McQueen obteniendo el León de Oro. Un galardón para una cinta de calidad pero que palidece en comparación con otras obras a concurso. Siguiendo con las incongruencias, indescriptibles los entorchados para Cai Shangjun (mejor director por Ren Shan Ren Hai) y Emmanuel Crialese (gran premio del jurado por Terraferma). El primero, creador de la cinta sorpresa del certamen, con un atinado trabajo pero con contendientes de mayor nivel cómo Roman Polanski, Tomas Alfredson, George Clooney o Steve McQueen. El segundo, una clara compensación al cine italiano.

Mucho más merecidos fueron los premios interpretativos. Cómo era de esperar, Michael Fassbender obtuvo la Colpa Volpi cómo mejor intérprete masculino. Todo un espaldarazo a la carrera de este joven actor irlandés cuyo binomio con Steve McQueen le ha acercado al olimpo de los grandes. En el apartado femenino, muy alabado el galardón a Deanie Yip por Tao Jie. La película china ha sido una de las pequeñas sorpresas del evento, llenándo de emoción las butacas italianas. Otros largometrajes que encontraron hueco en el palmarés fueron Alps (guión), Cumbres Borrascosas (fotografía) y Himizu (premio Marcello Mastroianni a la revelación). En definitiva, una palmarés extraño y estrafalario que no ensombrece la calidad de un certamen cercano a la brillantez. En la última Mostra de Marco Müller se han podido ver algunas de las grandes candidatas en la temporada de premios cómo El Topo, Shame, Los Idus de Marzo, Un Dios Salvaje o Un Método Peligroso. A continuación, los ganadores de la 68ª edición de la Mostra de Venecia.

PALMARÉS 68ª EDICIÓN DE LA MOSTRA DE VENECIA

SECCIÓN OFICIAL

-León de Oro a la mejor película: Faust de Aleksander Sokurov por unanimidad (Rusia).

-Gran Premio del Jurado: Terraferma de Emanuele Crialese (Italia).

-Mejor dirección: Cai Shangjun por Ren Shan Ren Hai (China, Hong Kong).
-Copa Volpi al mejor actor: Michael Fassbender por Shame (Gran Bretaña).

-Copa Volpi a la mejor actriz: Deanie Yip por Tao Jie (A Simple Life) (China, Hong Kong).

-Premio Marcello Mastroianni a la revelación: Shôta Sometani y Fumi Nikaidô por Himizu.
-Mejor guión: Alps de Yorgos de Lanthimos y Efthimis Filippou.
-Contribución técnica: Robbie Ryan por la dirección de fotografía de Cumbres Borrascosas.
-Mejor ópera prima: Là-bas de Guido Lombardi (Italia). Presentada en la Semana de la Crítica.

PREMIOS PARALELOS (más destacados)

-Premio FIPRESCI
•Mejor película de la sección oficial: Shame de Steve McQueen.
•Mejor película de Horizontes o la Semana Internacional de la Crítica: Two Years at Sea de Ben Rivers.
-Premio SIGNIS: Faust de Aleksandr Sokurov. Mención especial: A Simple Life de Ann Hui.
-Premio del público de la Semana Internacional de la Crítica: Là-Bas de Guido Lombardi.
-Premio Label a la mejor película presentada en Jornada de Autores: Présumé Coupable (Guilty) de Vincent Garenq.
-Premio Leoncino d’Oro Agiscuola: Un Dios Salvaje de Roman Polanski.

-Premio UNICEF: Terraferma de Emanuele Crialese.
-Premio Brian: The Ides of March de George Clooney.
-Premio Queer Lion: Wilde Salome de Al Pacino.

Próximas citas en Toronto (TIFF 2011) y San Sebastián (Zinemaldia Donostia 2011). Muchas gracias por seguir la Mostra de Venecia en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
septiembre 14, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: CLAUSURA Y PALMARÉS

por Emilio M. Luna | septiembre 14, 2011

Cierre de proyecciones en Venecia con la décima y última jornada. Las cábalas se anteponen al cine y en la ciudad italiana sólo se habla de la lucha por el León de Oro. Una favorita se alza por encima de todas, Shame de Steve McQueen. La prensa no se olvida de Carnage de Roman Polanski, El Topo de Tomas Alfredson y Los Idus de Marzo de George Clooney. En las últimas horas un rumor ha acercado a la terna Faust de Alexander Sokurov.

En la categoría interpretativa numerosas hipótesis pero un dato importante. El equipo de Un Método Peligroso (A Dangerous Method) ha viajado a Toronto sin uno de sus intérpretes, Michael Fassbender. El protagonista de Shame es el gran favorito a la Copa Volpi. Sería la confirmación de uno de los grandes actores del momento.

En el décimo día en Venecia se esperaba con expectación el debut de Ami Canaan Mann, la hija del gran director americano Michael Mann, con Texas Killing Fields. El resultado ha sido más aceptable tratándose de una ópera prima. Mucho más veterano y experto en estas lides es Johnny To, un rostro habitual del Lido veneciano. El cineasta de Hong-Kong presentó Life Without Principle (Duo Ming Jin), cinta de acción que gustó en líneas generales a la prensa acreditada. Ami Canaan Mann y Johnny To cierran una Mostra plena de títulos sugerentes que han dejado una de las mejores semanas de festivales que se recuerdan en esta década. Algo posible gracias a excelentes cintas anglosajonas que han subido el nivel cualitativo devolviendo al evento veneciano el prestigio que por historia siempre merece. A continuación, el análisis de la sección oficial de la última jornada.

TEXAS KILLING FIELDS (Ami Canaan Mann, Estados Unidos, 2011): buen sabor de boca ha dejado el debut de la joven pupila de uno de los grandes maestros del cine acción actual, Michael Mann. A tenor del resultado, parece que la labor del director de El Último Mohicano o Heat sobrepasó las funciones de producción. Texas Killing Field ha gustado, sobre todo por las interpretaciones de Chloe Moretz y Jeffrey Dean Morgan. Otro aspecto a destacar es su poderosa atmósfera. El largometraje se va deshinchando a medida que avanza un aspecto que ha lastrado su valoración final. Un nombre ha apuntar.

"Una cámara que se mueve con estilo pero que nunca es gratuita ni exhibicionista y una historia muy negra resuelta con cierto talento. No es una película deslumbrante pero sí digna, con suspense, con una atmósfera opresiva." (Carlos Boyero: Diario El País).

"Es un buen 'thriller', pero sólo eso. Buen comienzo para una bonita pesadilla. Pronto, sin embargo, todo se precipita por los caminos más trillados de la rutina." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

LIFE WITHOUT PRINCIPLE (Johnny To, Hong-Kong, 2011): ha sido bien recibida la vuelta de To al festival veneciano. Life Without Principle narra la historia de tres personas implicadas en un gran atraco a una entidad bancaria. Una película que además de acción da réplica a la situación de Hong-Kong, minada por un capitalismo exarcebado. La prensa ha valorado su poderosa puesta en escena.

"Con un descuido narrativo que confunde y divierte a partes iguales. Se sale del cine tan contento como, justo es admitirlo, mareado. Como siempre que se visita a To, vamos." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

El sábado, clausura y palmarés de la Mostra de Venecia. Pese al gran nivel de las participantes el festival fue fiel a su historia dejando un sorprendente resultado en el listado de ganadores. Así son los certámenes europeos. En unos momentos el palmarés en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
septiembre 14, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: DÉCIMA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 14, 2011

Jornada aparentemente intrascendente pero que el futuro marcará cómo clave. Viejos rockeros vuelven a escena y que mejor escenario que las glamourosas aceras venecianas. William Friedkin, el eterno director autor de filmes cómo El Exorcista (The Exorcist, 1973), vuelve con una modesta pero interesante producción, Killer Joe (2011). Es indudable que la carrera de Friedkin está anclada desde el clásico de terror nombrado con anterioridad; menos dudas, sin embargo, deja el talento de un cineasta siempre interesante. Con Killer Joe, presenta un filme menor pero entretenido que pudiera tener una buena carrera comercial en Estados Unidos. Evasión también ofrece la tercera representante italiana a concurso, L’Ultimo Terrestre (Alfonso Pacinetti, 2011). Drama de ciencia-ficción con trama original y poco abordada en la filmografía transalpina.

Vuelve Alexander Sokurov. El cineasta de Irkustk cierra la tetralogía del poder que inicio con Moloch (1999) y continuó con Taurus (2000) y The Sun (2005). Y lo hace con la revisión del mito del Fausto, Faust (2011). Rodada en alemán el nuevo filme de Sokurov ha supuesto el punto álgido del día. La crítica la ha alabado aunque no para figurar como favorita en el palmarés final. El tiempo le reservará un lugar de honor.

Precisamente la hipotética elección del jurado es el contenido más solicitado en Venecia. El Topo, Shame, Los Idus de Marzo o Un Dios Salvaje son las grandes favoritas para la prensa en una edición fantástica. Lástima la ausencia de España en la sección oficial. Tan sólo, Eva de Kike Maillo, representó a nuestro pais (fuera de competición), de manera más que digna, en el día de ayer. A continuación, el análisis de la sección oficial.

KILLER JOE (William Friedkin, Estados Unidos, 2011): aunque todos los focos estaban posicionados en torno a la dirección de Friedkin, un infravalorado actor le robó todo el protagonismo. Matthew McConaughey demuestra, cómo ya hizo en Tiempo de Matar (Time To Kill, Joel Schumacher, 1996) y El Inocente (The Lincoln Lawyer, Brad Furman, 2011), su solidez como intérprete de drama. McConaughey interpreta a un carismático asesino a sueldo contratado para eliminar a una madre cuya muerte supondrá el pago de un cuantioso seguro. Comedia negra que ha gustado al respetable gracias a sus numerosos momentos cómicos. Friedkin, lejos del nivel de The French Connection (1971), deja un buen sabor de boca al igual que su protagonista.

"Protagonizada por la mejor versión posible de Matthew McConaughey. Lejos de Friedkin el vicio de los sermones. Él simplemente deja que sus personajes respiren." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

L’ULTIMO TERRESTRE (Alfonso Pacinetti, Italia, 2011): bastante peor acogida ha tenido este drama italiano que narra la historia de un joven empleado de bingo que no afronta una invasión extraterrestre. El dibujante Alfonso Pacinetti debuta como realizador con este filme que mezcla drama social con ciencia-ficción que ha dejado muy frío al respetable.

FAUSTO (Faust, Alexander Sokurov, Rusia, 2011): todo lo contrario que Sokurov con Fausto. Pese a que la crítica no la incluye entre sus mejores trabajos, ha gustado esta nueva visita del diablo a la Tierra. Se valora su capacidad onírico-poética de un cineasta emblema del cine de autor de la Europa del Este. Fausto es un homenaje a la cultura germana y por ello Sokurov rodo este filme de producción rusa en alemán. Si en sus filmes anteriores tenía presente a Hitler, Lenin e Hiroito ahora adapta de manera libre la obra de W. Goethe. Poesía en movimiento muy del agrado del sector ortodoxo de la crítica. Tras su proyección se colocó como posible outsider a formar parte del palmarés.

"Un viaje al fondo mismo de la naturaleza de la imagen cinematográfica y, por extensión, del hombre que la habita. Cine lisérgico, voraz y, por supuesto, faústico." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

"Llevando el cine de culto al filo del slapstick, la idiosincrásica adaptación de Sokurov del 'Fausto' de Goethe intrigará a algunos y hará que desconecten otros. El público que no tenga un conocimiento previo de la historia probablemente se perderá." (Deborah Young: The Hollywood Reporter).

Mañana en la última jornada de proyecciones, el debut de Ami Canaan Mann con Texas Killing Field y el nuevo filme de Johnny To con Life Without Principle. En unos momentos el resumen del décimo día en Venecia.

por Emilio M. Luna
septiembre 13, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: NOVENA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 13, 2011

Jornada irregular en el Lido veneciano. Larga sesión cinematográfica que tenía dos citas marcadas. La primera, 4:44 Last Day on Earth, que suponía la llegada de Abel Ferrara. La segunda muy importante desde el punto de vista español ya que se proyectaba, fuera de concurso, la única representante de nuestro país, Eva, una cinta de ciencia-ficción dirigida por Kike Maillo. Además, dos cintas más en la sección oficial: la segunda representante italiana en el apartado, Quando la Notte de Cristina Comencini, y la israelí The Exchange de Eran Kolirin. En líneas generales, ninguna cinta a concurso ha destacado demasiado, donde tan sólo el desconcierto con el filme de Ferrara ha provocado aristas de una jornada átona. Sin creación anglosajona el interés y la calidad han descendido varios niveles.

Fuera de competición, junto a Eva (Kike Maillo, 2011) se ha presentado la cinta japonesa tridimensinal Rabitto Horaa (Tormented, 2011) de Shimizu Takashi. Película de terror (del creador de La Maldición, Ju-On) que ha pasado sin pena ni gloria por el certamen.

Eva, que también se presentará en el Festival de Sitges (del 06 al 16 de Octubre), sin embargo ha provocado división de opiniones. Por un lado una animosa prensa hispana que la ha valorado de manera notable, por otro, unos escépticos medios europeos que la han recibido de forma tibia. Sin duda, es una de las citas importantes para la industria española este año. Una buena muestra del auge del cine de género en España con cintas cómo Los Cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), REC (Jaume Balagueró, 2007) o Tres Días (F. Javier Gutierrez, 2008). A continuación, el análisis de la sección oficial.

QUANDO LA NOTTE (Nina Comencini, Italia, 2011): melodrama con aire televisivo que ha sido destrozado por la prensa. Es la historia de un alpinista y una joven madre unidos por la pérdida y el abandono, interpretada por Claudia Pandolfi y Filippo Timi. Sonoras carcajadas durante la proyección que ratifica el flojo papel de la ficción italiana en el certamen.

"El arranque es inquietante, pero esa sensación se difumina pronto. Se apoya en diálogos y situaciones con nula credibilidad y está horrorosamente interpretada por Filippo Timi." (Carlos Boyero: Diario El País).

THE EXCHANGE (Hahithalfut, Eran Kolirin, Israel, 2011): división de opiniones para este relato sobre un monótono docente que un día cambia su rutina y estilo de vida. Kolirin, autor de la destacable La Banda nos Visita (Bikur Ha-Tizmoret, 2007), no convence con una narración anodina y carente de interés.

4:44 LAST DAY ON EARTH (Abel Ferrara, Estados Unidos, 2011): llegó Abel Ferrara y arribó el caos. Precedica de mediocres críticas previas, 4:44 Last of Earth no ha sido mal recibida en Venecia. Con un tono similar a Melancholia de Lars Von Trier, el filme se centra en la vida de una pareja (William Dafoe y Shanyn Leigh) horas antes del cataclismo que pondrá punto y final a la vida humana. Se ha alabado la capacidad de Ferrara de innovar y a la vez ser fiel a su propio estilo. Precisamente, también, por éste, y por temática, no ha terminado de cuajar y no parece que pueda aspirar a formar parte del palmarés del sábado .

"Si el mundo fuera a terminar mañana, probablemente preferirías pasar tus horas finales con mejor compañía que la del dúo central de '4:44 Last Day on Earth'. Un complemento menos nihilista y mucho menos interesante de la reciente 'Melancholia' de Lars Von Trier". (Justin Chang: Variety).

Fuera de Competición:

EVA (Kike Maillo, España, 2011): Daniel Bruhl y Marta Etura protagonizan este filme sobre inteligencia artificial que ha dividido a la crítica. Aquellos que la califican de original y talentosa, otros que les parece tópica y vacía. Sea como fuere, es una de las propuestas más atractivas del cine español esta temporada. Se estrenará en nuestra cartelera en octubre.

"La película es inteligente. Todo resulta (y aquí, de nuevo, la sorpresa) creíble, ajustado a una lógica futurista coherente y, lo más importante, muy atractiva." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

"Desprende una agradecible solidez. No hay balbuceos ni exhibicionismo. Utiliza un lenguaje muy clásico que comunica con el espectador, que le implica." (Carlos Boyero: Diario El País).

En la novena jornada de la Mostra llegarán William Friedkin con Killer Joe, Alexander Sokurov con Faust y Gian Alfonso Pacinetti con L’Ultimo Terrestre. En un momento, la antepenúltima cita en la ciudad de los canales.

por Emilio M. Luna
septiembre 13, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: OCTAVA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 13, 2011

Tras seís días de vacaciones El Antepenúltimo Mohicano retoma la actividad. Y lo hace con la cobertura de la Mostra de Venecia que finalizó el pasado sábado. Analizaremos las jornadas pendientes que presentaron un festival bien diferente al de su primera semana. Prueba de ello es su díscolo palmarés.

En la séptima jornada, punto de inflexión. Los grandes nombres abandonan Venecia y es turno, en exclusiva, de la obra de autor. Con ella llegó cierto aburrimiento e inclusos problemas organizativos, algo habitual en pasadas ediciones.

La película más esperada del día representaba la vuelta de Andrea Arnold, creadora británica que fascinó con su segundo filme Fish Tank (2009). Arnold presentó en El Lido una nueva revisión de la novela de Emily Bronte, Cumbres Borrascosas (Wuthering Heights) con bastante éxito. Una nueva vuelta a la pasional fábula entre Heathcliff y Catherine Earnshow. Junto a Wuthering Heights, doble ración asiática en la sección oficial: la japonesa Himizu (Sion Sono, 2011) y la china Ren Shan Ren Hai (Sangjung Cai, 2011), esta última como cinta sorpresa del certamen. La primera ha provocado numerosos bostezos, mientras la segunda ha obtenido una mejor acogida. Es práctica habitual en el certamen veneciano el de incluir una obra sorpresa. De hecho en 2006 un largometraje chino presentado en este formato, Naturaleza Muerta (Jia Zhang Ke, 2006), dejó a la prensa atónita al obtener el León de Oro. Fuera de competición se presentaron The Moth Diaries (Mary Harron, 2011) y la italiana Il Villaggio di Cartone (Ermanno Olmi, 2011). La primera una interesante creación de terror gótico de manos de la creadora de American Psycho (2000) que adapta la novela de Rachel Klein. La segunda un dibujo sobre la inmigración y el terrorismo del autor de El Árbol de los Zuecos (1978). Ambas fueron acogidas de manera tibia. A continuación, el análisis de la sección oficial.

CUMBRES BORRASCOSAS (Wuthering Heights, Andrea Arnold, Gran Bretaña, 2011): sorprendente, es el primer calificativo dado por la prensa acreditada en Venecia al tercer largometraje de Arnold. Eficiente narradora de lúgubres infiernos terrenales cómo demostró en Fish Tank (2009), la cineasta británica le aplica a este drama de época una atmósfera sucia y realista alejándose de los convencionalismos. Técnicamente brillante fue recibida con numerosos halagos aunque no convenció por completo a la crítica más ortodoxa.

"Arnold merece crédito por aproximarse de una manera tan valiente y distintiva al relato. Su línea de vandalismo creativo arranca las vaporosas gasas que se han añadido a la historia a través del curso de numerosas obras y adaptaciones. Puntuación: *** (sobre 5)" (Xan Brooks: The Guardian).

"Heatcliff ahora es negro. ¿Y...? Ese desgarro y esa pasión me dejan frío" (Carlos Boyero: Diario El País).

HIMIZU (Sion Sono, Japón, 2011): adaptación de la obra manga de Minoru Furuya que provocó numerosos abucheos. Un cuento adolescente lleno de tópicos y filosofía de bajo calado que no gustó al respetable en ninguna de sus proyecciones. Sion Sono, afamado realizador y poeta nipón no logra el objetivo de trasgredir y tan sólo aburre en sus más de horas de metraje con una historia vacía.

"Un intento desesperado por desesperar al personal. Objetivo conseguido. Dos horas largas en las que se da literalmente de bruces contra las retinas del espectador." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

REN SHAN REN HAI (Sangjung Cai, China, 2011): el filme sorpresa del festival. Drama sobre la venganza, ambientado en un pueblo minero chino, que gustó con reservas a la prensa. Se ensalza la elegante dirección de Cai, en su segundo filme tras la inédita Hongse Kanbaiyin (2007). Cine de autor tan del gusto del jurado de este tipo de eventos.

En el octavo día de festival se proyectarán en la sección oficial Quando la Notte de Christina Comencini, la obra hebrea The Exchange de Eran Kolirin y 4:44 Last Day on Earth de Abel Ferrara. Fuera de concurso la cinta japonesa en tres dimensiones Rabbito Horaa de Shimizu Takashi y Eva de Kike Maillo, nuestra representante en la ciudad italiana. En unos momentos, el resumen del segundo miércoles en la Mostra.

por Emilio M. Luna
septiembre 13, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: SÉPTIMA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 13, 2011

Sexto día y, de nuevo, otra jornada de cine sobresaliente. Hace tres años el joven cineasta sueco Tomas Alfredson maravillaba con una revisitación del mito vampírico llamado Déjame Entrar (Låt den rätte komma in, 2008). La adaptación de la novela de John Ajvide Linqvist se convirtió en un éxito silencioso que caló en público e industria cinematográfica. Algo que le valío a Alfredson su primer proyecto fuera de Escandinavia con El Topo (Tinker Tailor Soldier Spy, 2011).

Este nuevo paso a la gran pantalla de una novela de John Le Carré era un proyecto arriesgado pero a tenor de la acogida veneciana, plenamente victorioso. La cuarta película de Alfredson ha dejado atónito al Lido, al igual que la obra china Tao Jie (A Simple Life) de la directora Ann Hui. Un hermoso relato familiar que ha conmovido al respetable.

La tercera representante de la sección oficial (Venezia 68), Dark Horse, significaba el retorno de Todd Solondz. Un filme que ha gustado de manera general aunque algo opacada por los grandes aplausos de las cintas nombradas con anterioridad. Fuera de concurso, también admiración y buenas críticas ha desatado el documental transalpino sobre el cantante local Vasco Rossi (toda una eminencia del pentagrama en Italia) dirigido por Alessandro Paris y Sibylle Righetti, Questa Storia Qua (2011). Otra jornada plena en Venecia que no sólo demuestra que la competición va a estar reñida y cualquier ganador será justo, también que la carrera por el Óscar este año se presenta más atractiva que nunca. Hoy se le ha sumado, El Topo, una cinta de espías con el sabor añejo a clásico. A continuación, el análisis de la sección oficial.

EL TOPO (Tinker Taylor Soldier Spy, Tomas Alfredson, Gran Bretaña, 2011): impresionante acogida a este thriller de espionaje dirigido por Tomas Alfredson. Otra película más que se postula cómo favorita al León de Oro. El Topo, la novela de John Le Carré, ya había sido adaptada en 1979 a la pequeña pantalla con Alec Guinness de protagonista. El propio Le Carré, salvo en contadas excepciones cómo El Jardinero Fiel (The Constant Gardener, Fernando Meirelles, 2005), no había tenido demasiada fortuna en sus adaptaciones al cine. Algo que cambia totalmente con una cinta con una atmósfera magnética, con grandes interpretaciones y una trama ambientada en la guerra fría deudora de los grandes filmes del género de los setenta. Gary Oldman ha encantado y no sería ninguna sorpresa su presencia en el palmarés el próximo domingo. Con El Topo, Oldman pudiera lograr una primera nominación al Óscar que merece desde hace dos décadas.

"Otra genialidad. Alfredson vuelve a dibujar el perfil exacto de una sensación cerca del frío." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

DARK HORSE (Todd Solondz, Estados Unidos, 2011): habitual en la Mostra de Venecia, Todd Solondz ha gustado con Dark Horse. Un drama con toques cómicos, interpretado por Justin Bartha, Selma Blair, Mia Farrow y Christopher Walken. Retrato sobre unos treintañeros que ha satisfecho a la crítica con ciertas reservas. Se ha valorado positivamente el poderío narrativo del cineasta americano aunque algunos sectores le achacado a Dark Horse falta de profundidad. Realismo y emotividad por parte de uno de los auteurs americanos por excelencia.

TAO JIE, A SIMPLE LIFE (Ann Hui, China/Hong-Kong, 2011): gran emoción ha causado esta coproducción entre China y Hong-Kong. Basada en hechos reales, Tao Jie, A Simple Life, quinta obra de Ann Hui, es un tratado sobre la vejez, la familia y las relaciones humanas. Numerosas sensaciones ha generado al público siendo recibida con una atronadora ovación. Ternura y corazón en una de las gratas sorpresas del certamen y gran triunfadora del día junto a El Topo.

Mañana en la séptima jornada del festival, una nueva mirada a Cumbres Borrascosas (Wuthering Weights) de Andrea Arnold (creadora de la estupenda Fish Tank); la cinta japonesa Himizu, dirigida por Sono Sion; y, una película sorpresa. Fuera de competición se presentará The Moth Diaries de Mary Harron y la producción italiana Il Villagio de Cartone creada por Ermano Olmi. Por motivos vacacionales, está será la última crónica diaria de la Mostra de Venecia. Volveremos el día 13 con el repaso a resto de jornada y el palmarés de un festival de impresionante nivel. Muchas gracias por seguir la Mostra en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
septiembre 05, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: SEXTA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 05, 2011

El jurado de la Mostra de Venecia, presidido por Darren Aronofsky, tiene un gran problema. Cinco días de proyecciones y sólo la francesa Un Été Brúlant (Philippe Garrel, 2011) ha decepcionado. Algunos filmes han maravillado cómo Un Dios Salvaje (Carnage, Roman Polanski, 2011), otros han sido muy bien valorados cómo Los Idus de Marzo (The Ides of March, George Clooney, 2011) y el resto de participantes han obtenido una acogida notable. La lucha por el León de Oro está muy abierta y el jurado va a sufrir para elegir a la ganadora de una edición, hasta el momento, brillante. Hipótesis aparte, en la jornada dominical del Lido llegaba el turno del prometedor cineasta irlandés Steve McQueen. Shame es su segundo largometraje tras la sobresaliente Hunger (2008). También su segunda colaboración con Michael Fassbender. Se esperaba mucho de esta nueva reunión entre dos de los elementos más esperanzadores del cine europeo actual y el resultado ha sido, cómo no, bastante bien recibido por la crítica.

Algo que también ha sucedido, en menor medida, con uno de los tres representantes italianos en la sección oficial, Terraferma (Emmanuele Crialese, 2011). Filme sobre la inmigración clandestina en Italia que ha copado los focos y flashes de la prensa transalpina. Fuera de concurso apareció el gran Al Pacino con Wilde Salomé. Un documental, del estilo de Looking For Richard, sobre Oscar Wilde que ha dejado algo tibio al respetable. Pacino no se irá de vacío de la ciudad de los canales ya que se le ha otorgado el galardón honorífico por su inagotable y maravillosa contribución al séptimo arte. Junto a Wilde Salomé, se proyectó la cinta checa Alois Nebel (Tomas Lunak, 2011). Largo de animación que invoca los fantasmas del pasado que asolaron Europa en el periodo nazista. Aloís Nebel ha maravillado con una película comparada con la brillante Vals con Bashir (Waltz with Bashir, Ari Folman, 2008). A continuación, el análisis de la sección oficial.

SHAME (Steve McQueen, Gran Bretaña, 2011): el retorno de Steve McQueen ha maravillado (salvo un sector minoritario) a la prensa en todos sus pases. Shame es un turbador drama sobre un joven con incontinencia sexual interpretado por Michael Fassbender. El actor irlándes ha dejado atónito a todos los sectores del público en otra cinta que suena para formar parte del palmarés. Al igual que Fassbender, su compañera de reparto, Carey Mulligan (que canta de manera impresionante New York, New York) ha recibido numerosos elogios. Shame es todo un tratado sobre el vacío vital de fácil extrapolación al espectador que consolida a McQueen como unos de los grandes del cine anglosajón actual.

"Una obra maestra. Una de las películas más perturbadoras, salvajes y certeras de los últimos años. No es exageración, es entusiasmo. Que no es lo mismo." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

TERRAFERMA (Emmanuele Crialese, Italia, 2011): el cuarto filme de Crialese (tercero italiano) no ha logrado emocionar cómo Shame pero ha gustado en líneas generales, en especial a la prensa de su país. Un retrato duro e hipócrita sobre la inmigración incontrolada a países occidentales (en este caso, a Sicilia, Italia). Uno de los males de nuestro tiempo escenificado por un acertado Crialese.que contó con el testimonio de una ciudadana etiope para dotar de realismo su propio guión.

Mañana en la sexta jornada llegan los realizadores Tao Jie con Ann Hui, Tod Solondz con Dark Horse y Tomas Alfredson con El Topo (Tinker Taylor Soldier Spy). Ésta última muy esperada. Fuera de concurso, la cinta italiana Qua Storia Qua de Alessandro Paris. Mañana lunes, toda la información de la Mostra de Venecia en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
septiembre 04, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: QUINTA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 04, 2011

En esta cuarta jornada ha bajado el nivel de expectación mediático pero no la calidad. Es el primer titular que se extrae de un día donde se han presentado dos producciones independientes europeas en la sección oficial y una superproducción americana con estilo auteur fuera de concurso. Cuarta jornada, cuarto día de satisfacción en el Lido. Porque pese ha acaparar menos flashes de lo habitual, el dueto compuesto por Marjene Satrapi y Vincent Paronnaud ha vuelto a maravillar al público con Poulet Aux Prunes (2011). Los creadores de Persépolis (2007) se estrenan en imagen real entrelazada con un universo con forma de cómic levantando aplausos en todas las proyecciones de Poulet Aux Prunes (Chicken With Plums, su título anglosajón). Mucho más desconcierto ha provocado el griego Yorgos Lanthimos con Alps (Alpeis, 2011). Si con su anterior trabajo, Canino (Kynodontas, 2010) removió vísceras, con Alps ofrece un retrato tan original cómo lugubre de un particular servicio funerario. El tercer filme de Lanthimos no ha provocado ningún tipo de indiferencia y siendo, el líneas generales, bien recibido.

El apartado fuera de competición concitó el mayor número de público ante la gran avalancha de estrellas. Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, Matt Damon y Lawrence Fishburne acompañaban a su director, Steven Soderbergh, en la presentación de Contagio (Contagion, 2011). Una cinta de catástrofes diferente y sorprendente que ha gustado a los presentes con ciertos matices. Todo un empujón a la carrera de Steven Soderberg, anclada en la opacidad tras su gran éxito con Traffic (2000). Junto a Contagion se proyectó la producción belga La Folie Almayer (Chantal Akerman, 2011) que adapta la novela homónima La Locura Almayer de Joseph Conrad; y Diana Vreeland: The Eye Has to Travel (también presente en Telluride) que compone un curioso proyecto sobre uno de los referentes de las publicaciones de moda y confección, Diana Vreeland. Sin más dilación pasamos analizar los largometrajes más destacados del día.

POULET AUX PRUNES (Marjene Satrapi & Vincent Paronnaud, Francia, 2011): la segunda película y colaboración entre el dibujante de cómic francés, Vincent Paronnaud y la cineasta persa Marjene Satrapi ha dado cómo resultado otra emocionante y encantadora historia. Un cuento donde la imagen real se halla yuxtapuesta en un mundo de fantasía ha encantado a la prensa especializada que la ha tildado de “mágica”. Todo un triunfo para un tándem que hace de la imagen arte añadiendo conciencia social. Poulet Aux Prunes es un relato de amores no correspondidos lleno de metáfora y buenos sentimientos.

ALPS (Yorgos Lanthimos, Grecia, 2011): el nuevo trabajo de Yorgos Lanthimos no ha superado al antecesor, Canino (Kynodontas, 2010), pero ha dejado buen (mal) sabor de boca con la historia de extraño servicio especial encargado de sustituir en la vida diaria a personas fallecidas ante sus familias. Un punto de partida original que ha desnortado pero no ha atrapado con unanimidad al público presente. Lanthimos da un nuevo paso en su carrera convirtiéndose en uno de los autores europeos del momento.

Fuera de Competición

CONTAGION (Contagio, Steven Soderbergh, Estados Unidos, 2011): el retrato del Apocalipsis. Esa es la idea de la nueva cinta de Steven Soderbergh. El cómo una pandemia va engullendo a la raza humana donde la impotencia y la pertubación van minando a sus protagonistas. Soderbergh ha creado una cinta ecuánimemente coral donde todos sus protagonistas (con mayor o menor acierto) tienen su momento. Contagio ha gustado bastante a la crítica y al público con un dibujo diferente del clásico cine catastrófico. Buen ritmo y una narrativa realista son los grandes valores de una película que pudiera ser protagonista en la cercana campaña de premios.

Mañana domingo en la sección oficial desembarca la muy esperada Shame de Steve McQueen (de nuevo con Michael Fassbender). Fuera de concurso se presentará el nuevo trabajo de Al Pacino, Wilde Salome, y la cinta checa Alois Nebel de Tomas Lunak. Toda la información de la Mostra de Venecia en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
septiembre 03, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: CUARTA JORNADA

por Emilio M. Luna | septiembre 03, 2011