NO CONFÍES EN NADIE

crítica de Todo irá bien | Alting bliver godt igen (Everything Will Be Fine), Christoffer Boe, 2010

Desde que el cine es cine, Hollywood ha utilizado para sus thrillers y películas de acción la infalible fórmula de colocar a ciudadanos normales y corrientes ante los mayores peligros por circunstancias casuales. Como diría el John McClane de la saga Jungla de cristal, simplemente es “estar en el momento justo y en el lugar equivocado”. El maestro Hitchcock fue un experto en este tipo de personajes, los “falsos culpables” perseguidos por espías, organizaciones criminales o policías en un buen puñado de maravillosas obras. El Cary Grant confundido con un espía en la vibrante Con la muerte en los talones (1959), James Stewart involucrado en una trama internacional de asesinato junto a su familia en El hombre que sabía demasiado (1956) o Henry Fonda confundido con un ladrón en la angustiosa Falso culpable (1956), son algunos de sus ejemplos más representativos. Roman Polanski fue un alumno aventajado con la excelente Frenético (1988) donde el doctor interpretado por Harrison Ford veía como su esposa desaparecía sin dejar rastro de la habitación de su hotel durante su estancia en París, viéndose involucrado en una delirante trama de terrorismo. Todas estas películas tienen en común un marcado clima de paranoia y la sensación de estar ante una conspiración en toda regla donde el protagonista no se puede fiar de absolutamente nadie. En esta corriente del cine de suspense vendría a inscribirse la cinta danesa Todo irá bien (2010), de Christoffer Boe.

por José Martín León
junio 01, 2013

Crítica | Todo irá bien

por José Martín León | junio 01, 2013

HUMOR NEGRO DEL NORTE
crítica de Un hombre bastante bueno | A Somewhat Gentle Man | En ganske snill mann, Hans P. Moland, 2010

sección atlas | Atlántida Film Fest

La capacidad del ser humano para reírse ante las desgracias ajenas es inmensa. Ya sea como mecanismo de defensa, por sadismo o por simple mala leche, lo cierto es que, si vemos a alguien que se pega una torta o sufre algún tipo de deficiencia, física o psíquica, a menudo nos cuesta contener la risa cuando deberían brotar las lágrimas, o al menos dibujársenos una mueca de malestar y compasión. Esta paradoja encuentra su sofisticación en el llamado humor negro, peculiar subgénero que combina la cómico o al menos alegre de la palabra “humor”, con lo deprimente y penumbroso de la palabra “negro”. A veces domina el humor y otras veces toma la delantera la negrura, pero en cualquier caso este afortunado oxímoron suele ser simplemente, como se ha dicho, una especie de subgénero, que acompaña al género principal de una película, o que al menos se deriva de una trama con contenido propio. Pues bien, el caso de A Somewhat Gentle Man (En ganske snill mann, Noruega, 2010) parece ser una excepción, ya que toma el humor negro como su razón de ser. Efectivamente, casi toda la fuerza de esta cinta trae causa de un exagerado énfasis en la mencionada contraposición, que acaba reduciendo el interés de la película a una sucesión de sketches caracterizados por la gracia y el mal rollo.

por Ignacio Navarro
abril 17, 2013

Crítica | Un hombre bastante bueno

por Ignacio Navarro | abril 17, 2013

EL LÍMITE DE LA ESPERANZA

Silencio de hielo (Das letzte Schweigen, Baran bo Odar, Alemania, 2010)

El Periódico Extremadura

Con dos años de retraso llega a nuestras salas ‘Silencio de hielo’ (Das letzte Schweigen, Baran bo Odar, 2010), un thriller germano que nos devuelve a ese infierno terrenal llamado pederastia. La premisa es simple, Sinikka es una niña de 13 años que ha desaparecido en un trigal donde ya lo hizo otra joven hace veintitrés años. Punto de partida convencional, desarrollo sorprendente.

Articulado bajo una armoniosa y lenta cadencia, el segundo filme del desconocido Baran Bo Odar recorre las dos vertientes de este terrible suceso. Por un lado el de la obcecada investigación de un policía jubilado, por otro, el de los secuestradores exhibidos como aprendiz y maestro. Todo envuelto en una atmósfera lánguida, de cromática ocre y gris, que atrapa y engulle. Es la anatomía de la esperanza, también de la duda.

por Emilio M. Luna
septiembre 20, 2012

SILENCIO DE HIELO (DAS LETZTE SCHWEIGEN, 2010)

por Emilio M. Luna | septiembre 20, 2012

THE FRIENDSHIP

“Drama coral, intenso y entretenido, dotado de carga moral y aupado por un completo y heterogéneo elenco de intérpretes que convierten lo anodino en notable."

Avalado por un enorme éxito en Francia, arribó a los cine europeos el tercer filme de Guillaume Canet, Pequeñas Mentiras Sin Importancia (Les petits mouchoirs, 2010). Canet, contrastado intérprete, debutó con Mi Ídolo (Mon Idole, 2002) drama sobre la amistad y la ambición que demostró las buenas maneras de este joven artista y que obtuvo buenas valoraciones en su país natal. El punto de inflexión llegó con su segunda obra, No Se Lo Digas a Nadie (Ne Le Dis à Personne, 2006). Con esta cinta de suspense se ganó a la crítica gala siendo la gran triunfadora de los premios César en 2006 con cuatro galardones (dirección, actor, música y montaje). Además de la realización, ambos filmes tenían en común el firmante del libreto: el propio Canet. Nada se le resiste a este autor destinado a marcar una época en la cinematografía francesa. Prueba de ello es Pequeñas Mentiras Sin Importancia.

Un terrible accidente pone en cuestión un habitual viaje de un grupo de amigos. Una escapada que termina realizándose pero que acaba sacando a la luz pequeños secretos entre ellos mientras su amigo lucha en soledad por su vida. ¿Cinismo o impotencia? La estancia de dos semanas en la playa resolverá esa incógnita y, sobre todo, desenmascarará los sentimientos de un grupo que aparentemente estaba muy unido. Pequeñas Mentiras Sin Importancia aborda el tema de la amistad desde un punto de vista sutil, casi íntimo, y lo hace de la mejor manera posible, perfilando uno a uno cada uno de sus personajes, dotándolos de alma, de personalidad y carisma. El gran mérito de Canet es la notable capacidad narrativa que convierte algo trivial en interesante y, sobre todo, ameno. Son dos horas y cuarto de buen cine que aúna realismo y entretenimiento.

Si en su breve filmografía, Canet demuestra un poderoso estilo, en Pequeñas Mentiras Sin Importancia se le añade una gran versatilidad como guionista. Su trabajo es casi perfecto en un guión lleno de vida donde todo el protagonismo se reparte de manera equitativa entre todos los personajes. Algo que permite el brillo de muchos de sus intérpretes. El caso más evidente es de Benoît Magimel (Vincent), toda una revelación en la estoica composición de un hombre atormentado. Un dolor que no le resta amabilidad y camaradería. Junto a Magimel (ganador de una Palma de Oro en Cannes en 2011 con La Pianiste) una siempre excelente Marion Cotillard (Marie), que sale adelante con un personaje algo estereotipado que hace del desorden sentimental su modus vivendi. Ambos son la punta del iceberg de un conjunto de inquietudes cuya importancia depende de la lente de cada cual.

En la composición de los caracteres no terminan las virtudes del filme de Canet. Logra mantener al espectador en vilo durante todo el metraje con franqueza y detalle. Una gran cualidad en una época donde el cine necesita multitud de giros para permanecer atractivo a los ojos del público. Canet cómo excelente apuntador y una banda sonora de lujo llena de clásicos americanos ratifican la calidad de Pequeñas Mentiras Sin Importancia. Una película cuyas virtudes pueden por mucho a sus, también, defectos (que los tiene). Toda una sorpresa del siempre sugestivo cine francés.

Lo Mejor: Excelente reparto donde destacan Marion Cotillard y Benoit Magimel.

Lo Peor: Ritmo narrativo irregular unido a algunos parches de guión innecesarios.

Puntuación: 7/10 CINE EUROPEO 2011/DRAMA/CINE FRANCÉS.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2011

PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA (2010)

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2011

EL DESPERTAR

"Desbocada e irregular unión de géneros llevada a buen puerto por su director e intérpretes pero que suena a partitura reescrita."

Sin duda alguna, Agustí Villaronga el gran protagonista del año en el panorama cinematográfico español. Su último filme, Pa Negre (Pan Negro, 2010), no sólo fue el gran triunfador de la última edición de los premios Goya (donde obtuvo nueve estatuillas, entre ellas la de mejor película), también ha sido elegido por la academia cómo la representante española en la lucha por el Óscar en la categoría de película de habla no inglesa. Es el primer largometraje en catalán que lo consigue. Todo un logro ya que consiguió imponerse al favoritismo inicial de la producción de Pedro Almodóvar, La Piel que Habito. La obra de Villaronga, una más que digna elección, tendrá en los trabajos de Aki Kaurismaki, Asghar Farhadi, Bela Tarr, Win Wenders, Zhang Yimou o Nadine Labaki, entre otros, a sus principales contendientes. No será un camino sencillo.

La academia de cine español ha sido consecuente y ha elegido la película más importante, en cuanto a premios y valoración, de este curso. Poco importa, ya, que la elección se haya hecho un año después (Pa Negre pertenece a la cosecha de 2010); que la opción Almodóvar fuera la más conveniente o que la obra de Villaronga vuelva, una vez más, a la postguerra. Dimes y diretes que no ensombrecen la calidad de una cinta plena en virtudes técnicas pero carente de innovación ante una estereotipada trama. ¿Es Pa Negre un triunfo de la forma sobre el fondo? En un análisis superficial la respuesta sería positiva. Pero el engranaje comandado por Villaronga ofrece una serie de detalles sutiles que se encuentran por encima de la media del cine español actual. El éxito de la dedicación y la pasión de un autor.

El comienzo del metraje es sobresaliente. Con una insólita escena que golpea de lleno en la retina y se queda grabada en la memoria. Un prólogo brillante que parece anunciar una cinta de misterio y venganza de primera categoría. Esas expectativas se van disipando a medida que transcurren los minutos y todo converge en un drama rural con todos los tópicos del cine de la guerra civil española: “buenos y crueles”, “vencedores y vencidos” y todo dentro del relato del despertar de la pubertad y la conciencia de un niño de diez años. Ambientada en una zona arbórea de la Cataluña pastoral, el eje de la trama son las relaciones entre los habitantes de dicho pueblo. Un mundo de rencor y venganza que no termina de desarrollarse en favor del apéndice narrativo político y judicial.

Pese a ésto, una lúgubre aura va envolviendo el filme extrapolando la zozobra a un espectador curioso ante ese cruel e incómodo lugar. Allí nada es fácil para el joven Andreu, desde su relación con sus contemporáneos cómo con una familia pendiente de un hilo. Todo hasta llegar a un desenlace más que satisfactorio pese a una de serie de preguntas cuya respuesta depende de la perspectiva de la platea. Un prisma diferente desde el que ver el gran episodio de la historia de nuestro país en el siglo XX. El paisaje, la fotografía, la música de Jose Manuel Pagán se une a las notables interpretaciones de Nora Navas y Laia Marull en un producto bien dirigido pero de narración intermitente. El cine español no necesita otra nueva revisión de la Guerra Civil por muy bien que lo envuelva un gran Agustí Villaronga.

Lo Mejor: El arrollador inicio. El buen nivel de las interpretaciones. La fotografía de Antonio Riestra.

Lo Peor: Tópico desarrollo visto en anteriores filmes de idéntica temática.

Puntuación: 6/10 CINE ESPAÑOL 2010/POSTGUERRA/CINE EUROPEO 2010.

por Emilio M. Luna
octubre 19, 2011

PA NEGRE (PAN NEGRO, AGUSTÍ VILLARONGA, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 19, 2011

EL DOGMA DE LA SOLEDAD

"Vigoroso drama social. Espejo contemporáneo de la soledad y la pérdida dirigida de manera brillante por Susanne Bier que explora con sutileza y emotividad los recovecos del alma humana."

De vuelta a su Copenhague natal. Tras la experiencia americana que supuso Cosas que Perdimos en el Fuego (Things With Lost in the Fire, 2008), Susanne Bier prosigue por ese dúctil senda de la ausencia y la pérdida que ha marcado su filmografía. Desde su ópera prima, la producción sueca Freud’s Leaving Home (Freud Flyttar Hemifran, 1991), la cineasta danesa ha dibujado los brillos y sombras de la moralidad humana siempre desde el punto de inflexión de un dramático suceso vital. Sus obras más conocidas cómo el drama dogma Te Quiero Para Siempre (Elskeg Dig For Evigt, 2002); Hermanos (Brødre, 2004) y Después de la Boda (Efter Brylluppet, 2006) atestiguan la tendencia de esta notable realizadora que se ha hecho un hueco de honor en la cinematografía europea. Prueba de ello es su último largometraje, En un Mundo Mejor (Haevnen, 2010), ganadora del Globo de Oro y el Óscar.

Formada en el movimiento Dogma, Bier tiene una especial habilidad para reflejar la unión entre el realismo y el lirismo de las vidas cotidianas. Ella, representa la nueva ola de la industria danesa junto Lone Scherfig y Nicolas Winding Refn que se unen a Lars Von Trier en este florecimiento artístico de la pequeña nación escandinava. Europa y Norteamérica se rinden a sus pies cómo demuestra su presencia habitual en los eventos y premios más importantes. En un Mundo Mejor, desde su estreno llevó el marchamo de cinta ganadora gracias a las maravillosas críticas que le acompañaron. Su triunfo en la siempre exigente categoría foránea no supuso sorpresa alguna. Sólo la confirmación de Bier como una de las grandes directoras de la actualidad. Algo que corroborará con All You Need is Love (2012), proyecto encabezado por Pierce Brosnan.

En un Mundo Mejor (Haevnen, 2010), es un sincero retrato de dos familias a dos tiempos. Una separada por la distancia y cuyo inocente hijo vive acobardado en el entorno escolar; otra, con un padre viudo e hijo huérfano que luchan por recobrar el aliento. Ambas tienen un punto en común: sus vástagos comparten colegio y amistad. El filme de Susanne Bier muestra la dualidad entre el idealismo y la violenta realidad. Cómo punto de partida y esencia, muestra las vivencias del padre de la primera familia, donde sirve cómo galeno en un campo de refugiados africano. Allí no hay lugar para ideales, enterrados por una arena conformada por seres crueles e inhumanos. Una paradoja entre Occidente y el Tercer Mundo cuya línea de separación es más fina de lo que parece.

Cómo la vida misma, en la crudeza hay momentos para la belleza. Ésta no sólo se muestra en el plano narrativo también en la realización de En un Mundo Mejor. Fotografía, montaje, música y uso de la cámara reúnen todas las virtudes del estilo nórdico. Sobriedad y beldad bajo la batuta de una excelente dirección. Acompañan, cómo no, las interpretaciones. William Jøhnk Nielsen y Markus Rygaard, los jóvenes protagonistas de esta historia, dan una notable réplica a sus veteranos compañeros Michael Persbrandt y Ulrich Thomsen (habituales en la carrera de Bier). Todo un acierto de casting que da veracidad a una trama que espeja con dolorosa franqueza todos los traumas de la sociedad contemporánea. Por suerte, siempre hay una vía de escape.

Y ese aspecto, junto a un estereotipado desarrollo de la pareja separada, son los elementos más achacables de En un Mundo Mejor. Quizás demasiado benevolente pero siempre dejando el germen en la mente del espectador y éste sea el que decida. Cómo en su anterior filme, Cosas que Perdimos en el Fuego, Bier siempre muestra una pequeña puerta de salida. Esa que reconduce nuestras vidas a través del recuerdo. Es algo que tiene en común su cine con la vida real. El tamaño y la dirección de dicho vano es la sutil diferencia que marca nuestra experiencia.

Lo Mejor: El elenco, destacando a los jóvenes intérpretes. El envoltorio formal que aplica Bier.

Lo Peor: Una mayor profundidad en la historia entre la pareja adulta.

Puntuación: 7,5/10 CINE EUROPEO 2010/CINE ESCANDINAVO.

por Emilio M. Luna
octubre 19, 2011

EN UN MUNDO MEJOR (HAEVNEN, S. BIER, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 19, 2011

AMISTADES PELIGROSAS

"Ligera comedia dramática ambientada en la campiña inglesa que tras un aletargado arranque logra convencer gracias a su sarcasmo y el carisma de su protagonista, una excelente Gemma Arterton."

Creada por Pasy Simmonds en 2005, Tamara Drewe ha sido una de las viñetas referentes para la prensa británica de los últimos años. Publicada por el diario The Guardian hasta octubre de 2007, estas historietas se basan en la novela del siglo XIX, Lejos del Mundanal Ruido (Far from Madding Crowd, 1874) de Thomas Hardy. La señorita Drewe vuelve a su pueblo natal cómo una exitosa periodista. Allí encontrará la envidia de sus vecinos y un pasado del que nunca se separará. Este pequeño relato lleno de acordes y desacuerdos pasó del cómic al celuloide el año pasado gracias a Stephen Frears.

El cineasta británico, creador de joyas cómo Las Amistades Peligrosas (Dangerous Liaisons, 1988) o Alta Fidelidad (High Fidelity, 2000), se viste de Woody Allen y Claude Chabrol para representar las aireadas vidas de los habitantes de esta villa británica. Tamara Drewe (Stephen Frears, 2010), fue presentada en el festival de Cannes 2010 fuera de competición obteniendo buenas críticas. Algo que no logró evitar su modesto paso por las carteleras europeas y americanas. Algo en lo que influyó su estilo. La obra de Frears está dirigida a un público demasiado concreto pese a su ligereza y falta de crudeza con respecto a la novela gráfica de Simmonds. Además, poco ayuda su deslavazado comienzo, con un ritmo átono y una trama poco sugerente salvada por los instantes de un estupendo Luke Evans. Tanto el inminente triángulo amoroso en la casa de hospedaje para escritores cómo las primeras horas de Tamara Drewe resultan insulsas y poco sugerentes. Todo cambia, cómo en los clásicos filmes de Woody Allen, a medida que se van añadiendo nuevos personajes (en especial el rockero interpretado por Dominic Cooper) y aumenta el nivel de líos y vicisitudes entre los protagonistas.

Cómo si de una cinta diferente se tratara, Tamara Drewe, torna en su segunda parte en un divertido cuento pleno de ironía e instantes hilarantes. Unos momentos donde emerge la figura de Gemma Arterton cómo soprano de esta simpática valkiria que marcha in crescendo al igual que el nivel de caricatura de sus personajes. Cómo en Alta Fidelidad, Frears sabe manejar los momentos cómicos con aplomo y dotar a la narración de una interesante mezcla de ingenuidad y desdicha. Alejada de cualquier comparación, tanto en la obra en la que se basa y la novela de Hardy, Tamara Drewe funciona cómo un inteligente divertimento lleno de referencias cinéfilas e intérpretes competentes. Arterton demuestra su evolución en su primer papel protagonista. Será el primero de muchos.

La fotografía de Ben Davis (brillante) y la música de Alexandre Desplat hacen el resto. Tamara Drewe, es un filme irregular cuya valoración depende de un hilo durante gran parte de la proyección pero que acaba conquistando el corazón del espectador de forma sibilina. Una cinta agradable que sigue demostrando el talento de uno de los grandes realizadores europeos de las dos últimas décadas. Cómo es clásico en todas las obras de su filmografía, el halo autorreferencial se mantiene presente en forma de escritor de mediana edad que aislado del mundo encuentra una musa cada noche en la bellas praderas anglosajonas.

Lo Mejor: Gemma Arterton y Luke Evans.

Lo Peor: Su translúcida primera parte.

Puntuación: 7/10 CINE EUROPEO 2010/CINE BRITÁNICO/NOVELA GRÁFICA.

por Emilio M. Luna
octubre 18, 2011

TAMARA DREWE (STEPHEN FREARS, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 18, 2011

EL BRAVO DEMÓSTENES

"Estupendo drama de superación que acerca a la gloria a un Colin Firth que carga con determinación el peso del film con una interpretación que formará parte de los anales cinematográficos."

El autoritario dominio de La Red Social durante la temporada de premios había apartado a un segundo plano a la habitual representante de la fructífera factoría británica. El Discurso del Rey (The King’s Speech, 2010) entusiasmó en sus primeros pases en Telluride y desde el inicio de su promoción fue considerado uno de los grandes filmes del año. La grandilocuente acogida de la cinta sobre la red social más importante unido a la sensación onírica de Christopher Nolan (Inception, 2010) no dejó hueco a este académico film de época. El sabio Cronos, sin embargo, posiciona todo en su lugar correcto y El Discurso del Rey no sólo se ha ganado el corazón del público sino que se posiciona como inesperada favorita a obtener lo grandes premios de la academia americana de cine, los Óscars.

El Discurso del Rey sigue la estela de El Paciente Inglés (The English Patient, 1996); Elizabeth (1998); Orgullo y Prejuicio (Pride and Prejudice, 2005); Expiación (Atonement, 2007) o Una Educación (An Education, 2009). Producciones británicas de época que son del gusto del sector más tradicional de la crítica cinematográfica. Brillantes recreaciones de periodos históricos donde destacan ante todo un excepcional diseño artístico y el sello interpretativo de la escuela inglesa. En El Discurso del Rey se ofrece un retrato diferente de la monarquía de las Islas, lejos del glamour y los tópicos del género. La tartamudez de un rey por accidente que encuentra la cura y la confianza gracias a un extravagante logopeda. Todo narrado sin estridencias, de manera sutil y elegante, presentado en un envoltorio técnico que roza el sobresaliente.

El filme de Tom Hooper representa una de las máximas del cine actual. Una dirección competente unida a grandes interpretaciones que sacan partido a un guión sencillo sin aristas. El curso pasado fue sin duda el año de las interpretaciones. Grandes actrices y actores que elevaron sus filmes a lo más alto con caracterizaciones dignas de elogio. Cómo máxima representante: El Discurso del Rey, una cinta donde sus actuaciones marcan la preponderante diferencia.

COLIN FIRTH, EL MONARCA

A Single Man (Tom Ford, 2009) fue la confirmación de las enormes posibilidades de este habitual secundario del cine británico. Con una sólida y silenciosa carrera, Colin Firth se ha convertido en uno de los actores referencia del panorama actual. Su representación del Rey Jorge VI en El Discurso del Rey, abruma por su solidez y credibilidad extrapolando al espectador sus temores por la disertación pública. Unos miedos que hacen del micrófono un cadalso en el que todos estamos presentes. Firth compone un personaje profundo, detallista, donde su pasado sigue siendo su presente. Probablemente la mejor interpretación del año y que le llevará a su primer Óscar como actor principal. Sin lugar a dudas, este será el primero de muchos. Colin Firth demuestra que no es necesario el histrionismo para calar en el público con un tema donde la lógica iría unida al estereotipo.

GEOFFREY RUSH, EL ARTE EN UN GESTO

El actor australiano Geoffrey Rush da una soberana réplica al intérprete inglés con otra de sus interpretaciones que lo han hecho un indispensable en la cinematografía de las dos últimas décadas. En El Discurso del Rey es el dispar logopeda que se introduce en el férreo corazón del monarca otorgándole una confianza de la que fue privado en su infancia. La relación entre ambos, llena de camaradería, es el eje de un film que a cada fotograma se gana al espectador con diálogos excelentes. Junto a Rush, una notable Helena Bonham Carter cómo paciente esposa de este inesperado rey. Alejada de papeles caricaturescos Bonham Carter demuestra aplomo, soltura y, ante todo, credibilidad. Junto a Rush y Bonham Carter, una pléyade de excelentes secundarios que aportan calidad a una trama llevada a lo más alto por el gran Colin Firth. Guy Pearce, Michael Gambon y Derek Jacobi completan un elenco que acercan a El Discurso del Rey a la calificación de obra maestra.

EL DISCURSO DE UN DIRECTOR

Tom Hooper se consolida con este fascinante film. Con un estupendo ritmo narrativo, Hooper saca el máximo partido a sus intérpretes dejando a un lado los tópicos. Su uso de la cámara es espléndido, nos introduce en la historia de manera inmediata sintiéndonos como el Duque de York en cada uno de sus actos sociales. Hooper con una excelsa carrera televisiva (John Adams y Elizabeth I), se dio a conocer con la curiosa The Damned United (2009) y ahora con su probable nominación al Óscar debe ser un habitual de los títulos estrella de las próximas temporadas. Un director muy joven que demuestra en El Discurso del Rey una técnica en la realización digna de elogio. Con esta fórmula (unida a la ejemplar fotografía de Danny Cohen y la partitura musical del Alexandre Desplat) el resultado es una película que, como apuntamos al inicio, el tiempo colocará en el altar cinematográfico que se merece. Sólo el placer de ver a Colin Firth cómo el Rey Jorge VI bien vale una entrada.

Lo Mejor: Un brillante Colin Firth encabezando un sensacional elenco con Geoffrey Rush y Helena Bonham Carter. La fotografía. La puesta en escena.

Lo Peor: Algunos tramos insustanciales. La nueva edición del film que pretende llevar de nuevo a la pantalla sus distribuidores.

Puntuación: 8.6/10 CINE BRITÁNICO 2010

por Emilio M. Luna
febrero 02, 2011

EL DISCURSO DEL REY (THE KING'S SPEECH)

por Emilio M. Luna | febrero 02, 2011

EVIL SANTA 
Rare Exports: A Christmas Tale (Jalmari Helander, 2010)
 
"Singular cuento fantástico finés que con un tono modesto y familiar da un nuevo giro al tradicional personaje navideño del norte de Europa."

Ganadora del festival de Sitges y encargada de abrir el Festival de Cine Fantástico de San Sebastián, Rare Exports: A Christmas Tale ha sido una de las sorpresas anónimas del cine de género europeo. El cineasta finlandés Jalmari Helander adapta un cortometraje propio elaborado en 2003 al largo formato, creando una curiosa cinta navideña que aúna suspense, comedia y drama familiar. Helander con una amplia carrera como cortometrajista en su país natal, obtuvo el éxito con su nombrada pieza y con otras derivadas de ésta creado una pequeña franquicia denominada Rare Exports. Junto a su hermano, Juuso Helander, decidieron dar el gran salto creando el guión para una ópera prima que ha diferencia de la gran mayoría de cintas finesas ha traspasado fronteras obteniendo una moderada repercusión en festivales europeos. Rare Exports: A Christmas Tale, es una buena carta de presentación para un realizador con un estilo visual y narrativo muy interesante.

por Emilio M. Luna
enero 20, 2011

RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE

por Emilio M. Luna | enero 20, 2011

LADY HALCÓN

"Decente colofón a la adaptación cinematográfica del fenómeno literario de la temporada que aúna misterio y zozobra sintetizada a la más mínima expresión."

Stieg Larsson, al igual que Dan Brown, representa el lado blockbuster de la literatura. Novelas de misterio con toque social o religioso que calan en el lector, enganchan con sus giros y su recuerdo resulta tan ligero y pobre como las adaptaciones posteriores al cine. Larsson creo un best-seller que marcará tendencia en la literatura y artes audiovisuales gracias a su éxito mediático y económico más que a su calidad. El paso de su trilogía al celuloide nos dejó una primera parte entretenida y de buena factura a la que se unió un episodio puente bastante mediocre y poco elaborado. Esta tercera parte, La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire (Luftslottet Som Sprängdes) viene a resolver (y esconder) todo el déficit narrativo del segundo episodio y zanjar la trama que envuelve a la joven Lisbeth Salander. En cierta medida consigue encajar las piezas de un puzzle cuyo resultado final cumple como simple entretenimiento.

Las sugerentes calles de un Estocolmo taciturno (Goteborg, Upsala y el resto de zonas de la geografía sueca que recoge la trilogía), son un fondo enigmático y misterioso que genera una atmósfera magnética, inmejorable para un film del género. Una lástima que tanto el guión como el ritmo narrativo impuesto por Daniel Alfredson no estén a la altura de tan inspirador escenario. Millenium III comienza con Lisbeth recuperándose en el hospital de las heridas de su lance familiar con su padre Alexander Zalachenko y su poderoso vástago. Desde allí y con la ayuda del incombustible Michael Blomqvist se articulan todas las pesquisas para conocer la verdad que dejarían a Lisbeth como un inocente daño colateral de una red de corrupción política. Tanto Noomi Rapace (Lisbeth) como Mychael Nyqvist (Blomqvist) son todo un acierto. Cómo en los episodios anteriores, llevan con tino el peso de la historia. Este aspecto hay que agradecérselo a su creador, Stieg Larsson, que dibujó unos personajes principales bien perfilados y con una personalidad arrolladora.

La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire pasa de ser una cinta de misterio a desembocar en un thriller judicial. Pistas sobre la mesa, el film se vuelve agradecido con el espectador más entregado a las novelas de Larsson. Todo gracias a unos intérpretes que creyeron más en el libreto que su propio director. El cambio de realizadores tras la primera parte perjudicó a esta adaptación de la que se podía haber obtenido un producto mucho mejor. Eso han pensado los estudios americanos con el futuro remake encabezado por David Fincher. La versión local de la trilogía Millennium arrastra la rémora de las prisas de plasmar en la pantalla el éxito reciente de la novela. Un conjunto de películas con un halo de miniserie europea con holgado presupuesto pero que no abandonan el aire de telefilm en ningún momento. Pese a ello, resultan amenas y, en cierta medida, gratificantes de no mediar expectativa alguna. Sólo el recorrido por la urbe capitalina escandinava bien merece la pena el viaje.

Lo Mejor: Noomi Rapace y Michael Nyqvist, de nuevo. Los personajes secundarios como el médico del hospital (Aksel Morisse) y Annika (Annika Giannini). Las calles y rincones de Suecia.

Lo Peor: Una historia poco profunda y original que viene lastrada por la paupérrima segunda parte.

Puntuación: 5,5/10

por Emilio M. Luna
noviembre 17, 2010

LA REINA EN EL PALACIO DE LAS CORRIENTES DE AIRE

por Emilio M. Luna | noviembre 17, 2010

UN BESO A MEDIANOCHE
Monsters, de Gareth Edwards

"Modesto e interesante drama romántico en plena infección alienígena, repleto de tensión y momentos brillantes en una de las propuestas más originales de la temporada."

El eco de una cinta británica sobre una invasión extraterrestre llevaba varios meses errante por la red. Un eco de volumen más alto, a medida, que se va estrenando en diversos países y festivales de género (Sitges). Hablamos de Monsters (2010), una modesta ópera prima a cargo de Gareth Edwards. Una campaña silenciosa y efectiva, similar a la que tuvo District 9 de Neil Blomkamp el año pasado y que contrasta con el marketing de viral de Cloverfield (2008) de Matt Reeves, cintas con las que se ha comparado la película de Edwards. Comparaciones que se difuminan durante la proyección de Monsters, donde tan sólo el trasfondo político-social la emparentan levemente con la cinta de Blomkamp. Monsters juega con las apariencias y sorprende por su temática, su estilo y, sobre todo, su historia.

Edwards, afamado técnico de efectos especiales en producciones británicas, se ha declarado un seguidor acérrimo del género. Con Monsters, quería llevar este tipo de temática a otro nivel. Monsters narra el encuentro de una pareja de jóvenes con vidas llenas de dudas y cuestiones, que deben afrontar la vuelta a casa en plena infección de seres extraterrestres. La acción se desarrolla en una zona entre México y Estados Unidos, plagada de grandes criaturas muy agresivas con el ser humano. Es inevitable el mensaje político y social que desprende la película de Gareth Edwards. Pero lo importante en Monsters es la historia romántica entre Andrew (Scott McNairy) y Samantha (Whitney Able). Monsters no es una cinta de acción es una tragedia amorosa, rodada y mostrada con mucha elegancia.

Las criaturas son el fondo, el sonido y la atmósfera del film. La tensión es latente de principio a fin. Edwards aborda con maestría la narración, donde es tan importante lo que visionamos cómo lo que está oculto. Edwards juega con el espectador inyectando un halo de incertidumbre de la que Monsters jamás se desprende. Tensión y suspense contenido que acompaña el caminar de dos personas tan diferentes cómo similares en mundo devastado. Un hombre de vuelta de todo y una chica de camino incierto conectan entre la desesperanza y el dolor. Un sutil retrato romántico presentado con pausa y sensibilidad. La modestia de esta cinta independiente tiene, quizás, como gran acierto el toque intimista con el que está rodada, empático con el espectador ávido de conocer más información sobre este mágico cuento de hadas y bestias.

Monsters comparada de manera errónea con cintas nombradas anteriormente, tiene un pariente más cercano, salvando la distancias, en La Guerra de los Mundos (The War of the Worlds, 2005). La epopeya familiar dirigida por Steven Spielberg, alternaba la espectacularidad con una historia sobre la paternidad que le daba credibilidad a la trama. Eliminando el gran presupuesto y las poderosas escenas de acción, Monsters se acerca al concepto de la película de Spielberg. Carente de acción, Monsters es el Lost In Translation del género. Una visión que provocará la sorpresa en el espectador predispuesto a aventuras estereotipadas. Un film donde los momentos engullen a los diálogos, donde los desconocidos protagonistas pudieran ser nosotros mismos. Una historia que remarca la significancia de los sentimientos tan poderosos cómo frágil es su mundo.

Técnicamente el largometraje de Edwards roza el sobresaliente. La breve presencia de las criaturas está resuelto de manera excelente. Efectos elaborados por su director también creador del guión y director de fotografía. Un uso de luces espectacular que casa por completo con el aire íntimo del film, al igual que la banda sonora de Jon Hopkins. Todo cobra una básica importancia en su final, un clímax lleno de lírica que sobrecoge y aturde dando pleno significado a la trama. El lienzo final nos deja atónitos y sorprendidos ante una historia donde el amor supera las circunstancias. Un concepto eterno que fluye y permanece dando sentido a (su) nuestra existencia.

 

Lo Mejor: La pareja protagonista. La dirección de Gareth Edwards. El planteamiento y la originalidad de la propuesta

Lo Peor: Su falta de espectacularidad y las inevitables comparaciones pueden decepcionar a un público ávido de otro tipo de cine.

Puntuación: 8/10

Emilio Luna.

crítico de cine.

por Emilio M. Luna
octubre 21, 2010

MONSTERS (GARETH EDWARDS, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 21, 2010

THE VILLAGE

"Fusión de aventuras medievales con terror gótico que funciona como un meritorio entretenimiento entre tanta trascendencia fílmica actual."

El sonado éxito de Los Pilares de la Tierra ha hecho revivir un género que estaba lejos de sus mejores días. Más allá de las aventuras y la épica, los filmes de ambientación medieval poco se han prodigado en la gran pantalla en los últimos años. El Nombre de la Rosa (Der Name Dar Rose, 1986) marcó un hito tanto por guión como ambientación. El film dirigido por Jean-Jacques Annaud nos regaló uno de los mejores retratos de los sombríos tiempos del medievo europeo que jamás ofreció el séptimo arte. En 2003, Paul McGuigan intentó captar la atmósfera de Annaud con El Misterio de Wells (The Reckoning, 2003) en un fallido producto de misterio interpretado por Paul Bettany y William Dafoe. Ahora en este año, de nuevo una producción europea (en este caso alemana) es la que ha sabido reflejar con acierto una de las etapas más oscuras de la historia de la humanidad con Black Death. Film presentado en el festival de Sitges con buenas valoraciones.

La peste bubónica, pandemia que desoló el viejo continente, se llevo más de veinticinco millones de almas. La insalubridad y el fanatismo religioso condenaron a una sociedad anclada en las tinieblas. Cruel castigo para una población que seguía con rigor al poder imperante de la época: el eclesiástico. Black Death, nos sitúa en el momento álgido de la enfermedad, donde el desconocimiento y la fe divina iban de la mano. Algo que retrata de manera ejemplar esta producción germano-británica. El film de Christopher Smith nos embulle en una Inglaterra tenebrosa, impúdica, que respira superstición e incomodidad. Smith un habitual de género con cintas cómo Creep (2004) o Severance (2006) se aplica de manera notable en el diseño y el arte conceptual del film intentando mostrar una Edad Media lo más realista posible. Con Black Death, logra su mejor creación, hasta la fecha, dentro de una filmografía con demasiados bajos y carente de relevancia.

Black Death narra el viaje de unos mercenarios al servicio de la iglesia guiados por un novicio con destino a una extraña aldea donde la enfermedad no ha arribado. Rumores y leyendas hablan de que en esa villa habita un necromante cuya brujería es la causante de esta maldición para el pueblo británico. El guión de Dario Poloni, bastante simple y efectivo, describe con acierto la personalidad de la sociedad de la época con moraleja incluida. Black Death argumentalmente se acerca a El Bosque (The Village, 2004) de M. Night Shyamalan más que a películas del género. Una comunidad alejada de los estamentos y tradicionalismos que huye del tiempo y de la decrépita sociedad. El camino hasta ella será un lienzo de cómo el ser humano se hunde en el fango del que no saldrá hasta la llegada del Renacimiento.

Sean Bean (Boromir en El Señor de los Anillos) es el principal reclamo actoral del film junto a Eddie Redmayne. Bean interpreta a Ulric, capitán de los mercenarios, en un papel hecho a su medida. Bean aporta presencia y credibilidad siendo una de las bases del funcionamiento del film junto a escenas de gran vigor visual. Redmayne repite carácter tras Los Pilares de la Tierra, siendo el objeto moralizante de Black Death. Como antagonista, una irreconocible Carice Van Houten que cumple sin más cómo el resto del elenco. Black Death sin ser original, sin ofrecer demasiada acción y cuya historia no arranca por momentos, logra entretener desde su comienzo hasta su final. Smith amparándose en la fotografía de Sebastian Edschmid, recrea un mundo lúgubre atrapa al espectador. Black Death pese a sus defectos, ofrece un lienzo bastante fidedigno de un mundo fustigado por el látigo de la ignorancia.

Lo Mejor: Sean Bean. Algunos momentos cómo la entrada del bosque o la descripción de la abadía al inicio.

Lo Peor: Falta algo de metraje y un más fluido desarrollo del guión.

Puntuación: 6,5/10

por Emilio M. Luna
octubre 16, 2010

BLACK DEATH: LA PESTE NEGRA

por Emilio M. Luna | octubre 16, 2010

Como comentábamos hace unos días a propósito de la programación de la Seminci, Sitges es uno de los festivales más valorados del cine español. El Festival de Cine Fantástico de Cataluña es una de las referencias del cine de género en Europa y cada año nos brinda filmes de gran calidad que acaban siendo objeto de culto. La edición anterior se caracterizó por un nivel notable donde destacaron cintas cómo Mr. Nobody, Moon, Valhalla Rising o el estreno de Solomon Kane. A lo largo de su historia se han presentado en España cintas como Una Historia de Violencia, El Laberinto del Fauno, The Host, The Fountain, Hard Candy o The Fall de Tarsem Singh. Una programación siempre acertada que este año sigue manteniendo un nivel muy alto. A las 12:00 de la mañana de ayer se inaguraró el evento con una de las propuestas españolas más esperadas, Los Ojos de Julia, que promete ser la heredera en taquilla de El Orfanato. Además Sitges presentará Monsters (de la os hablaré en próximos días); Let Me In de Matt Reeves; A Gun and a Noodle Shop de Zhang Yimou; El Último Exorcismo de Daniel Stamm; A Serbian Film de Srdjan Spasojevic y Outrage de Takeshi Kitano.

La cinematografía española será protagonista con la presentación de Agnosia, Carne de Néon, Héroes o Finisterrae entre otras. Además de algunas de las nombradas en la sección oficial destaca Black Death, un thriller medieval sobre la peste negra que viene acompañada de buenas críticas americanas. Del 7 al 17 de Octubre lo mejor del cine fantástico, ciencia-ficción y terror del panorama mundial en Sitges. A continuación, la lista completa de participantes en la sección oficial. Desde el Antepenúltimo Mohicano os iremos informando de los estrenos más destacados.

SECCIÓN OFICIAL

-13 ASSASSINS (Takashi Miike, Japón).
-14 DAYS WITH VICTOR (Román Parrado, España).
-A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP (Zhang Yimou, China, Hong Kong).
-BEDEVILLED (Jang Cheol-soo, Corea del Sur).
-BLACK DEATH (Christopher Smith, Alemania).
-LA CASA MUDA (Gustavo Hernández, Uruguay).
-CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima, Japón).
-DREAM HOME (Pang Ho-cheung, Hong Kong).
-FASE 7 (Nicolás Goldbart, Argentina).
-KABOOM (Gregg Araki, EUA, Francia).
-KOSMOS (Reha Erdem, Turquía, Bulgaria).
-THE LAST EXORCISM (Daniel Stamm, EUA).
-LEGEND OF THE FIST: THE RETURN OF CHEN ZHEN (Andrew Lau, Hong Kong,China).
-MONSTERS (Gareth Edwards, Reino Unido).
-MY JOY (Sergei Loznitsa, Ucraina, Alemania).
-LES NUITS ROUGES DU BORREAU DE JADE (Julien Carbon y Laurent Courtiaud, Francia).
-THE PERFECT HOST (Nick Tomnay, EUA).
-RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE (Jalmari Helander, Finandia, Noruega, Francia, Suecia).
-RUBBER (Quentin Dupieux, Francia).
-SECUESTRADOS (Miguel Ángel Vivas, España).
-SOMOS LO QUE HAY (Jorge Michel Grau, México).

por Emilio M. Luna
octubre 07, 2010

FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES 2010

por Emilio M. Luna | octubre 07, 2010

EL MISTERIO SALANDER

"Entretenido producto de misterio que conserva la atmósfera de la obra de Larsson pero destinado únicamente a seguidores acérrimos de la exitosa obra del novelista nórdico."

Al igual que las obras de Dan Brown, es incuestionable el éxito de la trilogía de Stieg Larsson. Puede tratarse de un tipo de literatura fácil, de refutable calidad pero que engancha con todo tipo de lectores gracias a enigmáticas historias llenas de giros y sugerentes personajes. La saga de Larsson se ha convertido en un fenómeno de culto y era inminente su paso al celuloide. El cine sueco aceleró este proyecto antes de que llegara a manos americanas. Con la primera entrega, Los Hombres que no Amaban a las Mujeres (Män som hatar kvinnor, 2009), dirigida por Niels Arden Oplev se consiguió un logrado thriller, con una excelente ambientación que fue todo un éxito en taquilla que contó, también, con cierto amparo por parte de la crítica. Un triunfo que hizo que se rodarán las dos secuelas a gran celeridad. Unas prisas que han dañado esta producción, donde se nota cierta falta de recursos y un guión poco madurado.

El cine escandinavo estaba en lo cierto, ya que los estudios americanos ya tienen en marcha la preproducción de la saga. Un proyecto del que se hará cargo David Fincher y que contará cómo protagonista a Daniel Craig. Sin embargo, esa ambición ha sido el detonante de una adaptación literaria que pasará al olvido, seguramente en beneficio de la cinta del realizador de Zodiac y Seven. En la segunda entrega, La Chica que Soñaba con una Cerilla y un Bidón de Gasolina (Flickan som lekte med elden, 2009), todos los aciertos del primer film se esfuman de un plumazo gracias a una historia incongruente y mal enlazada. Influye también la sustitución del director inicial por Daniel Alfredson, un interesante realizador sueco que se encuentra con un guión difícil de remontar. Millenium II se aprovecha del impulso de la primera parte pero su vela se va apagando a cada giro del relato, algo que probablemente influya ya en la última tercera producción.

Las siempre apasionante calles de Estocolmo o los misteriosos parajes nórdicos, mostradas por la cámara de Peter Mokrosinski, son un adictivo fondo para una historia de recónditos secretos. Esa lúgubre ambientación, es el gran reclamo de Millenium II junto a sus protagonistas Lisbeth Salander (Noomi Rapace) y Mikael Blomqvist (Michael Nyqvist). Ambos excelentes en sus roles, cómo en el primer capítulo, hacen llevadera la trama con esa historia de amistad-amor sutil y poco edulcorada. Los actores ayudan a ello, y gracias a la adaptación de la obra de Larsson, se han dado a conocer en el resto de Europa, en lo que será el comienzo de un nuevo paso en sus carreras. Por lo pronto, Nyqvist se convertirá en el villano de Mission Imposible IV y Rapace (su padre es de origen pacense) tiene varios proyectos para dar el gran salto al charco. Sus idas y venidas por la geografía del sur de Suecia son lo único interesante que nos hace mantener la fe durante la proyección.

Millenium II, es un coja adaptación que satisfacerá a los seguidores de las novelas, pero en lenguaje cinematográfico se queda en el camino dejando unas taras que deberá solucionar la última entrega. Más cercano al telefilm, al menos Millenium II se un producto competente de misterio y suspense, cuya vuelta al pasado de Salander más que luz provoca confusión, incredulidad y hastío. La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire nos dará la última respuesta.

Lo Mejor: El dúo protagonista interpretado por Noomi Rapace y Michael Nyqvist.

Lo Peor: La narración es confusa apoyada por un guión bastante endeble.

Puntuación: 5/10

por Emilio M. Luna
septiembre 27, 2010

MILLENIUM II: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA (STIEG LARSSON)

por Emilio M. Luna | septiembre 27, 2010

El 6 de noviembre en el Festival de Cine de Sevilla se darán a conocer las nominaciones de la academia del cine europeo (EFA). Unos premios que tendrán su culmen el 4 de diciembre con la entrega de los galardones en Tallin (Estonia). Se ha hecho pública la lista de películas que representan a treinta y dos países del viejo continente. Una terna en la que destacan: El Escritor, Another Year, Nowhere Boy, Lourdes, Submarino y Tamara Drewe. Nuestro país estará representado por Celda 211 y El Secreto de sus Ojos, que parten cómo grandes favoritas de esta edición. Muchas de las protagonistas vienen rodadas de diversos festivales donde han tenido una buena acogida. Será una edición competida con seguras sorpresas. A destacar, la ausencia de Mr. Nobody de Jaco Van Dormael (Bélgica) y la presencia de la irlandesa Ondine, un correcto aunque frío melodrama con toques mágicos-sociales. Teniendo en cuenta el nivel de la edición anterior, con la presencia de Un Profeta (Francia) y La Cinta Blanca (Alemania), y ganadoras de ediciones anteriores como Hunger (Irlanda), los EFA tienen cada vez más relevancia e influencia en el cine europeo actual. A continuación la lista de preseleccionadas.

FILMS SELECCIONADOS:
-3 sezony v pekle (República Checa), dir.: Tomáš Mašin.
-Another Year (Gran Bretaña), dir.: Mike Leigh.
-Bal (Turquía/Alemania), dir.: Semih Kaplanoğlu.
-Carlos (Francia/Alemania), dir.: Olivier Assayas.
-Celda 211 (España), dir.: Daniel Monzón.
-Le Concert (Francia), dir.: Radu Mihaileanu.
-Des Hommes et des Dieux (Francia), dir.: Xavier Beauvois.
-Eu cand vreau sa fluier, fluier (Rumanía), dir.: Florin Serban.
-Film Socialisme (Suiza), dir.: Jean-Luc Godard.
-Die Fremde (Alemania), dir.: Feo Aladag.
-The Ghost Writer (Francia/Alemania), dir.: Roman Polanski.
-Giulias Verschwinden (Suiza), dir.: Christoph Schaub.
-Honeymoons (Serbia/Albania), dir.: Goran Paskaljevic.
-Io, Don Giovanni (Austria/Italia/España), dir.: Carlos Saura.
-Как я провел этим летом (Rusia), dir.: Alexei Popogrebsky.
-Kawasakiho Ruze (República Checa), dir.: Jan Hřebejk.
-Kenjac (Burro, Croacia), dir.: Antonio Nuić.
-Lebanon (Líbano, Israel), dir.: Samuel Maoz.
-Lourdes (Austria/Francia/Alemania), dir.: Jessica Hausner.
-Mamma Gógó (Islandia), dir.: Fridrik Thor Fridriksson.
-Mine Vaganti (Italia), dir.: Ferzan Ozpetek.
-My Queen Karo (Bélgica/Holanda), dir.: Dorothée van den Berghe.
-Na putu (Bosnia-Herzegovina/Croacia), dir.: Jasmila Žbanić.
-La nostra vita (Italia), dir.: Daniele Luchetti.
-Nothing personal (Holanda/Irlanda), dir.: Urszula Antoniak.
-Nowhere Boy (Gran Bretaña), dir.: Sam Taylor-Wood.
-Ondine (Irlanda), dir.: Neil Jordan.
-Paha Pehre (Finlandia), dir.: Aleksi Salmenperä.
-Pál Adrienn (Hungría), dir.: Ágnes Kocsis.
-La Prima Cosa Bella (Italia), dir.: Paolo Virzi.
-Püha Tonu Kiusamine (Estonia), dir.: Veiko Õunpuu.
-Der Räuber (Austria/Alemania), dir.: Benjamin Heisenberg.
-Rewers (Polonia), dir.: Borys Lankosz.
-Cчастье моё (Alemania/Ucrania/Holanda), dir.: Sergei Loznitsa.
-Sebbe (Suecia), dir.: Babak Najafi.
-El secreto de sus ojos (España/Argentina), dir.: Juan José Campanella.
-Slovenka (Eslovenia), dir.: Damjan Kozole.
-Soul Kitchen (Alemania), dir.: Fatih Akin.
-Submarino (Dinamarca), dir.: Thomas Vinterberg.
-Tamara Drewe (Gran Bretaña), dir.: Stephen Frears.
-Tessera Mavra Koustoumia (Grecia), dir.: Renos Haralambidis.
-Tournée (Francia), dir.: Mathieu Amalric.
-L'Uomo che verrà (Italia), dir: Giorgio Diritti.
-Upperdog (Noruega), dir.: Sara Johnsen.
-De Vliegeniester van Kazbek (Holanda/Georgia), dir.: Ineke Smits.
-Zad Kadar (Bulgaria), dir.: Svetoslav Ovcharov.

por Emilio M. Luna
septiembre 10, 2010

SELECCIÓN PREMIOS DEL CINE EUROPEO (EFA)

por Emilio M. Luna | septiembre 10, 2010

PROMESAS DEL OESTE

“Drama carcelario poderosamente escenificado e interpretado que fusiona los mejores elementos del cine europeo y americano en la mejor película europea del curso pasado.”

Nunca un film había generado tanta unanimidad y tan poca repercusión. Un Profeta (Un Prophète, 2009), tras su triunfal presentación en Cannes, prosiguió una marcha llega de galardones y grandes críticas, que sin embargo, contrastan con bajas taquillas y proyecciones en salas de versión original. En su contra pesa el sello de cine francés, de cinematografía europea destinada, al parecer, a una minoría de cinéfilos. Nada más lejos de la realidad, el cine europeo actual combate sin complejos a las grandes producciones con excelentes ideas y autores que convergen en la idea común de la magia del séptimo arte. Celda 211, Déjame Entrar, Fish Tank, La Cinta Blanca o De Latir mi Corazón se ha Parado, representan junto a esta cinta francesa la perenne salud del cine del viejo continente. Prueba ello, son las nominaciones a los Óscar de la última temporada en la categoría de mejor cinta extranjera. La terna participante superaba en calidad a muchas que ocupaban el apartado principal.

Jacques Audiard, va construyendo una más que interesante filmografía, que traspasa las fronteras galas llenando su saco de elogios. Cine de autor que obtuvo su primer gran reconocimiento con De Latir Mi Corazón se ha Parado (De battre mon coeur s'est arrêté, 2005), interpretada por un gran Romain Dùris. Con Un Profeta, Audiard ha dado el paso definitivo al estrellato, invadiendo Norteamérica con esta cruel y realista historia sobre el crimen. Su nominación al Óscar como mejor film extranjero es el reconocimiento a una de las cintas europeas más importantes de la década. Cine francés de primera calidad con lo mejor del efectista cine americano. Un Scarface galo, que desde el primer momento te atrapa y no te deja escapar de la cárcel de Brecourt. El relato del ascenso desde los infiernos de Malik El Djebena hasta la cúspide de una sociedad marcada por la vileza pero que siempre mantiene un halo de esperanza.

Un joven árabe ingresa en prisión, solo y desorientado, pero gracias a su personalidad y ambición logra unirse a los “capos” de los intramuros, la mafia corsa. Ascendiendo paulatinamente, logra crear unos pilares sólidos tanto dentro como fuera de la cárcel y conseguir ser un líder, desafiando incluso a aquellos que lo salvaguardaron. “Hay que salir de la cárcel menos gilipollas que cuando entras” reza uno de los diálogos del film. Un Profeta tiene clara sus influencias que pasan por el Al Pacino de Scarface, El Padrino y Atrapado por su Pasado hasta la más actual cinta de David Cronenberg, Promesas del Este. El ascenso en seis años de un ignorante árabe, que se convierte en un mafioso culto, intuitivo, perseverante y muy ambicioso. Un progreso que vivimos cómo un compañero más de El Djebena, gracias a la maestría de Audiard al mostrarnos una historia que ya conocemos.

La empatía con el protagonista es la clave, su cercanía y simpleza hace que nos sintamos atraídos por este personaje. Un hombre sin objetivos ni esperanzas que, sin embargo, obtiene en las cloacas sociales del sistema penitenciario francés. La relación que mantiene con el jefe de los corsos (interpretado por Neil Arestrup, que ya intervino en la producción anterior de Audiard) está sostenida con una tensión increíble al límite entre la servidumbre y el temor. Un temor que acaba intercambiado, como los papeles de ambos personajes. Al igual que en Promesas del Este, no sólo de la superficialidad criminal se sustenta el film, momentos humanos como la relación con su amigo Ryad (Adel Bencherid) y su futura paternidad, ofrecen un alivio entre tanta crudeza. Un Profeta mantiene el nervio tanto fuera como dentro de los muros; y su final, con una escena propia del cine americano, en las calles de París conlleva a un clímax perfecto, un broche final a una más que sugerente y adictiva historia. El futuro de Malik El Djebena tras los títulos de crédito, ya es asunto de nuestra imaginación.

Lo Mejor: La magnífica dirección de Jacques Audiard. La interpretación de Tahar Rahim.

Lo Peor: Escasa publicidad pese a sus premios y éxito de crítica.

Puntuación: 9/10

por Emilio M. Luna
septiembre 06, 2010

UN PROFETA (UN PROPHÈTE)

por Emilio M. Luna | septiembre 06, 2010