El yo y los tús

crítica de Joven & alocada | de Marialy Rivas, 2012

En todo adolescente lidia una ambivalencia entre los deseos más instintivos y el autocontrol que sugieren las convenciones sociales; entre su exploración personal y la vigilancia inquisitiva de los otros, entre la búsqueda sin fin de placeres nuevos y excitantes y la represión de los mismos, entre el puñado de dictados morales impresos en su conciencia desde niño y el modelado de una identidad propia frágil todavía. Esta dualidad, más libre en unas sociedades y totalmente ahogada en otras, es el contorno que define los cimientos de Joven & alocada, una propuesta desinhibida y valiente del cine chileno que se hizo el pasado 2012 con el Premio al Mejor Guion Internacional en el Festival de Sundance. Daniela (Alicia Rodríguez) busca liberarse del encorsetamiento que le impone su familia evangélica, de la vida acomodada y burguesa y la educación estricta que repudia; una familia que, a excepción de su adorada tía, divertida y menos convencional, equipara cualquier indicio de práctica sexual con un designio satánico, y que castiga y censura todo intento por ser auténtica en una sociedad caracterizada por la opresión y el conflicto con la sexualidad de los jóvenes. Su madre, recia y amargada, espía sus cartas y diarios, y hasta las Rolling Stone acaban en el cubo de la basura, mientras en la escuela pretenden que los alumnos sean clónicos vírgenes al servicio del Señor. Así, con poco aire a su alrededor para ser ella misma, el instrumento de evasión del que Daniela se sirve para dar rienda suelta a su curiosidad e interactuar con otros chicos y chicas sobre sus propias experiencias es un blog, llamado igual que el título del filme y que es también, el motor temático que canaliza las contradicciones y vivencias de su protagonista. De ese modo, el largometraje tiene una estética renovada, un punto de vista que evidencia las nuevas formas de comunicación juveniles, y una realización que a pesar de sus fallos técnicos o que no posee una manufactura perfecta, parece producto en si misma de esa visión desenfadada y adolescente a la que se subordina, enseñándonos también el poder democratizador de Internet y sus múltiples usos de evasión y diversión.

La película, cuyo fin es mucho más didáctico-crítico que puramente provocador, muestra mucho más que sugiere y, sin pudor, las fantasías, recuerdos y andanzas sexuales de Daniela, que sueña en todos los colores y sin tapujos a pesar de con pasajes explícitos pero no gratuitos como una masturbación en un sofá finalizada una fiesta, encuentros con pinceladas de temor a lo desconocido y dosis de endorfinas, además de las charlas cibernéticas con los adolescentes asiduos de su blog, que como ella, están llenos de inquietudes y curiosidades corporales y de espíritu. Daniela constituye un personaje muy completo, enriquecedor conforme vamos conociendo sus aristas y sus perlas de humor negro y arisco, agravado por una voz monótona que complementa la frescura pseudo documental del filme, su agilidad narrativa y fiel al punto de vista subjetivo de su protagonista. En cuanto a la comicidad, esta se manifiesta especialmente en los vocablos inventados y en ocasiones sacrílegos que Daniela emplea, a lo largo de su “madurasound” personal. También es una reflexión adecuada y desenfadada, exenta de pedantería, acerca de las instancias de socialización que, poco a poco, van modelando el carácter de todo joven en su tránsito hacia la edad adulta, casi siempre borrascoso y lleno de obstáculos que sortear.

por Anónimo
noviembre 19, 2013

Crítica | Joven & alocada

por Anónimo | noviembre 19, 2013

EL COLOR DEL DINERO

crítica de About the Pink Sky (Sobre el cielo rosa) | Momoiro sora o, Keiichi Kobayashi, 2011

El color rosa no existe. En realidad sólo es una invención subvencionada por aquellos optimistas que buscan negar la evidencia: estamos condenados a vagar entre dos mundos, entre la luz y la oscuridad. O mejor dicho, a vivir permanentemente en una escala de grises que jamás se inclinará a favor del blanco más puro. Aplicados a la psicología, los colores definen innumerables estados de ánimo, pero también a la persona que refleja tal o cual tono, ya sea equivalente a una sonrisa (naranja) o a una mueca irascible (negro). Tan es así, que uno no puede aspirar a ser pesimista vistiendo de verde, ni siquiera de morado. No. El pesimista, como buen admirador de la depresión que se disfraza de luto, suele combinar gamas oscuras. Que no está el horno para bollos; y al fin y al cabo, el gris es de cobardes. El pesimista lo es de nacimiento, pero sólo durante la adolescencia, montaña rusa con aires melodramáticos, existe la posibilidad de que ese ingenuo en construcción se cambie de camiseta, optando por el rojo en lugar del marrón que, ciertamente, es un Marrón. De ahí que la popular frase “ver la vida de color de rosa” nos obligue a imaginar cosas extrañísimas, pues ¿dónde encaja ese aborto indefinido? El rosa es complejo, incluso algo cursi, aunque invita a soñar con un mundo diferente y, por tanto, apasionante. El rosa prestigia el cambio en detrimento del maniqueísmo que impera hoy día. Ya nadie se atreve a pensar en rosa; y por si fuera poco, nadie cree en él. El rosa se ha devaluado por culpa de ciertos señores y señoras que desconocen su verdadera significación: ellos piensan de manera primaria (RGB; CMY), y sin embargo, se resisten a no inventar, mezclando así el rosa con el verde oliva de su moreno natural.

por Anónimo
agosto 08, 2013

Crítica | About the Pink Sky (Sobre el cielo rosa)

por Anónimo | agosto 08, 2013

NO SIN MI HIJA

crítica de For Ellen | So Yong Kim, 2012

Resulta curioso el caso de la directora So Yong Kim. Nacida en Corea del Sur y afincada en Estados Unidos, puede presumir de una filmografía aún corta pero de lo más exótica, que la ha llevado a trabajar a países tan diversos como España o Japón. Con su debut In Between Days (2006), ganó el Premio Especial del jurado en Cannes y el de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a la Mejor película experimental. Tras un drama sobre la infancia rodado en su país natal, Treeless Mountain (2009), la realizadora sorprende con una pequeña película independiente americana, de esas que pasan por las carteleras de cine sin hacer ruido pero que dejan un buen sabor de boca entre los que tienen la suerte de disfrutarlas en los distintos festivales donde son proyectadas. En esta ocasión, For Ellen (2012) fue presentada en Sundance para posteriormente ser exhibida en el Festival Internacional de Berlín. No despertó grandes pasiones, pero sí hubo unanimidad a la hora de considerar el trabajo de su actor protagonista como uno de los mejores del año. Sucede en multitud de ocasiones que algunos filmes parecen montados para el exclusivo lucimiento personal de su estrella. Este sería uno de ellos. Paul Dano, uno de los actores jóvenes más interesantes del panorama actual desde que le descubrimos en la provocadora L.I.E. (2001) y plenamente confirmado tras sus trabajos en Pequeña Miss Sunshine (2006) y Pozos de ambición (2007), tiene en el personaje de Joby Tylor una oportunidad de oro para demostrar su gran versatilidad.

por José Martín León
julio 15, 2013

Crítica | For Ellen

por José Martín León | julio 15, 2013

TODO MÚSCULO, TODO CORAZÓN

crítica de Teddy Bear | 10 timer til Paradis, Mads Matthiesen, 2012

El cine danés no deja de sorprendernos en los últimos años con propuestas sugestivas, originales y totalmente exportables, que han puesto en el disparadero de la fama internacional a nombres como Nicolas Winding Refn –Drive (2011)–, Thomas Vinterberg –La caza (2012)– o Susanne Bier –En un mundo mejor (2010)–. Mads Matthiesen está empezando en esto del cine. Teddy Bear (2012) es su primera película, una especie de versión alargada de un corto que dirigió en 2007 bajo el título de Dennis. Ya en aquel adelanto de la vida de este personaje, Matthiesen hizo gala de una gran delicadeza y buen ojo para retratar las complicadas relaciones humanas. La historia de un grandullón de 38 años, campeón de culturismo, que esconde el alma de inocente y enamoradiza de un niño bajo su ruda apariencia, corría el riesgo de perder su frescura en su salto al largometraje, dando la sensación de producto inflado. Por fortuna, no ha sido así y Teddy Bear nos presenta a un nuevo realizador a tener muy en cuenta en los años venideros.

por José Martín León
julio 08, 2013

Crítica | Teddy Bear

por José Martín León | julio 08, 2013

¿QUÉ PASÓ CON JEREMY?

crítica de Wish You Were Here | Kieran Darcy-Smith, 2011.

Comienza la película con dos parejas disfrutando de unas envidiables vacaciones en las paradisiacas palayas de Camboya. Risas, bailes, algo de drogas y mucho, mucho alcohol. Algo trágico debió suceder, ya que lo siguiente que vemos es que solo tres de los cuatro amigos han regresado a Australia, mientras que el restante ha sido dado por desaparecido en circunstancias extrañas en el estado asiático. Dave y Alice, feliz matrimonio con dos preciosos hijos y un nuevo bebé en camino, intentan evitar a la desolada Steph, hermana de Alice y novia del perdido Jeremy. El espectador ya se empieza a plantear preguntas. ¿Qué sucedió con Jeremy?, ¿por qué se sienten incómodos Dave y Alice por la presencia de Steph? A lo largo de todo el filme, los saltos temporales son constantes, intercalando los presentes momentos de la investigación de dicha desaparición con los hechos que ocurrieron durante tan fatídico viaje.

por José Martín León
junio 30, 2013

Crítica | Wish You Were Here

por José Martín León | junio 30, 2013

crítica de Simon Killer | Antonio Campos, 2012.

sección Talents | Festival Internacional de Cinema D'Autor de Barcelona 2013.

Al ritmo del It Takes A Muscle To Fall In Love de Spectral Day, la imagen aérea de una Paris casi irreal, lucha por imponerse ante unos colores que lo inundan todo. Es el despertar de su protagonista, Simon (Brady Corbet), un joven norteamericano que huye de su ciudad natal para superar la ruptura con su última pareja (¿imaginaria?). Allí, bajo el techo de una amistad casi invisible, el protagonista busca pasar página. Es entonces cuando una imagen vuelve a repetirse con insistencia: la ciudad vista desde el aire, convertida ahora en la maqueta a la que parecía remitir las imágenes de la ciudad con la que se abre el nuevo largometraje de Antonio Campos tras Afterschool (2008), mientras Simon la sobrevuela. Solo el grueso cristal que protege la miniatura de las pisadas, la separa de su protagonista mientras éste la recorre juguetonamente. La planificación de estas secuencias y la exposición inicial de los problemas del protagonista explicados prácticamente a cámara dejan entrever, sin embargo, el viaje interior a la psique de Simon que propone su máximo responsable, cuyo trayecto parece evolucionar hacia un estado final de tintes claramente pesadillescos. Porque en Simon Killer (EE.UU, Francia, 2012) nada es lo que parece. Ajeno y extraño en un lugar que no conoce la ciudad va materializándose en algo vivo y amenazante. Y entre oscuros callejones y prostíbulos escondidos la verdadera naturaleza de un cada vez más errático personaje se despierta a la vez que se desmorona la empatía de un espectador progresivamente acorralado sin lugar al que huir, mientras el experimento de Campos acaba revelándose en toda su intensidad.

por Anónimo
mayo 31, 2013

Crítica | Simon Killer

por Anónimo | mayo 31, 2013

DE RISAS Y ORGASMOS

crítica de Para pasar un buen rato, llama… | For a Good Time, Call… , Jamie Travis, 2012

En los últimos años, la comedia norteamericana ha obtenido generosos beneficios económicos gracias a una serie de títulos que rompían las normas de lo políticamente correcto, con diálogos soeces, situaciones subiditas de tono y mucha testosterona. El nombre más representativo de esta corriente es, sin duda, Judd Apatow, director, guionista y productor que se ha hecho de oro con éxitos del calibre de Virgen a los 40 (2005), Lío embarazoso (2007) o Si fuera fácil (2012). La saga de Resacón en las Vegas de Todd Phillips se venía a unir a este tipo de comedia grosera y desfasada, destinada a un público mayoritariamente masculino. Pero estamos en el siglo XXI y las chicas –como demostraron las protagonistas de la serie Sexo en Nueva York– también son capaces de hablar de sexo sin tapujos, desmadrarse y meterse en tantos problemas como los tíos. La respuesta femenina al cine de Apatow la encontramos en títulos como la espléndida La boda de mi mejor amiga (2011), de Paul Feig, Dando la nota (2012), de Jason Moore, o Despedida de soltera (2012), de Leslye Headland. A este grupo de comedias protagonizadas por mujeres de carácter podría sumarse esta Para pasar un buen rato, llama… (EE.UU. 2012) que fue presentada en Sundance con irregular acogida por parte de la crítica.

por José Martín León
mayo 28, 2013

Crítica | Para pasar un buen rato, llama...

por José Martín León | mayo 28, 2013

CUANDO DIVORCIARSE NO CONLLEVA DESENAMORARSE
Crítica de Celeste and Jesse Forever | Lee Toland Krieger, 2012

    Hubo un tiempo, no muy lejano, en que las comedias románticas eran territorio restringido para que actrices carismáticas y monas (de belleza cercana, del tipo vecinita de al lado) protagonizaran los romances más previsibles y rosas, emparejadas con los galanes más atractivos del momento. Mujeres como Sandra Bullock o Meg Ryan forjaron sus carreras en este género, explotando sus dotes cómicas hasta la saciedad. Gracias a Dios, la fórmula de estos productos, donde se adivina desde el minuto uno que el amor acabará triunfando sobre cualquier adversidad, acabó cansando a un público necesitado de historias con mayor enjundia. Celeste and Jesse Forever no es la típica comedia romántica al uso. Se trata de una de las sorpresas más agradables del reciente cine indie americano, candidata al premio a mejor primer guión en los Independent Spirit de 2012 (obra de la propia protagonista, Rashida Jones, en colaboración con Will McCormack) y toda una alternativa inteligente y amarga a esas películas dulzonas que hoy tienen a Katherine Heigl como máximo exponente.

por José Martín León
febrero 28, 2013

CRÍTICA | CELESTE AND JESSE FOREVER

por José Martín León | febrero 28, 2013

“Esto es traición, cambiar de fé de acuerdo con la cambiante fortuna. La justicia de mi causa me incitó a resistir condiciones adversas.”

Ulrich Von Hutten.

    Cuando Tom Bradby, periodista, escritor y editor político de la ITV, tuvo un encuentro con un oficial de los servicios de inteligencia británicos (más conocido como MI5), la idea para una de sus próximas novelas empezó a fraguarse. En la conversación mantenida, se habló sobre la dificultad psicológica de reclutar y utilizar como topos a activistas del IRA para beneficio del gobierno británico. El mismo día, Tom Bradby asistió a una conferencia de prensa llevada a cabo por una agraciada joven del partido republicano irlandés. Ambos hechos propiciaron que este editor empezara a escribir Shadow Dancer. En ella (al igual que ocurre en su posterior adaptación al cine), Colette, una activista del IRA es cazada por el MI5 mientras planeaba atentar en Londres, ofreciéndole la colaboración con el Servicio de Inteligencia Británico a cambio de eludir la cárcel y así, volver a Belfast junto a su hijo. Pronto se verá envuelta en una crisis de conciencia plagada de dilemas morales, personales e ideológicos. A primera vista, parece que el idóneo realizador para la adaptación de esta novela debía ser Jim Sheridan, no ya por su origen dublinés, sino por su incursión en este, llamémoslo subgénero dentro del thriller como es la temática del conflicto norirlandés (recordemos que Sheridan dirigió tanto In The Name of The Father (1993) como The Boxer (1997), ambas tratando el tema del conflicto en el Ulster desde prismas diferentes). Sin embargo, el guión de esta adaptación, escrito por el mismo Bradby, cayó en manos de James Marsh, director que parece moverse como pez en el agua tanto en el formato documental como en el llamado por los anglófonos feature film (si bien ha cosechado mejores éxitos en la rama documental). De hecho, los combina con una facilidad pasmosa. Jan Svankmajer: The Animator of Prague (1990) fue su primera incursión en el séptimo arte. Y se trataba de un documental. Acto seguido se atrevió con una película interpretada por Gael García Bernal llamada The King (2005). El año 2008 marcó un antes y un después en la trayectoria del cineasta inglés. Man on Wire fue alabado por la crítica y el público en certámenes de renombre como Sundance o Toronto, consiguiendo el premio BAFTA al mejor filme británico y el Oscar al mejor documental. Ya acostumbrado a combinar el documental con el feature film, firmó Red Riding 1980: part 2 para la televisión y Project Nim (2011) para terminar con la que es su último largometraje hasta la fecha: Shadow Dancer (2012). Si bien podríamos esperar un tono cercano al documental con planos tomados con cámara en mano creando así una mayor sensación de realismo, en esta película, Marsh decide apostar por planos fijos y más cuidados, para quizás detenerse más en la psique de cada personaje y no reflejar de forma tan directa el problema político (o hacerlo, pero desde el trasfondo), puesto que, al igual que ocurre en otras cintas que abordan el mismo tema, al final siempre acabamos hablando de individuos con conflictos internos exteriorizados en los Troubles. Aparte del trabajo destacable de Rob Hardy como director de fotografía (podemos encontrar un cierto parecido en los tonos grisáceos con los de la estupenda Tinker Taylor Soldier Spy (2011) a cargo de Hoyte Van Hoytema), el gran acierto de la película ha sido contar con una maravillosa Andrea Riseborough llena de matices, y un muy correcto Clive Owen (en papeles destinados, en un principio, para Rebecca Hall y Guy Pearce, respectivamente).

por Anónimo
febrero 27, 2013

Crítica | Agente doble

por Anónimo | febrero 27, 2013

AMISTAD MÁS ALLÁ DE LA MEMORIA
Un amigo para Frank | Robot & Frank, Jake Schreier, 2012

     Premio del público en el último Festival de Sitges y nominada a mejor guión en los Independent Spirit Awards, Robot & Frank es una de esas pequeñas películas independientes nacidas con todas las papeletas para ganarse la simpatía del gran público, gracias a una afortunada conjunción de ingredientes. En primer lugar, una historia tierna (excelente libreto de Christopher D. Ford), que habla de una enfermedad tan devastadora como el Alzheimer, con gran sutileza, sin ahondar en los aspectos más sórdidos - algo que la diferencia radicalmente de su coetánea Amour de Michael Haneke -, añadiendo un atractivo elemento de ciencia ficción con el personaje del robot. Luego están las buenas interpretaciones de un reparto perfectamente escogido, donde Susan Sarandon, James Marsden y Liv Tyler funcionan como eficaces refuerzos a la magnífica creación de Frank Langella -se barajó su nombre durante meses, como posible candidato al Oscar al mejor actor-. Peter Sarsgaard, por su parte, realiza un increíble trabajo poniéndole voz al robot, dotándolo de una amplia gama de matices. Finalmente está la inteligente dirección del debutante Jake Schreier, que dosifica sabiamente humor, drama y fantasía, para obtener una película equilibrada, en la que no falta ni sobra nada, utilizando un ajustado metraje de menos de 90 minutos.

por José Martín León
febrero 22, 2013

CRÍTICA | UN AMIGO PARA FRANK (ROBOT & FRANK)

por José Martín León | febrero 22, 2013

♦ fecha de estreno| 1 de marzo.

♦ director| Mark Webber.

♦ intérpretes| Mark Webber, Shannyn Sossamon, Michael Cera, Jason Ritter, Amanda Seyfried, Frankie Shaw

♦ notas| presentada en U.S. dramatic competition de Sundance 2012.

por Emilio M. Luna
febrero 11, 2013

TRÁILER | THE END OF LOVE, DE MARK WEBBER

por Emilio M. Luna | febrero 11, 2013

♦ fecha de estreno| sin confirmar.

♦ director| Antonio Campos.

♦ intérpretes| Brady Corbet, Mati Diop, Constance Rousseau, Michael Abiteboul,

♦ notas| U.S. dramatic competition Sundance 2012. Presente en la pasada edición del Festival de Rotterdam.

tráiler

teaser

por Emilio M. Luna
febrero 11, 2013

TRÁILER | SIMON KILLER, DE ANTONIO CAMPOS

por Emilio M. Luna | febrero 11, 2013

EL COMPORTAMIENTO DE LA OBEDIENCIA
Confiance | Craig Zobel, 2012

"En las desgracias hay que acordarse del estado de conformidad con que miramos las ajenas"

Epicteto de Frigia

por Anónimo
febrero 10, 2013

COMPLIANCE (CRAIG ZOBEL, 2012)

por Anónimo | febrero 10, 2013

AMOR DE IDA Y VUELTA
Keep the Lights On | Ira Sachs, 2012

     Hace poco, tuve ocasión de comentar en estas mismas páginas una pequeña gran película independiente de temática gay, titulada Weekend (2011). En ella, asistíamos a una bonita relación amorosa entre dos hombres que se conocían en un pub de ambiente homosexual y que disponían de 48 horas para estar juntos, ya que uno de ellos estaba a punto de abandonar el país para siempre. Lo efímero de este amor y la intensidad con que se viven las experiencias que sabemos que tienen fecha de caducidad, hicieron que el romance de Weekend acabara siendo idealizado, pese a que la psicología de sus personajes y los conflictos que ya habían comenzado a aflorar en esos dos únicos días de convivencia, hicieran pronosticar que no habría sido una historia para toda la vida, precisamente. Pues bien, el filme que nos ocupa podría ser la versión dilatada en el tiempo de Weekend, ya que comparten el mismo paisaje urbano, la estética indie y una construcción de personajes muy similar.

     Ira Sachs se había convertido en un nombre a tener en cuenta allá por 2005, cuando se hizo con el Gran Premio del Jurado en Sundance con Forty Shades of Blue. Con este Keep the Lights On (2012), Sachs volvió a estar en la sección oficial competitiva del festival que le colocó en el ojo del huracán, además de obtener 4 nominaciones en los Independent Spirit Awards (incluyendo mejor película) y el Teddy 2012 en la Berlinale. Se trata de un drama de corte romántico sobre la turbulenta relación que se establece entre dos hombres a lo largo de una década. Dos personajes opuestos entre sí como Erik, un realizador de documentales abiertamente gay, que busca el amor a través de los encuentros sexuales que tiene con desconocidos con los que contacta a través de las líneas eróticas y Paul, un joven abogado que lleva una doble vida (tiene novia) y padece una fuerte adicción a las drogas. Lo que comienza siendo un “polvo sin compromiso” entre dos perfectos desconocidos, se irá convirtiendo en una intensa y muy conflictiva relación de pareja en la que Erik pondrá toda la carne en el asador por redimir a Paul de sus adicciones y retenerle a su lado, aun cuando éste tienda a rebelarse y a huir del hogar en cada recaída.

por José Martín León
febrero 02, 2013

KEEP THE LIGHTS ON (IRA SACHS, 2012)

por José Martín León | febrero 02, 2013

MADUREZ PREMATURA
Bestias del sur salvaje (Benh Zeitlin, 2012)

     Tuve la ocasión de ver esta película por primera vez en el festival de Sarajevo del verano pasado, y su director Benh Zeitlin estaba presente. Tras la proyección, contestó a algunas preguntas del público, pero no sin antes asegurar que se sentía muy emocionado de estar en una ciudad como Sarajevo y que a su madre le haría también mucha ilusión cuando le detallase la experiencia. Estas palabras eran genuinas: el éxito de la película era todavía reciente y seguramente para él todo estaba transcurriendo mucho más rápido y mejor de lo que podía imaginar, sin que probablemente un año antes previera triunfar en certámenes no solo como el de Sarajevo sino sobretodo como Cannes o Sundance. En efecto, estamos ante la ópera prima de alguien con treinta años recién cumplidos, detrás de la cual hay años de trabajo donde se han abaratado al máximo los costes de producción y se han fichado a actores desconocidos, no sindicados. Solo la suerte y el talento podían pues augurar tal reconocimiento, culminado un año después de su presentación en el citado festival de Sundance, que vive actualmente una nueva edición, en cuatro nominaciones a los Oscar, todas entre las categorías principales.

por Ignacio Navarro
enero 28, 2013

BESTIAS DEL SUR SALVAJE | BENH ZEITLIN, 2012

por Ignacio Navarro | enero 28, 2013

UN ACTOR IMPERIAL
Las sesiones (The Sessions, Ben Lewin, 2012)

Recuerdo haber visto a John Hawkes en el minusvalorado western Deadwood y pensar: “Éste es de esos tirillas con un nervio incontenible”. Era aquella una sospecha injustificada, pues su rol consistía en ser empresario y cómplice de un sheriff (Timothy Olyphant) con un sentido de la justicia insobornable, casi romántico en los primeros episodios. El Salvaje Oeste adquiría dimensiones shakesperianas alrededor de un hombre tranquilo que torcía el gesto con gravedad, a veces cabizbajo, pero con el nervio explosivo de semejantes –afincados ya en el panteón de Hollywood– como Sean Penn. Y, sin embargo, la trayectoria de John Hawkes resume de punta a cabo las señas de identidad propias de un tipo silencioso, humilde, infatigable en su rutina, preocupado por mantener a salvo su privacidad, alimentando su mundo interior mediante el estudio del hombre de a pie: él mismo confiesa sin tapujos que es de los que toman notas cuando pasean por la calle, que registra en papel cualquier episodio que llame su atención. Desde ese ángulo, John Hawkes es un voyeur inteligente en un hábitat masacrado por la impostura.

por Anónimo
diciembre 24, 2012

LAS SESIONES (THE SESSIONS, 2012)

por Anónimo | diciembre 24, 2012

REALIDAD Y FICCIÓN
El fraude (Arbitrage, Nicholas Jarecki, 2012)

Película inaugural en la reciente edición del Festival de San Sebastián, ‘El fraude’ (Arbitrage, 2012) venía precedida de buenas críticas tras su presentación en Sundance a principios de año. Ecos de Oscar para Richard Gere y la sensación de ser uno de los títulos de la temporada que, sin embargo, no deja de ser un thriller empresarial cercano a la gama media.

El filme del debutante Nicholas Jarecki – con solo un documental, ‘The Outsider’ (2005) a sus espaldas – ahonda en un tema demasiado actual y repetitivo con elegancia y el excelente aporte de intérpretes consagrados. La pena es que el paso del metraje deja un sinfín de tópicos del género que se entremezclan con cierto acabado a telefilme que deja un poso frío e insustancial.

por Emilio M. Luna
noviembre 08, 2012

EL FRAUDE | CRÍTICA

por Emilio M. Luna | noviembre 08, 2012

AMOR FRACTAL
Ruby Sparks (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2011)

Está en los libros de biología. Siempre en las primeras páginas. Para entendernos como especie que forma parte de otro gran grupo, hemos de saber que nuestros porqués están limitados por un simple precepto: los seres vivos nacen, crecen, se reproducen y mueren. Con el tiempo, y gracias a los cerebros más perspicaces, descubrimos que lo de crecer es una fase estrictamente física, ajena a la fuerza intelectual. También entendemos – a base de tropiezos y una buena dosis de comedia agridulce– que hay quienes se limitan a reproducirse, sabedores de la proximidad de la muerte, como si a través de ese legado pudieran trascender más allá de la vida. De alguna forma, somos los animales crueles con mayor poder de seducción. Una materia que los escritores explotan desde hace mucho tiempo, ya que la literatura se encarga de sublimar un amplio catálogo de miserias, aventuras, romances, intrigas, lo mágico de la rutina en tapas de diversos colores y materiales.

por Anónimo
octubre 25, 2012

RUBY SPARKS | CRÍTICA

por Anónimo | octubre 25, 2012

Reseña desde el Festival de San Sebastián de Beasts of the Southern Wild (Bestias del Sur salvaje), de Benh Zeitlin.

Benh Zeitlin ha conseguido con su ópera prima 'Beasts of the Southern Wild' (2012) revolucionar la temporada cinematográfica actual. Su participación en Sundance le sirvió para abrir una cosecha imparable de premios al conseguir el galardón a mejor fotografía y el Gran premio del jurado, pero fue en su paso por Cannes donde arrasó como si de un huracán se tratase al alzarse con el FIPRESCI de 'Una cierta mirada', la Cámara de Oro, el premio de la juventud y una mención especial del jurado ecuménico.

Viendo 'Bestias del Sur salvaje' no es de extrañar que sea una de las sensaciones de la temporada. Esta cinta independiente nos cuenta la historia de Hushpuppy (Quvenzhané Wallis), una niña de seis años que vive con su padre al sur del dique construido para separar la civilización de las zonas que quedarán anegadas tras el deshielo polar. La pequeña comunidad sureña donde vive, con evidentes referencias al New Orleans del Katrina, ha dado la espalda al frenetismo del primer mundo y está más preocupada por vivir al día y disfrutar del momento ante el peligro que los acecha. En este mundo preapocalíptico con tintes distópicos, el universo depende de que cada pieza encaje en su lugar, algo que la película logra en casi todo su metraje.

por Anónimo
septiembre 22, 2012

BEASTS OF THE SOUTHERN WILD

por Anónimo | septiembre 22, 2012