VENEZIA 69 | SEGUNDA JORNADA
por Emilio M. Luna | agosto 31, 2012
Abraham Lincoln: cazador de vampiros (Abraham Lincoln: Vampire Hunter, Timur Bekmambetov, 2012)
Antes de encomendarse al noble (ejem) arte de la política, Abraham Lincoln se dedicó a exterminar vampiros. Dicho así, puede sonar muy triste y patético. Y lo es. Como tristes y patéticas son las aptitudes de Tímur Bekmambetov (Wanted) mostradas en su nuevo filme, Abraham Lincoln: Cazador de vampiros. Un trabajo que nos llega con el aval de Tim Burton como productor. Una simple estrategia comercial que, sin embargo, no disfraza una realidad bastante soporífera: la imagen del icono –interpretado por Benjamin Walker– hacha en mano. Un niño que años después de la muerte de su madre, se convierte en aprendiz de un misterioso y elegante outsider (Dominic West) del siglo XIX. Y ciertamente, Lincoln apunta maneras. Es alto, ligero, rápido y habilidoso con las armas. Un portento cuyo rictus aparece untado de maquillaje barato, como si estuviera en una fiesta de disfraces y el suyo fuera un careto de cera imperfecto. El diseño de producción y la dirección artística de esta historia de venganza es una combinación de texturas de videojuego (de esos vídeos que abren la trama a modo de preámbulo) y efectos visuales de escasa valía.
por Anónimo
agosto 30, 2012
agosto 30, 2012
ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS
por Anónimo | agosto 30, 2012
Una de las primeras noticias que nos llegan como antesala al comienzo del Festival de Toronto (Del 06 al 16 de septiembre) es el debut tras las cámaras de Ryan Gosling. El intérprete de Drive, Los idus de Marzo o Half Nelson, escribe y dirige ‘How to Catch a Monster’ un filme noir con toques fantásticos. Variety ha revelado que “la historia tendrá como telón de fondo un mundo surrealista con una ciudad decadente donde una madre luchará por la supervivencia de sus dos hijos. Uno de éstos descubre una vía de escape hacia una ciudad en el fondo del mar”. ¿Qué decir? Parece el camino a la Atlántida. Cuando menos es un punto de partida diferente.
por Emilio M. Luna
agosto 30, 2012
agosto 30, 2012
TIFF 2012 | RYAN GOSLING DEBUTA EN LA DIRECCIÓN
por Emilio M. Luna | agosto 30, 2012
SANGRE FÁCIL
Headhunters (Hodejegerne, Morten Tyldum, 2011)“Me llamo Roger Brown y mido 1’68, no hay que ser psicólogo para entender que esto hay que compensarlo. Mi casa, por ejemplo, vale treinta millones. No me gusta y no puedo permitírmela pero a ella… a ella le encanta.”
La literatura nórdica de intriga se ha convertido en un subgénero en sí misma. Abrazada por el éxito de la saga ‘Millennium’ de Stieg Larsson, acapara todos los estantes de librerías y grandes almacenes gracias a la aceptación de un lector imantado a la siempre sugerente atmósfera escandinava y también, por qué no decirlo, a un concepto de prosa desabrida y liviana. Excelentes autores como el sueco Henning Mankell o la noruega Karin Fossum, dotados de un don especial para unir el horror con la crónica socio-política, han sido arrastrados por esta corriente que tuvo como despertar a las plumas del tándem Maj Sjöwall–Per Wahlöö, auténticos pioneros del género. Ahora es tiempo de Camilla Läckberg, Åsa Larsson, Kjell Eriksson o el nombrado y difunto Larsson. Un dominio que trasciende más allá de la novela y que a cuentagotas va calando en las artes audiovisuales.
por Emilio M. Luna
agosto 29, 2012
agosto 29, 2012
HEADHUNTERS (HODEJEGERNE, 2011)
por Emilio M. Luna | agosto 29, 2012
CUANDO LAS AVES DOMINEN LA TIERRA
Los pájaros (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963)Hoy tengo el gusto de recomendar una de mis diez películas favoritas. Que mi director clásico preferido sea Alfred Hitchcock tiene mucho que ver. También influyó que Los pájaros fuera su incursión más pura en el género fantástico tras sus coqueteos con lo fantasmagórico en Rebeca (1940) y Vértigo (1958) o el terror psicológico de Psicosis (1960).
En realidad, Hitchcock tenía proyectado dirigir Marnie la ladrona (1964) tras el éxito comercial de Psicosis, pero este rodaje fue postergado a causa de la boda de la que iba a ser su protagonista inicialmente, Grace Kelly. Fue una feliz circunstancia que hizo que el maestro del suspense desempolvara otro proyecto que tenía guardado en el cajón: la traslación al cine de un relato de Daphne du Maurier (a la que ya había adaptado en Posada Jamaica y Rebeca) titulado Los pájaros (The Birds, 1963). La historia narraba la odisea de un granjero y su familia, atrincherados en una casa después de que las aves empezaran a atacar a la gente. Para la película, Hitchcock cambió los personajes, dándole el protagonismo Melanie Daniels, una altiva joven de la alta sociedad que llega al pequeño pueblo costero de Bahía Bodega. Va detrás de un seductor abogado, Mitch Brenner, del que se ha encaprichado y lo que encuentra es el inexplicable fenómeno de los pájaros rebelándose contra el ser humano.
En realidad, Hitchcock tenía proyectado dirigir Marnie la ladrona (1964) tras el éxito comercial de Psicosis, pero este rodaje fue postergado a causa de la boda de la que iba a ser su protagonista inicialmente, Grace Kelly. Fue una feliz circunstancia que hizo que el maestro del suspense desempolvara otro proyecto que tenía guardado en el cajón: la traslación al cine de un relato de Daphne du Maurier (a la que ya había adaptado en Posada Jamaica y Rebeca) titulado Los pájaros (The Birds, 1963). La historia narraba la odisea de un granjero y su familia, atrincherados en una casa después de que las aves empezaran a atacar a la gente. Para la película, Hitchcock cambió los personajes, dándole el protagonismo Melanie Daniels, una altiva joven de la alta sociedad que llega al pequeño pueblo costero de Bahía Bodega. Va detrás de un seductor abogado, Mitch Brenner, del que se ha encaprichado y lo que encuentra es el inexplicable fenómeno de los pájaros rebelándose contra el ser humano.
por José Martín León
agosto 26, 2012
agosto 26, 2012
LOS PÁJAROS (THE BIRDS, ALFRED HITCHCOCK, 1963)
por José Martín León | agosto 26, 2012
EL FENÓMENO OVNI INVADE LAS SALAS DE CINE
Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977)Palabras mayores. En ‘doble sesión’ hablamos de una de las obras maestras imperecederas de la ciencia ficción. Un título que le sirvió al nuevo niño mimado de Hollywood para justificar su fama de un rey Midas que convertía en oro todo lo que tocaba. En la mente de Steven Spielberg se escondía un proyecto titulado Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977) por el que firmó un acuerdo con Columbia en 1973 para que se llevara a la pantalla grande. El enorme éxito comercial y crítico de su Tiburón en 1975 aceleró el proceso y el estudio dio una inmediata luz verde al rodaje con un presupuesto de 20 millones de dólares. A eso se le llama confianza.
La película se abre a lo grande con un espectacular hallazgo en el desierto de Sonora, donde un grupo de científicos encuentra unos aviones de la Segunda Guerra Mundial intactos, como si el tiempo se hubiese detenido para ellos. A continuación, un carguero aparece en el desierto de Gobi. Definitivamente, algo que escapa a nuestra razón está sucediendo y Spielberg ha llamado nuestra atención con un leve silbido. Cosa de genios.
por José Martín León
agosto 25, 2012
agosto 25, 2012
ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (SPIELBERG, 1977)
por José Martín León | agosto 25, 2012
En el vigésimo programa de cine de 'Nunca es tarde': nuestro particular homenaje a Tony Scott; los estrenos de la semana con 'Los mercenarios 2', 'Headhunters', 'Bonsai', 'Casa de tolerancia' y 'Manolete'. En apuntes pasará por el microscopio 'Sherlock & Watson, Madrid Days' de José Luis Garci. Nos despedimos con la música de M83 y el tema 'Midnight City'. Pasen una excelente semana. Sueñen vean cine.
por Emilio M. Luna
agosto 24, 2012
agosto 24, 2012
NUNCA ES TARDE: PROGRAMA Nº 20
por Emilio M. Luna | agosto 24, 2012
Si julio pertenece a Karlovy Vary (República Checa). Agosto tiene a Locarno (Suiza) como plaza cinematográfica. Estamos hablando de los festivales de verano. Eventos modestos que funcionan como un coto casi privado del cine independiente continental y portan pequeños guiños comerciales que aportan solidez mediática. Huyendo de la crisis, tienen su poder en la forma más que en el fondo. Locarno, con uno de los cines al aire libre más grandes del planeta (Piazza Grande) es un buen ejemplo de ello. Pocos filmes de su sección a competición llegan a las salas europeas. El año pasado tan solo Un amour de jeunesse y El estudiante tuvieron un recorrido fuera de la frontera helvética. Si de los dos certámenes nombrados se exportan el veinte por ciento de sus filmes de la sección oficial ¿Qué sentido tiene? La respuesta es clara: todo. Karlovy Vary y Locarno son la punta del iceberg dentro del extenso circuito ‘indie’. Muchas obras que no llegan a superar las cuatro cifras de presupuesto encuentran su razón de ser con su presencia en pequeñas localidades y con un público entregado a valorar lo que son, en muchos casos, óperas primas.
por Emilio M. Luna
agosto 24, 2012
agosto 24, 2012
FESTIVAL DE LOCARNO 2012: RESUMEN Y PALMARÉS
por Emilio M. Luna | agosto 24, 2012
ICONOS EMBALSAMADOS
Los mercenarios II (The Expendables II, Simon West, 2012)Nunca lo ha reconocido, pero Sylvester Stallone –responsable de la emergente saga que nos acontece– soñaba con ser humorista. Hay algo en ese hombre, cuyo labio superior se eleva en señal de superioridad o hastío, de cómico frustrado. Es el gesto del cine de acción ochentero, el de Rocky, el de Rambo, el símbolo de una cinematografía potencialmente maniquea y prosaica. Allí se daban cita héroes de fibra conservadora y delincuentes de perfil bajo. Sea como fuere, aquellos productos triunfaban en cualquier videoclub de barrio (sí, los mismos que desaparecieron hace algún tiempo), en incesantes reposiciones que invocaban a los machos de la manada para sentarse frente al televisor.
Con la entrada del nuevo siglo, los antiguos faraones de la testosterona pasaron lentamente a un segundo plano, signo inequívoco de la distancia entre esos autores y sus fans, quienes demandaban una rehabilitación del arquetipo del cine estadounidense más recalcitrante y polvoriento. Sly ya no era el del primer Rocky o Demolition Man (¿cuántas críticas destructivas habrá recibido dicha película?), ni Arnold Schwarzenneger el de Desafío Total o Terminator, ni Jean–Claude Van Damme el de The Quest (En busca de la ciudad perdida), ni Chuck Norris el de Desaparecido en combate o aquel joven karateca que besó la piedra del Coliseo Romano luego de la batería de golpes que le regaló Bruce Lee en El furor del dragón. Los tiempos habían cambiado como los cánones –tanto de moral como de belleza– del llamado hombre moderno. Stallone se pasó el abrillantador por toda la cara. Schwarzenegger, también. El primero se dejaba ver en cintas infames (véase D–Tox o Spy Kids 3–D: Game Over) y protagonizaba sospechosas secuelas de sus títulos más emblemáticos; el segundo decidió hacerse actor semiprofesional, o sea político. El Governator de California. Van Damme, en cambio, demostró que sabía hablar y mirar a cámara en una sorprendente y muy recomendable película titulada con sus siglas, JCVD. Tampoco olvidó su ciénaga particular. De Chuck Norris se especulaban toda clase de leyendas, pues Chuck Norris es omnipresente y omnipotente, no conoce padre, ya estaba aquí cuando todavía no existíamos. Se convirtió en el reflector de todos aquellos internautas que escribían chistes acerca del eterno –y nefasto– intérprete de Oklahoma.
por Anónimo
agosto 23, 2012
agosto 23, 2012
LOS MERCENARIOS II (SIMON WEST, 2012)
por Anónimo | agosto 23, 2012
Los hermanos Taviani llevan a la prisión de Rebibbia la obra Julio César, del gran William Shakespeare, con César debe morir (Cesare deve morire, 2012). Es la misma historia, los mismos actos pero planteados tras las rejas de este complejo carcelario del municipio romano. Con este filme, los realizadores no solo conquistaron el Oso de Oro en la 62ª Festival de Cine de Berlín, el máximo reconocimiento del certamen, además han sido profetas en su tierra al alzarse con cinco Premios David di Donatello, incluyendo mejor película y director.
Como el trabajo del escritor británico, la cinta no escapa de los dilemas del poder y la amistad en pro de las libertades colectivas. Cesare deve morire nos muestra dos historias paralelas, dos mundos (nada distantes) dirigidos hacia un punto en el cual la lucha de clases se hace latente. Una situación que nos regala una reflexión sincera con un enfoque actual y de marcado carácter social. El tema de la libertad hace replantearnos muchas cosas y es precisamente este apartado el que puede despertar la sensibilidad; se trata de presos condenados a muchos años de cárcel, algunos cumpliendo pena máxima. Entre traficantes de drogas y criminales del crimen organizado el teatro cobra otro sentido, la misma prisión se torna una enorme sala de ensayo que permite a los realizadores plasmar sus particulares visiones de las personas privadas de libertad, dándoles poder como solo el arte puede lograrlo.
por Olvín Otero
agosto 21, 2012
agosto 21, 2012
CÉSAR DEBE MORIR (CESARE DEVE MORIRE, 2012)
por Olvín Otero | agosto 21, 2012
Hace millones de años, Ridley Scott envió a un culturista albino a pudrirse en vida en mitad de un embriagadoramente bello paisaje islandés. Mucho tiempo después, en nuestro futuro cercano, una pareja de arqueólogos disfuncionales encuentra indicios leves sobre la existencia de estos maromos del espacio, además de una serie de… manchas, que resulta que coinciden con una constelación en el quinto pino. Con estas mimbres, le comen la oreja a un viejuno moribundo podrido de pasta y así se pone en marcha una enorme operación científica para dar con los supuestos creadores de la humanidad.
Así comienza Prometheus, la última obra maestra empresarial de Ridley Scott distribuída por la 20th Century Fox. Admirador de lo mejor de Ridley y marcado en mi infancia por la genialidad de Alien, el 8º pasajero, esta semi precuela lo tenía todo a priori para convertirse en mi película del verano, así que aprovechando un viaje a EEUU, acudí al cine más cercano presa de la emoción, preparado para ver la joya cinematográfica sin haber leído nada antes… como los hombres.
por Jon Alonso
agosto 21, 2012
agosto 21, 2012
PROMETHEUS | CRÍTICA
por Jon Alonso | agosto 21, 2012
PESADILLA EN EL LAGO
Piraña (Piranha, Joe Dante, 1978)Hace unas semanas comentábamos en esta misma sección a propósito de Orca, la ballena asesina, que no debería ser juzgada dentro de las imitaciones que surgieron a raíz de Tiburón. Pues en esta ocasión, Piraña sí pertenece claramente a este grupo que intentó subirse al carro del éxito. De hecho, detrás del proyecto está en la producción, Roger Corman, director de títulos de culto como La tienda de los horrores (1960) o Mamá sangrienta (1970). Y si por algo se caracteriza a Corman como productor es por realizar copias baratas de los taquillazos del momento, algo que continúa haciendo en la actualidad. Esto no significa que la obra que nos ocupa sea desdeñable. Todo lo contrario, estamos hablando de un pequeño clásico del terror de serie B de los 70. En la dirección, todo un especialista en cine fantástico, Joe Dante. Aullidos (1981), Gremlins (1984), Exploradores (1985), El chip prodigioso (1987) o Pequeños guerreros (1998) son testimonios de su capacidad para divertir al aficionado al género.
por José Martín León
agosto 21, 2012
agosto 21, 2012
PIRAÑA (JOE DANTE, 1978)
por José Martín León | agosto 21, 2012
Vuelven los contenidos a 'El antepenúltimo mohicano' tras dos días de parón con el décimonoveno episodio de cine de Nunca es tarde. Junto a la compañía de José Parras Kanuto desde Mérida desfilaron los siguientes contenidos: los estrenos de la semana con 'El legado de Bourne', '¡Piratas!', 'Los tres chiflados', 'Café de flore' y 'Hara-kiri, muerte de un samurai' (imagen). En 'apuntes', una mirada rápida a 'Headhunters' y 'Sin frenos'. Nos despedimos con el tema de Linkin Park 'In my remains'. Pasen una excelente semana. Sueñen, vean cine.
por Emilio M. Luna
agosto 20, 2012
agosto 20, 2012
NUNCA ES TARDE: PROGRAMA Nº 19
por Emilio M. Luna | agosto 20, 2012
QUIERO MIS PASTILLAS
El legado de Bourne (The Bourne Legacy, Tony Gilroy, Estados Unidos, 2012)El 2007 fue un gran curso para el cine de Hollywood. Tres meses después del Año Nuevo de 2008, dos películas de autores genuinamente americanos se disputaban la entrada en el Olimpo del Kodak Theatre. No es país para viejos y Pozos de ambición, dirigidas por los hermanos Coen y Paul Thomas Anderson, respectivamente, representaban las dos caras de una misma moneda: el guión adaptado. La búsqueda de los horizontes abiertos frente a la disección del negro como esencia del hombre. Ganó –en lo que a premios se refiere– la violencia muda de Anton Chigurh (Javier Bardem). También la psicopatía de éste hacia su víctima, Llewelyn Moss (Josh Brolin). Los tres filmes restantes habían llegado como teloneros, aunque de entre Expiación, Juno y Michael Clayton, sólo esta última dejó un poso extremadamente amargo en la memoria de los cinéfilos, el plus de crítica ninguneado por el establishment. La dirigía el debutante Tony Gilroy bajo la presión de su propio texto. Y lograba atemorizarnos con una historia sobre la oscuridad de nuestra época, a través de un tipo que iba por ahí resolviendo limpiamente las pesquisas de sus clientes. Era un abogado que no ejercía el derecho al uso: la trama y el desarrollo narrativo eran casi tan turbios como las ideas expuestas en aquella película. En cualquier caso, Gilroy también había aportado su talento en una trilogía que llegaba –muy a nuestro pesar– a su fin: esa que vio la luz un lustro antes con El caso Bourne, que giraba en torno a un agente especial en busca de sí mismo, de su identidad, ya que desde que despertara en aquel barco pesquero tan sólo había evocado imágenes, escenas que se mostraban en forma de regresión, pero no un flashback convencional. El ultimátum de Bourne, de Paul Greengrass, cerraba pues el círculo de una historia apasionante, inyectada en taurina, sorteando los parámetros de las action movies, para componer una suerte de thriller cuya tensión se había hecho más poderosa a cada entrega.
Sin embargo, ese ultimátum se conformó con el Óscar a mejor montaje, mejor sonido y mejor montaje en la misma disciplina. Todo según lo previsto. La Academia siempre ha mirado con escepticismo aquellas producciones enmarcadas maliciosamente en el género de acción, entendiendo éste como un resumen de acontecimientos frenéticos trufados de golpes y persecuciones y diálogos de testosterona y retórica hipertrofiada. Pero Bourne eliminó de un soplo ciertos prejuicios que pesaban en el género: se trataba, a fin de cuentas, de un híbrido sin límites que tomaba prestado lo mejor de cada familia. Aquel fin de ciclo –abierto de manera inapelable– suponía estar, paradójicamente, ante una de las más vivas historias del cine reciente. Con todo, abandonamos a Bourne, modélicamente interpretado por Matt Damon, a esa pléyade de secundarios imprescindibles, véase Franka Potente –la amante de Bourne en las dos primeras entregas– o Albert Finney. Nos alejaron de él bajo las tranquilas aguas del Hudson, en Nueva York. Allí permanecía quieto, nervioso el público y moribundo él, justo antes del último impulso eléctrico. Un final perfecto, maquillado insuperablemente por la música de Moby y esa atmosférica pieza titulada Extreme Ways.
por Anónimo
agosto 15, 2012
agosto 15, 2012
EL LEGADO DE BOURNE (TONY GILROY, 2012)
por Anónimo | agosto 15, 2012
Sinopsis oficial: La trama nos sumerge en los bajos fondos de Boston, donde una partida de póker organizada por la mafia y con mucho dinero encima de la mesa es atracada. No es cuestión en estos casos de llamar a la policía. Para eso está Jackie Cogan (Brad Pitt), un "especialista" en descubrir al culpable y proceder a su eliminación.
por Emilio M. Luna
agosto 15, 2012
agosto 15, 2012
KILLING THEM SOFTLY | TRÁILER
por Emilio M. Luna | agosto 15, 2012
Una de las decepciones en Cannes o quizás no tanto. Demasiado poco se esperaba en el evento galo de la nueva película de Lee Daniels, cineasta encumbrado sin demasiados argumentos tras Precious (2009). Ni siquiera un interesante reparto intergeneracional ha podido levantar un filme que cuyo estreno al público dejará, sin duda, un poso polémico. Este thriller con connotaciones eróticas junta en pantalla a Nicole Kidman, Zac Efron, Matthew McConaughey y John Cusack que dan vida a un sórdido relato sobre un crimen cometido en Florida. Fecha de estreno aun por confirmar. A continuación, sinopsis oficial, póster y tráiler.
Sinopsis oficial: Jack James (Efron) es un joven de 19 años e hijo del editor de un pequeño diario de Miami, que vuelve a su ciudad natal tras ser expulsado de la universidad. Jack no será recibido con los brazos abiertos ni por su padre, ni por su hermano mayor (McConaughey), también periodista. No obstante, la vida de los tres cambiará radicalmente cuando investiguen el caso de un hombre condenado (Cusack) a morir por su participación en un asesinato. Este, además, tendrá una relación amoroso vía postal con una mujer que no conoce (Nicole Kidman).
por Emilio M. Luna
agosto 15, 2012
agosto 15, 2012
THE PAPERBOY | TRÁILER
por Emilio M. Luna | agosto 15, 2012
Concurso de agosto en El antepenúltimo mohicano por cortesía de Cameo. Sorteamos dos packs con los filmes Shame (Steve McQueen, 2011) y Kiseki (Milagro, Hirokazu Koreeda, 2011). Presentadas en la pasada edición de Donostia Zinemaldia, son dos películas muy diferentes pero que comparten el marcado sello de su autor.
Shame fue de unas las grandes cintas del año pasado. Minusvalorado por la crítica y la academia, su carga sexual marcó el devenir mediático del segundo largometraje de McQueen. Fassbender nos brinda una de las mejores interpretaciones del año. Ganador de la Coppa Volpi en la Mostra de Venecia 2011.
Menos alboroto generó la décima obra de Hirokazu Koreeda, uno de los grandes cineastas japoneses de las últimas dos décadas. La infancia y la juventud siempre han sido los estandartes de una filmografía más que recomendable. Milagro (Kiseki), protagonizada por el dúo cómico infantial ‘Maeda Maeda’, consiguió el premio a mejor guión en el certamen donostiarra.
por Emilio M. Luna
agosto 14, 2012
agosto 14, 2012
CONCURSO CAMEO: SHAME & KISEKI (MILAGRO)
por Emilio M. Luna | agosto 14, 2012
Aún permanece en la retina el estupendo documental de Asif Kapadia sobre el más grande de los pilotos de Fórmula Uno de todos los tiempos, Ayrton Senna. Antes, este subgénero deportivo dedicado a las carreras automovilísticas de élite no había gozado de demasiada aceptación por parte del público. Echando la vista atrás, filmes como Las 24 horas de Le Mans (Le Mans, 1971), con Steve McQueen o Gran Prix (1966), con James Garner, dotados de grandes presupuestos y repartos de nivel no lograron convencer en su estreno. El tándem coches de competición-cine, por tanto, no ha encontrado la afinidad deseada a lo largo de la historia del séptimo arte. Algo que puede cambiar el próximo año de la mano de Ron Howard con ‘Rush’.
Para gran parte de la crítica un impersonal cineasta, para la industria todo un artesano que convierte en oro lo que toca. Ron Howard, un ‘cazaóscar’ de primera magnitud, ha sabido reciclarse con el paso de los años. Tanto que su antepenúltimo filme estrenado, El desafío (Frost contra Nixon, 2008), supuso un inesperado cénit en su carrera. No por los premios que consiguió (que fueron muchos, incluida una nominación a mejor película) si no por la calidad y personalidad que otorgó a este maravilloso drama periodístico. Tras El desafío muchos pensaban que arribaba el momento del director de Oklahoma pero contra pronóstico llegaron las dos peores películas de su dilatada carrera: Ángeles y demonios (2009) y ¡Qué dilema! (2011). Es momento de renacer y que mayor reto que hacerlo con un género que nunca encontró su hueco en la gran pantalla.
por Emilio M. Luna
agosto 13, 2012
agosto 13, 2012
CUADERNOS DE RODAJE | RUSH, DE RON HOWARD
por Emilio M. Luna | agosto 13, 2012
Pese a que las críticas recibidas en el certamen galo fueron tibias se recalcó el talento del joven Cronenberg. Antiviral pudiera haber sido cualquier largometraje de los inicios de la carrera de su padre. Una de las citas importantes de los festivales fantásticos y de terror de este año. Protagonizan, Caleb Landry Jones, la guapa Sarah Gadon y Malcom McDowell. Aún no tiene fecha confirmada de estreno. A continuación, el primer tráiler y póster.
por Emilio M. Luna
agosto 12, 2012
agosto 12, 2012
ANTIVIRAL, DE BRANDON CRONENBERG | TRÁILER
por Emilio M. Luna | agosto 12, 2012
A veinte metros de la figura escultórica en honor a Woody Allen en Oviedo, nueva revista de cine de 'Nunca es tarde' en Canal Extremadura Radio. Un episodio vía móvil con los siguientes contenidos: estrenos de la semana con 'Ted', 'Brave (Indomable)', 'Rock of Ages (La Era del Rock)' y 'Silencio de hielo'. En 'apuntes' dos citas con el entrenimiento: 'El ladrón de palabras' y 'Venganza: conexión Estambul'. Nos despedimos con el tema de Journey 'Anyway you want it'. Pasen una excelente semana. Sueñen vean cine.
por Emilio M. Luna
agosto 12, 2012
agosto 12, 2012
NUNCA ES TARDE: PROGRAMA Nº 18
por Emilio M. Luna | agosto 12, 2012
EL TERROR A 138 PISOS DE ALTURA
El coloso en llamas (The Towering Inferno, John Guillermin, 1974)La década de los 70 será recordada por un buen puñado de obras maestras, ofrecidas por una nueva generación de dotados realizadores, tales como “El Padrino” (1972) de Francis Ford Coppola, “American Graffiti” (1973) de George Lucas, “Tiburón” de Steven Spielberg o “Taxi Driver” de Martin Scorsese. Pero también lo será por un género que fue el azote de las taquillas, el catastrofista. Desastres que van desde aviones de pasajeros en peligro (la saga “Aeropuerto” inaugurada en 1970 por George Seaton), un lujoso transatlántico volcado por una ola gigante en “La aventura del Poseidón” (1972), un seísmo que asola la ciudad de Los Ángeles en “Terremoto” (1974) o una plaga de abejas asesinas que aterroriza Texas en “El enjambre” (1978), invadieron las salas de cine dejando buenos dividendos para los estudios. Su fórmula: elegir a un actor carismático (llámese Charlton Heston, Paul Newman o Gene Hackman), rodearlo de viejas glorias de Hollywood en papeles secundarios, una historia mínima, con personajes arquetípicos y, eso sí, una buena ración de efectos especiales para plasmar la catástrofe correspondiente con todo lujo de detalles. De entre todos los títulos de aquella etapa, mi favorito siempre será “El coloso en llamas” (The Towering Inferno, John Guillermin, 1974).
Considerada desde siempre como la obra cumbre del cine de desastres, fue producida por el especialista Irwin Allen, que acababa de lograr un gran éxito con “La aventura del Poseidón”. Dos grandes compañías como la 20th Century Fox y la Warner Bros unieron sus fuerzas para sacar adelante este ambicioso proyecto de 14 millones de dólares de la época. Se encargó la dirección a John Guillermin (Londres, 1925), un realizador que luego rodaría el remake de “King Kong” (1976) o “Muerte en el Nilo” (1978), una de las más destacadas adaptaciones de Agatha Christie al cine. “El coloso en llamas” puede considerarse su mejor obra. Al menos, por la que será recordado en la posteridad. Paul Newman (Cleveland, 1925) y Steve McQueen (Indiana, 1930) eran dos de las estrellas más carismáticas de aquel entonces y su reunión como cabeza de cartel en esta película, auguraba una lucha de egos importante. Así sucedió. Newman en el papel de Doug Roberts, arquitecto del edificio y McQueen como el jefe de bomberos Michael O´Halloran, hicieron que reescribieran sus líneas de diálogo para tener el mismo número de palabras. También se repartiría el protagonismo de tal manera, que ambos aparecerían el mismo número de minutos en pantalla. Entre las dos estrellas saltaban más chispas que en la propia historia. Y lo más gracioso es que sus personajes casi no coinciden en ninguna escena. Al personaje interpretado por Paul Newman le tocó la inevitable historia romántica, en esta ocasión con la sex symbol de los 60 y 70 Faye Dunaway (Florida, 1941), famosa mundialmente por “Bonnie & Clyde” (1967) y ganadora del Óscar en 1976 por “Network”. McQueen iba a hacer el papel de Doug Roberts en un principio, pero se empeñó en dar vida al bombero, con mayor peso heroico en el argumento. El plantel de secundarios fue de ensueño, con William Holden, Fred Astaire, Jennifer Jones, Richard Chamberlain o Susan Blakely padeciendo lo indecible en el interior del rascacielos más famoso de la Historia del Cine.
por José Martín León
agosto 12, 2012
agosto 12, 2012
EL COLOSO EN LLAMAS (JOHN GUILLERMIN, 1974)
por José Martín León | agosto 12, 2012
DUELO A MUERTE EN ALTA MAR
Orca, la ballena asesina (Orca, Michael Anderson, 1977)Esta noche aprovecharé nuestra primera sesión para colocar a esta película en el puesto que se merece dentro del cine de entretenimiento de los 70. Estrenarse dos años después de la taquillera “Tiburón” de Steven Spielberg fue su mayor delito. Ya es hora de extraer a “Orca, la ballena asesina” (Orca, Michael Anderson, 1977) del saco donde la metieron en su momento, como uno más de los muchos plagios y calco baratos que quisieron subirse al carro del éxito de “Tiburón” (Jaws, 1975). Méritos cinematográficos no le faltan para ser considerada mucho más que un sucedáneo.
Fue producida por Dino de Laurentiis y dirigida por Michael Anderson (Londres, 1920), un buen artesano de Hollywood que había realizado grandes éxitos como “La vuelta al mundo en 80 días” (1956), “Las sandalias del pescador” (1968) o “La fuga de Logan” (1976). El presupuesto fue de seis millones de dólares, solo tres menos que el clásico de Spielberg, por lo que no fue la tan copia barata que muchos pensaban. Recaudó casi quince millones, así que la inversión fue rentable. Aunque fue un éxito modesto si lo comparamos con los 470 millones que amasó la nombrada “Tiburón”.
por José Martín León
agosto 11, 2012
agosto 11, 2012
ORCA (MICHAEL ANDERSON, 1977)
por José Martín León | agosto 11, 2012
Rock of Ages (La Era del Rock, Adam Shankman, Estados Unidos, 2012)
Desconozco quién fue el primero en proclamar que el rock había muerto. Obviamente, no era un virtuoso del eslogan publicitario. Esa falsa creencia ha servido de coartada a las innumerables discográficas, cadenas de televisión y managers pertenecientes al star system del negocio musical. Pero basta con escarbar un poco para hallar joyas del rock: aunque es cierto que los tiempos han cambiado, ese género adscrito a un estilo de vida de excesos no ha muerto, más bien al contrario. El rock, como todo el arte –y las estrategias lúdicas disfrazadas de éste–, se ha transformado. La forma en que consumimos y disfrutamos la música es totalmente distinta a la de hace cuarenta años, cuando bandas como los Rolling Stones o Led Zeppelin llenaban el aforo de estadios de fútbol y convocaban ante el televisor a toda la familia. En algún momento, los duces de la industria decidieron minusvalorar la inteligencia del público, convirtiendo a las viejas glorias en marionetas, para gestar imágenes lamentables, como productos irremediablemente caducos. Repito: el rock está vivo. El problema son los idiotas que hacen suyo un modus vivendi intransferible, complejo, visceral y poético cuando procede.
Debo reconocer que nunca he sido un amante del musical, ya que utiliza unos mecanismos narrativos que me son ajenos y desgraciadamente fríos. Pocas veces logro empatizar con unos personajes que rompen sin previo aviso las normas lógicas del comportamiento humano. La hipérbole de cantar y bailar por y para el drama me crea sentimientos encontrados: ¿quién pasea con su mujer o su marido tranquilamente por la calle y, de repente, empieza a cantarle sus inquietudes? Es una marcianada impropia de cualquier persona más o menos razonable. Y, sin embargo, no puedo dejar de sonreír –y marcar el compás con pies y manos– mientras contemplo películas como Cantando bajo la lluvia o Grease, cuando ese dandy llamado Gene Kelly chapotea en los charcos por aquella calle inolvidable, meciéndose por entre las farolas, calándose hasta los huesos por culpa de su felicidad. También disfruto sobremanera de ese chulazo con tupé, Danny Zuko, del séquito de rockers que rezuman testosterona al paso de las apetecibles alumnas del instituto, animadoras e ingenuas en medio de una jauría de coches descapotables que rugen sin freno. Y siempre emociona escuchar el mítico: “Oh, Sandy”. John Travolta acabó patentando un movimiento de caderas genuino, en una época radiante para él, lejos del actual intérprete hinchado que se deja caer en proyectos de segunda fila.
por Anónimo
agosto 09, 2012
agosto 09, 2012
ROCK OF AGES (LA ERA DEL ROCK, 2012)
por Anónimo | agosto 09, 2012
El director Boris Barnet es para muchos de los amantes del cine soviético el gran desconocido, el gran olvidado dentro de toda una serie fascinante de autores cinematográficos que crearon no solo una escuela y un estilo propios, sino que concibieron enormes avances para el arte cinematográfico y nos legaron una colección de películas prodigiosas. Inició su contacto con el cine en el Taller de Lev Kuleshov para pronto dar comienzo a su carrera cinematográfica como director codirigiendo, con Fyodor Otsep, una película de aventuras en tres entregas, Miss Mend (1926), a la manera de los seriales que habían triunfado en Europa y Norteamérica una década antes. La muchacha de la sombrerera (Devushka s korobkoy, 1927) sería su primera película en solitario. En ella ya daría salida de manera absoluta a su pasión por la comedia, su género predilecto. Él mismo se vanagloriaba de que nada le gustaba más que el humor y que cuando dirigía un drama le encantaba intercalar notas humorísticas en él.
La muchacha de la sombrerera es una obra maestra de la comedia romántica con momentos esplendorosos. Y muy divertida, con un sentido tan clásico de la comedia que uno entiende a la perfección qué es clásico tal y como nos enseñó Italo Calvino en relación a los libros: es aquella obra a la que uno vuelve una y otra vez sin cansarse jamás, encontrando siempre algún detalle nuevo, sintiendo las mismas emociones, si no acrecentadas, con la intensidad de entonces. Es un ejemplo maravilloso de ese tipo de comedia romántica que en Hollywood estaba desarrollando de forma magistral Harold Lloyd en películas como El tenorio tímido (Girl Shy, dirigida por Fred C. Newmeyer y Sam Taylor en 1924), El estudiante novato (The Freshman, de nuevo Newmeyer y Taylor en 1925) o El hermanito (The Kid Brother, dirigida por Ted Wilde y J. A. Howe y los no acreditados Lewis Milestone y el propio Harold Lloyd en 1927). La muchacha de la sombrerera puede citarse sin rubor al lado de estas tres joyas del cine cómico mudo.
por José Luis Forte
agosto 08, 2012
agosto 08, 2012
LA MUCHACHA DE LA SOMBRERERA (B. BARNET, 1927)
por José Luis Forte | agosto 08, 2012
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