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El sendero azul
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    Cine Alemán Siglo XXI
    American Hustle

    AMERICAN HUSTLE | EL LADO MALO DE LAS COSAS

    de David O. Russell
    intérpretes| Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Christian Bale, Amy Adams, Jeremy Renner, Louis C.K., Alessandro Nivola.
    Estados Unidos, 2013 | Annapurna Pictures / Atlas Entertainment.

    Sin duda alguna, David O. Russell se ha ganado el crédito necesario para ser considerado uno de las grandes directores estadounidenses contemporáneos. Un estatus refrendado con el gran éxito de El lado bueno de las cosas el pasado curso. O. Russell aspira, de nuevo, a amasar nominaciones al Oscar con este thriller político con un reparto de auténtico lujo. Unos casi irreconocibles Bradley Cooper y Christian Bale en busca de su segunda nominación a la estatuilla dorada. Must see 2013.

    Estreno| 25 de diciembre en Estados Unidos.

    por Emilio M. Luna
    julio 31, 2013

    Tráiler | American Hustle, de David O. Russell

    por Emilio M. Luna | julio 31, 2013
    Ain't Them Bodies Saints

    CAMPO DE TRIGO SEGADO Y SESGADO

    crítica de Ain't Them Bodies Saints | David Lowery, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    Hay un plano cada vez más característico y frecuente en el cine: el de un lejano sol a media altura parcialmente ocultado por los árboles, pero no lo suficiente como para no dejar pasar sus cegadores rayos. A veces es un plano más subjetivo y a veces uno más descriptivo, pero el contenido suele asemejarse bastante, mostrando una conjunción tan vital como nebulosa entre claridad y frondosidad. Desconozco en qué película se pudo ver por primera vez uno de estos planos, pero lo cierto es que el imaginario colectivo suele asociarlo con el estilo de Terrence Malick, sobre todo después de la tan radical como magistral El árbol de la vida (2011). Desde entonces, muchos son los directores con vocación autoral y trascendental que parecen copiar tal imagen, multiplicándose los casos hasta aparecer en cintas incluso más comerciales o en las que un plano así resulta visible e injustamente fuera de lugar. De hecho, en los últimos años la otrora única visión del cineasta de Illinois cada vez es fuente de mayor inspiración: aunque nadie más ha alcanzado aún sus extremos de abstracción y esplendor, algunos van incorporando cada vez más elementos reminiscentes de su filmografía. Y el último y más llamativo caso es el de David Lowery y su Ain't Them Bodies Saints.

    Esta nos cuenta una historia bastante sencilla, que se pasa volando: la de un fugitivo que duda sobre si volver o no al pueblo donde le esperan su mujer y su hija a la que aún no conoce, pero donde sabe que también están pendientes de su llegada las fuerzas de seguridad. La trama tiene pues tres puntos de actividad o interés, cada uno de ellos articulado a través de un personaje relevante: el bandido que ha huido de la cárcel (Casey Affleck), la esposa cómplice que lo aguarda melancólicamente (Rooney Mara) y el agente local decidido a aplicar la ley (Ben Foster). Sin embargo, el protagonismo decrece de uno a otro, de forma que gran parte de la película sigue las peripecias del delincuente, acogido temporalmente por un amigo en su aislado restaurante, mientras que otra parte relevante del metraje descansa en la interacción entre su hija y su mujer y en la correspondencia entre ésta y él. Al personaje de Ben Foster se le dedica menos tiempo, aunque el mismo también esconde un conflicto claro: piensa que es el de Casey Affleck el que le disparó durante la emboscada que le condujo entre rejas, y por ello en parte quiere vengarse, pero en realidad quién disparó fue el de Rooney Mara, entonces compinchada con su marido, y a ella progresivamente le está cogiendo cariño. Con todo, este embrollado resumen le otorga una complejidad engañosa a una historia que, como de hecho hemos adelantado, no tiene mucho misterio y se encamina de manera consecuente hacia un desenlace tan aligerado como significativo.

    por Ignacio Navarro
    julio 31, 2013

    Crítica | En un lugar sin ley

    por Ignacio Navarro | julio 31, 2013
    Una cuestión de tiempo

    ABOUT TIME | AMOR EXTRATEMPORAL

    de Richard Curtis.
    intérpretes| Rachel McAdams, Domhnall Gleeson, Bill Nighy, Tom Hollander, Margot Robbie, Rowena Diamond, Vanessa Kirby, Lindsay Duncan, Matt Butcher, Lee Asquith-Coe.
    Reino Unido, 2013 | Translux / Working Title Films.

    Es probable que los mimbres de esta historia les provoquen un dejà vú. Rachel McAdams se vuelve a enfundar el vestido de amante a través del tiempo por enésima vez con Una cuestión de tiempo, la nueva película del no menos meloso Richard Curtis. Y decimos enésima porque hace cuatro años ya presentó Más allá del tiempo junto a Eric Bana que tenía el mismo punto de partida. Si a esto le unimos El diario de Noa (2004) y Todos los días de mi vida (2012) done el binomio amor-tiempo era también el eje, podemos añadir, por tanto, que el encasillamiento de la señorita McAdams es más que notable. Veremos que resultados da Una cuestión de tiempo. Las primeras reviews han sido positivas. Richard Curtis, mal quien le pese, tiene una estrecha relación con la taquilla por lo que su rentabilidad está asegurada. El filme podrá verse fuera de competición en Locarno 2013.

    Estreno| 4 de septiembre en Reino Unido. 18 de octubre en España.

    por Emilio M. Luna
    julio 31, 2013

    Tráiler | Una cuestión de tiempo, de Richard Curtis

    por Emilio M. Luna | julio 31, 2013
    A Teacher, de Hannah Fidell

    A TEACHER | DESEO, PELIGRO

    de Hannah Fidell
    intérpretes| Lindsay Burdge, Will Brittain, Jennifer Prediger, Jonny Mars, Julie Phillips, Chris Dubeck.
    Estados Unidos, 2013 | Flaneur Films.

    Desde Sundance os venimos hablando de este filme que en cada evento coge más impulso. La ópera prima de la jovencísima realizadora Hannah Fidell nos acerca una nueva versión del mito erótico del docente que, si bien, no tuvo una acogida demasiado mediática en Utah, en el SXSW consiguió la cuasi unanimidad de la crítica. Ya os presentamos un primer teaser, ahora llega el primer avance de larga duración. Deseo en las aulas.

    Estreno| 20 de agosto en VOD y 7 de septiembre en salas en Estados Unidos.

    Tráiler de A Teacher|



    A Teacher póster
    por Emilio M. Luna
    julio 31, 2013

    Tráiler | A Teacher

    por Emilio M. Luna | julio 31, 2013
    Guerra Mundial Z

    LA CHUFLA DEL VERANO

    crítica de Guerra Mundial Z | World War Z, Marc Forster, 2013

    Padecía de anemia la taquilla española. Millones de lectores y no pocos catedráticos del fandom soñaban con la exhibición en pantalla grande de una historia —surgida a partir de la novela homónima de Max Brooks— capital para los efluvios de la fenomenología zombi, todo un algoritmo de consumo en torno al género. El tributo a un sistema mercadotécnico que comprende ya nuestro recién estrenado siglo y avala sin pudor una cierta decantación natural hacia el sainete. Llegaban noticias acerca de las múltiples reescrituras que estaba sufriendo el libreto del filme. Poco importaba: saldría a flote sí o sí, tras muchas discusiones (se rumorea que también entre el director, Max Brooks, y su actor protagonista, Brad Pitt) que acabarían elevando innecesariamente el presupuesto de esta producción cercana al gafe (ejem). Pero se impuso la profesionalidad. O eso, o alguna cláusula del contrato. Ah, Hollywood. Qué perseverante. Gracias a su buen hacer, hoy podemos disfrutar del virus. Literal pero ficticiamente, paradojas de una distopía inútil. Contradicciones de una película enlatada y a disposición del público masivo, sobre la sangre que sólo intuimos fuera de campo porque las restricciones son las restricciones, y cuya acción despunta con imágenes periodísticas a modo de documental muy acongojante. La señal transporta interferencias y una voz en off profetiza vagamente un Apocalipsis lento pero rápido, definitivo aunque reversible. Contradicciones de una peli que señala a su público con la imprecisión de un láser a plena luz del día: primero te vendo el producto (caos) y luego me río de ti (toma thriller de pandemias). Adiós a tu retina, a la incertidumbre. Solo queda el horror. Y estruendos. Y gritos. Histeria total. Y una columna de humo al norte del drama. Y en mitad de la carretera, una familia muda ante el griterío de miles y miles de transeúntes y turistas desubicados. No queda tiempo, así que el que no corre, se suicida; y el que corre se contorsiona y reparte con gesto narcótico potentes mordiscos que transmiten la rabia o una enfermedad insólita cuyo brote surgió en Corea del Sur.

    por Anónimo
    julio 30, 2013

    Crítica | Guerra Mundial Z

    por Anónimo | julio 30, 2013
    La vida secreta de Walter Mitty

    THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY | IMAGINACIÓN, ABRE LA PUERTA

    de Ben Stiller
    intérpretes| Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn.
    Estados Unidos, 2013 | Red House Entertainment / Truenorth Productions / Twentieth Century Fox Film Corporation.

    Hace un año cuando Ben Stiller anunció que volvería a llevar a la gran pantalla a Walter Mitty la palabra sacrilegio salió a relucir de forma instantánea. El filme de 1947, protagonizada por el sensacional Danny Kaye, es un hito del cine imaginativo, lleno de ternura e ingenuidad y que llega al corazón de cualquier tipo de espectador, sin importar edad o preferencias. Nuestro compañero José Luis Forte así lo reflejaba en el comentario de una película por el que jamás pasarán los años. Que Hollywood piense en un remake debería ser considerado una aberración. Sin embargo, tras ver el maravilloso primer avance --también influye, y mucho, el tema de Of Monsters and Men que lo acompaña-- puede ser una buena oportunidad para dar a conocer a las nuevas generaciones este magnífico personaje. Habrá que esperar al resultado final. Walter Mitty no hay más que uno pero como homenaje el nuevo trabajo de Stiller puede ser más que prometedor. Fuente| The Film Stage.

    Estreno| 25 de diciembre en Estados Unidos.

    por Emilio M. Luna
    julio 30, 2013

    Tráiler | La vida secreta de Walter Mitty

    por Emilio M. Luna | julio 30, 2013
    Arrested Development - Season 4

    UNA BRILLANTE ADAPTACIÓN A LAS CIRCUNSTANCIAS

    crítica de Arrested Development (2003-) | Temporada 4

    Netflix / 4º temporada: 15 capítulos. | EEUU, 2013. Creador: Mitchell Hurwitz. Directores: Mitchell Hurwitz & Troy Miller. Guionistas: Mitchell Hurwitz, Jim Vallely, Richard Rosenstock, Caroline Williams, Dean Lorey, Jim Brandon, Brian Singleton. Reparto: Jason Bateman, Michael Cera, Portia de Rossi, Will Arnett, Jeffrey Tambor, Jessica Walter, Alia Shawkat, Tony Hale, David Cross, Liza Minnelli, Henry Winkler, Maria Bamford, Ron Howard, Chris Diamantopoulos, Isla Fisher, Terry Crews. Fotografía: Peter Lyons Collister. Música: David Schwartz.

    La medida del ingenio en muchas ocasiones puede ser la de improvisar una sólida respuesta a unas circunstancias inesperadas. Como ya se ha dicho, cuando Mitchell Hurwitz obtuvo la luz verde para rodar la cuarta temporada de su comedia de culto Arrested development, se encontró con un obstáculo. Era imposible contar con los nueve actores fijos del reparto original para rodar una nueva temporada. La carrera cinematográfica y otro tipo de compromisos de los intérpretes no permitía que pudieran rodar juntos durante un par de meses los 10 capítulos -que pasaron a 14, y por último a 15- de la nueva tanda. Así que el genial Hurwitz se enfrentó a la adversidad con su mejor arma: el talento. Creó un par de tramas generales que recorrieran toda la temporada -la construcción de un muro para separar EEUU de México y la firma de los derechos de la familia Bluth para hacer una película con ¡Ron Howard!- y centró cada episodio en un personaje. Rodó cuando los actores estuvieron disponibles y con la magia del montaje puso en orden las escenas que iba acumulando. Nada de rodaje cronológico, por eso sólo están Hurwitz y Troy Miller acreditados como co-directores de cada episodio. Y por eso hay tanto guionistas acreditados como asesores -incluido Michael Cera- aunque no llegaran a escribir un guión completo. Trabajaban un par de semanas en cada personaje o trama hasta que el creador no podía pagarles por más tiempo. Una odisea logística de la que los responsables han salido muy bien parados.

    El problema que esto puede plantear de entrada para el purista es que ya no está la gozosa estructura coral de las primeras temporadas. No más tramas cruzadas donde los nueve miembros de la familia Bluth interactúan. E inconscientemente se revelan los personajes menos predilectos del creador, ya que seis obtienen dos capítulos céntricos y tres -Lucille, Maeby y Buster- sólo uno. Pero se gana el asistir fascinado a lo que Hurwitz y sus guionistas han escrito para responder a la primera pregunta: ¿Qué ha sido de cada Bluth en estos años? En la línea temporal de la historia han transcurrido unos cinco años, estamos en 2011. El vuelo de Phoenix (4.1) deja al espectador extrañado mientras acostumbra su ser a la estructura céntrica. Pero tras unos cuantos capítulos, la adaptación es completa. A esto ayuda la difusión simultánea de Netflix, su marca de la casa. Toda la temporada disponible de un tirón. Como era de esperar, abrimos con Michael (un eficaz Jason Bateman, nominado a los Emmy por su trabajo) y su patética existencia desde que terminara Development arrested (3.13). Siempre ha sido el viaje de Michael, la crónica de su vida. De hecho, Bateman es el único actor que aparece en los 15 episodios.

    por Anónimo
    julio 30, 2013

    Crítica en Serie | Arrested Development (Temporada 4)

    por Anónimo | julio 30, 2013
    De óxido y hueso

    LA BESTIA Y LA BESTIA

    crítica de De óxido y hueso | De rouille et d'os (Rust & Bone), Jacques Audiard, 2012

    De óxido y hueso buscaba ser lo que no era Un profeta (2009). Jacques Audiard afirmaba en su estreno que todas las películas acarrean, para el cineasta, una frustración. En el caso del drama carcelario que obtuvo un gran éxito de crítica y público –alcanzando nominaciones a los Oscar, los Globo de Oro y ganando el Gran Premio del Jurado en Cannes– el desasosiego era provocado por la ausencia de mujeres, de amor y de espacios abiertos. Tanto él como su colaborador habitual, el guionista Thomas Bidegain, querían que su siguiente proyecto fuese algo romántico. Obviamente el oscuro y bestial relato penitenciario que narraba la vida y la capacidad de adaptación y supervivencia de un joven árabe en minoría étnica, Malik El Djebena, en una prisión en la que la mafia corsa tenía la supremacía dejaba poco lugar para el amor y otros vicios. De ahí las pretensiones del realizador francés. No obstante, ese cambio no suponía tan sólo una ruptura con su anterior película, sino también un alejamiento del género negro que impregna su filmografía. Una propensión que responde a códigos genéticos, herencia de un padre –guionista– que se movía por esos lares. De esa necesidad creativa nació De óxido y hueso, y a tenor del listón fijado por Un profeta y su anterior película De latir mi corazón se ha parado (2005) –galardonada con el Oso de Plata en Berlín–, se puede afirmar que ésta aguanta el envite. A medio camino entre una y otra en lo que a parámetros de calidad se refiere. Si, como decía, es rupturista con su obra en el abandono de ciertos usos, no es menos cierto que sigue el mismo compás de sus anteriores cintas; le delata la violencia, empleada por sus personajes, como canalizadora del conflicto.

    El argumento está basado en un par de relatos breves del canadiense Craig Davison, pero en ellos no existía la figura femenina, que en este caso se encorseta en el guion con un tino digno de elogio. Incluso me atrevería a decir que de ellos tan sólo coge el título, un par de localizaciones y las peleas ilegales. Para muchos críticos, el director galo, le da otra vuelta de tuerca al cuento de la bella y la bestia. En todo caso, haciendo una concesión al parecido, la ambigüedad de quién es quién es significativa. Sería más acertado afirmar que se trata de dos bestias. Una mutilada por fuera, otra mutilada por dentro. La historia tercia sobre la relación amorosa que surge entre una entrenadora de orcas que pierde las piernas en un accidente durante el espectáculo acuático –Marion Cotillard– y un ex luchador rudo, tosco, hasta cierto punto primitivo que se recorre Francia con su hijo de cinco años con la esperanza de encontrar un trabajo –Matthias Schoenaerts–; lo consigue con ayuda de su hermana al tiempo que se parte la cara en peleas clandestinas. Tenemos pues, la relación entre un inadaptado que esconde sus sentimientos en un físico descomunal y una discapacitada que no sabe cómo engancharse a la vida. Llegados a este punto, mitad de metraje, hemos visto lo mejor de la cinta. Una primera parte espectacular que roza el cielo para poco a poco ir haciéndose más terrenal, eso sí, sin que uno pierda un ápice de interés. Audiard habla de amor sucio, grosero, bruto y cuasi dañino; y lo hace humedeciéndolo todo con un halo de ilusión y esperanza.

    por Anónimo
    julio 30, 2013

    Crítica | De óxido y hueso

    por Anónimo | julio 30, 2013
    Mr. Morgan's Last Love

    MR. MORGAN'S LAST LOVE | TO LIVE

    de Sandra Nettelbeck
    intérpretes| Michael Caine, Gillian Anderson, Clémence Poésy, Justin Kirk, Jane Alexander, Richard Hope, Anne Alvaro.
    Francia, 2013 | Bavaria Pictures.

    Siempre es un placer ver en pantalla a Sir Michael Caine. En los últimos años relegado a papeles terciarios en grandes superproducciones, de vez en cuando nos sorprende en algún papel protagónico de cintas modestas. Ese fue el caso de la interesante pero fallida Harry Brown. Ahora el gran actor británico viaja Francia para encabezar Mr. Morgan's Last Love una drama bientencionado que además cuenta con los sugerentes rostros de Clémence Poésy y Gillian Anderson. El filme se pudo ver el pasado mes en el Festival de Munich y tuvo una muy buena acogida. Ayer se publicó primer avance de tosco montaje pero que deja bien a las claras que puede ser un producto muy disfrutable aunque sólo sea por ver a uno de los grandes de todos los tiempos. Fuente| The Film Stage.

    Estreno| en octubre en Estados Unidos.

    por Emilio M. Luna
    julio 30, 2013

    Tráiler | Mr. Morgan's Last Love

    por Emilio M. Luna | julio 30, 2013
    Tú y yo, de Bernardo Bertolucci

    RAGAZZO SOLO, RAGAZZA SOLA

    crítica de Tú y yo | Io e te, Bernardo Bertolucci, 2012

    Volvió el maestro Bertolucci. Volvió uno de los directores más influyentes del cine transalpino. Lo hizo el año pasado en el Festival de Cannes, fuera de competición, con su ovacionadísima y ansiada  Tú y yo (Io e te, 2012). Ansiada por sus casi diez años de obligada ausencia por una enfermedad que lo tenía y tiene atado, hasta el fin de sus días, a una silla de ruedas. Límite físico que no mental, pues según sus propias palabras, durante el rodaje se encontraba en un momento “excitante y lleno de vuelos en las galerías y en las minas de la creatividad”. Reapareció con una obra minúscula si atendemos a una filmografía capital en la que destacan cintas colosales como 1900 (Novecento) (1976), la premiadísima El último Emperador (1987), u otras mucho más íntimas pero igualmente relevantes como El último tango en París (1972) o Soñadores (2003). En la línea de esta última se enmarca Tú y yo, una película pequeña y simple, intimista y claustrofóbica basada en la novela homónima de Niccolò Ammaniti. Vuelve a los orígenes, rodando en su país y en su lengua más de dos décadas después. Desde las entrañas de un edificio, en un almacén de recuerdos Bertolucci pinta un cuadro protagonizado por dos hermanastros desubicados, socialmente inadaptados: Io por los cambios inherentes a la adolescencia y un latente complejo de Edipo; Te por su adicción a las drogas.

    por Anónimo
    julio 29, 2013

    Crítica | Tú y yo

    por Anónimo | julio 29, 2013
    Tú y yo, de Niccoló Ammaniti

    JUVENTUD, UN CUELLO DE BOTELLA

    crítica de Tú y yo, de Nicolo Ammaniti | Editorial Anagrama

    Una madre y su hijo atraviesan la ciudad en coche, sorteando calles angostas y dejando atrás espléndidas construcciones que recopilan viejos mitos literarios. Febrero cae tenuemente en Roma. Allí crecieron artistas sin límites, cuyo legado último se grabó a fuego en la piedra centenaria, a veces minúscula pero siempre intimidante. Él es un chaval de catorce años, con los ojos azules y muchas pecas que salpican su piel casi translúcida. Le cuesta hacer amigos; de hecho, su compañía extra-familiar empieza y acaba en la música y en los videojuegos, dosis ingentes de ficción que levantan un alto muro entre la realidad del día a día y los subterfugios naturales de ese ciudadano 2.0. que se resiste a una decadencia ya irreversible. Con todo, Lorenzo ha quedado con un grupo de compañeros de clase para pasar una semana de vacaciones en la nieve, donde esquiará feliz y se divertirá junto a chavales como él, olvidando aquellos tiempos de soledad o autismo con mucho de soberbia. Decían los médicos que la verdadera razón por la que no tenía amistades era su increíble ego, originado grosso modo por la (sobre)protección de unos padres atentos y la dosis de arrogancia que lleva consigo la inteligencia. Lorenzo era capaz de relacionarse sin dificultad, y su problema era que no necesitaba relacionarse con nadie. Su mundo, miniatura de otro supuestamente libre, se expandía en una rebanada de pan con Nutella. Apuntes, en fin, para un joven no tan calculador, que un buen día miente –sin querer queriendo, que diría el clásico mexicano– a su madre, pues no existen tales amigos, y tampoco nadie le ha invitado a pasar la Semana Blanca en Cortina, en la región del Véneto, entre lujosos equipos de esquí y tazas de chocolate caliente y carreras en picado y confesiones a esa guapa chica que a lo peor, piccolo sognatore, ni se acuerda de él.

    ¿Adónde van entonces, si no al encuentro con esa familia que lo ha invitado generosamente? A ningún sitio. Si acaso, a un par de kilómetros del lugar en donde el protagonista de Tú y yo vivirá por una semana. Siete días en un viejo sótano abastecido de veinte latas de atún, pan de molde, bollos, zumos, refrescos, y chocolate con leche. Presidiendo la estancia: la videoconsola y tres novelas de Stephen King. Y que se acabe el mundo, que se cumpla la profecía y lluevan ranas, qué sé yo. Lorenzo será el Rey en 20m2. Nadie podrá alterar su paz. Tan sólo el móvil, cuando reciba la puntual llamada de su madre, para que ésta se cerciore de que sigue vivo. Y también, he aquí un mínimo contratiempo, para hablar con la madre de Alessia. Todo esto lo narra maravillosamente Niccolò Ammaniti, autor de esta novela que ahonda en la intimidad de un chico marcado por la aparición de su hermana en esa habitación que guardará un secreto de juventud, y que años más tarde se desplegará ante sus ojos en forma de flashback. Aquel encuentro fugaz, mezcla de cariño y compasión, descubre la sensibilidad de una historia libre de toda pretensión sensiblera y nada contemplativa por parte de su autor: Ammaniti, italiano de elegante prosa, nos sitúa frente al espejo de dos vidas paralelas –y cruzadas– que se (re)conocen a través de varias elipsis que favorecen su lectura. Lejos de cierto componente reduccionista, el título –Tú y yo, pareja casual que surge en una especie de quid pro quo auxiliador– esconde la misma complejidad del sentimiento que prefiere ser intuido antes que señalado. Lorenzo y Olivia se han “conocido” tarde, pero en el momento idóneo. Tanto él como ella son imperfectos, embusteros, soñadores, rabiosamente melancólicos, y quién sabe si personas con un futuro prometedor o más bien nefasto. En su historia no encontrarás misterio, ni cursilería, ni falsa afectación; ni tan siquiera preciosas descripciones (nótese la mano de Alessandro Baricco en Seda, por ejemplo) a evocar en sucesivas lecturas que serán leídas con más o menos placer, y sin embargo, jamás con el punto de aquiescencia que posee Tú y yo. Apenas dos horas, ciento veinte páginas de frío que se extienden más allá de ese denostado café humeante.

    por Anónimo
    julio 29, 2013

    Libros | Tú y yo, de Niccoló Ammaniti

    por Anónimo | julio 29, 2013
    Kosmicheskiy reys: fantasticheskaya novella
    crítica de Viaje cósmico | Kosmicheskiy reys: fantasticheskaya novella, Vasili Zhuravlyov, 1936

    Entre los muchos sueños que los tiempos que vivimos nos han arrebatado, quizá uno de los que personalmente más lamento y que a la mayoría de la sociedad le importará un rábano es el del sueño espacial. Hubo una época en la que alcanzar la luna no era solo una metáfora cursi para enamorados empalagosos: se trataba de una realidad que preocupaba, conmovía e ilusionaba al público de a pie y que enfrentaba a las grandes potencias en una carrera por conquistar los cielos. Nuestro satélite, la Luna, era el objetivo principal: quien lograra pisar su árido suelo podría considerarse el triunfador de esa primitiva etapa que comenzaron ganando los soviéticos gracias a Yuri Gagarin, el primer hombre que tripuló una nave al espacio exterior, lo que le convertía en el primer astronauta real, aunque ya con anterioridad la perrita Laika había hollado el espacio, siendo ella la pionera en orbitar nuestro planeta Tierra. Si bien al final serían los norteamericanos quienes acabarían adelantándose al alunizar con el Apolo XI, hecho del que muchos dudan pues las imágenes que recorrieron el mundo dando fe de ese momento grandioso y único fueron, y aquí uno no sabe ya qué pensar, rodadas por Stanley Kubrick. Conspiranoias aparte, el hecho es que este fue uno de los acontecimientos más importantes de la guerra fría entre las dos potencias. Hoy, cuando el espacio ha sido devorado por la necesidad de tener trabajo y alcanzar con nuestros miserables sueldos el poder comprar pan, y cuando la carrera por conquistar el cosmos no interesa como arma política y las estaciones espaciales son internacionales, solo nos queda volver a nuestra imaginación y a todos aquellos autores que aún hoy nos hacen soñar con sus obras. La ciencia ficción es un género que pervive con fuerza, y no solo en su faceta más escapista, que también nos encanta, pero no hay ciudadano de la calle que piense ya que conoceremos a alguna raza alienígena, y si a alguien se le habla de la posibilidad de invertir millones en un viaje espacial se llevará las manos a la cabeza enfadado porque hay cosas más necesarias. Si esos millones se destinan al fútbol, en cambio, todo es distinto: parece que no hay nada más urgente y prioritario para la vida. Pero ya sabemos que los sueños y las maravillas de verdad no crecen en un campo pisoteado por veintidós señores en calzoncillos.

    El cine, desde sus comienzos, ya nos hizo soñar con la posibilidad de llegar a la luna y fantasear sobre qué ocurriría una vez allí. Georges Méliès nos llevó hasta ella en la temprana Viaje a la luna (Le voyage dans la lune, 1902), una película mítica, como no podía ser de otra manera, que vista hoy en día sorprende y fascina como el día de su estreno y cuyas imágenes son ya parte del imaginario colectivo. Y si no pensad en esa luna de rostro enfadado y mocos colgantes con una nave espacial con aspecto de bala gigante clavada en uno de sus ojos. El mismo Fritz Lang, acompañado por Thea von Harbou en labores de guion trabajando sobre su propia novela, no se resistiría a mostrarnos cómo podría ser tan alucinante viaje: La mujer en la luna (Frau im Mond, 1929) es una película emocionante y divertida, una de sus grandes obras en la que mezclaba aventuras folletinescas, esas que tan bien había aprendido de su admirado Louis Feuillade, con todo el material serio y real que pudo proporcionar el científico Hermann Oberth, colaborador de lujo que en el futuro diseñaría los misiles V-2 utilizados por los nazis en la Segunda Guerra Mundial y que acabaría trabajando para el gobierno norteamericano en los años 50. Hay muchas más películas de las que los aficionados a la ciencia ficción deberían sentirse orgullosos, pero quizá sean estas dos las que podríamos considerar antecedentes directos de la maravillosa obra que vamos a comentar a continuación.

    por José Luis Forte
    julio 29, 2013

    Cine Club | Viaje cósmico (1936)

    por José Luis Forte | julio 29, 2013
    Adiós al celuloide

    JOTA&MARP | NÚMERO UNO

    adiós al celuloide | Serial de viñetas EAM

    por Anónimo
    julio 29, 2013

    Jota&Marp | Número 1

    por Anónimo | julio 29, 2013
    Miss Violence

    MISS VIOLENCE | LÍRICA HELENA

    de Alexandros Avranas
    intérpretes| Themis Panou, Eleni Roussinou.
    Grecia, 2013 | Faliro House Productions, Plays2place Productions.

    Una de las gratas sorpresas de la Sección Oficial (Concurso Internacional) de la Mostra de Venecia 2013. Coincidiendo con el derrumbe del país mediterráneo la cinemagrafía griego ha dado un enorme salto de calidad con autores como Yorgos Lanthimos, Athina Rachel Tsangari o Spiros Stathoulopoulos. Se une a esta nueva ola Alexandros Avranas que se dio a conocer con Without (2008) y que con Miss Violence aspira a mantenerse en la Serie A de los grandes certámenes. Un filme cuyo planteamiento tiene algún paralelismo como la excelente obra de Sofía Coppola Las vírgenes suicidas. El tráiler, excelente.
    Fuente| Twitchfilm.

    Estreno| por confirmar.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Miss Violence

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Soldate Jeanette

    SOLDATE JEANNETTE | SWEET FREEDOM

    de Daniel Hoesl
    intérpretes| Johanna Orsini-Rosenberg, Christina Reichsthaler, Josef Kleindienst, Aurelia Burckhardt, Julia Schranz, Ines Rössl.
    Austria, 2013 | Katharina Posch.

    Impresionante recorrido de Soldate Jeannette, ópera prima de Daniel Hoesl. Sundance, Göteborg, Rotterdam y, finalmente, Sarajevo, donde participará en la Sección Oficial. Una conspiración en Europa, subtitulan. Esta pequeña revelación proveniente de Austria retrata los caminos de varias mujeres en busca de su libertad personal y espiritual en los lugares más insospechados. El primer avance, igual de interesante que la propuesta.

    Estreno| por confirmar.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Soldate Jeannette

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Jeune et jolie

    JEUNE ET JOLIE | UN OZON MENOR PERO INTERESANTE

    de François Ozon
    intérpretes| Marine Vacth, Géraldine Pailhas, Frédéric Pierrot, Charlotte Rampling.
    Francia, 2013 | Mandarin Films

    El paso de Jeune et jolie por Cannes dejó cierta indiferencia. Cine elegante, como es habitual en François Ozon, pero demasiado alejado de la brillantez de, por ejemplo, En la casa. Su proyección en Karlovy Vary, con nuestro redactor Ignacio Navarro como testigo, refrendó dichas sensaciones. Esta semana en EAM la crítica de Jeune et Jolie. Ahora, un evocador y sensual tráiler con Marine Vacth a la cabeza.

    Estreno| el 21 de agosto en Francia. También se exhibirá en el Festival de Toronto.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Joven y bonita (Jeune & jolie)

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Salvo

    SALVO | LA REVELACIÓN TRANSALPINA

    de Fabio Grassadonia, Antonio Piazza
    intérpretes | Luigi Lo Cascio, Saleh Bakri, Redouane Behache, Sara Serraiocco, Jacopo Menicagli.
    Italia, Francia, 2013 | Acaba Produzioni / Cristaldi Pictures / ARTE France.

    Gran premio del jurado de la Semana de la Crítica de Cannes 2013, Salvo es la película del año en Italia junto a La gran belleza de Paolo Sorrentino. Un drama policiaco ambientado en unas cloacas sicilianas donde no hay lugar para la esperanza. Todo cambiará con la aparición de una joven invidente. La crítica ha destacado su poderosa estética por encima de cualquier elemento narrativo. Un clara candidata a los Donatello 2014.

    Estreno| el 27 de junio lo hizo en Italia. En Francia lo hará el 16 de octubre.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Salvo

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Our Sunhi, de Hong Sang-soo

    OUR SUNHI | CALEIDOSCOPIO SANG-SOO

    de Hong Sang-soo.
    intérpretes| Jeong Yu-mi, Lee Seon-gyoon, Kim Sang-joong, Jeong Jae-yeong.
    Corea del Sur, 2013, Woori sunhee | Jeonwonsa Film.

    Segunda película que presente este año el ubicuo Hong Sang-soo tras Nobody's Daughter Haewon, proyectada en la Berlinale. Our Sunhi, es una de las cintas cabeza de cartel de la próxima edición del Festival de Locarno que comenzará el 7 de agosto. De nuevo, las claves del cine de Sang-soo: comedia dramática y relaciones con el cine de fondo. Una auténtica delicia que la cinematografía actual cuente con un cineasta tan prolífico como elegante. Fuente| TwichtFilm.

    Estreno| por confirmar.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Our Sunhi, de Hong Sang-soo

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Una noche

    UNA NOCHE | MIAMI PARAÍSO

    de Lucy Mulloy
    intérpretes| Dariel Arrechada, Anailin de la Rua de la Torre, Javier Nuñez Florián, María Adelaida Méndez Bonet, Greisy del Valle, Katia Caso.
    Cuba, Reino Unido, Estados Unidos, 2012 | Una noche Films.

    Gran triunfadora en el Festival de Tribeca donde obtuvo los premios al mejor actor, director y fotografía; y, segunda clasificada en los Teddy Award de la Berlinale, este próximo mes de agosto se presenta una de las sensaciones independientes del 2012/2013. Una noche, supone el debut en la ficción de la joven cineasta Lucy Malloy. Lo hace con la enésima historia de emigración cubana pero desde un punto de vista más personal y humano, si cabe. Atención a este filme.
    Fuente| The Playlist.

    por Emilio M. Luna
    julio 29, 2013

    Tráiler | Una noche, de Lucy Mulloy

    por Emilio M. Luna | julio 29, 2013
    Wendy y Lucy

    BUSCANDO SU CAMINO

    crítica de Wendy y Lucy | Wendy and Lucy, Kelly Reichardt, 2008

    Desde su primer largometraje, River of Grass (1994), que fue nominado en tres categorías de los Independent Spirit y al premio del jurado en Sundance, la directora Kelly Reichardt se ha labrado una interesante filmografía que la convierten en uno de los nombres imprescindibles del cine indie norteamericano. En 2006, con su segundo largometraje Old Joy, obtuvo el galardón a la mejor película independiente o experimental de la Asociación de Críticos de Los Ángeles, pero tal vez sea esta Wendy y Lucy (2008), la obra que le dio el empujón definitivo dentro de la industria. Al igual que sus anteriores trabajos, estamos ante una nueva historia de corte intimista, muy minimalista y contemplativa, cuyo metraje no sobrepasa los 80 minutos. Por primera vez, la realizadora cuenta con una actriz conocida para encabezar su reparto, pero esto no quiere decir que se trate de una apuesta más comercial que las que nos tenía acostumbrados. Así, Michelle Williams, que venía de su primera nominación al Oscar por Brokeback Mountain (2005), se vuelve a despojar de cualquier atisbo de glamour –y de su melena rubia– para meterse en la piel de una auténtica sufridora, que le supone su enésima oportunidad de demostrar que es una de las intérpretes más dotadas y versátiles de su generación.

    por José Martín León
    julio 28, 2013

    Crítica | Wendy y Lucy

    por José Martín León | julio 28, 2013
    L'image manquante

    UNA LECCIÓN IRREPETIBLE

    crítica de La imagen perdida | L’image manquante, de Rithy Panh, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    Ganadora de la competición Una Cierta Mirada en el festival de Cannes de este año, L’image manquante es una película particularmente complicada de analizar, sintetizar y valorar. Para entenderla hay que tener en cuenta que su creador, Rithy Panh, tiene una trayectoria documentalista contrastada, casi siempre enfocada a las tragedias ocurridas en Camboya durante el régimen de los jemeres rojos. El propio Panh, nacido en la capital camboyana, las padeció durante su infancia, sufriendo durante cuatro años las experiencias de los campos de rehabilitación hasta que en 1979 pudo huir del país. Un año después se trasladó a Francia, donde reside desde entonces y donde ha realizado la mayor parte de su trabajo en distintas facetas del mundo del cine (desde los distintos departamentos y procesos de producción de una película hasta la profesión de profesor en la prestigiosa escuela La Fémis). Por tanto, este cineasta comprometidísimo ha optado por extraer el mayor jugo posible de las posibilidades que ofrece el cine para compartir con sus espectadores aquella época que les tocó vivir a él y a sus compatriotas: sus películas ya no son meramente biográficas o autobiográficas, sino que surgen por una necesidad casi catártica de exteriorizar una y otra vez sentimientos arraigados y traumáticos. Este último filme mantiene pues ese comentario histórico a la vez que opta por un tratamiento visual único y arriesgado.

    En efecto, el viaje hacia el pasado que nos propone aquí Panh se materializa durante gran parte del metraje en decorados habitados por impasibles figuras de plastilina. Estas representan a la familia del director y a otros habitantes de la Camboya rural de los años setenta, aunque la constante narración en off, en primera persona, corre a cargo de una voz imparcial, la del desconocido actor Randal Douc. Este nos va explicando en tono relativamente neutral los distintos episodios que van afectando a estos personajes, desde acciones cotidianas como las labores agrícolas hasta sucesos más temerosos o sangrientos, bajo la progresiva amenaza de los guerrilleros; aunque también se detiene para comentar pausadamente su visión del fenómeno bajo parámetros políticos, sociales, morales o filosóficos, por lo que la película adquiere un insistente carácter didáctico. A su vez, esta recomposición en miniatura se ve acompañada de imágenes de archivo del mencionado contexto, a veces de forma separada y a veces de forma intercalada, de manera que los coloridos personajes de barro son insertados en localizaciones reales en blanco y negro para unificar en mayor medida el relato, dotarles a aquellos de mayor significado y situarlos con mayor claridad en ese oscuro pasado. Por último, a estas dos categorías gráficas se les unen, con menor frecuencia, imágenes reales y actuales, sobre todo al principio del metraje cuando se nos esboza el proceso de diseño y construcción de las figuras y de los decorados; y al final cuando se intenta concluir el discurso con una mirada a la herencia de nuestros días.

    por Ignacio Navarro
    julio 28, 2013

    Crítica | La imagen perdida

    por Ignacio Navarro | julio 28, 2013

    DOMINANDO EL ÍMPETU

    crítica de La postura del hijo | Pozitia copilului (Child’s Pose), Calin Peter Netzer, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    Si echamos un vistazo a los tres últimos ganadores del Oso de Oro en Berlín, encontramos algunas similitudes tanto en su temática como en su tratamiento: los tres son intensos filmes con un fondo criminal cuya lectura se extiende a varias capas sociales. En efecto, incluso César debe morir (Paolo & Vittorio Taviani, 2012), cuya trama transcurre de principio a fin dentro de los muros de una prisión, tiene una pretensión documentalista amplia. Con todo, la comparación se sostiene más entre Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi, 2011) y la película objeto de esta crítica: La postura del hijo (Pozitia Copilului). Ambas obedecen a una tendencia del cine por combinar la sobriedad con la agitación, buscando así lo mejor de ambas apuestas: un desarrollo dramático verosímil e incisivo mostrado con un dinamismo que apenas deja margen para el respiro. Tal intensidad trae causa de la intervención en ambas historias de los intríngulis del sistema policial o judicial del país en cuestión, tras el enfrentamiento creciente, sin frenos, entre los personajes principales. Estos pertenecen en ambos filmes a la clase media alta pero se encuentran ante un acontecimiento en el que deben actuar de forma menos segura y refinada y más salvaje o instintiva, sin contar con que a lo largo del conflicto deben hacer frente a personajes de clases más bajas. Con todo ello, partiendo de la intimidad de una familia próspera y pacífica, se establece una especie de radiografía social en la que despiertan algunas de las pulsiones más básicas y ocultas del ser humano.

    Tal pretensión la encontramos casi desde el principio en la película de Calin Peter Netzer: la primera secuencia nos muestra una conversación entre la madre protagonista y su hermana, en forma de confesión de la primera a la segunda sobre lo que le molesta la relación de su hijo con una mujer separada. Lo llamativo es que la misma está rodada en un único plano, con la cámara en mano moviéndose ligeramente hacia atrás y hacia delante, aunque los personajes permanezcan sentados, inmóviles. Lo que provoca esta rara planificación es que la cámara llame la atención sobre si misma, aunque ello solo ocurra con claridad en este inicio, y se explica porque es como si la madre estuviese siendo entrevistada, como si hablase directamente a cámara, revelando una información sensible que luego no discutirá con otros personajes pero que nos anticipa ya cuales son sus temores y deseos y cual es el verdadero conflicto de la historia. Por ello se establece ya cierta sensación de estudio sociológico, casi documental, con el que nos quedamos durante el resto del metraje aunque el constante movimiento de la cámara acompañe ya siempre el de los referentes en pantalla y aunque enseguida la trama adquiera un componente claramente ficticio. El mismo se refiere al accidente de coche que le cuesta la vida a un niño, provocado por ese hijo algo bruto que no se lleva demasiado bien con su experimentada madre. A partir de ahí ésta usa sus conexiones en las altas esferas para que el atropello no conduzca a su hijo a la cárcel, cambiando la declaración del testigo o influyendo en la investigación policial. Sin embargo, al antipático hijo no le hace gracia que su madre se inmiscuya en sus asuntos, quizás porque tal interferencia la acerca también a su pareja, en un principio rechazada por aquella en base a unos motivos que más adelante se revelan erróneos.

    por Ignacio Navarro
    julio 27, 2013

    Crítica | Madre e hijo

    por Ignacio Navarro | julio 27, 2013

    LA PROBLEMÁTICA DIRECCIÓN DE DOS MENORES

    crítica de El gran cuaderno | A nagy füzet (Le grand cahier), János Szász, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    Ganadora del Globo de Cristal en el pasado festival de Karlovy Vary, Le grand cahier (A nagy füzet) se enmarca en cierta corriente de películas bélicas o más ampliamente de contexto violento visto a través de los ojos de unos niños. Uno de los ejemplos más memorables de los últimos años es sin duda El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), donde la joven protagonista intentaba escapar de los horrores del fascismo y del sadismo adentrándose en un mundo alternativo repleto de criaturas mitológicas. En otras palabras, un niño normalmente no es capaz de asimilar lo que ocurre a su alrededor en tales circunstancias y por ello, para poder soportarlo, suele transformar ese ambiente según sus propios parámetros. Ello en realidad se puede remontar a filmes anteriores como El mago de Oz (Victor Fleming, 1939) o a obras como Alicia en el país de las maravillas, a las que quizá se asemeje más la película de Guillermo del Toro por su decidido componente fantástico, mientras que otros ejemplos más realistas y recientes de la mencionada corriente podrían ser El niño del pijama de rayas (Mark Herman, 2008) o Rebelle (Kim Nguyen, 2012). En la cinta del veterano János Szász, sin embargo, el comportamiento de sus dos gemelos protagonistas se aparta de todos los anteriores en tanto que ellos enseguida aceptan la dureza del lugar y del tiempo en el que tienen que sobrevivir, e incluso se autoimponen unas reglas vitales que los transforman en personajes más temidos que los propios soldados o delincuentes con los que se enfrentan directa o indirectamente.

    Así pues, Le grand cahier nos sitúa en plena Segunda Guerra Mundial, en el arido interior húngaro, desde que dos hermanos son abandonados (temporalmente) por su madre en la aislada granja de su abuela. Ésta es una mujer obesa y bestial, con fama de bruja entre la población y con ademanes rústicos e insensibles, insultando y golpeando a sus nietos para incitarles a la disciplina y al trabajo, aunque entre los tres surgirá progresivamente un cariño tan primitivo como irracional. Entre tanto éstos van recogiendo sus vivencias en el cuaderno que da título a la película y que les ha dejado su padre, incluyendo su encuentro con un soldado desertor y congelado en la nieve, su decisión de acabar con la vida de una bella pero odiosa antisemita o su amistad con una ladrona harapienta que debe cuidar de su madre. Con todo, ni esto último da pie a escenas más tiernas ni lo anterior conduce exactamente al horror más indignante, pues en todo momento los citados gemelos mantienen una actitud estoica y una mente retorcida, a la vez que permanecen al margen de episodios más sangrientos. En efecto, imaginamos fuera de campo sucesos más graves, pero sin descontar algunos brotes de violencia física o verbal, en realidad la dureza de la película hace más bien referencia a lo inhóspito de la choza en la que deben vivir estos protagonistas y a la naturaleza antipática de todos los personajes, incluidos ellos. En consecuencia, es difícil tanto captar y entender el alcance de lo que les está aconteciendo como simpatizar con su autoinfligido sufrimiento, el cual en definitiva no les sirve para afrontar experiencias a priori insoportables porque las mismas solo llegan en un último acto, cuando tanto su estoicidad como nuestra indiferencia han mermado todo sentimiento: ni ellos ni nosotros nos sentimos apenados por lo que entonces sucede, aunque tal carencia sea precisamente intencionada.

    por Ignacio Navarro
    julio 26, 2013

    Crítica | El gran cuaderno

    por Ignacio Navarro | julio 26, 2013
    A Field in England

    RESACA ENTRE BAYONETAS

    crítica de A Field in England | Ben Wheatley, 2013

    Casi todo gran director ha comenzado desde abajo, ofreciendo alguna historia mágica que, sin un gran presupuesto, ha llegado a ganarse un lugar en el corazón de la audiencia. De Ben Wheatley puede decirse lo mismo: su breve pero laureada filmografía le sirve como un respaldo para hacer lo que quiere, básicamente porque el público (o al menos una gran parte) lo ha aceptado pese a sus exageraciones y sus defectos. De ahí, que A field in England sea su producción más ambiciosa, y aun así, no deja de ser una económica representación en un campo inglés. La economía del Dogma 95, pensará alguno, ¿Por qué no? Pero no sólo se trata de ambición en términos materiales (que tampoco es tal, aunque en comparación con otros trabajos de su autoría, añade explosiones genuinas propias de cualquier mediana producción bélica que merecen resaltarse), sino también estilísticos. Wheatley, que no es talentoso en ningún género (y mucho menos en el de la comedia negra, aunque tantos lo encasillen ahí erróneamente, sin contar que para éste es necesaria mucha inteligencia y, por lo general, una sutileza que jamás ha demostrado), pretende en este caso particular ensamblarlos de una manera injustificada. De algún modo, lo que se presenta como armónico, deviene catastrófico. El argumento, en sí, es el de cualquier película de aventuras entre camaradas que están en continuo choque (como cualquier cuento de piratas que buscan un tesoro), pero que necesitan de su unión para atravesar algunos obstáculos, vencer el mal, las tormentas, o lo que sea. De hecho, probablemente sea más parecida a Resacón en Las Vegas que a cualquier otra película que se haya rodado sobre la Guerra Civil británica. El problema surge de las comparaciones que puedan hacerse entre A field in England y cualquier otra producción, pues la británica es notoriamente inferior. Razones sobran. La más importante, es que la dirige Ben Wheatley.

    Los antecedentes del director no hablan demasiado bien de su cine. Pero en este caso particular, su falta total de gracia, por ejemplo, es evidente: sus ansias por forzar momentos divertidos en contextos que no lo requieren se convierten en intentos fallidos que, consiguientemente, resultan perjudiciales para el desarrollo del filme. La explotación de sus recursos cinematográficos (porque abuso es una palabra demasiado suave para describir la manipulación de estos) alcanza a irritar: la cámara lenta, o acelerada de un modo vertiginoso, las escenas congeladas, las imágenes bifurcadas y simétricas (a la manera del Test de Rorschach, que son pura psicodelia en blanco y negro), se repiten hasta el cansancio, y se ubican a la altura del tedio y la decepción que puede generar el resto de la historia, incluso desde antes de los créditos iniciales. Nuevamente, la transición de un género a otro es demasiado visible, cuando debería presentarse de un modo amalgamado, homogéneo. Como en el teatro, los géneros arriban de la misma manera en que los personajes ingresan al escenario. Uno puede detectar los giros que toma la historia, categorizarlos como episodios distintos que confluyen en una historia que no existe. Entre estos géneros, están el cine de aventuras, el fantástico, el drama, el suspenso, la comedia, la acción, el cine bélico: una combinación estrafalaria y desconcertante. En síntesis, errores graves que atraviesan la filmografía de un director que promete (porque su originalidad es incuestionable) pero que es malo per se.

    por Anónimo
    julio 26, 2013

    Crítica | A Field in England

    por Anónimo | julio 26, 2013
    Luther Season 3

    CUESTIÓN DE GRISES

    crítica de Luther (2010-) | Temporada 3

    BBC / 3ª temporada: 4 capítulos. | Reino Unido, 2013. Creador: Neil Cross. Directores: Sam Miller, Farren Blackburn. Guionista: Neil Cross. Reparto: Idris Elba, Warren Brown, Dermot Crowley, Nikki Amuka-Bird, Michael Smiley, David O´Hara, Sienna Guillory, Ruth Wilson. Fotografía: John Conroy, Stephan Pehrsson. Música: Paul Englishby.

    Decía Fernando Navarro en su artículo sobre Luther para el blog Quinta temporada: “La vida de John Luther es la historia de la mano derecha y la mano izquierda. […] Todo el que haya visto La noche del cazador, grandiosa película dirigida por Charles Laughton en 1955, recordará los tatuajes en las manos de Robert Mitchum. En la derecha escrita la palabra LOVE, en la izquierda escrita la palabra HATE. Si el predicador interpretado por Mitchum hablaba del combate entre el bien y el mal, nuestro protagonista, Luther, que camina siempre con las manos en los bolsillos de los pantalones, sobrevive a su manera en mitad de la contienda.” Y un servidor lo suscribe con rotundidad. Tras dos años de espera, vuelve la serie con una estupenda tercera temporada. Otra vez cuatro episodios para cubrir dos grandes casos y narrar las imprevisibles peripecias del atormentado policía. Liderando el asunto está el portentoso Idris Elba, que interpreta a John Luther desbordando energía. Inquieto en todo momento, incómodo en su propia piel. La labor del actor es fundamental para entender el carrusel emocional por el que nuestro protagonista pasará en estas cuatro entregas. Y cómo eso se integra con su complicado carácter.

    La temporada se abre con Luther y su compañero Justin Ripley saliendo de un edificio en llamas. Todo un operativo montado para que el creador y único guionista Neil Cross —algo habitual en las series británicas— demuestre que la vida continúa. Pero pronto todo cambia. Cross utiliza uno de los tópicos frecuentes de las series policíacas, la investigación de Asuntos Internos sobre la conducta profesional del protagonista, y le da una vuelta de tuerca. El agente George Stark es puro Neil Cross. De aspecto turbio, intenciones misteriosas, aplastante seguridad en sí mismo y evidente carácter obsesivo, David O´Hara lo interpreta con voz ronca y miradas ambiguas. John está preparado para seguir adelante con su vida. La muerte de Zoe pesa en su alma, pero no le impide volver a amar. Así que Cross crea un encuentro fortuito —un pequeño accidente de coche— para que John conozca a Mary. Y John se enamora de Mary, y Mary se enamora de John. Sienna Guillory y Elba trabajan la relación desde la honestidad, sin forzar la química ni recurrir a tics amorosos. Pero como siempre, Luther hace malabares con mil cosas a la vez y la idílica situación pronto se resiente. Investiga los casos a lo largo de la temporada con Stark acercándose cada vez más, las dudas de Justin sobre sus métodos y su ansia por evitar más muertes. Pero Cross no es simplista. Cada personaje principal cuenta con razones legítimas. Uno de los fuertes de esta serie ha sido siempre la creación de unos villanos de altura. A lo largo de 14 capítulos, el creador ha materializado espeluznantes criaturas, un atajo de desequilibrados de impecable eficacia asesina e impredecibles razonamientos. Son el resultado de ideas de lo más negras, los recovecos más sucios del alma humana. Y a eso se une la labor de directores a los que no les asusta crear composiciones de plano chocantes —destacan especialmente dos planos con muchísimo aire y el objeto de interés casi apoyado en la esquina del encuadre— y ayudar a palpar la tensión. Las situaciones representadas revelan una planificación primorosa. Y un sentido del suspense concienzudo, ya que hay genuino miedo en Luther. Peligra la vida de cualquiera, y hasta el más mínimo elemento es un arma. Cazar o ser cazado, en eso suele convertir Luther los casos. Se expone más allá de lo prudente.

    por Anónimo
    julio 26, 2013

    Crítica en Serie | Luther (Temporada 3)

    por Anónimo | julio 26, 2013
    Metro Manila

    METRO MANILA | OTRO RITMO, MISMA VIDA

    de Sean Ellis
    intérpretes| Jake Macapagal, John Arcilla, Althea Vega, Miles Canapi, Ana Abad-Santos, Moises Magisa, JM Rodriguez, Erin Panlilio.
    Reino Unido, 2012 | Chocolate Frog Films.

    Ganadora del premio del público en Sundance, Metro Manila lleva marchamo de ser una de las agradables sorpresas del año. Algo sabe de esta materia su director, Sean Ellis, que hace unos años sorprendiera con su primer largometraje: Cashback. Con Metro Manila retrata la vida en la gran urbe filipina y el contraste con las zonas rurales. Un mundo a alta velocidad donde la violencia es una vecina más. Fuente| Cine Maldito.

    Estreno| 9 de octubre en Filipinas.

    por Emilio M. Luna
    julio 26, 2013

    Tráiler | Metro Manila, de Sean Ellis

    por Emilio M. Luna | julio 26, 2013
    Cold Eyes

    COLD EYES | AMERICANIZACIÓN COREANA

    de Ui-seok Jo, Byung-seo Kim
    intérpretes| Hyo-ju Han, Woo-sung Jung, Jun-Ho Lee.
    Corea del Sur, 2013, Gam-si-ja-deul | Zip Cinema

    Hace unas semanas se estrenaba en España El gran golpe (The Thieves, 2012), un cinta de acción coreana de enorme en éxito en su país. En ella observábamos el giro del cine comercial del país asiático a territorios más abiertos. Una occidentalización que supone apertura de fronteras y fortalecer una industria que cada año adquiere más relevancia. Otro claro ejemplo es Cold Eyes: reparto atractivo que auna jóvenes y veteranos, trabajadas escenas de acción y una factura técnica sobresaliente. Su estreno en Corea del Sur se ha saldado con críticas excelentes. Algo que puede apostillar en su presentación en Toronto. Con probabilidad pronto la veremos en carteleras europeas. Fuente| TIFF

    Estreno| 3 de julio en Corea del Sur. El 8 de septiembre en el Festival de Toronto.

    por Emilio M. Luna
    julio 26, 2013

    Tráiler | Cold Eyes

    por Emilio M. Luna | julio 26, 2013
    Pioneer

    PIONEER | CONSPIRACIÓN EN EL MAR DEL NORTE

    de Erik Skjoldbjærg
    intérpretes| Aksel Hennie, Wes Bentley, Jonathan LaPaglia, Stephen Lang.
    Noruega, 2013 | Friland, Pandora Filmproduktion, Garagefilm International.

    168cm de altura para un actor que promete llegar bastante alto. Aksel Hennie se presentó al gran público con la entretenida Headhunters, una de las sorpresas del pasado año. Toda una estrella en su país rebasó las fronteras con el thriller de Morten Tyldum y ahora sube un escalón con un producto de similares prestaciones. Pioneer, que tendrá su presentación internacional en el Festival de Toronto, es una cinta de suspense ambientada a principios de los ochenta y que tiene como fondo las perforaciones petrolíferas. Junto a Hennie, otro actor recuperado para la causa: Wes Bentley. El primer avance vaticina un entretenimiento de calidad. Fuente| TIFF.

    Estreno| 29 de agosto en Noruega. El 8 de septiembre en el Festival de Toronto.

    Tráiler de Pioneer|

    por Emilio M. Luna
    julio 26, 2013

    Tráiler | Pioneer, de Erik Skjoldbjærg

    por Emilio M. Luna | julio 26, 2013
    Real, de Kiyoshi Kurosawa

    REAL | LA CUARTA DIMENSIÓN

    de Kiyoshi Kurosawa
    intérpretes| Takeru Sato, Haruka Ayase, Jô Odagiri, Kyôko Koizumi, Miki Nakatani, Shôta Sometani, Yutaka Matsushige, Keisuke Horibe.
    Japón, 2013, Riaru: Kanzen naru kubinagaryû no hi | Twins Japan.

    Uno de los platos fuertes de la próxima edición del Festival de Locarno. Kiyoshi Kurosawa dirige y escribe esta adaptación de la novela homónima de ciencia-ficción de Rokurô Inui de marcado calado comercial. Al menos así lo muestra su primer avance destinado a un amplio espectro de público. Imágenes espectaculares y una historia algo teen. Real también podrá verse en las Specials Presentations del Festival de Toronto. Fuente: TIFF.

    Estreno| por confirmar. El 8 de septiembre en el Festival de Toronto.

    por Emilio M. Luna
    julio 26, 2013

    Tráiler | Real, de Kiyoshi Kurosawa

    por Emilio M. Luna | julio 26, 2013
    Heli, de Amat Escalante

    UNAS POCAS LLAMAS Y MUCHAS CENIZAS

    crítica de Heli | Amat Escalante, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    En el palmarés del último festival de Cannes, la mayor sorpresa tuvo lugar en el apartado al mejor director, premio que fue a parar al mexicano Amat Escalante por su trabajo en Heli. Efectivamente, los demás premios se correspondían bastante bien con el parecer de prensa y público a lo largo de los once días que duró el certamen: en cambio Heli, proyectada en la primera jornada competitiva, había sido acogida con dureza y frialdad, aunque ciertamente varios medios destacaban su valiente labor de dirección. Pero más curioso es mencionar la analogía que algunos realizaron con la obra de Carlos Reygadas, que ahora coproducía el esfuerzo de su compatriota tras alzarse con el mismo premio en la edición anterior del festival por una cinta igualmente cuestionada. Coincidencia o no, este dato revela un gran aprecio por el reciente cine mexicano, al menos en el jurado de la Croisette, así como cierta tendencia de aquel a producir películas controvertidas y llamativas, reflejo hasta cierto punto del convulso estado de su sociedad. Sin embargo, Escalante resaltó en la conferencia de prensa que siguió al primer pase de su película que él no pretendía analizar la situación de su país, sino elaborar un drama ficticio a partir de unos hechos que, eso sí, él se sentía en la responsabilidad de narrar. Además, viendo la película no aparecen tantas similitudes con el estilo de su padrino Reygadas, restándole trascendencia a un relato más intimista que con todo también deja cierto poso.

    En concreto, su protagonismo recae progresivamente en el joven padre de familia que da título al filme, quién vive, además de con su mujer y su hijo recién nacido, con su hermana pequeña y su padre. Los cinco conviven en un pequeño chalet asentado en medio del polvo y la grava, con unas pocas casas en su cercanía y un montañoso desierto en el firmamento: un paraje tan inmaculado como intimidante. El mismo lo recorren diariamente Heli con su bicicleta para ir a trabajar o su hermana andando para ir al colegio, así como para encontrarse con un cadete varios años mayor que ella con el que mantiene una tierna pero reprimida relación afectiva. Aquel comprueba entonces que ella no está aun dispuesta a intimar demasiado con él, y quizás para impresionarla o para financiar cierto proyecto juntos, toma la fatal decisión de sustraer unos paquetes de cocaína escondidos en una caseta. Aunque luego Heli los encuentra guardados cerca de su casa y se deshace cuanto antes de ellos, el mal ya está hecho y enseguida irrumpen en sus hasta ahora tranquilas vidas unos traficantes de droga muy enojados por el destino que ha sufrido su mercancía.

    por Ignacio Navarro
    julio 26, 2013

    Crítica | Heli

    por Ignacio Navarro | julio 26, 2013
    La gran belleza

    BELLEZA IMPERFECTA

    crítica de La gran belleza | La grande bellezza, Paolo Sorrentino, 2013

    48º Festival de Karlovy Vary

    La cámara se mueve flotando, recorriendo antiguas estatuas blancas como en el inicio de El gatopardo (Luchino Visconti, 1963), aunque con más precipitación, hasta mostrarnos a un grupo de turistas japoneses contemplando un monumento en cuyo interior canta un coro de mujeres, rígidas y vestidas de un liso negro como si también fuesen estatuas. La cámara sigue moviéndose de la misma forma, y el montaje se va entrecortando, de forma que ahora el estilo nos remite enseguida al de Terrence Malick, referencia cada vez más obligada entre los directores contemporáneos. Entonces uno de los turistas se aparta del grupo y contempla la ciudad de Roma a sus pies, hasta derrumbarse, muerto: la vida mortal y el arte deificado resultan incompatibles. Pero la agitación y la música no se detienen, pues el día se hace noche y entramos de lleno en el frenesí de una fiesta loca, sexual, exuberante, mientras el remix Far L’Amore, a cargo de Bob Sinclar y Raffaella Carra, retumba reiteradamente en nuestros oídos. En pocos segundos se ha pasado de una antigüedad engañosamente inerte a la modernidad más desenfrenada, retratadas en sendas secuencias que muestran la cara más grotesca del encanto y de la erudición que nos suscitan ambas épocas. Las dos componen además aproximadamente el primer cuarto de hora de La gran belleza (La grande bellezza), presentada con reacciones efusivas en el pasado festival de Cannes del que, lo adelantamos ya, injustamente se fue de vacío.

    En efecto, el último trabajo de Sorrentino es sin duda un trabajo mayor, irregular y extravagante pero también asombroso y bellísimo. Pues en definitiva, como su propio título indica, en él se trata de encontrar la gran belleza, ese placer esfumado que persigue sin éxito su protagonista, un periodista maduro pero juerguista, a la vez cansado e incansable. Toni Servillo se mete en su carne y la película sigue sus paseos y encuentros con varios personajes, al tiempo que discurre por las distintas facetas que pueden satisfacer el objetivo de ese personaje: la belleza física (principalmente a través del cuerpo femenino), la mundana (a través de la diversión nocturna), la artística (a través de estatuas, cuadros u otras obras de arte) o la espiritual (a través del mundo religioso). La irregularidad de la cinta se debe por tanto a esa estructura un tanto episódica pero también a los numerosos cambios de ritmo y tono, incluso de planificación técnica (desde sosos planos y contraplanos hasta elaborados planos en movimiento) y de banda sonora (combinando la ya mencionada canción con piezas como My Heart’s in the Highlands, de Arvo Pärt; o The Beatitudes, de Vladimir Martynov), aunque esta heterogeneidad pueda justificarse precisamente por la diversidad de “bellezas” que se pretenden mostrar.

    por Ignacio Navarro
    julio 25, 2013

    Crítica | La gran belleza

    por Ignacio Navarro | julio 25, 2013

    Una montaña rusa de emociones para el detective sueco

    crítica de Wallander (2008-) | 3ª temporada.

    La tercera temporada de Wallander viene con cambios. La comisaría ha cambiado, la vida de Kurt Wallander ha cambiado y las dinámicas entre los personajes que quedan han cambiado. Pero muchas veces todo debe cambiar para seguir igual, y el protagonista sigue esta máxima inconscientemente. Kenneth Branagh sigue haciendo una labor excelsa al cargar el peso del mundo sobre sus hombros. A lo largo de estos tres capítulos vive situaciones límite y ve puesta su vida en peligro varias veces. Pero el ansía por hacer justicia no ha desaparecido. El preludio al último baile, estas 4 horas y media de televisión enganchan y entretienen.

    por Anónimo
    julio 25, 2013

    Crítica en Serie | Wallander (Temporada 3)

    por Anónimo | julio 25, 2013
    The Zero Theorem

    MIYAZAKI, GILLIAM, FREARS, REICHARDT, FRANCO, DOLAN-TADROS, GITAI Y GARREL LUCHARÁN POR EL LEÓN DE ORO


    Hace unos minutos se acaba de anunciar la programación de la 70 edición de la Mostra de Venecia. Un listado de alto nivel donde se encuentran cineastas de la talla de Xavier Dolan-Tadros, Stephen Frears, Hayao Miyazaki, Amos Gitai, Kelly Reichardt, Terry Gilliam o Philippe Garrel. Especialmente cautivadora es la presencia en concurso del maestro japonés que presentará The Wind Rises, otra muestra de imaginación y talento del creador más grande de la historia en el universo de la animación. Fuera de concurso, además de la cinta inaugural -Gravity, de Alfonso Cuarón- destacan las premieres de la versión japonesa de Sin perdón, la polémica The Canyons, de Paul Schrader, y el nuevo trabajo del recuperado Kim Ki-Duk, Moebius. El director coreano fue el último ganador del León de Oro con Pietá. La Mostra comienza el 28 de agosto. Todas las reacciones que acontezcan en el Lido se las contaremos en EAM.

    por Emilio M. Luna
    julio 25, 2013

    Venezia 70 | Selección oficial

    por Emilio M. Luna | julio 25, 2013

    Estrenos

    El corto de Rubén
    El imperio
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    De humanis El colibrí