El verano en que me hice mayor

crítica de Very Good Girls | dirigida por Naomi Foner, 2014

La estación estival ha sido desde siempre, probablemente debido a una combinación casual de sol, cervezas, tiempo libre, nuevas amistades y hormonas en eclosión, una época de descubrimiento, cambio y evolución para cualquier adolescente. En esa especie de universo propio que cada cual engendra a su gusto durante los años, poblado de símbolos, canciones, bromas y guiños que nunca son idénticos a los del resto, un imaginario vital se va construyendo poco a poco, para ser recordado con nitidez solamente muchos años después. Dice Carles Sanchís, uno de mis poetas favoritos, que todos los años empiezan en septiembre, y es que aunque esos veranos de emociones frenéticas, cuerpos dominados por la química y amistades que alcanzan el estatus de sacramento, jamás regresen, son muchas veces los responsables de mudarnos de piel, lanzarnos al vacío de bruces o inyectarnos un chute de felicidad, según coincida. En definitiva, esta fracción del año resulta ser, en la realidad, ergo, en la pantalla también, una época crucial repleta de historias que merecen ser contadas, bien sea en tono épico, cómico o dramático. En Very good girls, su creadora Naomi Foner plasma el propósito de retratar la complicidad, los problemas y el proceso de iniciación sexual de dos chicas adolescentes durante un verano importante para el transcurso de sus vidas. Y lo hace partiendo de la base de un cliché tan manido en los dramas comerciales norteamericanos sobre esta temática, como es la preocupación acerca de la pérdida de virginidad, desde un punto de vista femenino que mezcla competitividad, miedo, timidez y autoexploración. A priori, con la intención de mostrar las diferencias de educación y actitud, la directora escoge el antagonismo (de carácter pero también físico) entre las dos protagonistas; mientras que la rubia y dulce Lilly (Dakota Fanning) parece más tímida, apocada, introvertida y llena de inquietudes, Gerry (Elisabeth Olsen), castaña y de vestimenta más exótica, tiene personalidad mucho más impulsiva, risueña y atrevida. Mientras que Lilly tiene una relación compleja con su familia, puesto que sus padres están separados y en constante disputa, y en su hogar se estila una mentalidad un tanto anticuada, la casa de Gerry está inmersa en un ambiente más festivo, libertino y particular, entre comida vegetariana, instrumentos musicales y flexibilidad de horarios.

Cuando ambas chicas se hallan en un momento de ávido interés por ampliar los lindes de su escasa experiencia sexual, conocen a David (Boyd Holbrook), un atractivo joven surfero algo mayor que ellas, que vive sólo en un estudio donde trabaja como guardia de seguridad, y de paso aprovecha para dedicarse al arte (y he aquí otra combinación prototípica de clichés adolescentes), surge el conflicto. La categoría fundamental de cualquier argumento, en este caso en particular, une esos primeros contactos sexuales, reflejando la inseguridad, las ganas y la represión o liberación de los deseos más primarios, con las mentiras, los secretos y los problemas que todo ello acarreará en la relación entre Lilly y Gerry. Sin embargo, lo que podría ser el trazo de las inquietudes más íntimas de una adolescente actual y su vínculo con temas universales como la muerte, la confianza en uno mismo y en los demás, las disidencias familiares, y sobre todo, el sexo como búsqueda de la identidad, como pérdida de la inocencia, o como fuente de placer, se ve totalmente anulado por un guión vacío y unas interpretaciones insustanciales. Very good girls es una cinta entretenida y ligera, pero que sin duda adolece de falta ritmo y personajes creíbles con fuerza y vida propias, le sobran tópicos en los diálogos, rigidez en las escenas de sexo, y mayores cotas de humor. La prolífica y joven Dakota Fanning (que había tenido ocasión de ver anteriormente en metrajes recientes como Night Moves, u otros de la pasada década que reflejan su innegable talento infantil, véase la emotiva Yo soy Sam, o la bella secuencia final junto a Glenn Close en la que participa en Nueve vidas, de Rodrigo García) atraviesa este film deslucida, sin brillo, sin expresividad y sin la capacidad de transmitir al público esa torbellino imparable de sentimientos contrapuestos que atraviesa la cabeza de cualquier adolescente en el verano que se hace mayor.

por Anónimo
agosto 04, 2014

Crítica | Very Good Girls

por Anónimo | agosto 04, 2014

Reflejos del más allá

crítica de Oculus | Mike Flanagan, 2013

Mike Flanagan logró ganarse cierto crédito entre la crítica con su ópera prima, Absentia (2011), una pequeña cinta de terror en su vertiente de leyendas urbanas y extrañas desapariciones que acumuló un buen puñado de premios en su periplo por diferentes festivales de temática fantástica. La prueba de fuego le llega ahora con su segundo largometraje, Oculus (2013), con el que se juega su incipiente prestigio como nombre a tener en cuenta dentro del género del terror en años venideros. Para ello, Flanagan desentierra el punto de partida que le sirvió de base para su exitoso mediometraje Oculus: Chapter 3 - The Man with the Plan (2006): un misterioso espejo medieval provisto de poderes maléficos con los que destroza las vidas de sus sucesivos dueños. No es una mala idea, desde luego, aunque también es verdad que el tema de las presencias fantasmales que acechan a los vivos desde detrás de los espejos ha sido una constante ya explotada con anterioridad en obras tan interesantes como Reflejos (2008, Alexander Aja) –remake norteamericano de la surcoreana El otro lado del espejo (2003, Kim Seong-ho)–, la nunca suficientemente reivindicada Poltergeist III (1988, Gary Sherman) o, sin ir más lejos, el reciente estreno español Purgatorio (2014, Pau Teixidor). Sin embargo, siempre se agradece la llegada de un producto nuevo (pese a que beba de múltiples fuentes clásicas) en unos tiempos en que nos hemos malacostumbrado a la saturación de remakes de viejos éxitos (historias convenientemente pasadas por chapa y pintura para ser adaptadas a nuestros tiempos que, por lo general, acaban siendo más descafeinadas que las obras originales) o interminables entregas de franquicias incombustibles como Paranormal Activity (2007, Oren Peli) o Insidious (2010, James Wan).

La historia de Oculus se desarrolla en dos líneas temporales diferentes, separadas por un espacio de once años, teniendo como escenario la misma casa y presentándose paralelamente los acontecimientos del presente con flashbacks que muestran lo que sucedió en el pasado. Tim es un muchacho que, al cumplir los 21 años, abandona el psiquiátrico donde fue recluido con solo 10, acusado del asesinato de sus padres. Su hermana Kaylie, con la que vivió aquella terrorífica experiencia siendo niños, le espera a su salida para ajustar cuentas con el verdadero culpable de tragedia: un antiguo espejo que se ha cobrado casi medio centenar de víctimas mortales a lo largo de los siglos y que la joven ha logrado recuperar por un corto espacio de tiempo en una subasta. Durante una interminable noche, los protagonistas se enfrentarán, en la misma casa donde quedaron huérfanos, a los horripilantes juegos psicológicos del espejo, en los que presente y pasado se mezclan con la intención de hacerles perder la razón. Con este sugestivo y muy interesante planteamiento, la segunda incursión en el largometraje de Flanagan se erige como una de las películas de terror más destacables de la cosecha de 2013. Estrenada con éxito en el Festival de Toronto, Oculus acierta de lleno a la hora de crear una atmósfera de pesadilla, con una buena dosificación de las apariciones fantasmales y un hábil montaje que consigue que el público menos atento no se pierda entre tanto salto temporal en la historia. Podría haber sido un filme más de tantos con casa encantada que ejerce su demoníaco influjo sobre las personas que la habitan –de hecho, es inevitable no recordar en algunos de sus momentos a clásicos como Terror en Amityville (1979, Stuart Rosenberg) o El resplandor (1980, Stanley Kubrick)–, pero la pericia del Flanagan guionista (en colaboración con Jeff Hoeard) transforma a esta obra en un retorcido y alucinógeno pasaje del terror en donde, agradablemente, hay más lugar para el escalofrío que para el gore (pese a alguna escena de fuerte impacto como la que tiene como protagonista a una bombilla).

por José Martín León
junio 01, 2014

Crítica | Oculus

por José Martín León | junio 01, 2014

Aluminosis hemisférica

crítica de Crystal Fairy and the Magical Cactus, de Sebastián Silva, 2013

El tema del viaje como metáfora de búsqueda y descubrimento —de uno mismo, del mundo o del otro— es tan antigüo como las primeras civilizaciones. Es uno de los grandes temas de la literatura universal —religiosa, mística, alegórica, etc.— y ha sido inspiración de algunas de las cimas creativas del genio humano. Desde el periplo homérico hasta el itinerario interior que es Rayuela, sin olvidar, el viaje de viajes, la Divina Commedia, el testimonio de nuestro deambular por este mundo ha sido una de las mayores inquietudes del intelecto humano. El cine también se ha hecho presente; desde la epopeya pesimista de Kubrick (2001: Odisea en el espacio) hasta las revelaciones sexuales de Cuarón (Y tu mamá también), los cineastas han reconocido un manantial en el andar vagabundo del hombre. A despecho de esto, el cine no ha explorado la complejidad de esta alegoría; es una lástima, la existencia del viajero, es, tal vez, aquella que expresa mejor nuestro peregrinaje por el mundo; no por nada Bolaño decía que entre la literatura, la vida y el viaje la experiencia fundamental no es diversa. Somos transeúntes sempiternos. El cine, en mi opinión, se ha mantenido cauto a la hora de afrontar el reto de dibujar o redibujar la odisea humana, fuente de infinitas posibilidades. El viaje es una experiencia arquetípica común a todas las culturas, no solo es un tema literario, es una práctica espiritual. La peregrinación cristiana o la introspección budista son tentativas por conocernos, por reconocernos. El tema del viaje no envejece, es atemporal, o, por decirlo de otra manera, es siempre moderno. Mientras haya sociedades que evolucionen, habrá interpretaciones, o, mejor dicho, re-interpretaciones del periplo humano. En este contexto se inscribe la obra de Sebastián Silva, Crystal Fairy retoma el tema que más que una antigualla se muestra, una vez más, como una tierra fértil y fresca. El filme de Silva comienza muy bien y, sin exagerar, podría decirse que tiene un inicio excelente; mas mantener un paso así puede comprometer la pericia del director para el resto de la película. Este fue el caso de Crystal Fairy, filme que en primera instancia parece denunciar a la sociedad occidental —poniendo como ejemplo antonomástico a un chico americano— y que, posteriormente, pierde su fuerza crítica para entrar en un discurso pantanoso para terminar con un fin, simplemente, huero.

por Anónimo
abril 18, 2014

Crítica | Crystal Fairy and the Magical Cactus

por Anónimo | abril 18, 2014

Omniscencia artística. Obsolescencia fílmica

crítica de Soldate Jeannette | de Daniel Hoesl, 2013

Daniel Hoesl tiene alma de artista autoconsciente. De esos que aportan más escupiendo una boutade que haciendo una película. Su discurso, de gran contenido político, deja entrever las costuras de lo que se me antoja como una pose. De sus entrevistas, concedidas en los distintos festivales internacionales, se pueden sacar muchas lecturas, alguna de ellas peligrosa. Es capaz de aportar cosas interesantes pero se le ve enamorado de sí mismo. Por defecto también está embelesado de su ética, de su filosofía, de su conciencia social. El yo como emblemático baluarte de lo correcto. Yo, yo, yo… La sociedad como culpable y el mundo como fortín intrusivo. Un sujeto que no deja indiferente a casi nadie fuera del cosmos del arte. Se mira en el espejo y se ve genuino pero en el mundillo hay cientos como él. Cree luchar contra el producto y se vende como tal. Las contradicciones abundan, son muy humanas. Lo que es irreprochable, de este falso humilde, son sus intentos por bailar con la coherencia. Sus pretenciosas disertaciones pretenden ser consecuentes con sus actos. Para él el dinero y el arte conforman un binomio de mal gusto. Los billetes y las monedas tienen que ver con lo frívolo. El arte es algo serio –discutible–. Para ello rueda y dirige sin el respaldo de una productora, sin guion aparente y a la espera de que el casting marque el rumbo de la cinta. Su distribución es lo de menos –pero le gusta ir a Sundance, a Sarajevo, a Sevilla o Róterdam–. Es una cuestión política que se enmarca dentro la European Film Conspiracy –una suerte de colectivo que ampara a todos aquellos directores que deciden rodar al margen de las convenciones–. Bajo esas premisas, amparadas en su conciencia política, el director austríaco rodó Soldate Jeannette (2013).

por Anónimo
abril 08, 2014

Crítica | Soldate Jeannette

por Anónimo | abril 08, 2014

Nunca juegues con extraños

crítica de In Fear, de Jeremy Lovering, 2013

En 1986, Robert Harmon sorprendió muy gratamente con Carretera al infierno, un thriller psicológico de alto voltaje en donde Rutger Hauer logró una de las interpretaciones más celebradas de su carrera, metiéndose en la piel del psicópata John Ryder. Su éxito inauguró todo un subgénero de cintas de suspense que transcurren en viajes por carretera –especialmente por zonas inhóspitas de la siniestra América profunda– dejando claro al espectador el mensaje de que lo mejor es no recoger a ningún autoestopista si quiere llegar sano y salvo a su destino. También que bajo el aspecto apacible de la gente del campo, puede esconderse la violencia más básica, por lo que es mejor no buscarle las cosquillas. El gusto de gran parte de la audiencia por pasarlo mal, unido al bajo coste de este tipo de productos, hace que estemos ante un subgénero altamente rentable. Títulos como Nunca juegues con extraños (2001, John Dahl), Habitación sin salida (2007, Nimród Antal) o Hush (2009, Mark Tonderai) han sido algunas de estas propuestas que continuaron perpetuando el miedo a adentrase en desvíos desconocidos en los últimos tiempos. Incluso la clásica Carretera al infierno fue objeto de una tardía (y tremendamente innecesaria) secuela, Carretera al infierno 2 (2003, Louis Morneau) y, cómo no, el inevitable remake del que no se salva cualquier clásico del terror que se precie, perpetrado en 2007 por Dave Meyers. La última aportación al grupo nos llega desde Reino Unido, al igual que Hush, con la que guarda muchos paralelismos estéticos y argumentales. In Fear (2013) no ofrece nada realmente novedoso ni especialmente remarcable. Ni tan siquiera depara su guión excesivas sorpresas argumentales para lo que viene siendo habitual en este tipo de cine. Pero aun así, hay que reconocerle algunos aciertos que acaban redimiéndola de la mediocridad habitual.

El punto de partida viene ser el de siempre: Tom y Lucy son una pareja de jóvenes que se conocen desde hace apenas dos meses. Aún no pueden considerarse novios pero la intención de llegar a algo más que una amistad está en ambos. Por ello se embarcan en un viaje en coche a través de carreteras secundarias en medio de un amenazante bosque, con destino a un hotel rural en el que inaugurar su incipiente amor. La preocupación comienza a hacer mella en los chicos cuando descubren que el camino es un auténtico laberinto, por lo que siempre terminan llegando al mismo lugar. Al caer la noche sobre ellos, comenzará la verdadera pesadilla cuando alguien no identificado comienza a atormentarles con distintos “juegos” cada vez más peligrosos, algo que relacionarán con un altercado que tuvieron horas antes en un bar de carretera con unos lugareños. Conviene no desvelar más detalles de la trama, aunque no es difícil adivinar que no se aparta ni un milímetro de las coordenadas impuestas por los títulos antes citados. Jeremy Lovering, uno de los responsables de la exitosa serie Sherlock, debuta en la dirección de largometrajes con este trabajo del que también es responsable del guión, saliendo mucho mejor parado en la faceta de director que en la de escritor. Lovering demuestra una buena mano a la hora de sacar el máximo partido a la economía de medios, muy especialmente logrando que la tensión no decaiga un instante a pesar de que la acción se desarrolla casi completamente en el interior de un automóvil. Un acierto de guión sería la elección de que Tom y Lucy se conozcan de tan poco tiempo, en lugar de ser la típica relación consolidada que ya vimos en aquella joyita del género que fue Eden Lake (2008, James Watkins), donde también los personajes se veían sometidos al macabro acoso de unos extraños en similares terrenos boscosos. Esto se traduce en una menor confianza entre los miembros de la pareja, cuyos lazos afectivos no son lo suficientemente fuertes como para que uno se juegue la vida por el otro.

por José Martín León
marzo 25, 2014

Crítica | In Fear, de Jeremy Lovering

por José Martín León | marzo 25, 2014

Cariño, hay una stripper en casa

crítica de Afternoon Delight | de Jill Solloway, 2013

No todo el monte es orégano se suele decir y no todo el cine independiente norteamericano tiene que ser sinónimo de interés y calidad infalibles, ni tan siquiera cuando viene precedido de algún premio más o menos prestigioso. Afternoon Delight (2013) es, tristemente, la prueba palpable de ello. Avalada, nada más y nada menos, por el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance –ese que nos descubre cada año tantas perlas de bajo presupuesto, pero que de vez en cuando nos cuela alguna decepción de proporciones gigantescas–, la cinta supone el debut en la realización de largometrajes de Jill Solloway, una mujer todoterreno que hasta entonces había sido productora, guionista (nada menos que en series del calibre de A dos metros bajo tierra o United States of Tara) y novelista, a la par que abiertamente feminista, algo que se trasluce demasiado en la historia que nos presenta en su ópera prima. El guión, a cargo también de la polifacética Solloway, compitió en los Independent Spirit Awards, algo todavía más preocupante si tenemos en cuenta que viene a ser el enésimo retrato de las diferentes formas que tienen de vivir la relación en pareja los hombres y las mujeres. También tuvo presencia en los Premios Gotham con una nominación al mejor nuevo intérprete para su actriz protagonista, una Kathryn Hahn ciertamente notable, capaz por sí sola de levantar la función del desastre más estrepitoso.

Afternoon Delight nos presenta al matrimonio formado por Rachel y Jeff, cercanos a los 40 y con un niño de corta edad. Mientras él trabaja inventando aplicaciones informáticas, la esposa es un ama de casa algo aburrida que busca algo de evasión acudiendo a reuniones con otras mujeres que se dedican a organizar obras de caridad. El sexo en la pareja es ya casi inexistente, ya que están en ese punto de la relación en que el morbo ha sido sustituido por la rutina. Para colmo, las visitas de Rachel a su psiquiatra no la llevan a ningún lado, ya que es la terapeuta quien siempre acaba hablando de su vida. Esta gris existencia dará un giro de 180º cuando una noche el matrimonio decide acudir (por curiosidad) a un local de striptease en donde Jeff contrata los servicios de la joven McKenna para que le haga un baile privado a su esposa. Este primer contacto entre las dos mujeres dará pie a una bonita (y ambigua) relación de amistad en la que la más madura Rachel intentará sacar de la “mala vida” a McKenna, llegando a instalarla en su hogar con la intención de que ejerza las funciones de niñera. La película, que comienza con un buen tono de comedia, llega a un punto en que se toma a sí misma demasiado en serio, metiéndose en unos terrenos que van desde lo dramático a lo picante, que no la benefician en absoluto. El resultado final, evidentemente, se nos antoja irregular, sobre todo porque el espectador termina desconcertado en su extraño mejunje de géneros, sin llegar a saber con exactitud qué es lo que Solloway quiere contarnos.

por José Martín León
marzo 11, 2014

Crítica | Afternoon Delight

por José Martín León | marzo 11, 2014

Voces intemporales

crítica de A 20 pasos de la fama | Twenty Feet From Stardom, de Morgan Neville, 2013

Tras escucharla por quincuagésima vez, alguien convino en decir que la canción no era redonda, sino más bien huérfana de soul. Nadie, por supuesto, se atrevió a refutar dicho punto. El tema en cuestión había sido grabado seis meses antes en los Olympic Studios de Londres, bajo una atmósfera lógicamente tortuosa: uno de esos melenudos, Brian Jones, moriría tan sólo un mes después de abandonar la banda que él mismo había fundado junto a —entre otros— Mick Jagger y Keith Richard(s) en 1962. Y disculpen este interruptor paréntesis: la historia que tenemos entre oídos no versa sobre pompas fúnebres; no hay réquiem alguno pero sí mucha frustración tamizada. Es una gran mini-historia del Rock al margen de ese otro rock actual, menos idealizado y aún más volátil que entonces, próximos a los años 70. A un mes vista, un mes para quemar, para gestar a contrarreloj y en última instancia uno de los grandes himnos del rock 'n' roll, sí, camuflado en la frondosa selva de Vietnam, con el revólver (porque el revólver es más poético que la pistola) dirigiendo su cañón hacia un límite negro como boca de lobo. Dicho y ¡Pam! Adiós y a Dios gracias. El rock apenas es un electrizante sexagenario con electricidad en sus por ahora artríticas articulaciones. Un género con no poco apetito experimental, aunque todavía hoy surjan voces advirtiendo con nocturnidad de su desaparición-desde-finales-de-los-setenta, sugiriendo también virus donde sólo hay formas insospechadamente híbridas que pudieran desembocar en, uh, los impostados márgenes de una música pop antes pretérita y ahora preterida cual whopper doble; a rebufo de esa industria que circula por el carril más grande y más céntrico y no sé si con más o menos futuro, aunque sí muy futurible. Como las, ahora ya, pequeñas medianas empresas que circundan y se mecen al son de un mercado sin fin; para esquizofrénico deleite del oyente con trompetilla. ¿Beyon-qué? Pues eso, Justin. Ojo a Bono en estos tiempos de Vértigo, de Helter Skelter músico-político, where the streets have no name.

por Anónimo
marzo 09, 2014

Crítica | A 20 pasos de la fama

por Anónimo | marzo 09, 2014

Ojo por ojo, diente por diente

crítica de Big Bad Wolves | de Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013

Que el actual enfant terrible de Hollywood Quentin Tarantino es una personalidad que mueve legiones de admiradores es algo público y notorio. Que sus declaraciones y criterios son tenidos muy en cuenta, también. Por esta razón, lo mejor que le puede suceder a una producción humilde y alejada de la industria del calibre de la israelí Big Bad Wolves (2013) es que sea citada por el director de éxitos como Pulp Fiction o Django desencadenado, nada más y nada menos, como el título que más le ha gustado de todo 2013. ¿Consecuencias? Millones de ojos se volvieron hacia este pequeño filme que, en otras circunstancias, habría pasado inadvertido para el gran público. La pregunta que debemos hacernos entonces es, ¿verdaderamente es merecedora la película de unos elogios tan entusiastas de boca de uno de los genios del cine moderno? La respuesta es, en este caso, un rotundo sí. El propio Tarantino demostró con su ópera prima Reservoir Dogs allá por el ya lejanísimo 1992 que no es necesario un gran presupuesto para lograr una magnífica película, supliendo la economía de medios por un desbordante talento para el guión y una creatividad a prueba de bombas. Esta consigna es la que parece haberse aplicado los directores Aharon Keshales y Navot Papushado en su segundo trabajo para el cine tras su debut en 2010 con la comedia de terror Rabies, donde ya apostaron por un cine de género que se salía totalmente de los cánones del tipo de películas que nos suele llegar de Israel.

Big Bad Wolves agarra fuertemente al espectador desde su fabulosa escena de apertura, en la que vemos a cámara lenta a unos niños jugando al escondite en los alrededores de un edificio abandonado, para revelarnos a continuación la desaparición de una pequeña del grupo, la cual aparece asesinada posteriormente en un descampado, con claros síntomas de haber sido víctima de abusos por parte de un psicópata pedófilo. Micki es el detective de policía encargado del caso, empleando métodos un tanto alejados de la legalidad para conseguir desenmascarar al asesino. Las primeras pesquisas llevarán a la policía hasta Dror, un introvertido profesor de instituto los agentes torturan con la intención de sacar (sin éxito) una confesión de culpabilidad, teniendo que soltarle finalmente ante la falta de pruebas. Por su parte, Gidi, el padre de la niña muerta, no está dispuesto a quedarse sentado, por lo que planea su propia venganza contra el hombre al que cree culpable de su tragedia. Estas tres personas acabarán convergiendo en el interior del sótano de una casa alejada del mundanal ruido, en el cuál no tendrán cabida ni las leyes ni la piedad y donde las figuras de víctima y verdugo se confundirán con cada nuevo acontecimiento. Sorprende el filme de Keshales y Papushado por la turbiedad de su argumento y la ambigüedad moral de su mensaje, algo que comparte con otra película de muy similares características con la que ha coincidido en el tiempo, la también magnífica Prisioneros (2013, Denis Villeneuve). Ambas plantean el dilema que se les presenta a unos padres a los que se les ha arrebatado a sus hijas en circunstancias violentas y deciden tomarse la justicia por su mano. La diferencia radica en que la cinta israelí está salpicada de unas inesperadas dosis de humor negrísimo que contrasta enormemente con la gran carga de violencia explícita de algunas de sus imágenes.

por José Martín León
febrero 19, 2014

Crítica | Big Bad Wolves

por José Martín León | febrero 19, 2014

El corazón contra la máquina

crítica de Computer Chess | de Andrew Bujalski, 2013

Cuesta lo suyo en una época como la nuestra, gobernada por el imperio tecnológico y rendida ante los dictados de Google, Apple o Mark Zuckerberg, una era sin parangón regida por el lenguaje de gigantescos teléfonos móviles, el aletear de los teclados en los buscadores, los entornos virtuales de la industria del videojuego, y la eclosión de las redes sociales, borrar todo este universo de nuestras mentes y teletransportarnos a un pasado no tan lejano, donde todavía estábamos por encima de las máquinas, donde sabíamos existir sin su amparo, donde un programa de software no era capaz de derrotar a las estrategias de un cerebro brillante durante una partida de ajedrez. Una pureza inalcanzable en los tiempos que corren si hablamos del deporte mental por excelencia, donde el campo de batalla es un intrincado tablero de 64 casillas y donde cada pieza posee una singularidad irrepetible, entregada al frenético baile de blancas contra negras, al sacrificio sangriento de peones, a la eterna rivalidad táctica de enroques, jaques y cálculos matemáticos. En el intervalo entre 1982 y 1983 transcurre Computer Chess, esta pequeña joya de culto a caballo entre la acidez existencialista y la tragicomedia underground, elaborada por el estadounidense Andrew Bujalski y estrenada el pasado año 2013. Los años en los que se ambienta esta obra de bajo presupuesto y apariencia retro plasmada en su espectro poco contrastado de grises, negros y blancos similares a una vieja retransmisión televisiva, proyectan una inevitable reminiscencia sobre la antiutopía de George Orwell, pues el año 84 es una fecha nombrada y temida a lo largo del filme. La historia en la que Bujalski nos introduce, bajo los preceptos de una estética vanguardista, poética y en ciertos pasajes absurdamente divertida, es la de un excéntrico torneo de ajedrez, celebrado a lo largo de un fin de semana en un hotel. En esta peculiar competición un grupo de programadores de software, campo que por aquel entonces se hallaba todavía en las antípodas de su desarrollo, enfrentan los conocimientos depositados en sus máquinas a las capacidades humanas; una metáfora que opone la inteligencia artificial contra el transcurso de la cotidianidad y la brillantez de los grandes estrategas de ajedrez. En los ochenta a la pregunta de ¿Hay algún programa capaz de competir a la altura de un ajedrecista humano? se sucedían respuestas muy diferentes y dudas dispares y revolucionarias.

Ante este fin de semana sumergido en una reunión de extraños especímenes en la atmósfera vintage de un hotel ochentero, de rara avis entregadas a la búsqueda de nuevos caminos científicos, metafísicos y numéricos, podemos sentirnos escépticos, confusos o aturdidos, pues no es Computer Chess un plato a gusto de todos, ni su melancólica y desvencijada apariencia o su espiritual trasfondo, factores de sencilla digestión para todos los devoradores de películas. Empezando por su formato, esta realidad alternativa a la nuestra se fundamenta en la dualidad entre el blanco y el negro, un juego que refleja el contraste del propio ajedrez, y su original propuesta narrativa ahonda en la diversión formal desde el objetivo de una Sony AVC-3260, una anticuada cámara de tipo analógico creada en el 69), huyendo de los clichés y otorgando a la obra un bello aire documental. Bujalski decidió adoptar esta cámara por su devoción hacia Stranded in Canton, una vieja película acuñada por el famoso fotógrafo William Eggleston que lo dejó emocionado y con ganas de teñir de experimentación sus proyectos cinematográficos. Se corona así el director norteamericano en la cúspide de la corriente del mumblecore; una tendencia indie que hace de la falta de medios de sus filmes un signo de distinción ético y estético, y emplea para su distribución canales alternativos.

por Anónimo
febrero 11, 2014

Crítica | Computer Chess

por Anónimo | febrero 11, 2014

Asesino por capricho

crítica de Blue Caprice | de Alexandre Moors, 2013

La casualidad de una desgracia imprevista. El pánico a lo desconocido. Jugártela en la ruleta rusa de la vida, sin saberlo. Ir al súper y no volver. Allá por 2002, en plena islamofobia yanqui, la política del miedo se prescribía desde Washington, pero no provenía de la Casa Blanca. La población de la capital de Estados Unidos y regiones colindantes –Virginia y Maryland– estaba aterrorizada por el azote –aleatorio– de un asesino invisible. Desde el anonimato que le confería el maletero de un Chevrolet Caprice, con la frialdad del que juzga desde la locura a todas esas personas que “creen que todo esto es permanente y que no se dan cuenta de que viven en un castillo de naipes,” John Allen Muhammad –El francotirador de Beltway– y su “hijo adoptivo” dictaban sentencia. Una matanza a cuenta gotas. Forjada por un tándem que tiene su origen en la sugestión mesiánica y el odio consolidado por la disciplina del maestro. Blue Caprice (2013), ópera prima de Alexandre Moors, es una aproximación distinta a la naturaleza del psicópata. No importa el cómo –limitado a 5 minutos de película–, sí otro interrogante ¿Qué clase de persona haría algo así? Los detalles son lo de menos y no se buscan. Se hace hincapié en el resentimiento y la inquina que el protagonista le tiene al mundo –culpable de todos sus males y fracasos–; y en su faceta creadora, forjando “un monstruo”, en una versión mucho más retórica y menos científica de Víctor Frankenstein.

La cinta echa a andar en Jamaica donde John, un simple turista, decide acoger y adoctrinar a Lee Boyd Malvo. Sin referentes y abocado a la soledad Lee se entrega a su amor y exigencias. La erudición persuasiva, embaucadora y manipuladora del padre circunstancial evoca al personaje de John Hawkes en Martha Marcy May Marlene (2011). Cual líder de una secta, no cesa hasta conseguir la devoción irracional de su pupilo y la consiguiente anulación de su personalidad. Blue Caprice funciona como una introspección en el abismo de las liturgias de formación terrorista, pero con fulgor místico. El director francés está más interesado en establecer las coordenadas de un thriller psicológico, que en darle otra vuelta de tuerca a la Segunda Enmienda de la Constitución. Moors no teoriza sobre el fácil acceso a las armas en Estados Unidos y su estrecha relación con las matanzas que se producen con relativa frecuencia. Por ello la cinta tiene mucho de atmosférica. En ese interés por desarrollar la psicología del criminal juega un papel muy importante la fotografía de Brian O'Carroll, brillante en esa construcción climática grisácea, expansiva, densa, oscura, que logra transmitir a base de cromatismo la turbia personalidad de John. Una elegancia visual en estrecha consonancia con lo que se quiere contar. Con ritmo pausado –cargante en algunos compases de la película–, sutileza, buen gusto y dando la espalda al sensacionalismo –las escasas escenas de los asesinatos eluden el exhibicionismo pirotécnico– seguimos la enajenación del padre y del hijo en funciones. Un arrobamiento sanguinario cuya cadencia la marcan dos grandes interpretaciones. Isaiah Washington y Tequan Richmond materializan en pantalla su tortuosa dependencia y su terrorífica determinación, en armonioso equilibrio con unos secundarios también brillantes – Tim Blake Nelson y Joey Lauren Adams–. Sin duda, lo mejor de la película amén del citado trabajo de fotografía.

por Anónimo
enero 24, 2014

Crítica | Blue Caprice

por Anónimo | enero 24, 2014

En un mundo…

crítica de La voz de una generación | In a World, de Lake Bell, 2013

Alta, guapa y talentosa, Lake Bell está destinada a hacernos pasar muy buenos ratos frente a la gran pantalla en los próximos años. Mujer polifacética y emprendedora, ha desempeñado papeles fundamentalmente secundarios en películas de éxito como Algo pasa en Las Vegas (2008) o No es tan fácil (2009), donde demostró sobradas cualidades para el género de la comedia. Su salto a la dirección con el cortometraje Worst Enemy (2010), presentado en Sundance, fue recibido con entusiasmo por la crítica y la hizo merecedora de numerosos premios en distintos festivales. Tan brillante resultado la animó a realizar su primer largometraje como directora, La voz de una generación (2013), de la que además es autora del guión y principal protagonista, rodeándose de un acertado grupo de actores con los que trabaja desde hace seis años en la serie online Childrens' Hospital tales como Rob Croddry y Ken Marino, algo que se refleja en el buen rollo y la sana complicidad que traspasa la pantalla. Para este debut, Bell ha elegido, cómo no, el humor, pero desde su faceta de guionista demuestra una gran inteligencia al salirse de los cánones de las comedias románticas más adocenadas para adentrarse en unos escenarios y situaciones poco transitados por el cine comercial. El “cine dentro del cine” es un subgénero que ha dado no pocas obras memorables a la historia del cine, entre ellas la magnífica El juego de Hollywood (1992, Robert Altman), pero casi siempre se ha mostrado la trastienda en la que se mueven los directores y los actores. La voz de una generación se acuerda de otros profesionales, aquellos a los que no les vemos las caras y que ejercen la profesión utilizando su herramienta más preciada: la voz.

por José Martín León
enero 24, 2014

Crítica | La voz de una generación

por José Martín León | enero 24, 2014

Los románticos nunca mueren

crítica de En tierra de Jane Austen | Austenland, de Jerusha Hess, 2013

Jerusha Hess comenzó labrándose un nombre dentro del cine independiente norteamericano como coguionista de las películas de su marido, Jared Hess. Ambos parieron una trilogía de comedias totalmente bizarras, con ecos lejanos del cine de Wes Anderson, que se ganaron el corazoncito de un público sediento de un humor original y a contracorriente. Napoleon Dynamite (2004), Super Nacho (2006) y Gentlemen Broncos fueron estos títulos que precedieron al debut de la escritora en la dirección, En tierra de Jane Austen, una comedia romántica británica que abandona completamente esa excentricidad tan característica en Hess para ofrecer un trabajo mucho más predecible y comercial que estuvo en el festival de Sundance de 2013. Poco o nada queda del frikismo de su obra anterior, ya que sigue paso a paso todos los parámetros del género a la manera del Roger Michell de Notting Hill (1999), algo que no tiene que ser necesariamente malo, pero que borra de un plumazo cualquier atisbo de personalidad en el acabado final.

Lo único que une a En tierra de Jane Austen a Napoleon Dynamite es que ambas historias tienen como principal personaje a un inadaptado de la sociedad. En esta ocasión, la heroína es Jane Hayes, una treintañera neoyorquina sin suerte en el amor. No es que la chica sea poco agraciada o tenga problemas para que los hombres se fijen en ella. El motivo es que Jane es una fanática de las novelas de Jane Austen en general y de su obra Orgullo y prejuicio en particular. A raíz de ello, está enamorada de su personaje principal masculino Fitzwilliam Darcy, más concretamente en su versión interpretada por Colin Firth en la adaptación para la BBC. La caballerosidad y los modales exquisitos de la época victoriana son prácticamente imposibles de encontrar hoy en día, por lo que ningún pretendiente resiste la comparación. La película se centra en el viaje (físico y emocional) de Jane a una especie de parque temático en Inglaterra para seguidoras de la escritora, en el cual se recrea con todo lujo de detalles el particular universo de sus obras. Un lujoso complejo turístico que traslada a sus inquilinas a la romántica época de principios del siglo XIX, en donde tendrán que vestirse y comportarse como los personajes de las novelas, renunciando a los elementos contemporáneos y teniendo la posibilidad de vivir romances ficticios junto a un grupo de actores masculinos que desempeñan perfectamente los papeles de galán. Como es de esperar, Jane comienza a sentirse atraída desde el primer momento del actor que interpreta a Darcy, algo que le traerá más de un quebradero de cabeza.

por José Martín León
enero 21, 2014

Crítica | En tierra de Jane Austen

por José Martín León | enero 21, 2014

Crónica de una noche fatídica

crítica de Fruitvale Station | de Ryan Coogler, 2013

El dramático final de Oscar Grant, un joven afroamericano de 22 años que murió asesinado por la policía en una estación de tren durante la Nochevieja de 2008, tras haberse visto involucrado en una pelea, levantó un gran revuelo en su momento al hacerse públicas las múltiples grabaciones que otros viajeros del tren hicieron desde sus teléfonos móviles. En estas imágenes quedaba patente el vergonzoso abuso de poder al que la víctima fue sometida por los agentes y cómo uno de éstos dispara a quemarropa al muchacho mientras éste yace en el suelo sin dar muestra alguna de resistencia. Un nuevo ejemplo de vergonzoso error policial de los múltiples que en Estados Unidos se han querido silenciar en los últimos años, pero que en esta ocasión vio la luz gracias a la colaboración ciudadana. Fruitvale Station, el debut como director de Ryan Coogler, presenta una detallada crónica de las últimas 24 horas que pasó con vida Oscar Grant.

Cierto es que se le puede achacar a esta propuesta una acentuada tendencia a dibujar a la víctima de manera excesivamente benevolente, mostrándola casi como a un santo, plenamente rehabilitado de sus problemas (judiciales y familiares) y con afán por seguir el camino correcto en su vida junto a su novia y la pequeña hija de ambos. En solo 24 horas vemos cómo Grant no escatima en esfuerzos por lograr ser readmitido en su antiguo trabajo, organiza los detalles de la fiesta de cumpleaños de su amada madre, lleva a su hija a la guardería como cualquier papá ejemplar y, para colmo, es capaz de tirar un paquete de droga al mar aun cuando el dinero que le generaría su venta podría sacarle momentáneamente de los serios apuros económicos por los que atraviesa. Luego está el momento que concierne a un perro callejero, seguramente la escena más manipuladora, gratuita y perfectamente prescindible del filme. Ante semejante panorama, Ryan Coogler obra el milagro y logra que Fruitvale Station trascienda del típico telefilme lacrimógeno que podría haber sido en las manos equivocadas para convertirse en algo mucho más importante: un título necesario.

por José Martín León
enero 19, 2014

Crítica | Fruitvale Station

por José Martín León | enero 19, 2014

El macabro mundo de Walt

crítica de Escape From Tomorrow | de Randy Moore, 2013

Conviene cerrar los ojos y borrar de nuestra mente el viejo concepto que en el imaginario colectivo anida acerca de la colorista, moralmente impecable y edulcorante factoría Disney, suprimir los cándidos recuerdos de una infancia poblada por alegres dibujos animados, y agarrarnos fuerte al vagón para iniciar un viaje postmoderno, extraño y vertiginoso por las entrañas de la sociedad del espectáculo y el entretenimiento. Estamos hablando de Escape from tomorrow, una peculiar e ingeniosa obra de culto acuñada por el estadounidense Randy Moore, y (obviamente) ajena en su totalidad a la empresa de ficción del viejo Walt. Este filme de bajo presupuesto, bella manufactura y pinceladas surrealistas que rinden claro tributo a los trabajos más oscuros y underground de David Lynch, encarna una profunda crítica anticorporativa y personaliza pulsiones sucias y violentas muy lejanas al jolgorio y la inocencia de Mickey, Daisy y el resto de la tropa. La historia da comienzo cuando un matrimonio prototípico americano llega con sus dos hijos pequeños a su destino vacacional: un inmenso parque temático infantil (metáfora del gigantesco Disneyland, donde fue clandestinamente grabado). Dispuestos a llevar a cabo las jugosas expectativas habituales de unos días de evasión disneyficada, algodón de azúcar, enormes peluches con vida y desternillantes atracciones basadas en los ídolos de la más famosa industria de animación del siglo XX, no esperan que esta visita trastoque para siempre su realidad.

Randy Moore nos introduce desde el comienzo de esta obra en un universo onírico, confuso y macabro, donde los sueños pueden volverse pesadillas blandas y putrefactas, y en el que la fantasía puede mutar en pánico con un leve chasquido de dedos. A través de una acertada, y elegante presentación en blanco y negro (no hay rastro alguno de color en toda la película), la imagen convence y envuelve a un espectador que tardará tiempo en hacer desaparecer las huellas grotescas y terroríficas de esta aventura surrealista. Los cuatro elementos de la familia adolecen de reacciones muy diferentes al contacto con las experiencias tétricas y extrañas en este parque temático: Como si de un viaje sin retorno al otro lado del espejo de sus vidas, y sustituyendo el remanso de paz y diversión que la sociedad de consumo brinda a sus devotos más opulentos por un compendio de fobias, catástrofes y depravaciones, cada miembro de la familia vira sin rumbo hacia su inexorable destino. Los niños parecen estar dominados por fuerzas ajenas a su control, y su madre es presa del pánico, mientras el progresivo deterioro y enloquecimiento se focaliza en la figura del padre, frustrado por su reciente situación de desempleo, que exhibe a lo largo del filme sus tentaciones más lujuriosas, violentas y depravadas tras conocer a dos chicas adolescentes, y que sin duda protagoniza la mejor actuación de entre todo el elenco. El histerismo, la neurosis y la pérdida de paciencia se alzan como constantes en el transcurso de esta sátira postmoderna sobre la familia del entretenimiento. Vómitos y mutilaciones, niñas con bigote, collares hipnóticos, sexo salvaje y gripes felinas son algunas de las atracciones vertiginosas que podremos disfrutar en este inteligente ejercicio subversivo. De todo el metraje, quizá resulte más brillante y cautivadora su primera mitad, aunque sus últimos veinte minutos contienen puntos álgidos delirantes que nos dejarán ojipláticos y con una sensación de opresión y angustia que perdurará hasta en las memorias más cinéfilas. En su atmósfera hallaremos las claves, pistas y detalles que construyen el esqueleto de una profunda y grotesca crítica al capitalismo, a una sociedad lela, drogada por la oferta masificada de consumismo y edulcorada hasta el extremo. De la producción indie del prolífico año pasado, sin dudarlo, Escape from tomorrow es la pequeña joya de bajo presupuesto que no puedes perderte, una distopía cargada de mordacidad que clavará entre tus sienes un mensaje de alerta, burla y parodia sobre el consumismo voraz y las banalidades de la industria del entretenimiento. | ★★★★★

Andrea Núñez-Torrón Stock

redacción Santiago de Compostela

Estados Unidos, 2013, Escape from Tomorrow. Director: Randy Moore. Guión: Randy Moore. Productora: Mankurt Media. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Lucas Lee Graham (B&W). Reparto: Roy Abramsohn, Elena Schuber, Katelynn Rodriguez, Roy Abramsohn, Elena Schuber, Katelynn Rodriguez, Annet Mahendru, Danielle Safady, Alison Lees-Taylor. Presentación oficial: Sundance 2013.

por Anónimo
enero 12, 2014

Crítica | Escape From Tomorrow

por Anónimo | enero 12, 2014

Las aguas tranquilas

crítica de Circles | Krugovi, de Srdan Golubovic, 2013

Cuando se arroja una piedra al río, ocurre algo que rompe con la monotonía, un intenso desplazamiento de moléculas que se traduce en un movimiento leve del agua. Sobre la superficie se dibujan unos círculos concéntricos, que son tanto más grandes cuanto se alejan del origen de aquella perturbación. Lo mismo ocurre con un grito: la resonancia actúa del mismo modo, pudiendo llegar muy lejos si se sabe percibir el fenómeno con atención. Esta es una idea, simplemente, que halla expresión en lo cotidiano, y ocasionalmente en el séptimo arte. Ciertamente, los acontecimientos importantes siguen el mismo rumbo: el llamado efecto dominó es primo hermano del efecto de los círculos en el agua. Eventos significativos pueden repercutir en lugares y momentos tan lejanos como impensados.

Interesa que algunos autores sean capaces de montar una gran obra a partir de una idea tan simple. Para dar un ejemplo tonto pero conocido, Woody Allen inventó una de las comedias más originales de los últimos años solamente con el significado de una frase muy simple como todo tiempo pasado fue mejor (Midnight en París, 2011), tan repetida por los seres humanos, y cuando no, tan sentida en lo más hondo del alma. Pero tampoco es necesario recoger ejemplos en el resto del mundo, cuando hay uno tan cercano como este: Srdan Golubovic toma estos círculos para construir una de las narraciones más inteligentes del año, en torno a Srdan Aleksić, tocayo y referente. Aleksić fue una de las tantas víctimas de las guerras yugoslavas, más puntualmente de la Guerra de Bosnia, que enfrentó tres pueblos y tres corrientes religiosas en una de las batallas más cruentas de la historia balcánica. Perdió su vida salvando a un hombre, musulmán (es decir, un enemigo de la fe cristiana defendida por el ejército serbio durante los años 1993 y 1995) de ser salvajemente atacado. Ahora bien: tratar esto simplemente como un acto heroico digno de documentos y testimonios es caer en un lugar común. Por ello Golubovic, gran cineasta oriundo de la ciudad blanca, capital serbia, logra trasladar ese pequeño gran acontecimiento a la lógica de los círculos, convirtiéndola en una obra de gran valor.

por Anónimo
enero 11, 2014

Crítica | Circles

por Anónimo | enero 11, 2014

La sicalíptica del alumno

crítica de A Teacher | de Hannah Fidell, 2013

Suelen producir reacciones alérgicas, arcadas y vergüenza ajena. Me refiero a esas biografías prematuras de deportistas, cantantes o vividores de turno que no alcanzan las dos décadas. Obedecen a una obsesión: rentabilizar al máximo un éxito que se presume efímero. ¿Qué tienen que contar? ¿La edad a la que abandonaron el chupete? Muy poco. Nada. Eso mismo, nada o muy poco, es lo que nos cuentan algunos cineastas. Por exceso o por defecto de primaveras. Unos quemados, los otros sin mecha. Con abundantes y gratificantes excepciones. Que se te supongan ciertas destrezas en el manejo del lenguaje audiovisual, no quiere decir que estés preparado o preparada para hacer una peli. Entiendo que uno se foguee haciendo cortos. Que quiera hacer un largo. Pero la precipitación se paga. Las prisas pueden arruinar a directores con proyección. Una película precoz puede condicionar una carrera. Lo bueno de la infancia es lo malo de la juventud ¡Ay la inocencia! Para contar historias, primero hay que vivir. Las estupideces "teenager" con vocación trascendental no interesan a nadie. O sí, pero no a mí. Alguien debería habérselo advertido a Hannah Fidell antes de rodar A Teacher (2013): un mediometraje alargado hasta los 75 minutos, almibarado por la nebulosa de una quinceañera que ha leído Jane Eyre. La directora americana a sus no tan tiernos 27 años podría destilar algo más maduro, que no trascendente. Su ópera prima revela dos cosas: que sigue forrando sus carpetas con fotos de famosetes y que no tiene destreza narrativa.

Al grano. Lindsay Burdge interpreta a una profesora de una escuela secundaria de Texas. Una chica ordinaria cuya excepcionalidad reside en su pareja, uno de sus alumnos. Hannah Fidell revisa el "mito erótico del docente" y juega con el concepto de amor prohibido. Con un guion excesivamente condescendiente, que da lugar a distintos subrayados que hacen hincapié en lo ilícito (como en la escena de la fiesta, en la que uno de los invitados hace un chiste al saber la profesión de la protagonista). Leitmotiv harto socorrido al que intenta dar una vuelta de tuerca. Loable el intento, reprochable el resultado. La intencionalidad provocadora peca de ingenua, torpe, desmedida y estúpida. Existe una deriva, que no evolución, de la atracción física a la adicción sentimental. Con ella se busca ir de fuera a dentro. De lo carnal al fanatismo de los sentimientos. Eros y Thanatos como instintos básicos que influyen en el ser humano, que condicionan su vida; y por extensión, la vida en pareja. Una decisión que conduce irremediablemente –por lo anoréxico del conflicto dramático– al fracaso argumental. No extraña, por lo tanto, que el producto resultante parezca fruto de unas hormonas alteradas, un amor platónico mal superado y lecturas penosamente asimiladas. Flirtear con los anhelos de pubertad es peligroso, puedes embarrarte al mínimo descuido. Pero tienen su mística. En estrecha relación con la sicalíptica. La del cartabón y la escuadra, la del pupitre, la de la tarima, la de la pizarra, la erótica del instructor. ¿Quién no ha tenido un/a profesor/a que le transportaba a ensoñaciones libidinosas? Sentimientos que poco tienen que ver con el amor, sí con la obsesión, lo carnal, lo pasional, lo cochino. Variables presentes en el filme, retratadas con desenfrenado acierto. Y ya. Podría ser suficiente, pero no lo es.

por Anónimo
diciembre 26, 2013

Crítica | A Teacher

por Anónimo | diciembre 26, 2013

Melodía sui géneris

crítica de Mother of George | de Andrew Dosunmu, 2013

Nueva York es la capital del melting pot, la ciudad multicultural por excelencia, y el cine ha sabido sacar provecho de ello. Desde los dramas más indignantes hasta las comedias más burlescas, ya sean políticamente correctos o incorrectos según por donde se mire, pasando por géneros más fantásticos e inesperados o cintas más humildes y templadas, muchas han sido las películas que han explotado los obstáculos minoritarios y las costumbres exóticas que rodean a extranjeros de nacimiento viviendo en suelo americano. Pero siempre en interrelación con los ciudadanos neoyorkinos, ya sea en un plano de amistad o enemistad, de amor o de odio… Pues como se ha adelantado, de esa dinámica es de donde surge el conflicto. Y aquí es donde destaca a primera vista la segunda película del nigeriano Andrew Dosunmu, Mother of George (2013). En efecto, en ella se centra en las vivencias de una pareja recién casada, de origen igualmente nigeriano y residente en Brooklyn, pero sin salirse nunca del marco de la relación entre ellos, o entre otros miembros de la familia o con algún compatriota de la misma etnia. En otras palabras, no hay ningún personaje de la trama que no sea nigeriano, por lo que el contexto social americano, más allá de la propia ciudad en la que se desarrolla la historia, queda reducido a multitudes silenciosas e impasibles de extras en los contados planos generales de transición de exteriores en los que la cámara sigue a alguno de los protagonistas caminando.

Una conclusión precipitada que se podría sacar de este tratamiento novedoso es que estos personajes viven en una especie de gueto, enclaustrados en sus reglas y sus tradiciones, y sólo salen contadamente de él por necesidad. En este sentido, si bien Dosunmu se cuida de realzar todos estos elementos autóctonos, desde el colorido vestuario hasta las pautas ceremoniales, pasando por la especiada gastronomía o la mentalidad conservadora, nada indica que sus miembros quieren vivir desconectados de su entorno. De hecho, la perspectiva que parece querer transmitir Dosunmu es más bien la de una comunidad que aún respetando al máximo sus costumbres, quiere integrarse de la manera más natural posible en el hábitat en el que le ha tocado convivir. No hay por ello rastro de fanatismo ni de enfrentamiento subyacente con dicho hábitat. Hay una especie de invisibilidad recíproca: no sólo los americanos no aparecen con un papel propio en la trama, sino que se muestran extrañamente indiferentes a la apariencia exótica de la mujer interpretada por Danai Gurira, algo que en el fondo muestra una sana aceptación implícita y que adelanta la propia aceptación que debe generar en el espectador la motivación que empuja a dicha mujer, por mucho que pueda parecernos chocante. Para mayor claridad, cabe apuntar que este drama, que no puede sino calificarse de familiar, se desarrolla por el camino del conflicto entre un hombre apuesto y seguro y una mujer enamorada y fiel cuando se va sospechando que el primero no puede tener hijos, algo especialmente deshonroso y trágico en este marco. 

por Ignacio Navarro
diciembre 21, 2013

Crítica | Mother of George

por Ignacio Navarro | diciembre 21, 2013

Llagas y moscas

crítica de Halley | de Sebastián Hofmann, 2012

Alberto, apodado Beto, es un hombre de mediana edad que trabaja en un gimnasio como vigilante nocturno con aparente normalidad. Sin embargo, comienza a ser consciente de que se haya en un insólito estado de putrefacción progresiva, muerto en vida y con el cuerpo plagado de heridas, llagas y desperfectos propios de un cadáver y no de un varón normal. Así pues, decide ocultar a duras penas estos abandonar su puesto laboral en una semana, fracción de tiempo de la que se ocupa este filme mexicano denominado Halley, estrenado en su territorio nacional el pasado año y presentado en el actual 2013 en las filas de largometrajes del Festival de Rotterdam.

Halley da comienzo de una manera pausada, con pretensión de encomendarse a una estética claustrofóbica y agobiante, (dado que meterla de lleno en el saco del género de terror es quizás, exagerar su atmósfera y presuponer que habrá sustos, cosa que no acontece durante la hora y media de metraje), de trasfondo supuestamente existencialista, y tensión más centrada en el silencio que en diálogo, pues la conversación abunda menos que la ausencia de ella. La temática un tanto pesada, basada fundamentalmente en la descomposición del cuerpo, la mortalidad humana o la trascendencia del alma es un reflejo de las obsesiones que asolan a su director, Sebastian Hofmann, que con voluntad de facturar una obra de cine de autor original entre el drama, el terror psicológico y la angustia existencialista, erra en la trama, el diálogo y la duración. Nos hallamos ante un filme del que poco o nada podemos extraer de positivo o novedoso, cuya extensión es excesiva si tenemos en cuenta su escaso ritmo y su falta de nudos de acción, por no mentar la nula evolución de sus dos personajes. Beto entabla amistad con Luly, la gerente de su gimnasio antes de abandonar su trabajo, y ella, aunque sospecha que tiene alguna clase de enfermedad atípica, desconoce su verdadera situación e intenta mejorar su ánimo y entablar diálogo con él. Ambos resultan personajes completamente planos cuya personalidad no llegamos a ser capaces de conocer por la ausencia de datos: él permanece impasible desde el comienzo al final de la película, con una actitud pasiva, mecánica e indolente que colma la paciencia, y la mojigatería y sobreactuación de ella acaban por resultar exasperantes.

A lo largo del largometraje abundan escenas cuyo fin es mostrar la paulatina descomposición corporal de Beto, con planos cercanos e inquietantes que pegan al objetivo de la cámara pústulas, costras, llagas, y demás secuelas de la muerte en vida del protagonista: las labores de maquillaje si merecen ovación puesto que, aunque no se trate de una película gore, llega a resultar realmente asqueroso (a mi parecer, excesivamente) presenciar una galería de detalles tan escatológicos. El día a día de Beto, que se maquilla, perfuma e higieniza para esconder su estado de putrefacción, es aburrido por extensión al no incluir novedades interesantes, y al margen de la atmósfera opresiva no existen elementos de sorpresa o de clímax que enganchen al espectador al eje de la trama. A mi juicio, la idea inicial de Sebastian Hofmann hubiese sido mejor plasmada en un formato más breve y menos agotador para el espectador, y tanto un corto como un mediometraje hubiesen representado mejores moldes para transmitir los presuntos terrores y angustias de su director sin bostezos ni pausas. La interpretación de Alberto Trujillo y Lourdes Trueba no tiene un amplio espectro de matices, y las conversaciones carecen de subtexto, trasfondo, pecando de lineales e insustanciales. En definitiva, lo más enigmático de Halley termina por ser su título, que si obtiene explicación, y las promesas o esperanzas de hallar en ella intriga, pánico, existencialismo o repulsión se quedan en humo, dando como resultado una cinta aséptica, intrascendente y completamente prescindible. ★★★★★

Andrea Núñez-Torrón Stock

redacción Galicia | enviada especial al Festival Cineuropa de Santiago de Compostela.

Mexico, 2012, Halley. Director: Sebastian Hofmann. Guión. Sebastian Hofmann, Julio Chavezmontes. Productora: Mantarraya ProduccionesMúsica: Akira Rabelais. Fotografía: Matias Penachino. Reparto: Alberto Trujillo, Lourdes Trueba, Hugo Albores. Presentación oficial: 2013: Festival de Rotterdam: Sección oficial largometrajes a concurso. 

por Emilio M. Luna
diciembre 08, 2013

Crítica | Halley

por Emilio M. Luna | diciembre 08, 2013

Amor a quemarropa en Bucarest

crítica de Charlie Countryman | de Fredrik Bond, 2013

He aquí una película que tiene todas las papeletas para ganarse enemigos y palos por parte de crítica y público. Como toda experiencia que antepone la forma al fondo, deleitándose en el apartado audiovisual y dejando el guión en un segundo plano, Charlie Countryman parece condenada a ser únicamente apreciada (y disfrutada, incluso) por los amantes de extravagancias a contracorriente del tipo Sólo Dios perdona o Spring Breakers, con las que formaría una fenomenal trilogía de thrillers marcianos en este 2013 que está a punto de concluir. El debutante Fredrik Bond coge la típica historia de cine negro de toda la vida con un protagonista honrado puesto en peligro cuando se enamora de la chica del mafioso, adornándola de tal manera que su obra termina no pareciéndose a ninguna otra vista anteriormente. Algo que contribuye enormemente a desmarcarla de los caminos más trillados del género es su impagable galería de estrafalarios personajes, encabezada por el propio Charlie, un pobre diablo capaz de comunicarse con su madre recién fallecida y de embarcarse en un improvisado viaje a Bucarest porque el fantasma de ella se lo ha sugerido. Con este delirante punto de partida, el espectador debe adaptarse a las normas de un juego que se aleja de convencionalismos y lógica alguna si quiere disfrutar al cien por cien de la propuesta. Una vez que se entra en la mecánica de conversaciones con el más allá, casualidades que ponen a prueba la credulidad de cualquiera y un bizarro sentido del humor que emerge en las situaciones más insospechadas, solo queda dejarse envolver por las desventuras del protagonista en Bucarest y su peligroso romance con Gabi, la guapa esposa de un peligrosísimo gángster envuelto en una serie de vendettas sin resolver.

por José Martín León
diciembre 07, 2013

Crítica | Charlie Countryman

por José Martín León | diciembre 07, 2013

Cuando pasa el último tren

crítica de Breathe In | de Drake Doremus, 2013

2011 supuso el año de la confirmación de Drake Doremus como uno de los directores independientes más interesantes del panorama cinematográfico actual. Con su tercer trabajo, Like Crazy (crítica), logró el Gran Premio del Jurado en Sundance, dando sobradas muestras de una exquisita sensibilidad a la hora de retratar el lado más doloroso del amor, a la vez que puso en primer plano a su actriz protagonista, una sorprendente Felicity Jones que cosechó varios premios por su excelente interpretación. Todas las miradas estaban puestas en el siguiente largometraje de Doremus, expectantes por comprobar si aquel éxito de Like Crazy no fue fruto de la casualidad y, verdaderamente, estábamos ante un nuevo genio nacido a espaldas de los grandes estudios. Breathe In (2013) es, por ello, la prueba de fuego para el cineasta que, consciente de que se juega la consolidación definitiva, apuesta sobre seguro recuperando a Felicity Jones para un nuevo personaje protagonista, otra de esas heroínas románticas, vulnerables y sufridoras, en las que parece haberse especializado la joven intérprete. Una vez más, Doremus se pone al timón de una historia de amor imposible, tremendamente dolorosa y fatalista para sus personajes. Si en su anterior obra nos describió descarnadamente los estragos de la distancia y la rutina en una relación de pareja y la dureza del desamor, en Breathe In relata la desintegración de una familia aparentemente ejemplar ante la llegada de un agente externo que pone sus cómodas vidas patas arriba, con el tema de la infidelidad como telón de fondo.

por José Martín León
diciembre 07, 2013

Crítica | Breathe In

por José Martín León | diciembre 07, 2013