Crítica | Simon Killer
por Unknown | mayo 31, 2013
RESACA DE TANTA SECUELA
crítica de R3sacón | The Hangover Part III, Todd Phillips, 2013El cine es, ante todo, un negocio. O al menos eso deben pensar los productores de la industria americana, apoyando cualquier producto que tenga previsible tirón entre el público por muy discutibles que sean sus cualidades artísticas. La clave consiste por tanto en analizar cada producto, cada proyecto, para deducir con qué grado de probabilidad tendrá ese tirón. Pero la industria actual también se caracteriza por las prisas, y por ello a menudo dicho análisis se simplifica al máximo aun manteniendo una alta probabilidad de éxito, eficiente ecuación que se resuelve recurriendo a fórmulas previas que ya han triunfado. Pasando de la teoría a la práctica, ello se plasma en el crecimiento exponencial en los últimos años de las secuelas, las precuelas y los remakes, reiteraciones y derivaciones ad infinitum de los patrones de taquillazos tan contrastados como inesperados, desde la recién estrenada A todo gas 6 (Justin Lin, 2013) hasta la saga de J.R.R. Tolkien a cargo de Peter Jackson. En ese marco se sitúa con plena confianza Todd Phillips, director de la celebrada pero sobrevalorada Resacón en Las Vegas (2009), retomando la trama y los personajes de ésta para cerrar, supuestamente, la trilogía. Sin embargo, su resolución en este caso es discutible ya no solo por la calidad del conjunto, sino por una simplificación del análisis y una repetición de la fórmula tan excesivas que ponen en peligro el objetivo principal, el de ganar dinero. Prueba de ello es la taquilla que ha obtenido esta cinta en su primer fin de semana en Estados Unidos, unos razonables 42 millones de dólares, pero una cantidad doblada por el otro estreno de la semana, la mencionada A todo gas 6. En otras palabras, R3sacón (Estados Unidos, 2013) reintroduce tantos elementos de la primera parte que paradójicamente pierde la frescura y a la vez la coherencia que caracterizaban a aquella, y que tanto gustaron a su público.
por Ignacio Navarro
mayo 30, 2013
mayo 30, 2013
Crítica | R3sacón
por Ignacio Navarro | mayo 30, 2013
entrevista| Emilio Luna.
traducción| Sarah Clark, Jon Alonso e Ignacio Navarro.
imágenes| Daniël Lucas Bouquet.
Kauwboy, representante de Países Bajos en los Oscar y mejor ópera prima de la Berlinale 2012, se ha convertido por derecho propio en una de las sensaciones anónimas de la temporada. Entrevistamos, con el motivo de su estreno en España, a su director Boudewijn Koole. Encantador y detallista. Como su cine.
♠ Boudewijn, muchas gracias por atendernos. Enhorabuena por el éxito de ‘Kauwboy’, una de las grandes sorpresas del 2012.
Dos galardones en los European Film Awards, mejor ópera prima en la Berlinale 2012, representante de Países Bajos en los Oscar… ¿Te imaginabas esta repercusión con tu primera película?
Dos galardones en los European Film Awards, mejor ópera prima en la Berlinale 2012, representante de Países Bajos en los Oscar… ¿Te imaginabas esta repercusión con tu primera película?
por Emilio M. Luna
mayo 28, 2013
mayo 28, 2013
Entrevista | Boudewijn Koole, director de 'Kauwboy'
por Emilio M. Luna | mayo 28, 2013
Cannes 2013 | Críticas de Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch
por Emilio M. Luna | mayo 25, 2013
Cannes 2013 | Críticas de Michael Kohlhaas, de Arnaud des Pallières
por Ignacio Navarro | mayo 24, 2013
MADRES SIN DERECHO A SERLO
crítica de Maternity Blues | Fabrizio Cattani, 2011Por lo general la maternidad se enfoca con ilusión, como un regalo o una experiencia vital fundamental, un sacrificio ciertamente, pero de constante y eterna recompensa. Sin embargo, en una de las mejores películas estrenadas en nuestro país en las últimas semanas, Stoker (Park Chan-wook, 2013), una madre le dice a su hija que muchas veces se ha preguntado por qué las personas tienen hijos, y pasa luego a argumentar una posible justificación. Para ella ser madre es visiblemente un calvario, y no solo por el dolor del parto sino por el agobio y las penurias que vienen después… y por no sentirse capaz de entender y de cuidar de su hija. Casualidad o no, esta semana se estrena otra película que nos muestra ese lado oscuro de la maternidad, aunque no ya centrada en la problemática relación materno-filial, sino directamente en unas mujeres que han perdido toda empatía hacia sus retoños, que, como dice uno de los personajes de esta película, carecen de instinto maternal. Sus hijos no significan pues nada para ellas, más allá de un ahogo existencial insostenible, y por ello finalmente se ven obligadas a quitarles la vida. Es una premisa polémica y provocadora que aventura un drama desgarrador en toda regla.
por Ignacio Navarro
mayo 23, 2013
mayo 23, 2013
Crítica | Maternity Blues
por Ignacio Navarro | mayo 23, 2013
LA MÚSICA DE REFN Y LAS NOTAS DE SALEH-HAROUN
Llegamos a la octava jornada de esta 66ª edición del festival de Cannes con la presentación de una de las películas más esperadas. Se titula Only God Forgives (Nicolas Winding Refn, 2013) y vuelve a reunir al director danés y al actor Ryan Gosling tras su celebrada colaboración en Drive (2011). Este nuevo filme levantaba por tanto muchas expectativas, pero no ha acabado siendo lo que se esperaba. En la sección oficial también se ha podido ver Grigris (Mahamat Saleh-Haroun, 2013), y fuera de ella All Is Lost (J.C. Chandor, 2013). Además, la sección de Una Cierta Mirada nos ha dejado dos interesantes propuestas de árida contextualización: La jaula de oro (Diego Quemada-Diez, 2013) y My Sweet Pepperland (Hiner Saleem, 2013).
de Nicolas Winding Refn
Intérpretes: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Yayaying Rhatha Phongam, Tom Burke, Byron Gibson.
Francia | Dinamarca
Sección oficial | Competición
El reencuentro entre Refn y Gosling, una historia ambientada en el Bangkok nocturno, y los trailers, clips e imágenes que habíamos podido ver hasta ahora auguraban una experiencia apabullante en Only God Forgives. Pero el estilo del danés ha sido recibido con división de opiniones, siendo mayoría las negativas. La trama se inicia con la muerte del hermano del boxeador y traficante interpretado por Gosling, con más parquedad e incluso menos diálogos que en Drive. La llegada de su madre (Kristin Scott Thomas) a la ciudad le impulsa a buscar venganza, enfrentándose al corresponsable del crimen, un ex policía de aires místicos (Vithaya Pansringarm). Una espiritualidad que, según ha asegurado Refn en la conferencia de prensa, recorre toda la película. Muchas de sus respuestas durante la misma han sido complejas, con referencias a lo divino, lo esencialmente violento, lo anímico… También ha admitido con todo que él no trata de entender cada detalle de lo que nos muestra, sino de rodar simplemente lo que le excita, como haría un pornógrafo. También ha reconocido la violencia extrema de su película, pero es algo para lo que, según él, el ser humano está diseñado. Gosling no ha podido corroborar esos pensamientos, pues no estaba presente en la sala, pero sí lo estaba el compositor Cliff Martínez, que ha señalado que es una gozada trabajar con el danés porque deja mucho espacio libre (en silencio) para la música. Pero también deja mucho espacio para la crítica, y ésta ha sido dura en varios medios. Variety alega directamente que es un filme “sin ningún tipo de valor”, mientras que para Sight & Sound es una “obra pretenciosa, machista, tonta y sin sustancia”. Daily Telegraph es más ambiguo al señalar que “’Only God Forgives’ es un hermoso desastre. Realmente no funciona en lo más mínimo, pero muy feliz de que exista”. Para mayor abundamiento, Film School Rejects la considera “una película fallida cuyos únicos méritos son Kristin Scott Thomas y su fotografía”. El Mundo sostiene a su vez que “faltan el clima, la tensión y el sentido. El más autoindulgente homenaje a sí mismo que se podría hacer Winding Refn”, y El País le acusa de “no tener ni una sola idea”. También ha habido en cualquier caso un puñado de reacciones entusiastas, como la de The Guardian, que habla de una “creación fascinante, de brillante estética y emocionalmente potente”, o la de Screen Daily, que califica a la cinta de “inteligente, elegante, envolvente y brutalmente intrigante”. Una película radical, por tanto, que se la juega a todo o nada tanto con su público general como ante el jurado. Valoración media de la crítica: 60|100.
de Mahamat Saleh-Haroun
Intérpretes: Souleymane Démé, Anaïs Monory, Cyril Guei, Marius Yelolo.
Francia | Chad
Sección oficial | Competición
La nueva película de Saleh-Haroun es una de las propuestas menos llamativas de la sección competitiva, en tanto que constituye un sólido drama con poco margen para la originalidad. El protagonista del mismo es un aspirante a bailarín que sufre una parálisis en una de sus piernas, con lo que ello implica de historia de superación. Con todo, su objetivo se obstaculiza aún más cuando su tío contrae una grave enfermedad, y para salvarlo debe inmiscuirse en el tráfico ilegal de hidrocarburos. Grigris es en cualquier caso también una película donde la coreografía cobra gran importancia, aunque a diferencia de la de Refn, ésta si se ciñe más a los salones de baile. El director ha destacado por ello, en la conferencia de prensa, cómo el protagonista expresa sus emociones a través de ese baile. Aunque no todo en el proceso de esta película ha sido tan alegre, pues Saleh-Haroun ha revelado asimismo que a Souleymane Démé le retuvieron en el aeropuerto antes de llegar a la Croisette, sin apenas justificación más allá de su aspecto. Un dato que con razón ha escandalizado al director. Pero la película en sí no ha causado mucho escándalo, ni para lo bueno ni para lo malo. The Guardian destaca en este sentido que se trata de “un trabajo menor aunque elevado por la mirada a la mujer del Chad y las logradas escenas de bailes”. Variety resalta por su parte la interpretación de Démé como principal cualidad, mientras que El País se limita a declararlo un “filme inocente y demasiado tópico”. Sight & Sound es con todo más positivo al describirlo como un “cuento hermoso y poco predecible que engancha al público de la forma más primaria”. No hay que descartar un posible premio de interpretación o algún reconocimiento menor el próximo domingo para esta fábula. Valoración media de la crítica: 61|100.
de J.C. Chandor
Intérprete: Robert Redford
Estados Unidos
Sección oficial | Fuera de competición
Radical también es esta película de J.C. Chandor, que hace unos años nos sorprendía con la intrigante Margin Call (2011). Ahora cuenta con el protagonismo de otro actor veterano, Robert Redford, aunque se trate en esta ocasión del único personaje, anónimo para mayor seña, de la historia. Ésta gira en torno a la supervivencia de este hombre en medio del mar, en su barco, azotado por las tormentas y otras inclemencias. Los diálogos son también casi inexistentes, y Chandor renuncia igualmente a monólogos u otros elementos accesorios que nos puedan dar más información acerca de este navegante solitario. Redford ha comentado en la conferencia de prensa que, pese a todo, confiaba plenamente en Chandor y que se dejó llevar en este gran desafío actoral. Chandor ha sostenido además que el silencio del personaje se ve contrarrestado por un importante uso de la música, lo que en definitiva convierte a esta película en pura acción. Y ello ha gustado a la crítica. The Guardian lamenta la opacidad del protagonista, pero destaca la gran interpretación de Redford. Rope of Silicon se sitúa en un extremo y lo llama un “logro monumental”, “cine tremendo que no se parece a nada de lo que se haya visto antes”, destacando asimismo que es la “paciencia dedicada al personaje y al argumento la que convierte al filme en un éxito tan destacado”. Empire se une a los elogios hablando de una película “excelente” y de un “logro impresionante”. Variety sigue en la misma línea al definirlo como una “rareza mainstream: un filme sin apenas palabras que habla con gran elocuencia y sencillez sobre la condición humana”. Screen Daily se muestra algo más contenido al lamentar la “mediocridad de algunos efectos, que traicionan el bajo presupuesto de ‘All Is Lost’, una decepción mayor teniendo en cuenta el realismo conseguido en todo lo demás”. The Hollywood Reporter, al igual que Indiewire o Cine-Vue, alaba el trabajo de Redford, y añade que la “historia logra mantener la atención contra toda probabilidad”. Puede ser uno de los pequeños grandes acontecimientos de la temporada. Valoración media de la crítica: 75|100.
de Diego Quemada-Diez
Intérpretes: Karen Martínez, Rodolfo Domínguez, Brandon López, Carlos Chajon.
México
Una Cierta Mirada
La ópera prima de Diego Quemada-Diez es este retrato de la inmigración ilegal enfocado a través de tres jóvenes guatemaltecos, dos chicos y una chica, que viajan hacia el norte en busca de una mejor vida en Estados Unidos. Así resume su trama The Hollywood Reporter, que acusa por lo demás al filme de ser bastante tópico y decepcionante, con un “comienzo prometedor” pero sin fuerza visual y “poco interesante en términos de personajes o historia”. “Una variación ligera” de una película anterior más exitosa, Sin nombre (Cary Fukunaga, 2009), concluye el medio americano. Twitch Film realiza por otro lado una comparación similar, y comenta que la cinta es “algo lenta”, aunque sea una “historia muy bonita de la inmigración a través de México”. The Guardian es más benévolo al considerar que el filme es “fuerte, intrigante, compasivo”, mientras que Hit Fix también se muestra sorprendido por su “narración nítida y tradicional”. Algunos medios mexicanos van más allá y señalan que La jaula de oro ha sido de las películas más aplaudidas en el festival. Veamos qué le depara a este filme con claro mensaje político su probable recorrido por otros festivales a lo largo de la temporada. Valoración media de la crítica: 70|100.
de Hiner Saleem
Intérpretes: Korkmaz Arslan, Golshifteh Farahani, Suat Usta
Francia | Alemania | Irak
Una Cierta Mirada
Por último, la segunda película proyectada hoy en Una Cierta Mirada es este drama ambientado en un pueblo de la frontera entre Irán y Turquía. Allí es destinado un héroe de guerra kurdo y allí conoce a una joven que, pese al carácter reacio de sus hermanos, ha aceptado igualmente un puesto en ese lugar, en su caso como profesora de la escuela. Un romance agrio que ha obtenido una respuesta ambivalente por la prensa que ha asistido a su proyección.
Tras esta octava jornada caracterizada pues por los pareceres enfrentados, la novena jornada de mañana incluirá en su sección oficial La vie d’Adèle (Abdellatif Kechiche, 2013), cuyo pase nocturno ya ha generado reacciones muy positivas; y Nebraska (Alexander Payne, 2013), otra de las cintas más esperadas del certamen. Una jornada que promete y que les resumiremos aquí, en El Antepenúltimo Mohicano.
Ignacio Navarro.
crítico cinematográfico.
por Ignacio Navarro
mayo 23, 2013
mayo 23, 2013
Cannes 2013 | Octava jornada
por Ignacio Navarro | mayo 23, 2013
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