La extraña historia del señor Disney y Mrs. Travers

crítica de Al encuentro de Mr. Banks | Saving Mr.Banks, de John Lee Hancock, 2013

Debo reconocer que Mary Poppins no es una de mis películas Disney favoritas (que las tengo, y son varias). Sin embargo, como más o menos todo hijo de vecino desde los años '60, formó parte de mi infancia; muchas de sus canciones están en mi banda sonora sentimental particular, y, quieran que no, he aprendido a verla con otros ojos a medida que me he ido haciendo adulta. Digo esto porque es importante entender que Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr.Banks) no puede ser apreciada enteramente si no se ha visto Mary Poppins (algo que puede resultar extraño hoy día, pero de todo hay en este mundo): son tantísimas las referencias, directas o no, que acumula la cinta de John Lee Hancock, que un buen tercio de ella se pierde si no sabemos de qué nos están hablando. Recomiendo, por tanto, echarle un vistazo previo a la película protagonizada por Julie Andrews y Dick van Dyke antes de ir a ver la protagonizada por Emma Thompson y Tom Hanks.

A diferencia de lo que se ha comentado, Al encuentro de Mr. Banks no se centra en el rodaje de Mary Poppins (crítica), sino en sucesos algo anteriores, y bastante más espinosos: las negociaciones que Walt Disney (Tom Hanks) en persona tuvo que llevar a cabo con la autora de la novela original, P.L. Travers (Emma Thompson), para que ésta le cediese los derechos sobre su creación. Durante más de veinte años, Travers se negó categóricamente a que nadie que no fuese ella pusiese las manos sobre su libro; cuando finalmente aceptó viajar a Los Angeles para negociar, movida esencialmente por la necesidad de dinero, sus reticencias y su difícil carácter convirtieron la negociación en un auténtico infierno para todos los que tuvieron que lidiar con ella: el guionista, Don DaGradi (Bradley Whitford), los compositores, Robert (B.J. Novak) y Richard Sherman (Jason Schwartzman), y hasta el mismísimo Disney sufrieron las iras de la autora, bien documentadas en las casi cuarenta horas de grabaciones que sirvieron de inspiración para las guionistas Kelly Marcel y Sue Smith. La ordalía de Disney y los suyos se alterna con los recuerdos de la infancia de Travers en Australia a principios de siglo, cuando se llamaba Helen Goff y vivía con una madre atribulada (Ruth Wilson, la Alice de Luther) y un padre borrachín y fracasado, pero cariñoso (Colin Farrell) que, andando el tiempo, serviría a la autora como inspiración para crear a Mr.Banks, el padre de la familia protagonista de Mary Poppins.

por Unknown
octubre 31, 2013

Crítica | Al encuentro de Mr. Banks

por Unknown | octubre 31, 2013

fecha| miércoles 30 de octubre, Nueva York.

texto| Inés Esteban.

vía| Karma Films.

En plena promoción del documental Blackfish en Estados Unidos —se estrena en la cadena de televisión CNN, tras haber pasado por los cines— su directora, Gabriela Cowperthwaite, saca tiempo para responder a nuestras preguntas sobre su proyecto más ambicioso. Un documental que ha levantado ampollas entre visitantes y ejecutivos de una gran industria del entretenimiento: los parques acuáticos.

■ ¿Cómo surge la idea de hacer Blackfish?

Yo no soy una activista por los derechos de los animales; de hecho, llevé a mis hijos a Sea World. Sin embargo, como documentalista comenzó a interesarme el por qué una ballena asesina tomaría la decisión de matar a un entrenador de Sea World. Y me impresionó lo que descubrí.

■ La película consigue una empatía absoluta del espectador hacia Tilikum y hacia los entrenadores, que son tratados como víctimas, a pesar todo. Háblanos un poco sobre ello.

Creo que los entrenadores y las ballenas de Sea World son víctimas de un mismo sistema. Muchos de los entrenadores que trabajan en Sea World parecen desilusionarse bastante pronto, pero temen que si abandonan el parque nadie cuidará de las ballenas como ellos lo han hecho.

■ ¿Cuáles fueron los mayores obstáculos que te encontraste en el camino a la hora de filmarla?

Al principio estaba aterrorizada por Tilikum, pero pronto me di cuenta de que para convertirlo en un personaje real tenía que comprender las razones que le hicieron tomar tan trágica decisión en 2010. Había muchas otras historias, todas ellas importantes: por ejemplo, sobre qué haría una empresa cuyos beneficios anuales están valorados en 2 billones (escala americana), para preservar dichos beneficios. Pero yo quería contar una historia sencilla y honesta sobre Tilikum a través de los ojos de los entrenadores. No quise hacer una película para decirle a la gente lo que pensar o sentir. Creía que si contaba la historia bien, la gente saldría del cine habiendo captado el mensaje.

■ El documental es un género que en buena medida se escribe según el director lo filma. ¿Hubo algún descubrimiento o suceso inesperado que hiciera que te lo replantearas?

Si, tuve que reescribirlo todo. Nunca pretendí hacer una película que fuera controvertida; de hecho, durante seis meses traté de entrevistar a los ejecutivos de Sea World. Al principio pensé que estaba haciendo un documental sobre la muerte de un entrenador, pero a medida que iba “pelando la cebolla” me daba cuenta de que había un mundo esperando a ser descubierto.

por Anónimo
octubre 31, 2013

Entrevista | Gabriela Cowperthwaite, directora de 'Blackfish'

por Anónimo | octubre 31, 2013

El actor sueco Ola Rapace vuelve a la primera línea con este drama romántico/familiar que representará a Noruega en la próxima edición de los Oscar. Rapace, que se dio a conocer con Juntos, de Lukas Moodysson, cayó en picado tras el divorcio con Noomi Rapace —eligieron el mismo apellido antes de casarse— y problemas con la ley. En Jeg er din (I am Yours) interpreta a un apasionado pero poco comprometido novio de una joven paquistaní a la que da vida Amrita Acharia —una de las integrantes del séquito de Daenerys Targaryen en Juego de tronos—. Se estrenó en Noruega el 16 de agosto. Aun sin fecha internacional.

Tráiler de Jeg er Din|

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráiler | Jeg er din, de Iram Haq

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

Mientras nos llega el primer avance en movimiento de la nueva película de David Mîchod, The Rover, la productora del filme, Roadshow Films, se ha hecho con los derechos de una de las películas australianas que mayor impacto causó en la pasada edición del Festival de Melbourne: These Final Hours. Un thriller apocalíptico que recuerda levemente a esa maravilla de Francisco Javier Gutiérrez titulada 3 días (2008). Es la cuarta película de Zak Hilditch. Aun no tiene fecha de estreno.

Tráiler de These Final Hours|
Vía| TwitchFilm

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráiler | These Final Hours, de Zak Hilditch

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

El precio de la cautividad

Blackfish, de Gabriela Cowperthwaite

Blackfish es un documental con unas intenciones muy claras. Poniendo las cartas sobre la mesa desde el comienzo, se nos advierte de una noticia (una entre muchas, como sabremos más adelante) en la que una entrenadora de orcas es atacada y devorada por uno de estos animales. La directora del comprometido filme se llama Gabriela Cowperthwaite, quien después de leer este caso en la prensa en el año 2010 decidió investigar por ella misma sobre el mundo de las orcas en cautiverio. Conocido por todos aquellos que hemos visitado alguna vez un parque temático dedicado a los animales marinos (en España es paradigmático Loro Parque, en Tenerife, que también aparece en la película), el documental aporta una mirada que se aproxima a éste y otros casos relacionados en los que los entrenadores sufren algún tipo de accidente durante algún espectáculo acuático. El método utilizado son entrevistas donde hablan principalmente extrabajadores de estos parques y también testigos de alguno de los sucesos acaecidos allí. Entre las entrevistas se intercalan imágenes documentales: los ataques en los que murieron personas no se muestran, sin embargo sí que vemos aquellas ocasiones en las que una orca atrapa a una cuidadora en un comportamiento que ni ellos mismos pueden entender del todo: puede ser un momento de enfado del animal, un cambio de humor, un juego… Y acompañando a estas imágenes se encuentran otras que muestran la cara alegre de esta industria del entretenimiento familiar, los anuncios de las propias empresas que ocultan el lado peligroso y cruel de la misma, así como declaraciones manipuladoras de SeaWorld, la empresa contra la que arremete sin tapujos este documental, y que además advierte en un intertítulo que no quisieron declarar en él.

El proyecto en cuestión aprovecha muy bien los recursos de los que dispone. Complementa la narración con duras imágenes y testimonios que llegan a emocionar. Es curiosa una de las ideas que se desprende de las declaraciones de los antiguos entrenadores de orcas. En su mayoría entraron a trabajar en uno de los parques como ayudantes, sin pensar en llegar a entrenar a los cetáceos. Bajo presión y trabajo duro se convierten en parte del espectáculo, y así establecen un vínculo con los animales difícil de olvidar: es evidente el cariño que comparten, olvidando en ocasiones que trabajan con animales impredecibles en cautiverio y peligrosos en sí mismos. Así pues, escuchando a estas personas contar sus historias y vivencias entendemos cierta decepción al comprobar que por mucha afinidad que crean tener con las orcas, éstas muchas veces se comportan de manera cruel con ellos, algunas veces llevándolos a la muerte o mutilándolos. Una de las personas que aparece al principio de la película narra su participación en una cacería de orcas en 1970, donde atraparon a las crías para después criarlas en cautividad. Es una dura historia y una confesión muchos años después de lo que supuso este hecho para la industria del entretenimiento. Ésta y otras entrevistas parecen funcionar como momentos de redención y arrepentimiento por haber contribuido a mantener un ocio con unas bases tan turbias y contradictorias.

por Unknown
octubre 31, 2013

Panóptico | La jaula del pez negro

por Unknown | octubre 31, 2013

The Act of Killing, Stop and Over y L’image manquante, lucharán por ser el mejor documental europeo de 2013

Hoy la Academia del Cine Europeo ha anunciado las tres cintas elegidas que lucharán por el máximo galardón en el apartado documental. The Act of Killing (crítica), de Joshua Oppenheimer, Stop and Over, de Kaveh Bakthiari, y L’image manquante (crítica), de Rithy Panh son las propuestas de este año. El filme de Oppenheimer es el gran favorito de la categoría y es más que probable su protagonismo en la carrera al Oscar. El camboyano Rithy Panh, ganador en Un certain regard de Cannes, es el outsider en cuestión y una estupenda alternativa ante la poderosa rival danesa. El documental de Kaveh Bakthiari parece el convidado de piedra en cuestión pese a su buena acogida este año en la Quincena de los Realizadores. Recordar que el resto de nominados se conocerán el día 9 de noviembre en Sevilla. La gala de los EFA el 7 de diciembre en Berlín. A continuación, los tráilers de los tres nominados a mejor largometraje documental.
  
Tráilers de las candidatas|

Stop and Over, de Kaveh Bakthiari (Suiza)

The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer (Dinamarca)

L’image manquante, de Rithy Panh (Francia, Camboya)

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

European Film Awards 2013 | Las 3 aspirantes al Mejor Documental

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

Desde ayer conocemos las principales películas que conformarán la programación del Festival de Toronto. Entre ellas se encuentra este documental titulado Visitors que supone la vuelta de un viejo lobo de la cara b hollywodiense. Godfrey Reggio, autor de la célebre Kovaanisqatsi (1982), llevaba once años sin estrenar una nueva obra. Reggio es uno de los padres del documental moderno, donde la forma se funde con el fondo. Una máxima que parece repetir en Visitors, un filme presentado por Steven Soderbergh del que poco se sabe y que se centra en el estilo de vida actual en la sociedad occidental. No dejará indiferente a nadie. Vía| TIFF. (Actualización martes 05 de noviembre)

Estreno| por confirmar. El 8 de septiembre en el Festival de Toronto.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráiler | Visitors, de Godfrey Reggio

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

Ha dejado buenas sensaciones la nueva película de Lucky McKee tras su paso por Toronto, Sitges y Londres. Precisamente en la capital británica la pudo ver nuestra compañera Judith Romero: "Bruta a más no poder, desmadrada y con enormes dosis de mala idea, es todo lo que aquel bodrio llamado Jennifer's Body debió haber sido y no fue. ★★★★★" Estamos, por tanto, ante un entretenimiento de serie B de primera categoría. Aun sin fecha de estreno confirmada nos llega su primer avance.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráiler | All Cheerleaders Die, de Lucky McKee

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

La dificultad de ser alguien

crítica de Vivir es fácil con los ojos cerrados | de David Trueba, 2013

Como todo el mundo sabe (espero), Franco sigue vivo y con él, una parte no poco numerosa de contribuyentes españoles que aún secundan su causa tras un nefasto velo de algoritmos económicos y valores clasistas, en un país que avanza en círculos mientras enseña los dientes a su reflejo virado a ocre. El Caudillo murió, sí, pero sólo físicamente. En una burda simulación protodemocrática que invitaba a soñar con tiempos apacibles, donde no hubiera recortes de libertades ni trueque social. Algo, no sé, que certificara su defunción definitiva; no ya la de su huella en el trono (el vestigio del culo amoldado al cuero metálico, un trabajo que le llevaría a gastar toneladas de odio y decenios de juventud con bigote ¡español, hostias!) sino la de su fantasma en Encomienda de Mudela, Ciudad Real, a donde todavía hoy suele ir a cazar perdices y rememorar viejos momentos que se han ido desdibujando como su estela gaseosa. Porque él está tot, pero aún no lo sabe. Y sus discípulos se empeñan en continuar la gracia, asintiendo educadamente a sus chascarrillos sobre el general Mola y el enemigo rojo y el perdigón de Fraga en el trasero de su hija. Y sin embargo, a duras penas consigue suspenderse sobre la piedra del Valle de los Caídos. Hay algo que lo atrae hacia la superficie, un imán o una vibración que martillea su frágil y rechoncho cuerpo. El sonido blanco (o innovador o "negroide") del tardofranquismo, que se extiende hasta la actualidad. Y cuando mira la bandera sólo ve degradación, libertinaje; y casi llora masculinamente, justo antes de bajar la mirada y ver a un suramericano de tez cetrina con una gorra de España y la camiseta de la selección española de fútbol con el nombre de Sanchís a la espalda. El mundo se desintegra a nuestros pies, y ese espectador intempestivo grita: ¡Franco, Franco... ha muerto! Y de la nada aparece —quizá ya estuviera allí, pues la noción temporal de un fantasma es muy relativa y se mide en fundidos a blanco nuclear— un grupo de siete o nueve chavales cercanos a la veintena, y uno de ellos dice autoritariamente: "¡Corten, me cago en Dios y en la Virgen puta, Josito! ¡Eres un inútil! ¡Sin pausa, joder! ¡Del tirón!". Y ahí está España en todo su apogeo: la furia y la ordinariez; el tópico y el sainete. Los cartuchos verborréicos de La escopeta nacional y el chasis transgresor de Balada triste de trompeta. Sin ambages ni cortapisas.

por Anónimo
octubre 31, 2013

Crítica | Vivir es fácil con los ojos cerrados

por Anónimo | octubre 31, 2013

Desmontando a Bettie

critica de El viaje de Bettie | Elle s’en va, de Emmanuelle Bercot, 2013

Tenemos una película francesa acerca de un ama de casa de cierta edad, dueña de un restaurante en decadencia, segundo hogar de jubilados, que ha aceptado la pasividad y la falta de sorpresas que se asienta en la vida conforme pasan los años. Una buena noche, su madre, con la que comparte vivienda, le comunica que su amante Etienne, el hombre que ayudó a Bettie a superar la muerte repentina de su marido, ha dejado a su mujer por una jovencita de 25 años. Al día siguiente, en pleno horario de trabajo, Bettie decide coger el coche, dar vueltas a una rotonda una y otra vez, y finalmente, desaparecer de su propia vida. Estamos ante la historia de una decepción sentimental, de un pasado que no termina de superarse, de una rutina que suaviza las heridas con los años y de una actriz inmensa que levanta por si sola una película de mimbres muy mediocres. El viaje de Bettie es un filme dirigido por una mujer que se declara admiradora absoluta de Catherine Deneuve, y es obvio, porque toda ella esta escrita para lucimiento exclusivo de la intérprete que canonizó su belleza en Belle de Jour. Emmanuele Bercot tiene el acierto de focalizar el punto de vista en su rostro, centrando su cámara en ella desde el primer momento, cuando nos la presenta de espaldas en mitad de un prado mecido por el viento, en uno de los planos más expresivos de la cinta.

Es inteligente hacer una película sobre el hastío vital de una mujer decepcionada, hermosa en su juventud, una Miss Bretaña nada menos, trufando el viaje de la protagonista de nostalgia y pasado, y poner en el lugar estrella a una gran actriz que fue un icono de los rostros del cine. Es una buena jugada, porque ancla la obra a varios elementos poderosos, entre ellos el morbo de un papel emotivo, casi autobiográfico, de manos de una estrella famosa por su frialdad interpretativa, al mismo tiempo que ofrece un personaje con cierta complejidad que es ejecutado a la mínima con una exquisitez que asusta. Sin duda, lo mejor de toda esta parafernalia telenovelesca que se ha montado la señorita Bercot. El viaje de Bettie es un trabajo que no desentonaría demasiado si alguno de nosotros la pillara por casualidad en un estreno de televisión de una noche de sábado. Porque aunque la directora comienza cargando las tintas en el juego metalingüistico, apoyando su propuesta en las oportunidades que le ofrece el pasado de la propia Catherine Deneuve, lo cierto es que es un camino que se abandona pronto, en favor de un drama familiar bastante peor enfocado, con ese toque francés que, para según que dramas, da lugar a un histerismo excéntrico por parte de algunos personajes que está muy muy lejos del reflejado por otros cineastas, especialmente los ingleses, que para las miserias familiares son directores intachables.

por Unknown
octubre 31, 2013

Crítica | El viaje de Bettie

por Unknown | octubre 31, 2013

La amenaza fantasma

crítica de Thor: El mundo oscuro | Thor: The Dark World, de Alan Taylor, 2013

Apuntes previos —muy anteriores— a cualquier precedente crítico: 1) Thor sonríe bien y huele a Nenuco; pero, 2) no lo sabemos porque el cine sólo huele al lugar en que se proyecta, esto es, a nada o a todo, incluso a melocotón y a patatas fritas con sabor a pollo y a Facebook, cuyo hedor se cuela a través del clink que entona el sugestivo smartphone. 3) Su ancho emocional es, cuando menos, cuestionable y, también, un desafío a la lógica del héroe maximalista que nació muy joven y generando mucho ruido, como una de esas bodas familiares que celebran la desunión prematura. Viva el vino, sin exclamaciones. Y, 4) Viva Thor, pero denle caza al Señor del Puro Marveliano. Sí, ahora resulta que el puro contamina y que el cine es una fiesta (cueste lo que cueste). Que estamos conectados no ya por seis grados de separación, sino por un router cósmico y un repetidor cuya señal rompe las leyes de la mecánica cuántica, de manera que uno puede estar en —por ejemplo— Vulcano al tiempo que habla con su familia de —por ejemplo— Burgos. Que no hay mal que por saga no venga; y que nunca es tarde si ella se llama Natalie Portman y se ríe como una nerd, o si él se apellida Hemsworth y utiliza un arcoíris tubular para viajar desde Nueva York a Asgard, portando un martillo cuyo peso no tiene medida pues es tal que se escapa a cualquier medición y tan solo obedece a su dueño: él en términos fantásticos. Es decir, Thor. A secas, pero como un témpano. Rubio y difícilmente placable. Un dios aun en su Australia natal. Cosas no del encasillamiento sino de los HECHOS fílmicos. Ya son tres —tras la primera entrega en solitario y sus vacaciones terrícolas para salvar el universo en Los Vengadores— las veces que Chris Hemsworth se ha enfundado el traje oscuro y la impoluta y desgastada, pero jamás rasgada, capa roja. De nuevo, Hollywood atrezzando la borrasca mientras el bíceps ejecuta un ERE y despide al tejido adiposo que se resiste a ser quemado en el mundo y en el cuerpo de ese hijo de Odín. Así y siempre, mola. ¿No? "Se deja ver y oír", dirán los popes; "está entretenida", juzgarán con tono amargo y una sonrisa de buzón; "Pss, va, sí, se pasa bien aunque es muy... cómo lo diría... para fans, eso. Incondicionales y tal". Traducción: funciona. Funciona el sonido y funciona la imagen. Un lujo, visto (y oído) lo visto (y lo oído). ¿Qué más podemos pedir? ¿Que se vea en 3D? Pues tiremos la casa por la ventana, o hagamos converger los Siete Mundos, qué sé yo. Una fiesta, el cine. Cueste lo que cueste.

por Anónimo
octubre 31, 2013

Crítica | Thor: El mundo oscuro

por Anónimo | octubre 31, 2013

Buenas primeras críticas para el drama dirigido por el noruego Erik Poppe A Thousand Times Good Night (Tusen ganger god natt). Presentado en el festival de Montreal, el nuevo filme del director de Aguas turbulentas (DeUsynlige, 2008) cuenta con un reparto de auténtico lujo encabezado por la gran Juliette Binoche. La actriz francesa es el gran reclamo de una película que gracias a su presencia tendrá una mayor proyección internacional. Junto a Binoche, Nicolaj Coster-Waldau, uno de los actores del momento gracias a su interesante papel de Jaime Lannister en Juego de tronos. A Thousand Times Good Night ya se ha estrenado en Noruega y está a la espera de su fecha de proyección en Europa.

Y de un drama global de presupuesto medio a una producción mucho más modesta. Hace unos días os presentábamos la programación del Festival de Estocolmo. Allí, en su Sección Oficial, se encuentra Återträffen (The Reunion), una terapia sociológica en pantalla que ha sido recibida con excelentes críticas en los festivales donde se ha presentado. Dirige e interpreta Anna Odell –que debuta tras la cámara—. El 15 de noviembre tras el certamen capitalino se exhibirá en los cines suecos.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráilers | Conexión escandinava: ‘A Thousand Times Good Night’ & ‘Återträffen’

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

El domingo finalizó el In-Edit, el festival de cine documental musical por antonomasia en el panorama español. La mirada a la líder del movimiento Riot Grrrl, Kathleen Hannah, titulado The Punk Singer fue la gran triunfadora de esta edición. Dirigido por Sini Anderson, el filme se acerca a todos los ámbitos vitales de una artista convertida en un icono del feminismo. Fuera del circuito de festivales su distribución por ahora es nula. Mucho nos tememos que esa tónica no cambiará.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2013

Tráiler | The Punk Singer, mejor película en el In-Edit

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2013

La corrección como defecto

crítica de Walesa, la esperanza de un pueblo | Walesa. Czlowiek z nadziei, de Andrzej Wajda, 2013

Empecemos diciendo que los grandes festivales del mundo tienden a cerrar anualmente sus certámenes con obras bastante digeribles para una audiencia media. En una semana como la pasada, ya ha habido tiempo para proyectar rarezas y experimentos varios contra los que el público habitual no está vacunado; esa gente que se acerca a la clausura a ver el famoseo y la entrega de premios, ese político al que se ha invitado y queda feo decir que no va, ese empresario que ha invertido en el festival y no quiere perderse el cóctel de clausura, y un larguísimo etcétera. Es por ello por lo que frecuentemente las organizaciones de los festivales recurren a comprar películas que, por encima de todo entretengan, sin renunciar a la calidad (al menos en un primer momento). Se buscan cintas que vengan avaladas por un éxito de público en festivales extranjeros, o por una estrella frente a la cámara o, algo más inusual, detrás de ella. Tal es el caso de este año en la Seminci, donde la obra viene firmada por el reputadísimo director polaco Andrzej Wajda. Si el nombre no les suena les diré que es uno de los grandes cineastas europeos de la historia reciente, un tipo con un currículum envidiable: Palma de oro en Cannes por El hombre de mármol (1977), Premio César por Danton (1983), así como un Oscar, un Oso de Oro, y un León de Oro como reconocimiento a su carrera.

Hay que remarcar también que película viene con la garantía de haber sido proyectada en las presentes ediciones de Venecia y Toronto, además de ser la seleccionada por Polonia para participar en la próxima edición de los Oscar. La historia, además, no podía ser más popular: un biopic del político polaco Lech Walesa, fundador del primer sindicato independiente de Polonia (Solidaridad), así como primer presidente elegido Premio Nobel de la Paz en el año 1983. Una historia, a priori, interesante, compleja y emocionante y más teniendo en cuenta el carisma de su personaje protagonista, perfectamente caracterizado por el actor Robert Więckiewicz, completo desconocido fuera de las fronteras de su país pero con una amplia trayectoria. La historia comienza con Walesa siendo entrevistado por una popular periodista italiana meses antes de la caída del gobierno de su país. Así, mediante el recurso cliché del flashback, tan empleado en creaciones biográficas, vamos viendo los orígenes de movimiento político de su protagonista, sin duda, el principal y único atractivo del filme: su mal humor, su prepotencia, su claridad de palabra, su ironía, su capacidad discursiva, su retórica… La figura de Walesa está pues, por encima de todo, absorbe en todo momento a los demás personajes que son reducidos a meros objetos para su alabanza. Su inteligencia asombra, su ironía nos saca sutiles e inteligentes risas en ciertas ocasiones, incluso su mal humor y costumbres arraigadas caen simpáticos. Una glorificación que puede resultar excesiva y por momentos poco creíble aunque desde un punto de vista narrativo, tremendamente entretenida y, por momentos, notable. Recordando en este sentido al Nelson Mandela que nos presentó Eastwood en Invictus.

por Unknown
octubre 30, 2013

Crítica | Walesa, la esperanza de un pueblo

por Unknown | octubre 30, 2013

La recién finalizada Seminci ha dejado grabada un buen puñado de películas en las retinas de sus espectadores. Lejos de la irregular edición anterior, esta ha cumplido el principal objetivo: proyectar buen cine. De eso es de lo que se trata. Los festivales deben de existir para dar cabida y sentido a largometrajes que de otra manera no llegarían al público, pero no nos engañemos, es necesario, es imprescindible para la propia supervivencia del certamen (y del propio cine independiente) que se proyecten buenas obras. Y en esta edición, específicamente en la Sección Oficial, salvo un par de elecciones incomprensibles (Zéro, I’m the same, I’m an other) se ha visto muy buen cine. Películas que no han sido todo lo premiadas que debían haber sido en la polémica concesión de premios, en la que obtuvo la Espiga de Oro un remake de Cuentos de Tokio firmado por un director consagrado como es Yôji Yamada, o es premiada con mejor fotografía una creacióon en la que precisamente la fotografía tiene un papel secundario y predominan escenas nocturnas sin iluminación en las que cuesta distinguir qué está pasando (Night Moves).

Y ahora es el tiempo el que dirá qué es lo que pasa con estas cintas que cada vez lo tienen más difícil fuera del circuito de festivales; las más afortunadas, en el mejor de los casos y salvo alguna posible excepción con más difusión, serán estrenadas simbólicamente en pequeños cines independientes (probablemente en V.O.) en los próximos meses. Otras, si los distribuidores apuestan por ellas, se estrenarán en DVD con el fin de encontrar lugar en estanterías de cinéfilos que quizás no supieran que dicha película existía. Las demás tristemente caerán en el olvido y se quedarán como un recuerdo privado (y difícilmente transferible) que pueda surgir esporádicamente en conversaciones de futuras ediciones de un festival como este. Sin embargo, tengan fe, el buen cine siempre sale adelante, siempre encuentra a sus espectadores (o sus espectadores le encuentran a él), y yo estoy seguro de que bastantes trabajos proyectados llegarán al lugar en el que merecen estar. Para acabar, a modo de resumen, el top 10 de las películas de esta edición. Nos vemos el año que viene, en la edición número 59.

TOP TEN SEMINCI 2012

10| Isteni Muszak de Márk Bodzsár. Hungría
09| Gente en Sitios, de Juan Cavestany. España
08| The Rocket, de Kim Mordaunt. Australia
07| Run & Jump, de Steph Green. Irlanda
06| Night Moves, de Kelly Reichardt. Estados Unidos
05| Una Familia de Tokio, de Yôji Yamada. Japón
04| La Reconstrucción, de Juan Taratuto. Argentina
03| Metro Manila, de Sean Ellis. Reino Unido, Filipinas
02| Matterhorn, de Diederik Ebbinge. Países Bajos
01| Short Term 12, de Destin Daniel Cretton. Estados Unidos

por Unknown
octubre 30, 2013

Seminci 2013 | Las 10 mejores películas

por Unknown | octubre 30, 2013

Programación de lujo en la 10 edición del SEFF

Ayer se dieron a conocer las 18 películas que componen la Sección Oficial de la X Edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Con fecha de arranque en el 8 de noviembre, el certamen lleva 10 años acercando el cine hecho en nuestro continente al público español, y este año la cosa promete. Los títulos que componen la sección oficial vienen en algunos casos alabados por la impresión que dejaron en festivales como Cannes, Berlín o Venecia. Un 2013 de prometedores resultados y estimulantes propuestas para la que es la 2ª edición del festival a cargo de José Luis Cienfuegos y manteniendo el cambio de sede que su dirección trajo. La oferta es amplia, pues el festival cuenta con múltiples secciones, organiza encuentros y mesas de discusión, y en este clima hay que destacar la Selección EFA. Se compone de 13 títulos —donde destaca nuestra Blancanieves (Pablo Berger, 2012)— que han sido prenominados a los Premios de la Academia de Cine Europeo, cuya lista de nominados se anunciará el próximo 9 de noviembre en el marco del festival. El Antepenúltimo Mohicano estará presente en el festival y dará cuenta de todo lo que acontezca en la lucha por el Giraldillo de Oro, máximo galardón del festival.

por Anónimo
octubre 30, 2013

Sevilla 2013 | Selección Oficial

por Anónimo | octubre 30, 2013

Farhadi, Pawlikowki, Calero y Leconte en la 51 edición del FICX

El Festival Internacional de Cine de Gijón llega a su edición número 51. Desde el día 15 de noviembre se sucederán nueve intensas jornadas con su particular apuesta por el cine de autor e independiente. Es el segundo año bajo la dirección de Nacho Carballo después de los dieciséis años al frente de José Luis Cienfuegos, quien ahora dirige el SEFF. El Sundance europeo viene precedido de una larga trayectoria y de un compromiso continuista con respecto a cierto tipo de cine al que es fiel. En la pasada edición sorprendió el triunfo de una película japonesa en blanco y negro (About the pink sky), aunque otras grandes producciones pasaron por el certamen asturiano. Beyond the hills, del rumano Cristian Mungiu, fue una de ellas, que ya venía elogiada y premiada de Cannes. No obstante, grandes personalidades han participado en el festival gijonés, si bien cada año se realizan retrospectivas de reconocidas figuras: Claire Denis, Abbas Kiarostami o Todd Solondz son algunos de los homenajeados. En mitad de otros festivales que se agolpan en esta época sin casi dejar espacio entre ellos (San Sebastián, Sitges, Sevilla, Valladolid) llega una nueva edición del clásico asturiano que, sin saber aún el número exacto de películas que compiten entre las diferentes secciones (trece, en total), ya está despertando el gusanillo por ver qué depara una siempre atractiva fiesta para los amantes del cine más diverso cuyo escaparate frente al Mar Cantábrico lo hace aún más deseable.

En la presente edición repiten algunas de las secciones cuyo éxito está asegurado. Hablo especialmente de AnimaFICX, el espacio dedicado a la animación que marca un estilo con películas como The congress, emocionante filme de Ari Folman (Vals con Bashir) que ya demostró su calidad en el Festival de Sitges. Y no nos olvidamos de Enfants Terribles, muy unida a los orígenes del festival cuya mirada se dirige al público infantil y juvenil. En la Sección Oficial participan un total de quince películas, a las que hay que sumar la cinta de inauguración: A promise, del director Patrice Leconte, que además será el presidente del jurado. También añadimos la película de clausura, Our Sunhi, la última propuesta del surcoreano Hong Sangsoo, cineasta homenajeado este año en Gijón y del que podremos ver una retrospectiva de su obra. Entre las películas participantes podemos destacar las de directores consagrados como Asghar Farhadi con Le passé o Pawel Pawlikowski —que ya participó aquí hace algunos años llevándose el premio de mejor película y mejor actriz— con Ida.

Hay una gran apuesta por los jóvenes directores, algunos prueban suerte con su primera o segunda película, aunque hay otros que, pese a no tener una gran trayectoria, ya cosechan éxitos como es el caso de Anthony Chen, que ganó la Cámara de Oro en Cannes con Ilo ilo. En cuanto a la representación española en el certamen, habrá una sola película entre las seleccionadas (Blockbuster), y otra de producción tanto venezolana como española (La distancia más larga). En el Jurado Oficial, bajo la presidencia del citado Patrice Leconte, estarán además la joven actriz Aída Folch, el cineasta Iván Trujillo, el escritor Ray Loriga y el director Pablo Giorgelli. Serán los encargados de otorgar los premios de la Sección Oficial tanto de largometrajes como de cortometrajes. Un servidor estará presente en el Festival de Gijón para ofrecerles crónicas diarias y mis impresiones sobre una buena parte de las películas que buscarán no sólo ser reconocidas por el jurado y la prensa, sino también por un público siempre dispuesto a disfrutar del buen cine en el Teatro Jovellanos.

por Unknown
octubre 30, 2013

Gijón 2013 | Selección Oficial

por Unknown | octubre 30, 2013

RONDA DE PERVERSIONES

crítica de The Replacements (3x03) | American Horror Story (Temporada 3)

FX | EEUU, 2013. Director: Alfonso Gomez-Rejon. Guión: James Wong. Creadores: Ryan Murphy & Brad Falchuk. Reparto: Sarah Paulson, Taissa Farmiga, Evan Peters, Lily Rabe, Emma Roberts, Denis O´Hare, Kathy Bates, Jessica Lange, Gabourey Sidibe, Jamie Brewer, Angela Bassett, Mare Winningham, Patti Lupone, Christine Ebersole, Alexander Dreymon, Riley Voelkel. Fotografía: Michael Goi. Música: James S. Levine.

Zoe visita a la madre de Kyle. Fiona siente como una nueva Suprema surge. Cordelia acude a Marie en busca de ayuda. Nuevos vecinos se mudan al lado de la Academia.

La artillería pesada sale a flote en The replacements, a tenor de la cantidad de cosas que suceden en estos casi 53 minutos de loco entretenimiento. En el que es el episodio más largo de la serie hasta el momento, las tramas continúan con delicioso desenfreno. Y ya empiezan a proliferar las preguntas lógicas que nunca tendrán respuesta (¿cómo entra y sale todo el mundo de esa Academia a su antojo?), pero hay que apagar la credibilidad para disfrutar American horror story en su plenitud. Sólo una serie de estas características puede sacar adelante con la cabeza bien alta escenas que involucren burbujeantes tarros de semen, una bruja jugando al solitario en su iPad, un minotauro que excita al personal hasta límites insospechados o una madre que conoce a su hijo demasiado bien.

Con la ingrávida dirección de Alfonso Gomez-Rejon, este capítulo aúna humor, perversión y profundidad emocional. El eterno deseo de la maternidad contrasta con un catálogo de hasta tres madres horribles por distintas razones; y el miedo a envejecer cobra una nueva dimensión al saber que va asociado a la muerte de manera inmediata. La trama de la Suprema adquiere un nuevo cauce cuando los flashbacks nos informen de lo lejos que Fiona es capaz de llegar por el poder. Y es que cuando una nueva Suprema aparece, la anterior se debilita y acaba muriendo por la transmisión de poderes. Las reglas suenan a capricho de guión, pero cuando se cuenta con una actriz de la talla de Jessica Lange para personificar ese terror al fin, uno se olvida. La intérprete sigue tocando notas de su interminable teclado para conmover y sorprender al público. En esta ocasión, las lágrimas de Fiona ante la explicación de un cirujano de sus opciones quirúrgicas y el monólogo con el que cierra el episodio son demostraciones de esa melodía interpretativa.

por Anónimo
octubre 30, 2013

Recap | American Horror Story: Coven (3x03)

por Anónimo | octubre 30, 2013

Homo desecado

crítica de Don Jon | de Joseph Gordon-Levitt, 2013

Se la machaca impulsivamente, con la mirada fija en las imágenes que muestra el ordenador portátil que reposa en el escritorio de su acogedora habitación de soltero. Es una pulsión irrefrenable que ha hecho callo en sus dedos índice y pulgar y otros que no importan porque ya ni los siente o dejaron de sentir ellos debido a la explotación mecánica a que los sometía. Cadente, bien. Cariñosa, quizá. Que le obliga a buscar y olfatear virtualmente el vídeo, esos minutos de placer no tanto pecaminoso como pringoso, adherido a un kleenex que encesta cual balón de baloncesto tras el clímax de un play-off que se decide por un triple en el último segundo incandescente. Aunque en este caso, la canasta no es ninguna culminación volátil, sino la última fase rutinaria dentro de un proceso que condena al drogadicto, cuyo instrumento pende, o no, pues depende de la postura y del encuadre y de la angulación del cámara-voyeur. Un rollo barato que confunde a los millones de internautas que pervierten su ya de por sí pervertida visión sobre el sexo, quizá un tetris basado en el manual más ridículo proveniente de la India, a prueba de torsiones y roturas de ligamentos. Se la machaca, decíamos, y con decisión. Sin pudor (para eso están los cinturones que anulan momentáneamente la propia naturaleza) ni afán competitivo ni buscando batir el récord Guinness, tan sólo el suyo personal que asciende a no sé cuántas en un día incitante. Y lo hace, además, como todos, aunque no sin el punto de sopor y blanca sordidez que ofrece la imagen de un tío sentado a la mesa o tendido sobre el sofá al compás de una melodía con ecos ventosos que nos retrotraen al ascensor (o montacargas, pues son sensaciones que pesan mucho en su fealdad) de Kenny-G.

por Anónimo
octubre 29, 2013

Crítica | Don Jon

por Anónimo | octubre 29, 2013

Let the show begin!

crítica de Lesson of the Evil | Aku no kyôten, de Takashi Miike, 2012

Lesson of the Evil empieza con la elipsis de un asesinato al ritmo del “Die Moritat von Mackie Messer”, la pieza original en alemán de la ópera escrita por Bertolt Brecht. La música guía los pasos de un adolescente desnudo dispuesto a dar fin a un matrimonio que se lamenta en la habitación contigua. El diálogo que mantienen parece arrojar algo de luz al tortuoso pasado de ese presunto agresor al que no le vemos el rostro. Se abre una puerta e inmediatamente se corta el plano hacia el contrapicado de una antena sobrevolada por dos cuervos. De vuelta al presente Miike nos emplaza a un instituto donde unos profesores debaten acerca del mejor modo de combatir las “chuletas” del siglo XXI durante los exámenes, gracias a las nuevas tecnologías y posibilidades que proporcionan los móviles personales. Capitalizando la atención de la reunión se encuentra Hasumi Seiji (Hideaki Itô), un joven y admirado profesor de inglés de misterioso pasado el cual parece convertirse en el eje del relato. A su alrededor, unos adolescentes con las hormonas revolucionadas.

La sobriedad formal expuesta en los primeros minutos de este trabajo de Takashi Miike, sin embargo, aparece contrapuesta al desarrollo de acontecimientos que desemboca en su delirante final. Pero para llegar ahí existe un camino, y es aquí donde reside el verdadero interés de la propuesta del prolífico director japonés. Miike raciona la información sobre el personaje del profesor, su personalidad y utiliza el espacio como elemento definitorio del personaje. Poco a poco Seiji va revelándose ante el espectador como un ser cada vez más oscuro, ambiguo y manipulador, siendo su casa, un edificio vacío, gris y ruinoso, el lugar donde la naturaleza del personaje se manifiesta en toda su inquietante magnitud. Cuando la situación explota y los acontecimientos se descontrolan por una serie de hechos encadenados, explota también tanto la naturaleza de su personaje como las verdaderas posibilidades e intenciones que Miike otorga al relato. En este sentido, no es casual que Lesson of the Evil sea una película llena de anglicismos. No tanto porque se justifique en el hecho de que Seiji sea un profesor de inglés (algo que tampoco es casual, como tampoco lo es el flashback que repasa la estancia del personaje en los Estados Unidos), como por acentuar parte del discurso que subyace bajo las imágenes de la película. De hecho, Miike no tarda en desvelar la verdadera identidad de aquel adolescente del prólogo, porque el juego planteado por el director está lejos de seguir por ese sendero. Primero con la ópera de Bertolt Brecht, en forma de música extradiegética o propiamente tarareada por el propio Seiji antes del estallido final. Segundo por la presencia de los dos cuervos que también veíamos en el prólogo y que el personaje atribuye a las figuras de Hugin y Mugin, los cuervos consejeros de Odin. Y tercero por la cada vez más inquietante personalidad del profesor.

por Unknown
octubre 29, 2013

Crítica | Lesson of the Evil

por Unknown | octubre 29, 2013

Los Otros según Vincenzo Natali

crítica de Haunter | de Vincenzo Natali, 2013

El caso del canadiense Vincenzo Natali viene siendo algo habitual en el cine, el de un director que rompe todos los esquemas con una película brillante pero que no consigue estar a la altura en sus siguientes trabajos. Debutar con un peliculón como Cube (1997) fue un arma de doble filo, ya que su éxito le puso en el punto de mira de todo el mundo, creando unas expectativas sobre sus obras posteriores que difícilmente se podrían cumplir. De todos modos, Cypher (2002), Nothing (2003) o Splice (2009) no son títulos precisamente desdeñables, por lo que su director continúa labrándose una interesante (y cómoda) trayectoria dentro del género fantástico. Con Haunter (2013), presentada en Sitges con una fría acogida, Natali se desliza hacia unos derroteros más convencionales y comerciales de lo que nos tiene acostumbrados, por lo que estaríamos hablando de su película menos personal y el punto más bajo de su carrera hasta la fecha. Sin miedo a cometer spoiler, se la vendió como un filme de casas encantadas narrada desde la perspectiva de los fantasmas. Lamentablemente, el resultado final dista bastante de ser todo lo original que prometía, ofreciendo un batiburrillo de elementos de otras películas de éxito.

La historia empieza con la adolescente Lisa despertándose en su cama la mañana del día anterior de su 16 cumpleaños. La jornada transcurre de manera normal. Su hermano menor sentado frente al televisor jugando al Pacman, la madre pasándose las horas entre fogones en la cocina y el padre encerrado en el garaje intentando arreglar la avería del coche. La anomalía aparece cuando a la mañana siguiente se vuelve a repetir la misma rutina, como si estuviéramos en aquel mítico Día de la Marmota de Atrapado en el tiempo (1993) y Lisa parece ser el único miembro de la familia que se percata de que algo no anda bien: están muertos. La sorpresa argumental para la que Alejandro Amenábar empleó casi dos horas en Los Otros (2001) queda aquí desvelada en el primer cuarto de hora. Hay además ciertos detalles que nos recuerdan a aquella desde la puesta en escena, como la espesa niebla que rodea amenazante a la casa. ¿Qué es entonces lo que realmente piensa ofrecernos el bueno de Natali que no hayamos visto antes? Pues lo cierto es que más bien poco, porque lo que continúa como un entretenido capítulo alargado de En los límites de la realidad pronto va destapando sus cartas para adentrarse en los terrenos de The Lovely Bones (2009), con psicópata asesino incluido. Quienes esperen encontrase con una película de terror pueden verse seriamente estafados. Pese a que emplea numerosos ingredientes del género –una vez más con Insidious (2010) y sus juegos entre el mundo de los vivos y el de los muertos como referente más claro–, Haunter se muestra extrañamente cautelosa en no trascender del edulcorado cuento de fantasmas. Nada queda del gusto por lo sórdido y oscuro de su director, que había alcanzado su cota más alta en la escena sexual de Splice. Eso sí, Stephen McHattie pone todo de su parte para resultar inquietante en su papel de villano, pero Natali se muestra más preocupado en la odisea que debe emprender el personaje de Lisa (una Abigail Breslin que tras The Call parece haberse aficionado a pasarlo mal en la pantalla) hasta aceptar su nueva condición de fantasma, culminada con un desenlace de lo más new age.

por José Martín León
octubre 29, 2013

Crítica | Haunter

por José Martín León | octubre 29, 2013

Los perdedores también aman

crítica de Sunlight Jr. | de Laurie Collyer, 2013

Tres películas en catorce años es el escueto legado de la interesante directora y guionista independiente Laurie Collyer, suficientes para percatarse de que estamos ante uno de esos nombres a los que conviene seguir muy de cerca. Su carta de presentación fue con el documental Sueño nuevorriqueño (1999), que mostraba la vida de una familia de Puerto Rico en Nueva York y logró hacerse con el Premio del Público en el L.A. Outfest (festival de cine de temática LGBT de Los Ángeles). Inexplicablemente, la realizadora tardó siete años en lanzarse a dirigir su primer largometraje convencional y lo hizo con Sherrybaby (2006), un drama social en el que Maggie Gyllenhaal interpretó a una joven que debe salir adelante en la vida tras salir de prisión y haber dejado atrás su adicción a la heroína. Resultado: Mejor película en el Festival de Karlovy Vary y figurar entre los diez títulos independientes más importantes del año para el National Board of Review. Tras esa excelente acogida, de nuevo siete años de silencio. 2013 es el año de su regreso y lo hace con Sunlight Jr., otro drama social indie que reincide en las inquietudes ya mostradas en Sherrybaby sobre personajes inadaptados, a los que la sociedad da cruelmente la espalda por equivocaciones del pasado. De nuevo, la protagonista principal de su historia es una mujer que saca fortaleza de donde no la tiene para sobreponerse a los duros golpes de la vida. Y para interpretar a esta heroína de lo cotidiano, nadie mejor que una actriz de carácter como Naomi Watts, que continúa labrándose una sólida carrera combinando películas comerciales con estos pequeños proyectos de ambiciones más artísticas.

Sunlight Jr. nos presenta una complicada historia de amor entre dos perdedores que malviven en una habitación de motel en Florida. Melissa trabaja como empleada en una tienda donde sufre las continuas presiones de un tiránico jefe y echa muchísimas horas extras para sacar algo de dinero, mientras que Richie se pasa los días bebiendo y esclavo de su silla de ruedas. Para colmo, Justin, la violenta ex–pareja de Melissa, no deja de acosarla. A pesar de su precaria situación, Melissa y Richie se aman y, pese a no ser los perfectos ejemplos de conducta –él roba gasolina de otros coches y ella ha tenido un tormentoso pasado junto a Justin–, siempre encuentran la manera de ver la luz al final del túnel. Pero un hecho imprevisto pondrá a prueba la solidez de esta relacióna: un embarazo que hace que Melissa pierda su empleo y la única fuente de ingresos para poder permitirse pagar por un techo. Sobre el papel, Sunlight Jr. puede sonar a auténtico dramón lacrimógeno más propio de un telefilme de sobremesa, pero lo cierto es que Collyer logra esquivar con inteligencia el sentimentalismo barato. En ningún momento edulcora las situaciones o la personalidad de sus personajes para que el público sienta cariño por ellos. Debido a ello, gran parte del público será incapaz de entender cómo Melissa puede aguantar a un hombre que, pese a sus constantes promesas de protegerla y de lograr un futuro mejor, siempre termina alcoholizado y siendo un verdadero lastre para ella. Como suelen decir, el amor es ciego.

por José Martín León
octubre 29, 2013

Crítica | Sunlight Jr.

por José Martín León | octubre 29, 2013

El 6 de diciembre se conocerán los premios de mejor documental del año según la International Documentary Association, una organización que ofrece el primer testeo de una categoría siempre interesante. Esta semana se anunciaron los filmes que lucharán por el galardón. Una selección muy atractiva con algunas de las producciones más relevantes de la temporada. The Act of Killing, Stories We Tell y Blackfish se encuentran entre lo mejor de la cosecha del 2013. El documental danés es claro favorito ya que ha dejado huella en todos los festivales por donde ha pasado. Le sigue de cerca el sensacional trabajo de Sarah Polley Stories We Tell. Ambos deben ser protagonistas en febrero. El tercero en discordia podría ser Blackfish, pero su duro alegato ante una multinacional del entretenimiento seguro que le restará demasiados votos. Un gran año para el género documental. Recordar que el ganador de los IDA del pasado año fue la sobresaliente Searching for Sugar Man.

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

The act of killing
Blackfish
Let the Fire Burn
Stories We Tell
The Square

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

The Education of Muhammad Hussein
The Flogsta Roar
Nine to Ninety
Slomo
Vultures of Tibet

por Emilio M. Luna
octubre 29, 2013

IDA Awards 2013 | Nominaciones

por Emilio M. Luna | octubre 29, 2013

Seguimos con Londres. Allí se proyectó la nueva película de Jim Jarmusch –que tuvo su premiere en Cannes— dejando muy buenas sensaciones. Judith Romero nos lo comentaba de esta manera: “Only Lovers Left Alive es una película que requiere de una cierta formación cultural para entender muchos de sus diálogos y referencias; sin embargo, también se ríe de aquellos que la tienen, y, en buena medida, del público objetivo de su director. Ese vampiro emo, resabiado y asqueado con el mundo al que encarna Tom Hiddleston sólo puede ser entendido como una pulla de Jarmusch a sus espectadores. Ni vosotros sois tan listos, ni el resto del mundo tan estúpido como esa niña mimada, versión crecida y asesinable de la Claudia de Entrevista con el vampiro, que interpreta Mia Wasikowska, y que eleva el concepto del cuñado molesto a los infiernos de la eternidad. Jarmusch ha vuelto, ahora sólo queda ver si es para quedarse.”

Ayer se presentó su primer tráiler oficial. Una auténtica delicia. En breve, la crítica. Tráiler de Only Lovers Left Alive|

por Emilio M. Luna
octubre 29, 2013

Tráiler | Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch

por Emilio M. Luna | octubre 29, 2013

Takeshi Kitano sigue a lo suyo: mafia y sangre, mucha sangre, la marca de la casa. Esta continuación de su éxito Outrage (2010), sin embargo, no ha tenido demasiada fortuna en su paso por diversos festivales. En Venecia fue recibida de forma negativa por una crítica algo cansada del mismo modelo. Su estreno nipón tampoco fue demasiado bueno. Pese a ello, la obra del Sr. Kitano sigue siendo de obligado visionado. Ojalá llegue a España. Ahora, cercano a su estreno en VOD –28 de noviembre— en Estados Unidos nos llega el primer avance internacional.

Tráiler de Outrage Beyond|

por Emilio M. Luna
octubre 29, 2013

Tráiler | Outrage Beyond, de Takeshi Kitano

por Emilio M. Luna | octubre 29, 2013

Comentaba Judith Romero –nuestro corresponsal en el London Film Festival— que Labor Day, pese a no ser la panacea, era la mejor película de Jason Reitman. Una sensación que coincide en parte con el resto de la crítica que la recibió de forma fría. Como sus últimos trabajos, por otra parte. De hecho, parece fuera de toda lucha por la estatuilla dorada. Sólo le queda la baza de la siempre excelsa Kate Winslet que en esta ocasión da vida a una mujer divorciada que se enamora de un fugitivo (Josh Brolin). No parece que vaya a superar las prestaciones de Young Adult. Labor Day se estrenará en Estados Unidos el 25 de diciembre de forma limitada. El 31 de enero en todo el ancho norteamericano.

por Emilio M. Luna
octubre 29, 2013

Tráiler | Labor Day, de Jason Reitman

por Emilio M. Luna | octubre 29, 2013

Matrioska emocional

crítica de El pasado | Le passé, de Asghar Farhadi, 2013

El cine iraní. Tiene en su origen una trayectoria similar a la de otros países, basada en el cine de efugio y entretenimiento. Pero a finales de los sesenta se produjo un punto de inflexión. Irán pasó a ser un centro de innovación cinematográfico de relevancia. Floreció al calor de un proceso de occidentalización, donde tuvieron un papel sobresaliente instituciones como Kunan –una suerte de instituto de desarrollo para nuevos creadores– que empezó a financiar trabajos de jóvenes directores –como Abbas Kiarostami–. Surgió una nueva manera de entender el cine, al margen de la línea evasiva predominante. De todas formas, el hándicap de la censura o su carácter inescrutable para el común de los espectadores, así como la marcada influencia de autores como Godard, dificultaron su expansión entre el gran público. Se creó una dicotomía bastante común en la degustación del séptimo arte: divergencia de opinión entre el gran público y la mayoría de la crítica. Unos acogieron el nuevo cine iraní como agua de mayo. La sabia nueva de autores como el citado Kiarostami, Kianush Ayyari, Amir Naderi a los que posteriormente se unieron otros como Mohsen Makhmalbaf o Ebrahim Hatamikia –la lista es larga, me dejo en el tintero a los que están más en boga en la actualidad– causó sensación. En el extremo opuesto la desidia de unos espectadores reticentes a aceptar ese nuevo mesianismo. Parecía insalvable la falla generada en torno a la cinematografía iraní. Los prejuicios y las etiquetas mermaron su capacidad comercial; su éxito parecía limitado a festivales internacionales y círculos especializados. Hasta que Asghar Farhadi se sacudió los falsos clichés que estigmatizaban su difusión popular, con la galardonadísima y maravillosa Nader y Simin, una separación (2011) (crítica) –ganadora del Oscar y el Globo de Oro como mejor película de habla no inglesa y el Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2011–.

El éxito de Nader y Simin, una separación fue indiscutible. Hubo unanimidad entre la temporada de premios, la crítica y el público. Su historia diáfana e inquietante constituye un auténtico “tratado sobre las relaciones humanas que a partir de un divorcio desgrana todo tipo de coyunturas de la sociedad persa”. Además, le abrió las puertas a su director, para rodar en Francia su última película: Le passé (2013). La esencia europea, latente en sus anteriores películas, se convierte en un hecho. Exilio creativo en el que, amén del suculento atractivo de rodar en el viejo continente, tuvo mucho que ver –intuyo– las asfixiantes medidas para cohibir la libertad creativa de los cineastas en su país de origen. Muchos creen que la restricción de ciertas libertades expresivas, los ataques al cine comercial y a la importación, así como el fomento de un cine respetuoso con los valores islámicos –sobre todo tras la Revolución Islámica de 1979–, favorecieron un cine metafórico de alta calidad, rico en lecturas y en sutilezas. El propio Farhadi entiende que la autocensura es mucho peor que la censura institucional. No obstante, que la reprensión expresiva sea una fuente de creatividad, es matizable y discutible. Si bien abundan los casos que lo corroboran, creo que nadie en su sano juicio diría que la libertad es un inhibidor de creatividad. Por ello, es comprensible la emigración artística del cineasta iraní, a pesar de que su cine dista de ser considerado como disidente.

por Anónimo
octubre 28, 2013

Crítica | El pasado

por Anónimo | octubre 28, 2013

Una niña con agallas

crítica de La bicicleta verde | Wadjda, de Haifaa Al-Mansour, 2012

Sarcasmo, ingenio y agudeza son los pilares de la personalidad de Wadjda, la niña sobre la que gira en torno esta valiente película ambientada en el barrio de Riad, capital de Arabia Saudí. Wajdja, dueña de una contagiosa vitalidad, sueña con conseguir una bici propia, y así poder disputar carreras contra su mejor amigo, Abdullah, pero esta aspiración no sólo se halla fuera de su alcance económico, sino que las arraigadas tradiciones sauditas y sus sustanciales diferencias de género solamente consienten su uso en los varones. La madre de Wajdja, sumergida en su propio conflicto interno al tratar de evitar que su marido contraiga matrimonio con una segunda esposa, se niega en rotundo a que la niña pierda su virtud al intentar jugar a algo propio de chicos; sin embargo, estos impedimentos no merman la persistente voluntad ni cortan las alas de esta Pequeña Miss Sunshine oriental, que empieza a poner en práctica todo cuanto se le ocurre para procurarse la suma de la bicicleta. Con esta premisa comienza La bicicleta verde, una historia arriesgada, tierna y luminosa que da voz a la supervivencia y a los sueños de las mujeres y niñas sauditas. Guionizada y dirigida por Haifaa al Mansour, esta ópera prima la convierte en la primera directora de cine árabe, además de la primera persona en rodar un largometraje íntegramente un país que carece de una infraestructura acondicionada para el ejercicio cinematográfico. Haifaa se vio obligada a dirigir el rodaje desde el interior de una caravana sirviéndose de un monitor y un walkie talkie, puesto que no podía ser vista en compañía de hombres, y ahora, unos meses más tarde, su proyecto representará a Arabia Saudí en los Oscar como mejor película extranjera.

Con un modesto presupuesto y una realización sencilla basada en planos medios y cercanos, sin juegos ni giros espectaculares de una cámara que no se despega de Wajdja y sus movimientos, el filme nos sumerge en el entorno cotidiano y costumbrista de una familia saudita corriente, mostrando la incidencia que la disciplina religiosa, los rígidos patrones de conducta social y la cultura islámica tienen sobre una niña cualquiera. A través de los diálogos, en los que recae el peso de la narración, compartimos durante cien minutos el ansia de Wajdja y nos metemos en su piel, sentimos sus varapalos, reímos con sus irreverencias y trucos en la consecución de un sueño del que todos, menos Abdullah, la intentan disuadir. La narración apunta a una concepción del mundo más libre, lejos de las imposiciones de los adultos, ya que Wajdja desoye a todos los que intentan mermarla, desde el dueño de la tienda (“800 ryales. Demasiado caro para ti”), a sus profesoras (“Tu comportamiento estúpido te perseguirá para siempre”) o a su propia madre, sabedora de que montar en bici es pisar terreno minado, pues apropiarse de hábitos convencionalmente masculinos puede acarrearle a la pequeña el sambenito de repudiada, de bicho raro, en una sociedad en la que debe ser educada acorde a la sumisión, el beneplácito y la complacencia de los hombres. Lejos de desanimarse, Wajdja comienza a maquinar todo tipo de tejemanejes para conseguir los 800 ryales.

por Anónimo
octubre 28, 2013

Crítica | La bicicleta verde

por Anónimo | octubre 28, 2013

Memorias de la asfixia

crítica de Atmen (Breathing) | de Karl Markovics, 2011

La duplicación de esencias que da orden a la vida de los mortales alcanza su máxima representación con el nacimiento y el deceso, pues ambas constituyen un ciclo vital y se basan en experiencias indescriptibles para la humanidad. Pero, claro está, puede manifestarse en las más pequeñas cosas del mundo, incluso de índole material. Karl Markovics presenta, en su ópera prima Atmen, una paradoja sobre la repetición de estas pequeñas esencias a la luz de la necesidad de cerrar un ciclo e iniciar uno diferente. La existencia es lo bastante complicada como para dejar abiertas esas heridas que azotan y debilitan irreversiblemente el alma. Entonces es necesario cerrarlas cuanto antes, y a Roman Kogler, el antihéroe de esta tragicomedia fúnebre, le ha llegado el momento de poner las cosas en orden. Con dieciocho años de edad, ha hecho de su existencia un viaje atroz, cuyas únicas estaciones han sido un orfanato, un centro de detención juvenil y una funeraria. El abandono y el crimen, el odio y la falta de información, son claves para el desarrollo del filme. En otras palabras, Atmen se erige sobre dos grandes enigmas. El primero, es el tema de la identidad. ¿De dónde proviene este Moisés marcado por las tragedias y adversidades? Y el segundo, aunque se trata de un enigma exclusivamente para el público (los personajes están al tanto de todo), es el tema del crimen. ¿Cuáles han sido los móviles que han conducido a Roman a matar a un joven de su edad?

Esta producción austriaca obedece a los principios del cine europeo independiente, aunque los estiliza. Markovics, incuestionablemente concesivo, flexibiliza todos los elementos del filme, los eleva a la ruta de la distribución internacional (o al menos, eso intenta). Cualquier otro director habría optado por hacer callar a sus personajes, y dejar que los cadáveres putrefactos y los fantasmagóricos seres humanos que los rodean se expresaran con un simple movimiento o una simple mirada. En Atmen, si bien lo sombrío y lo sereno se complementan en variados episodios, se presta un lugar muy importante al diálogo. Y además, Roman, aun siendo un solitario y problemático joven, es bastante expresivo. No cae en el lugar común de los grandes androides del cine europeo, y su conducta esquiva toda tendencia suicida. Es un sujeto angustiado y confundido, busca ante todo saber de dónde proviene, y si no se esfuerza por alcanzar la libertad condicional, es pura y exclusivamente porque prioriza sus orígenes. ¿Cómo avanzar hacia el futuro si el pasado aún lo asfixia? Siguiendo esa lógica, no puede afirmarse que Roman sea un personaje apático, y esto posibilita un vínculo muy especial entre él y el espectador. Si hubiese sido más turbio, la audiencia difícilmente lo habría aceptado. Tranquilamente puede hacerse un paralelismo con el protagonista de Michael, película austriaca del mismo año estrenada en el Festival de Cannes: ¿alguien siente piedad alguna por ese solitario pedófilo en cuyo sótano mantiene privado de su libertad a un joven?

por Anónimo
octubre 27, 2013

Crítica | Atmen (Breathing)

por Anónimo | octubre 27, 2013

Fantasmas y flores marchitas

crítica de Florbela | de Alvés do Ó, 2012

El primer largometraje del director luso Vicente Alvés do Ó, Florbela, no constituye estrictamente un biopic (género tan presente hoy en día en las salas de cine) pese a situar su foco en la hipnótica figura de la poetisa Florbela Espanca. ¿Por qué? Porque más que narrarnos los hechos vitales de su vida nos evoca su forma de entender la existencia humana, sus miedos y su mágica aureola capaz de levantar a partes iguales brotes de pasión y de desesperación a quienes la rodean. Y es que Florbela, más que una vida concreta, es un espejismo, un anhelo de cambio: una frágil revolución.

La película empieza fuerte, con una escena de sexo tan visual que sin duda busca la provocación. La confusión es reinante. Hacer el amor solo puede surgir de un acuerdo tácito, lo que lo convierte en una experiencia lícita y desde luego, placentera. Pero en esta escena el sexo es pelea. Se convierte en un tira y afloja, en un agarrón de cuello, en una posesión inhumana. Como testigos, no estamos seguros del significado de lo que estamos viendo hasta el plano final, donde las dudas se disipan de una forma tan rotunda como el portazo del protagonista. Florbela, encarnada casi a la perfección por la actriz Dalila Carmo, no disfruta de esta relación agresiva (carcelaria) y se divorcia, por segunda vez, en el seno de una sociedad conservadora como es la portuguesa en los años 20. Las paredes hablan. Así, intenta comenzar una vez más junto a su nuevo marido, Mário, lejos de Lisboa, y por tanto, también lejos de su único hermano con el que mantiene una relación muy especial. No obstante, su personalidad disoluta y libertina le impedirá convertirse en la esposa discreta que la época demanda lo que le ocasionará muchos problemas.

por Unknown
octubre 27, 2013

Crítica | Florbela

por Unknown | octubre 27, 2013

A principios de año os presentábamos el Festival de Göteborg, una de las primeras citas anuales que cada vez tiene más fuerza en el panorama continental. Allí, en el sur de Suecia, se presentaron filmes que han sido protagonistas durante el año: Searching for Sugar Man (Ganadora del Oscar como mejor documental), The Deep (representante de Islandia en los Oscar), A Hijacking (la versión realista y original de Capitán Phillips), La bicicleta verde (representante de Arabia Saudí en los Oscar), Carne de perro (presentada con mucho éxito en el Atlántida Film Fest) o Northwest (uno de los éxitos este año en Dinamarca). El auge del GIFF atiende al buen momento que vive la industria del país escandinavo en cuanto a ficción se refiere, con la exportación de numerosas producciones de nivel y con la aparición de nuevos talentos. Pero el certamen de la urbe de Västra Götaland no es el único que da brillo a la industria nórdica. A partir del 6 de noviembre y hasta el 17 del mismo mes, se celebrará la 24ª edición del Festival de Estocolmo. Un evento que, a diferencia del anteriormente citado, está centrado en filmes presentados en otros festivales y/o inmersos en la carrera al Oscar.

Viendo la programación de este año, es innegable que la capital sueca da un paso adelante. Abre con el probable éxito del año: 12 años de esclavitud, de Steve McQueen, y presentará en su Sección Oficial cintas como Pelo malo (Concha de Oro en San Sebastián), Los amantes de Texas, Fruitvale Station (Ganadora en Sundance), For Those in Peril (Sensación en Sitges) y Club Sándwich (mejor dirección en Donosti). Igual de atractivo se presenta el apartado Open Zone, con trabajos como La vida de Adèle, Gloria, La postura del hijo, Gerontophilia (vista en LesGaiCineMad), Philomena, Nebraska, El gran cuaderno y Only Lovers Left Alive. Un auténtico lujo. Repasando el palmarés reciente del Stockhölm Film Festival se comprende la relevancia de una celebración que camina a ser un clásico de noviembre:

2012| Lore, de Cate Shortland
2011| Oslo, August 31st, de Joachim Trier
2010| Winter's Bone, de Debra Granik
2009| Canino, de Yorgos Lanthimos
2008| Frozen River, de Courtney Hunt
2007| 4 meses, 3 semanas & 2 días, de Cristian Mungiu

Pueden seguir este certamen en las redes oficiales del certamen. Nosotros volveremos a Estocolmo con el balance y listado de ganadores el 17 de noviembre. Antes, como hemos anunciado, EAM estará en los Festivales de Sevilla y Gijón. A continuación, la selección oficial del SFF 2013.

por Emilio M. Luna
octubre 27, 2013

Estocolmo 2013 | Selección Oficial

por Emilio M. Luna | octubre 27, 2013

Una familia de Tokio, Espiga de Oro

palmarés de la 58ª Semana Internacional de cine de Valladolid

Terminó la 58ª edición de la Seminci con el anuncio del palmarés que deja a la cinta de Yôji Yamada, Una familia en Tokio (Tokyo Kazoku, 2013), como gran triunfadora del certamen al obtener la Espiga de Oro, la máxima distinción. Concluye una semana intensa con un buen nivel de cine, como nos contaba nuestro redactor Álvaro Martín –ahora mismo de celebración con Nacho Vigalondo ya que ha conseguido el premio al mejor cortometraje amateur con Estocolmo (2013)— a lo largo de estos días. Se puede considerar justa la victoria del filme de Yamada, pero si otras cintas hubieran conseguido el máximo galardón nadie se extrañaría. Estamos hablando de Matterhorn, Short Term 12 o Metro Manila. La cinta holandesa –ganadora del premio a la mejor ópera prima— se ha ganado el respeto de la crítica y promete ser una de las películas de los próximos meses. En el caso de Short Term 12 (critica) –que se ha llevado el laurel del público— sabe a poco su tímida presencia en el listado de ganadores. Su ausencia esta semana en los Gotham Awards acotan sus posibilidades de ser protagonista en la carrera por el Oscar, salvo por la estupenda Brie Larson. Pese a ello, dejó huella en Pucela. Otro de los largometrajes que llamó la atención durante la semana fue Papusza (crítica), uno de los mejores trabajos presentados en julio en Karlovy Vary, que se llevó la mención al mejor director para su dupla al mando: el matrimonio Krauze. Buenos títulos para una completa edición que mejora años pasados y ha dejado gratas sensaciones. Con el palmarés despedimos nuestra cobertura en la Semana Internacional de Valladolid. Agradecer a nuestro compañero Álvaro Martín su trabajo. Próxima cita: Sevilla con el SEFF y las nominaciones a los Premios del Cine Europeo. Apostamos que el año que viene estará allí Matterhorn, un cuento neerlandés con mucho encanto. Quédense con ese nombre.

Palmarés del Festival Internacional de Cine de Valladolid 2013

■ Espiga de Oro – Mejor película| Una familia de Tokio, de Yôji Yamada (Japón, 2013)
■ Espiga de plata para| Run & Jump, de Steph Green (Irlanda, 2013)
■ Mejor director| Joanna Kos-Krauze & Krzysztof Krauze, por Papusza (Polonia, 2013)
■ Mejor primer director| Diederik Ebbinge, por Matterhorn (Países Bajos, 2013)
■ Mejor actriz| Nora Navas, por Todos queremos lo mejor para ella (España, 2013)
■ Mejor actor| Zbigniew Walerys por Papusza (Polonia, 2013)
■ Mejor guion| Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri, por Au bout du conte (Francia, 2013)
■ Mejor fotografía| Christopher Blauvelt por Night Moves (Estados Unidos, 2013)
■ Mejor cortometraje| The Missing Scarf, de Eoin Duffy (Irlanda,2013)
■ Premio Fipresci| La Reconstrucción, de Juan Taratuto (Argentina, 2013).
■ Premio del Público| Short Term 12, de Destin Cretton (Estados Unidos, 2013).

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2013

Seminci 2013 | Palmarés

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2013