La mágica delgadez de los cabezas-gordas

crítica de Frozen: El reino del hielo | Frozen, de Chris Buck y Jennifer Lee, 2013

¿Qué hace la nieve en verano?, se pregunta el muñeco Olaf. Poética cuestión con una respuesta elemental: morir. Broncearse hasta convertirse en una voluta de humo. Fssss, pausada y lentamente y a modo de último estertor. El agua que inicia su camino hasta el océano, donde todas las aguas se reúnen para celebrar una carrera de (y con) fondo. Abajo, abajo, abajo. Y arriba, pues el frío —así en caliente— no cede a la temporada estival, y las princesas sólo dejan de existir en sueños. Y los sueños, que dirían los guionistas, Disney son. Con mucho cine. Con un poco de lo de siempre, como casi nunca. Fin. Una vez aprovechada la cuestión poética, toca ensuciarse con la presente crítica de Frozen: El reino del hielo, última obra de los estudios Disney; a día de hoy, la productora más impredecible (sí) de la industria cinematográfica. Que tras encadenar dos títulos dispares en forma (a medias) y en fondo (más o menos) como son Enredados y Rompe Ralph, desembarca ahora con una alegre comedia musical que recupera el embrión gestado por Walt Disney. Factótum creativo del imperio hecho Imperio Sin Costuras, mediante un simple roedor con pantalones cortos y pupilas lisérgicas negras, en el barco de vapor de Stemboat Willie. Fue ese pie izquierdo —rupturista y rompedor de malos augurios y viejos mitos ya rotos—, esa manera de marcar felizmente el compás al tiempo (y sin salirse de él) que silbaba navegando en línea recta aun sin ir en esa dirección o a ninguna en concreto, ya que Mickey navegaba por navegar (como quien mira la hora en su móvil pero no la ve y tres segundos más tarde vuelve a consultarla) a través de un río americano. Casi pantanoso y sin nubes en el horizonte. Timón con timonel, ciego de maaagia, aquel barco supondría el comienzo de algo tan grande como inasumible. O quizá tan solo la construcción de un mundo alternativo, a donde acudir en épocas lógicamente felices, esto es, ingenuas. El universo en donde crecer sin hacernos mayores, a expensas de una decisión forzada por (el) Garfio. El taller de un carpintero que nunca mentía, y a cuyo hijo-recién-labrado se le notaba mucho el acto mismo de mentir no tan piadosamente como hubiera mentido cualquiera de nosotros, ya talludos inmersos en la tarea más ardua: desclavar Excalibur, cuya hoja permanecía enterrada en la fría piedra, junto a Camelot. Y así, título tras título, dibujo a dibujo. Y sin CGI. Todavía sin conocer el Nuevo Mundo, ignorantes de la otra gran mitad; sin Pocahontas ni su capitán Smith; sin Bella ni Bestia (realmente la auténtica bestia murió en 1933, en lo alto del Empire State Building de Nueva York. Ya saben aquello de: "No han sido los aviones").

por Anónimo
noviembre 28, 2013

Crítica | Frozen: El reino del hielo

por Anónimo | noviembre 28, 2013

Yo soy el cine, yo soy la Fnac

crítica de Viral | de Lucas Figueroa, 2013

Lucas Figueroa afirmó en rueda de prensa que la idea de Viral surgió de su interés por contar una historia relacionada con los túneles subterráneos que unen algunos edificios del centro de Madrid. En su afán por llevar a cabo el proyecto, no dudó en pedir la colaboración de la que es una de las grandes superficies más conocidas de la capital, la Fnac de Callao. Y el resultado fue Viral, su primer largo de ficción. El relato en primera persona de un chaval de 24 años que es seleccionado por la macrotienda para protagonizar su última campaña de promoción en forma de concurso: el friki de la Fnac. Raúl tendrá que aguantar una semana entera en el edificio, las 24 horas del día, promocionando el espacio comercial mediante estrategias virales que aumenten los seguidores de la red social creada exclusivamente por la empresa. La recompensa: 15.000 euros que le servirán para sustentar la manutención de su padre enfermo en una residencia. El arranque lo marca la aparición del componente paranormal; el fantasma de una niña pequeña de cabello largo y oscuro, mirada ojerosa y muñeca en ristre, que se paseará por los pasillos alterando cada vez más la situación. Ante tal panorama, uno no puede evitar preguntarse hasta qué punto Lucas Figueroa alteró la concepción de los primeros esbozos de la historia, para adaptarlos a una estrategia comercial de dudoso gusto. El mismo director comentó que el momento en el que decidió contactar con la franquicia coincidió con la campaña real que estaba publicitando la tienda. Ante tales declaraciones uno ata los cabos e intuye el resto. Los túneles son lo menos llamativo de toda esta excusa.

Raúl es un friki, o al menos así pretenden dibujarlo. Figueroa se preocupa por no caricaturizar al personaje, aunque de poco le sirve. El chico tiene sus problemas económicos y familiares, como todo el mundo. Sus motivaciones están recalcadas de tal forma que justifiquen con cierta lógica sus actos. Que haya aceptado tal trabajo, que monte el numerito con la cajera mona de turno, que se empecine en indagar en el misterio del edificio, las antiguas Galerias Preciado, montándose su propia película particular, Canón Full HD en mano, para ir colgando sus progresos poco a poco en la red. Internet es su única herramienta de comunicación. Viral tiene la pretensión de ser un discurso en clave cómica sobre los peligros de la dependencia a las redes sociales. Pero su indagación es puramente superficial. Cualquier buena intención que pueda existir queda sepultada por la poca sutilidad del modelo de negocio bajo el que se ha auspiciado el trabajo de Lucas Figueroa. Su largometraje tiene el buen hacer de un director novel que quiere exprimir al máximo el espacio que le han regalado, inundando el montaje de numerosos planos recursos que resalten el desasosiego de un lugar inundado de gente en pleno día, que por la noche adquiere la extrañeza inherente a cualquier lugar cotidiano donde “uno nunca piensa en la muerte” que diría Coixet: un supermercado, un centro comercial, o algo como la Fnac, utilizando la escalera mecánica como leitmotiv identificativo.

por Unknown
noviembre 28, 2013

Crítica | Viral

por Unknown | noviembre 28, 2013

Pan y circo

crítica de Diamantes negros | de Miguel Alcantud, 2013

En una época como la que estamos viviendo en la que el fútbol constituye una de las principales herramientas de evasión de la realidad de nuestro de país, la aparición de una obra como Diamantes negros es bastante oportuna a la par que incomoda, pues nos recuerda que ni siquiera algunos de los ocios “incunables” de España están exentos del oportunismo que tanto nos caracteriza. Miguel Alcantud ha tocado una fibra delicada con su tercera creación, indagando en los entramados de un mercado negro que se asemeja bastante a lo que viene siendo el tráfico de seres humanos enmarcado en el mundo del deporte. A través de la mirada de dos adolescentes de Mali, Alcantud dibuja la crónica de una ida y de una vuelta, y entre medias, el fracaso y el fin del sueño. Amadou y Moussad solo quieren jugar al fútbol. Desde niños han estado soñando con estadios vacíos donde suena el ruido de las multitudes. Han oído hablar de los “placeres” del viejo continente, el sueño del deporte rey en Europa. Convertirse en jugador de un equipo ilustre, el Real Madrid o el Barcelona, tanto da, con la esperanza de un mañana mejor, ignorando una realidad injusta que, en último termino, les dejará tirados en la plaza de una ciudad que no conocen, como juguetes rotos sin dueño y sin hogar, víctimas de un sistema que hace oídos sordos al evidente mercadeo de un entretenimiento demasiado valioso como para airear sus trapos sucios.

Alcantud opta por acercarse a un tono documental que ancle su narración a una conseguida sensación de realismo. Diamantes negros es una película con un presupuesto ajustado, protagonizada por dos actores noveles de arrasadora naturalidad, arropados por secundarios ilustres como Carlos Bardem o Guillermo Toledo otorgando empaque y compromiso a un discurso no exento de cierto maniqueísmo. La historia de Amadou y Moussad es un relato de víctimas y verdugos. La crónica de cómo el sistema y las circunstancias son las únicas culpables de que al final, tanto uno como otro, acaben robando y traficando para poder sobrevivir. Si nos atenemos estrictamente al análisis de esa situación, la obra evidencia la debilidad de sus personajes, su plantilla panfletaria y su afán aleccionador. Su filosofía no es la de construir un retrato excesivamente complejo. Alcantud tiene una opinión clara, y la transmite con legitimidad y respeto, sin miedo a poner el dedo en la llaga, dejando ver hasta límites casi cómicos hasta donde llegan los engaños con tal de tener a dos jugadores negros de talento innato comiendo de la mano, arrastrándoles de un punto a otro de Europa con la eterna promesa de un éxito que no llegará. Saltando de equipo en equipo, todos ellos de barrio, hasta que finalmente son olvidados en mitad de un país cualquiera. Portugal o España. Poco importa. El resultado es el mismo. Otra vida destrozada a costa de unos pocos que consiguen encajar.

por Unknown
noviembre 28, 2013

Crítica | Diamantes negros

por Unknown | noviembre 28, 2013

Solomon en los infiernos

crítica de 12 años de esclavitud | 12 Years a Slave, de Steve McQueen, 2013.

Qué gran director es Steve McQueen. Con sólo tres creaciones ha conseguido retratar un espectro de emociones mayor (y mejor) que muchos que llevan 30 años en esto del cine. Sus películas son tan descarnadas, tan certeras, que duelen. Ver cualquiera de ellas es una experiencia que no deja a nadie indiferente, y casi me atrevo a decir que deberían ser de obligada visión para todo el mundo. Con 12 años de esclavitud, su obra más comercial hasta la fecha, ha creado uno de los relatos más aterradores, brutales y emotivos sobre una época que en Estados Unidos (casi) todo el mundo parece querer olvidar; una época en la que un puñado de personas tuvieron poder sobre la existencia de otras en virtud únicamente del color de su piel. Lo hace a través de la historia de Solomon Northup, quien, a pesar de ser un hombre libre, fue secuestrado y vendido como esclavo, condición en la que pasó los siguientes doce años de su vida, pasando de amo en amo y encontrándose con todo tipo de situaciones y personas en su camino.

McQueen no nos ahorra nada: ni una palabra, ni una humillación, ni un golpe. Y consigue hacerlo sin que resulte sensacionalista ni morboso. Pero sí extremadamente doloroso, en todos los sentidos de la palabra. Hay escenas en las que el espectador no puede más que retorcerse en la butaca, con los pelos de punta por el horror, la rabia, la impotencia ante la atrocidad que está contemplando, y que, en muchos casos (la mayoría), sólo se llega a ver de refilón. Porque McQueen sabe dosificar lo que tiene entre manos para no caer en el efectismo barato, y a veces sólo un sonido, un rostro o una mirada pueden ser más indicadores del horror que una imagen explícita. Y qué miradas. Las de tres actores, con diferentes grados de fama, que paren tres personajes extraordinarios. Empezando, claro, por Chiwetel Ejiofor, actor bastante conocido en el Reino Unido (era el marido de Keira Knightley en Love Actually), cuya enorme expresividad —¡esos ojos!— es capaz de contarlo todo, incluido aquello que no quieres saber. Siguiendo por la desconocida Lupita Nyong'o, que no sólo sale airosa de su cara a cara con un reparto brutal y en estado de gracia, sino que compone el personaje más trágico y doliente, el más directo al hueso de toda la película. Si esta chica no gana el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, será para mandar definitivamente a la Academia a freír espárragos. Y luego está Michael Fassbender. Decir que está sensacional es poco. El actor fetiche de McQueen compone uno de los pedazos de escoria más aborrecibles jamás vistos en una pantalla; no es agradable, no es carismático, no tiene posibilidad alguna de redención. Es un ejemplar terrorífico de lo más repulsivo y miserable de la condición humana. Su sola presencia, su forma de hablar, de moverse, de mirar, son indignantes. Es una pesadilla andante que Fassbender consigue convertir en carne y hueso de forma absolutamente magistral.

por Unknown
noviembre 27, 2013

Crítica | 12 años de esclavitud

por Unknown | noviembre 27, 2013

El cénit de la crueldad

crítica de La máquina de la muerte de Khmer Rouge | S-21, la machine de mort Khmère rouge, de Rithy Panh, 2003

Entre la suma de hambruna y los asesinatos, el genocidio camboyano provocó 7 millones de pérdidas humanas entre 1975 y 1979, uno de los más cruentos episodios de toda la historia moderna. La máquina de la muerte de Khmer Rouge es un duro documental realizado hace una década por Rithy Panh y basado en los hechos acontecidos durante esta franja por los Jemeres rojos en el Centro de detención y torturas S-21, ubicado en el centro de Phnom Penh, capital de Camboya. Otrora una escuela secundaria, convertida en núcleo de exterminio en manos del líder del régimen Pol Pot y el Khmer Rouge (Jemeres rojos en francés, la organización guerrillera camboyana tras la caída del Phnom Penh), en este centro fueron interrogados, mutilados y asesinados 17.000 prisioneros, una cifra escalofriante con una cifra de supervivientes ínfima y todavía más escalofriantes, pues sólo tres salieron de allí con vida. Este indispensable documental, 27 años más tarde de tal cruenta desgracia reúne a dos de estas víctimas junto a varios sus carceleros torturadores, a fin de realizar un análisis exhaustivo de la masacre que en nombre del Khmer Rouge se perpetuo en Camboya mediante el asesinato masivo, las violaciones y abusos y las torturas indiscriminadas sobre gente inocente. La máquina de la muerte de Khmer Rouge es una radiografía del salvajismo deshumanizador, de la frialdad aterradora que insufla el abuso de poder, y del despojo absoluto de ética como recurso fundamental que los totalitarismos emplean para lavar el cerebro de sus “súbditos” y así llevar a cabo aniquilaciones en masa; lo que se da en llamar “sistema de anulación de la conciencia”.

Indagando previamente en la base histórica de esta meritoria obra documental, las primeras causas del genocidio camboyano se fundamentan en la formación de la Kampuchea Democrática, un régimen totalitario de gobierno que con apariencia de República Popular de inspiración maoísta, fundó en la práctica un sistema económico agrario de tipo radical, que requería destruir por entero la civilización urbana “burguesa” y recuperar la cultura ancestral camboyana, lo que se dio en llamar Camboya Año Cero. Así, la despótica dirección del líder Pol Pot persiguió la consigna de la llamada “búsqueda del enemigo interno” en la población civil, que vivió una pesadilla auténtica en la que se vio deshumanizada, vilipendiada y torturada hasta la extenuación. Este documental sencillo pero valiente, cercano y valiosísimo no se sirve de recreaciones ficcionales a modo de flashbacks, ni de voces en off, ni de otros elementos narrativos, sino que el eje conductor son las entrevistas e interacciones entre torturadores y víctimas, reviviendo los protocolos de detención, interrogatorio y asesinato, y mostrando las fotografías y documentos reales pertenecientes a la tragedia.

por Anónimo
noviembre 27, 2013

Crítica | La máquina de la muerte de Khmer Rouge

por Anónimo | noviembre 27, 2013

Puede que su paso por la carrera al Oscar sea más anónimo de lo que apuntaba pero la nueva película de Spike Jonze, Her, debe ser la gran propuesta de finales de 2013. Una historia de amor original y magnética, encabezada por un siempre soberbio Joaquin Phoenix y la sensual voz de Scarlett Johansson —ganadora de del premio a la mejor actriz en el Festival de Roma, algo que no ocurrirá en los Globos de Oro ya que ha su interpretación vocal no es valorable— que promete ser una de las más emocionantes de la temporada. No hay nadie como Jonze que equilibre elegancia con cercanía en el cine actual. Una buena muestra la pueden ver en el espectacular segundo avance del filme. A ritmo de Arcade Fire, con el tema que cierra el metraje Supersymmetry, y complementado por la excelente fotografía de Hoyte Van Hoytema, el tráiler deja una sensaciones inmejorables. Junto a los citados Phoenix y Johansson, en el reparto donde encontramos nombres como Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y Chris Pratt. Her es la apuesta de EAM en la campaña pre Oscar. El 18 de diciembre se estrenará en Estados Unidos. Todavía no hay fecha confirmada en España.

Fuente| The Film Stage
Texto| Emilio Luna

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Avance | Emocionante nuevo tráiler de 'Her', de Spike Jonze

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

El cine rumano está de moda. Tras el éxito de películas como 4 meses, 3 semanas, 2 días, La postura del hijo, o Más allá de las colinas, la celebérrima productora HBO, apuesta por este nuevo trabajo del director Dan Chisu (Ursul). Rodado en primera persona, el filme se centra en la vida de Mihai, un hombre que atraviesa una crisis personal que se verá agravada por su divorcio tras 15 años de matrimonio. La cámara, que nunca enfocará al protagonista, dando así una sensación de falso documental, se centrará en las tres mujeres que componen la vida de Mihai, su mujer, su amante y su madre. Componen el reparto Ioana Flora (Periferic), Mirela Oprisor (Martes, después de navidad) y Gabriel Sandu. Chisu también escribe el guion de esta atractiva propuesta estrenada en Rumanía el pasado 15 de Noviembre.

Fuente| Postmodern
Texto| Alberto Sáez

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | Déjà vu, de Dan Chisu

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

Tras batir los records de ventas en todo el mundo, era sólo cuestión de tiempo para que el best-seller, El médico, de Noah Gordon, tuviera su adaptación al cine (Der medicus, 2013). Ambientada en el siglo XI, la historia cuenta la vida de Rob Cole, un niño huérfano que es adoptado por un barbero inglés y que, tras un incidente dramático de su vida, decide ir a la antigua Persia para estudiar medicina. Haciéndose pasar por judío, Rob no dejará de luchar por conseguir aquello que se ha propuesto. Un atractivo tráiler nos muestra las primeras imágenes del nuevo trabajo de Philipp Stölzl (Goethe!), que contará con un reparto compuesto por figuras de la gran pantalla como, Olivier Martinez (Antes que anochezca), Stellan Skarsgård (Nymphomaniac) y Ben Kingsley (Sexy Beast). Jan Berger (Somos la noche) es el guionista encargado de trasladar la novela de Gordon al mundo del celuloide. La cinta será estrenada en varios países, incluido España, el próximo 25 de diciembre.

Fuente| Cineuropa
Texto| Alberto Sáez

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | El médico, de Philipp Stölzl

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

La cineasta, escritora y profesora Margarita Ledo, autora de los documentales Liste, pronunciado Líster y Santa Liberdade, se sumerge en el terreno de la ficción con A cicatriz branca. Tras realizar Apuntamentos para un filme, en el que entrevistaba a mujeres gallegas que habían emigrado a mediados del siglo pasado hacia América Latina en busca de trabajo, Ledo decidió crear una película inspirada en las vivencias que aquellas le habían contado. La poeta gallega Eva Veiga se pasa a la interpretación para dar vida a la protagonista de la historia, Merce, que tras servir en una casa acomodada en Buenos Aires, se verá desorientada una vez pierda su empleo. Pero A cicatriz branca no es un relato individual, sino el de todas las mujeres que entrecruzan con Merce mientras se abre camino por el nuevo mundo. De hecho, podríamos decir que se trata de un filme de acciones cotidianas pero de las que se desprenden ecos de solidaridad dentro del colectivo emigrante que llegan hasta nuestros días. Y es que el tema de este trabajo de época, rodado a caballo entre Vigo y la Ciudad de la Plata, no podía ser más actual, ahora que los españoles vuelven a verse forzados a probar suerte en el extranjero. La cinta, aplaudida por la crítica en Cineuropa y prenominada a 15 Goyas, ya se estrenó en Vigo y llegará próximamente al resto de España.

Fuentes| A cicatriz branca

Texto| Amalia González Jiménez

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | A cicatriz branca, de Margarita Ledo

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

¿Te enamorarías de la mujer de tu amigo? Con este eslogan se estrenará en 2014 lo nuevo del Daniel Burman, el Richard Curtis de Argentina, director de películas como La suerte en tus manos (2012) o El nido vacío (2008). El realizador regresa con otra comedia romántica, El misterio de la felicidad, que bien podría haber ido mucho más allá de su aparente reduccionismo temático. Y es que el planteamiento inicial en torno a por qué a uno de los dos amigos protagonistas le basta con ser el dueño de una pequeña empresa para ser feliz mientras que el otro aspira a vender sus acciones y comenzar a especular, como los financieros que nos condujeron a la crisis financiera, se despuntaba como un tamiz original por el que filtrar otra previsible historia de amor entre maduritos. Sin embargo, el resultado final se parece más a una adaptación cómica de Caprichos del destino de Pollack con un humor a veces inteligente y otras, las que más, ligeramente burdo. Sin duda, de lo más interesante del filme no son precisamente los protagonistas, interpretados por Guillermo Francella e Inés Estévez, sino el resto de actores del reparto, con Alejandro Awada (Días de pesca en Patagonia), Sergio Boris (Diablo), María Fiorentino (Los condenados) y Fabián Arenillas (Tesis sobre un homicidio), todos ellos procedentes de otro tipo de cine argentino más innovador que lo último de Burman.

Fuente| Cine Maldito
Texto| Amalia González Jiménez

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | El misterio de la felicidad, de Daniel Burman

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

Película de trasfondo filosófico que sugiere que el nacimiento y la muerte no marcan el principio y el final de nuestras vidas, sino el comienzo y el final de nuestros pensamientos. Historia dirigida por Shunya Ito, que supone el regreso a la gran pantalla del director japonés de la aclamada saga Sasori, a excepción de la cuarta y última entrega, Female Prisoner Scorpion: #701's Grudge Song, 1973 (basada en el manga de Tooru Shinohara). El tráiler sorprende por sus desconcertantes imágenes sobre lo que parece la penitencia o el castigo de varias personas, sin diálogo y con una música minimalista compuesta por los clásicos acordes japoneses del shamisen, el director muestra lo que parece un ejercicio reflexivo y metafísico que se aleja bastante de su línea de trabajo habitual. Ito escribe también el guion junto al protagonista, Min Tanaka (Mapa de los sonidos de Tokio, 2009). Además de Tanaka actuarán Daisuke Iijima (Llamada perdida, 2003) y Ken Furusawa. Película recientemente completada y sin fecha de estreno prevista.

Fuente| Hajimarimo
Texto| Alberto Sáez

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | Hajimari mo owari mo nai (No Beginning, No End), de Shunya Ito

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

Desde Bélgica nos llega la historia de Henri, un inmigrante italiano, propietario de un restaurante, que parece haber perdido la ilusión en su vida y en su trabajo. Sólo las charlas esporádicas con sus amigos o su afición a la colombofilia dan algo de color a su melancólica rutina. Un trágico suceso cambiará definitivamente su situación y lo llevará, con la ayuda de una nueva persona que entrará en su vida y le ayudará a abrir los ojos, a una fase de descubrimiento personal. La también actriz, Yolande Moreau (Cuando sube la marea, 2004), dirige y escribe el guion de esta tragicomedia romántica sobre la amistad. Pippo Delbono (Tú y yo, 2012), Miss Ming (Le grand soir, 2012), Jackie Berroyer (El día de la falda, 2009) y Simón André, protagonizarán la cinta que tras haber pasado por Cannes y Gijón, se estrenará en los cines de Francia el próximo 4 de diciembre.

Texto| Alberto Sáez

Opinión de Pablo Garcia (Gijón 2013)| "Henri termina siendo, casi sin quererlo, una historia de amor o, si se quiere, de confrontación sentimental entre un hombre perdido, solitario y necesitado de cariño y una chica discapacitada que también necesita completar la parte más humana y afectiva que le hace saltarse las normas para huir junto a Henri. El relato que interpreta la chica discapacitada en una obra de teatro la repite Henri al final: una reminiscencia de aquello que marcó en determinado momento y que es imposible deshacer de su interior. El relato no se entendería sin el acompañamiento musical, escenas en las que algunas canciones consiguen expresar lo que las imágenes no terminan de transmitir. La película logra un proyecto con principio y final pero sin un desarrollo debidamente profundizado ni un relato lo suficientemente sólido pese a la atrevida interacción con ese ámbito muchas veces tabú en la sociedad."

por Redacción EAM
noviembre 27, 2013

Tráiler | Henri, de Yolande Moreau

por Redacción EAM | noviembre 27, 2013

El último tabú

crítica de The Unspeakable Act | de Dan Sallitt, 2012

La sexualidad humana constituye un aspecto central de la vida y un complejo fenómeno que trasciende con creces la mera función orgánica animal. Enraizada en componentes culturale,s abarca el sexo, las identidades y papeles de género, el erotismo y el placer, la intimidad, la reproducción y la orientación sexual; y en cada sociedad cuenta con sus propios cánones y convenciones cambiantes. En la sexualidad confluyen muchos factores relativos a la biología, la psicología, la economía, la ética, la historia, la espiritualidad y la religión. Pese a ello, en todas las etnias y culturas la prohibición y la condena del incesto han sido una de las pocas constantes que perduran inamovibles hasta nuestros días; penada legalmente, estigmatizada socialmente y considerada una tipología de parafilia. La atracción, práctica o relación incestuosa de carácter consentido, es decir, el amor carnal entre miembros de una misma sangre (sin incluir por tanto, abusos o violaciones) encuentra así escasa proyección en la ficción actual, sea literatura, cine o productos teatrales o televisivos, tal vez por lo peliagudo o moralmente irritante de su temática, por la carencia de ejemplos mundanos a los que aferrarse como referente, o bien por el tabú y la censura que existen a la hora de narrar una historia de trasfondo incestuoso.

Al festival de Cineuropa de Santiago de Compostela ha llegado The unspeakable act, un filme estadounidense independiente del pasado 2012, que desde el género dramático y con pinceladas de sarcástico humor negro y un formato estético realista, aborda el tema del incesto, esa palabra que resulta un tabú común para todos, hasta para titular una película. La premisa básica que sustenta el largometraje es sencilla: Jackie Kimball es una adolescente común, de unos 16 años, introvertida, aguda y mordaz, de hobbies normales, que lleva toda la vida enamorada de su hermano mayor Matthew, tan solo un año mayor que ella. Jackie y Matthew tienen una relación estrecha y absolutamente dependiente desde niños, plasmada en la convulsión emocional y las dificultades sociales que acarrea la llegada de la adolescencia, sobre todo para Jackie, que idolatra y adora su figura. Ambos viven en el seno de una familia americana corriente; su madre pasa el día leyendo y escribiendo, viven del subsidio gubernamental a raíz de la muerte del padre hace muchos años, Will, el mayor de los hermanos, ultima sus estudios europeos en París, y Jessie, la restante, pasa el día entretenida en su cuarto. La cinta da comienzo con una escena corriente, cuando Matthew lleva a cenar a su casa a su nueva novia, una joven dulce, alegre y charlatana que agrada a todos los miembros de la familia. A excepción de Jackie, por supuesto, la cual se encuentra absolutamente desolada ante la idea de que su hermano tenga pareja, a causa del vínculo “indestructible”, de esos cimientos secretos de “lo que no debe ser nombrado” que la atan a él de manera irremediable y enfermiza.

por Anónimo
noviembre 27, 2013

Crítica | The Unspeakable Act

por Anónimo | noviembre 27, 2013

Breve encuentro | Brief Encounter, de David Lean, 1945. Cine Club Num. 81

David Lean se inició en el mundo del cine como montador. Llegó a trabajar tanto para realizadores olvidados del calibre de Paul Czinner como para otros menos recordados de lo que debieran, así Michael Powell y Emeric Pressburger. Ya como director, repitió esa labor, curiosamente, en sus dos primeras películas, Major Barbara (1941, en la que solo aparece acreditado en la dirección Gabriel Pascal) y Sangre, sudor y lágrimas (In Which We Serve, codirigida por Noel Coward, 1942), y en la última, Pasaje a la India (A Passage to India, 1984). Su paso por el mundo del cine permanece imborrable, y con razón, gracias a las épicas superproducciones que marcaron su carrera desde que realizara El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai, 1957). Tanto esta como las posteriores Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962), Doctor Zhivago (1965) y La hija de Ryan (Ryan’s Daughter, 1970) lo han convertido en el epítome perfecto de lo que consideramos director clásico. Sin embargo, solo hace falta ver sus películas para que precisamente lo que notemos sea que su clasicismo consiste en tratar asuntos peliagudos y controvertidos enfundados en historias que parecen de guerra pero uno no sabe si lo son de verdad, de aventuras de una grandeza que rozan la mítica y dramas desaforados que en realidad versan sobre miserias de la vida cotidiana. Al final, los mismos temas que ya tratara en sus primeras películas de presupuestos más humildes. Más llamativas aún resultan sus soluciones narrativas y formales, que nos hacen pensar en que lo que ahora consideramos clásico es el cúmulo de normas primitivas que él se dedicaba una tras otra a romper. Y si romper os parece un término quizá demasiado fuerte tratándose de Lean, digamos que “tan solo” retorcer a su antojo. Algo que muchos directores que habitan en el podio de la vanguardia aún estamos esperando que hagan.

por José Luis Forte
noviembre 27, 2013

Cine Club | Breve encuentro (1945)

por José Luis Forte | noviembre 27, 2013

Se ha adelantado Cahiers du cinéma. La prestigiosa publicación ha anunciado el listado de las mejores películas de estos doce meses que acompañará al número de la revista en diciembre. Si el año pasado fue Léos Carax el triunfador para el magazine galo, otro francés obtiene título extraoficial de mejor largometraje este 2013. Se trata de El desconocido del lago, la excelente película de Alain Guiraudie que obtuvo hace unos días el Giraldillo de Oro en el SEFF. El filme, que se presentó con gran éxito en Una cierta mirada de Cannes, pasó con nota por otros festivales como el de Sarajevo donde pudo verla nuestro compañero Ignacio Navarro que la calificó como “una película en apariencia sencilla pero profundamente memorable.” Karma Films distribuirá El desconocido del lago en la próxima primavera. Uno de los primeros grandes estrenos del 2014 en España. Del resto del listado, destacar la merecida presencia de cintas como Un toque de violencia, Gravity, La vida de Adèle, La jalousie o Les rencontres d'après minuit. La sorpresa viene con las elecciones de Spring Breakers –aunque es comprensible— y la minusvalorada Lincoln. A continuación, lo mejor de 2013 para Cahiers.

01. El desconocido del lago (L’inconnu du lac), de Alain Guiraudie (Francia)
02. Spring Breakers, de Harmony Korine (Estados Unidos)
03. La vida de Adèle (La vie d’Adèle), de Abdellatif Kechiche (Francia)
04. Gravity, de Alfonso Cuarón (Estados Unidos)
05. Un toque de violencia (Tian zhu ding), de Jia ZhangKe (China)
06. Lincoln, de Steven Spielberg (Estados Unidos)
07. La jalousie, de Philippe Garrel (Francia)
08. Nobody's Daughter Haewon, de Hong Sang-soo (Corea del Sur)
09. Les rencontres d'après minuit, de Yann Gonzalez (Francia)
10. La Bataille de Solferino, de Justine Triet (Francia)

por Emilio M. Luna
noviembre 26, 2013

Resumen’13 | Las 10 mejores películas del año para Cahiers du cinéma

por Emilio M. Luna | noviembre 26, 2013

12 años de esclavitud, máxima favorita en los premios del cine independiente americano

Hoy a las 19:20 horas (en España) se han anunciado las nominaciones de los primeros grandes premios de la temporada: los Independent Spirit Awards. Es la 29 edición de unos galardones que suponen el gran bastión del cine de bajo presupuesto estadounidense. Como era de esperar, la aclamada tercera película de Steve McQueen 12 años de esclavitud se ha alzado como gran favorita para de esta entrega. 7 nominaciones –en las principales categorías— son su carta de presentación. Le sigue muy de cerca Nebraska, de Alexander Payne, con seis. A destacar, las presencias en la categoría femenina de la jovencísimas Brie Larson (Short Term 12) y Shailene Woodley (The Spectacular Now). Son las representantes de unos filmes que se han convertido en las modestas sensaciones de este 2013 junto a la ganadora de Sundance Fruitvale Station. La cinta de Ryan Coogler se ha quedado fuera del apartado principal, algo que minimiza sus ya escasas opciones en los Oscar. Celebrar la presencia en la máxima categoría de Frances Ha, de Noah Baumbach. Sin duda, uno de los largometrajes del año. En la sección foránea, grandes títulos, aunque sorprende la ausencia de La bicicleta verde que, sin embargo, si está en el apartado de mejor ópera prima. Comienzan las apuestas. Los ganadores se anunciarán el 1 de marzo en una gala en Los Ángeles conducida por Patton Oswalt.

MEJOR PELÍCULA

■ 12 años de esclavitud, de Steve McQueen
■ A propósito de Llewyn Davis, de Joel & Ethan Coen
■ Nebraska, de Alexander Payne
■ Frances Ha, de Noah Baumbach
■ All is Lost, de J.C. Chandor

MEJOR DIRECTOR

■ Shane Carruth, por Upstream Color
■ Jeff Nichols, por Mud
■ Alexander Payne, por Nebraska
■ Steve McQueen, por 12 años de esclavitud
■ J.C. Chandor por All is Lost

MEJOR GUION

■ Woody Allen, por Blue Jasmine
■ Julie Delpy, Ethan Hawke y Richard Linklater, por Antes del anochecer
■ Nicole Holofcener & Scott Neustadter, por Sobran las palabras
■ Michael H. Weber, por The Spectacular Now
■ John Ridley, por 12 años de esclavitud

MEJOR PRIMER GUION

■ Lake Bell, por In a World…
■ Joseph Gordon-Levitt, por Don Jon
■ Jill Soloway, por Afternoon Delight
■ Bob Nelson, por Nebraska
■ Michael Starrbury, por The Inevitable Defeat of Mister and Pete

MEJOR ÓPERA PRIMA

■ Blue Caprice, de Alexandre Moors
■ La bicicleta verde, de Haifaa Al-Mansour (Arabia Saudí)
■ Fruitvale Station, de Ryan Coogler
■ Concussion, de Stacie Passon
■ Una noche, de Lucy Mulloy

MEJOR ACTRIZ

■ Cate Blanchett, por Blue Jasmine
■ Brie Larson, por Short Term 12
■ Shailene Woodley, por The Spectacular Now
■ Gaby Hoffman, por Crystal Fairy
■ Julie Delpy, por Antes del anochecer

MEJOR ACTOR

■ Bruce Dern, por Nebraska
■ Chiwetel Ejiofor, por 12 años de esclavitud
■ Oscar Isaac, por A propósito de Llewyn Davis
■ Michael B. Jordan, por Fruitvale Station
■ Matthew McConaughey, por Dallas Buyers Club
■ Robert Redford, por All is Lost

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

■ Melonie Diaz, por Fruitvale Station
■ Sally Hawkins, por Blue Jasmine
■ Lupita N'Yongo, por 12 años de esclavitud
■ Yolanda Ross, por Go for Sisters
■ June Squibb, por Nebraska

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

■ Michael Fassbender, por 12 años de esclavitud
■ Will Forte, por Nebraska
■ James Gandolfini, por Sobran las palabras
■ Jared Leto, por Dallas Buyers Club
■ Keith Stanfield, por Short Term 12

MEJOR FOTOGRAFÍA

■ Sean Bobbitt, por 12 años de esclavitud
■ Benoit Debie, por Spring Breakers
■ Bruno Delbonnel, por A propósito de Llewyn Davis
■ Frank G. Demarco, por All Is Lost
■ Matthias Grunsky, por Computer Chess

MEJOR MONTAJE

■ Shane Carruth & David Lowery, por Upstream Color"
■ Jem Cohen & Marc Vives, por Museum Hours
■ Jennifer Lame, por Frances Ha
■ Cindy Lee, por Una Noche
■ Nat Sanders, por Short Term 12

MEJOR DOCUMENTAL

■ The Act Of Killing
■ After Tiller
■ Gideon's Army
■ The Square
■ Twenty Feet From Stardom

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

■ Un toque de violencia
■ La caza
■ La vida de Adèle
■ Gloria
■ La gran belleza

PREMIO JOHN CASSAVETES

■ Computer Chess
■ Crystal Fairy
■ Museum Hours
■ Pit Stop
■ This Is Martin Bonner

PREMIO ROBERT ALTMAN

■ Mud, de Jeff Nichols

por Emilio M. Luna
noviembre 26, 2013

Independent Spirit 2014 | Nominaciones

por Emilio M. Luna | noviembre 26, 2013

El desconocido Schindler pirenaico

crítica de El Rey de Canfranc | de José Antonio Blanco, 2013

El valor en los tiempos negros de aduana, hambre y muerte es un bien escaso, y en todas las guerras o contextos post y prebélicos hallamos a personajes singulares que pusieron en peligro sus vidas sin esperar nada a cambio para salvar a otros. Declinando medallas, rehusando ostentaciones, muriendo de viejos o de jóvenes queriendo ser anodinos y no héroes. Albert Le Lay, espía al servicio de la resistencia francesa en los años de la Segunda Guerra Mundial y jefe de la Estación Internacional de Canfranc, fue una de esas personas por las que, tras visionar esta obra, merece la pena seguir creyendo en la integridad de la raza humana. A la hora de ver El Rey de Canfranc, documental proyectado en Cineuropa, tuvimos la suerte de contar con la presencia de su director, y escuchar una charla previa y un debate a posteriori acerca de este singular personaje, que salvo a miles de judíos en las fronteras pirenaicas y pasó miles de documentos que llegaron a Londres a través de Madrid y fueron claves para derrotar a la Alemania nazi.

El Rey de Canfranc es un documental completo y muy bien elaborado, de ritmo vigoroso y manufactura colorista, que hace una selección impecable de los múltiples materiales empleados para su consecución, en lugar de agobiar con datos excesivos que conducen al espectador al tedio. Empleando un formato híbrido bastante efectivo que escapa de la monotonía y se aproxima al docudrama, una voz en off correspondiente al personaje de Albert Le Lay nos cuenta, en orden cronológico regresivo, su historia, mostrando los paisajes bellos y agrestes de Canfranc, pueblo del pirineo aragonés, con hermosos filtros fotográficos, mediante planos panorámicos espectaculares desde las alturas. Amén de conseguir una visión multi-panorámica, el montaje alterna recreaciones de personajes, secuencias en blanco y negro, fotografías estáticas reales y, por supuesto, las entrevistas que fueron realizadas a testigos vivos a lo largo del documental; su nieto, sus hijas Pilar y Lola, un experto ferroviario o antiguos habitantes de Canfranc, dando como resultado un mosaico polifónico muy interesante para que entendamos la importancia y la valentía de Le Lay. Algunos de los entrevistados, nonagenarios, como una de sus hijas, fallecieron a lo largo de la creación de la obra, de intenso potencial emocional y que logra crear a partir de estos hechos reales, una ficción sólida.

por Anónimo
noviembre 25, 2013

Crítica | El Rey de Canfranc

por Anónimo | noviembre 25, 2013

Eternas secuencias de una triste Taipei

crítica de Stray Dogs | Jiaoyou, de Tsai Ming-liang, 2013

¿Qué se nos prometía, o anticipaba al menos, a los espectadores en torno al estreno en Compostela de Stray Dogs, en este noviembre cinéfilo de Cineuropa? Siendo uno de los filmes estrella del festival y con una elevada cantidad de proyecciones programadas, la nueva –y, según él, última en su carrera— creación del taiwanés de origen malayo Tsai Ming-liang era descrita en las sinopsis oficiales como "un Taipei apocalíptico de incierto y apasionante destino", una epopeya postmoderna sobre la soledad, el consumismo y la alienación humanas: en definitiva, un filme hermoso lleno de simbolismo y merecedor del Gran Premio del Jurado en la Mostra de Venecia de este año, o sin ir más lejos, el de mejor director en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Bien, lejos de percibir la belleza, el interés temático y la crítica social subyacente en sus personajes o saborear la estética que supuestamente brindan esos planos que duran más que un día sin pan, sólo puedo categorizar este largometraje de soporífero, innecesario, y, en algunas secuencias, completamente irritante para la inmensa mayoría de espectadores, que sólo pueden cruzar los dedos estoicamente desde sus butacas ansiando el paso del minutero. Una lástima, puesto que las ideas que esta cinta aborda tienen una perspectiva interesante.

La trama es sencilla y se fundamenta más en la ausencia que en la presencia, más en el vacío y desolación de los paisajes urbanos y los subterfugios oscuros que en la acción activa, más en la contemplación y el silencio que en el diálogo (puesto que apenas se oyen 20 o 30 frases breves). Supuestamente situada en el presente, aunque con tintes de un cierto y deprimente furismo, los espacios que hallamos en Stray Dogs son inhóspitos y sórdidos: exteriores ruinosos que causan agorafobia, apartamentos en estado de putrefacción, vastos bosques llenos de maleza y grandes avenidas llenas de tráfico; todos ellos parecen hacer hincapié en el automatismo al que se ha visto sometido el ser humano, en su pequeñez frente a la inmensidad, y en el declive al que han arrastrado a Taipei un estilo de vida sobreexigente y explotador. En definitiva, la ambientación deshumanizada aquí es el pilar en el que sustenta y excusa el filme para erigir una paradoja del progreso, una parábola sobre el caos de la civilización moderna, protagonizada por una familia con problemas que intenta sobrevivir en la ciudad. Su padre, Lee Kang-sheng, es un poste humano que sostiene un cartel publicitario en medio de la calle durante muchas horas, encarnando así el comienzo de la crítica a la cosificación de las personas y la falta de humanidad de un sistema cruel que no para de crecer. El padre intenta ahorrar dinero y mantenerse a flote durmiendo penosamente en lugares abandonados, bebiendo y cuidando de sus hijos pequeños, que prueban muestras de comida en un gran hipermercado a diario.

Filmada por entero con planos estáticos y largos, en secuencias cuyo significado de fondo es imposible de atisbar, o si lo es, no hay justificación en aguantar durante cinco minutos a un hombre comiendo un zanco de pollo o mordiendo una col cruda mientras llora durante un largo intervalo que se antoja eterno. Si la imagen tiene valor por sí misma, con sus connotaciones y simbolismos, ningún espectador precisa de un margen tan largo para desentrañarla, menos aún cuando ésta no refleja ningún conflicto nuevo, ni existe ningún tipo de interacción entre sus personajes. Aunque es innegable la calidad sobresaliente de la fotografía y de la imagen, el montaje se gana con creces el status de exasperante, ni colirios ni parpadeos, ni redbulls ni un embalse de café salvan a una ya no del bostezo, sino de las ganas de echarse una cabezadita. A lo largo de esta sesión, de aforo prácticamente completo en el teatro, hasta cuarenta personas aproximadamente desfilaron, en diferentes momentos de la película hacia la puerta, y cuando se encendieron las luces, la expresión de alivio genérico fue perceptible en la gran mayoría de los rostros. Stray dogs, como su propio nombre indica, pudo ser el vehículo de un para contar la historia de unos, metafóricamente hablando, perros abandonados, personas sin hogar ni rumbo que viven en crueles metrópolis como Taipei. Víctimas de la crudeza insostenible de un sistema que se retroalimenta a si mismo y que suprime las emociones a golpe de máquina y tecnología, una historia de pena y deshumanización, de una familia que sobrevive al límite, pero no hacía falta que tal ejercicio crítico se convirtiese en una tortura. Demasiada paciencia gastada para un mensaje tan poco profundo. ★★★★★

Andrea Núñez-Torrón Stock

redacción Galicia | enviada especial al Festival Cineuropa de Santiago de Compostela

Taiwan, Francia, 2013, Jiaoyou (Stray Dogs). Director: Tsai Ming-liang. Guión: Tsai Ming-liang. Productora: Homegreen Films, JBA Productions. Reparto; Lee Kang-sheng, Lu Yi-ching, Lee Yi-cheng, Lee Yi-chieh, Chen Shiang-chyi. Presentación oficial: Festival de Venecia, 2013, Gran Premio del Jurado.

por Anónimo
noviembre 25, 2013

Crítica | Stray Dogs (Jiaoyou)

por Anónimo | noviembre 25, 2013

El sinsajo no sabe vivir encarcelado

crítica de Los juegos del hambre: En llamas | The Hunger Games: Catching Fire, de Francis Lawrence, 2013

“El hombre que se levanta es aún más grande que el que no ha caído”, afirmaba Concepción Arenal, feminista, periodista y escritora; además de ser la primera mujer española en acudir a una universidad, eso sí, disfrazada de hombre. Esta sentencia resume a la perfección la esencia de la tan esperada Los juegos del hambre: En llamas, segunda adaptación cinematográfica de la saga literaria de Suzanne Collins. Un retrato fiel para los lectores de sus novelas, y una película bastante impresionante para los amantes del cine. Levantarse o sucumbir ante el terror, he aquí el gran dilema de la jovencísima Katniss Everdeen; interpretada una vez más por Jennifer Lawrence. No obstante, es cierto que esta película no deja de parecer una gran evocación de la primera, un agradable dejá-vu que observamos con mayor intensidad y placer que en tiempos pasados, pero conociendo ya la trama y a la mayoría de los personajes. Giros en llamas, besos, violencia mortal entre ‘tributos’ o artificiosos platós de televisión. Todo ello vuelve una vez más a nuestra mente para hacernos reflexionar y disfrutar a partes iguales.

El miedo a la revolución de las clases altas, la élite opresiva y estrambótica del sector 1 cuyos lujos condenan a la inmensa mayoría a vivir en la pobreza, se erige como el argumento principal de este film, donde la lucha de clases y la renuncia del bienestar individual por una causa mayor constituyen la única salvación. Ante ese temor ya manifiesto en los sectores más empobrecidos, el Presidente del Capitolio acuerda organizar los 75º juegos del hambre pero con una novedad: en esta ocasión los participantes serán ex campeones de ediciones pasadas. Entretenimiento de masas y liquidación de posibles amenazas, todo parecía estar de su parte hasta que Katniss toma de nuevo su arco y dispara. Dispara al firmamento de una forma contundente y segura bajo la dirección del realizador americano Francis Lawrence, quien también se encargará de las dos siguientes partes de la saga.

por Redacción EAM
noviembre 24, 2013

Críticas | Los juegos del hambre: En llamas

por Redacción EAM | noviembre 24, 2013

Corazoncito con relleno ácido

crítica de Hello Ladies (2013-) | Temporada 1

HBO / Serie / 1ª temporada: 8 capítulos. | EEUU, 2013. Creadores: Stephen Merchant & Gene Stupnitsky & Lee Eisenberg. Director: Stephen Merchant, Julian Farino, Greg Daniels. Guionistas: Stephen Merchant, Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg, Daniel Chun, Ron Weiner. Reparto: Stephen Merchant, Nate Torrence, Christine Woods, Kevin Weisman, Kyle Mooney, Sean Wing, Heather Hahn, Crista Flanagan, Jenny Slate. Fotografía: Michael Weaver, Michael Negrin. Música: Vik Sharma.

Acabada la primera tanda de Hello ladies, uno tiene la impresión de no haber visto un final de temporada, sino una pequeña pausa en la historia de los personajes. El desenlace tiene intenciones de cierre –Wade respecto a su matrimonio, Jessica respecto a su carrera o la significativa pero evidente decisión de Stuart–, pero si HBO decidiera no renovar la serie por una segunda temporada, la sensación que estos 8 capítulos dejaría es de insatisfacción. Las impresiones que dejó el piloto no han variado especialmente en el resto de capítulos, pero sí que pervive la gran capacidad de Stephen Merchant para crear genuinos instantes de patetismo y humillación, amén de una estimable habilidad para sorprender al espectador con el desarrollo de los capítulos. El arranque y el destino del viaje están claros, pero es el durante lo que importa. Aunque no sólo es mérito de Merchant, sino también de los co-creadores, la pareja de guionistas Gene Stupnitsky & Lee Eisenberg, que trabajaron en la The office (2005-2013) americana durante cuatro temporadas, en sus mejores años. Juntos, dislocan las expectativas en todo momento, aunque sabemos que la trama siempre llevará a Stuart (Merchant) a volver a casa solo en medio de la noche. Como curiosidad, destacar que la dirección del episodio La boda (1.7) corre a cargo de Greg Daniels, creador de susodicha versión americana de The office.

Existen aristas que pulir –como el personaje de Kyle Mooney, que no existe– en una serie que parte de algo elemental: la búsqueda del amor. De esa persona con quien compartir la vida y disfrutar de todo lo que venga. El problema de Stuart es que, como dice su inquilina Jessica (estupenda Christine Woods), “se esfuerza demasiado”. La gracia de la serie reside en que una vez el protagonista tiene el ojo puesto en una chica, su existencia cambia y se convierte en ese manojo de nervios e inseguridades en el que todos nos convertimos. Un ser sin sentido del ridículo ni mesura, que se mete en múltiples líos por el camino. Una de las cosas más interesantes de la serie es ver la voz cómica de Merchant actuando en solitario, y pensando en qué momentos de The office (2001-2003), Extras (2005-2007) o Life´s too short (2011-2013) pertenecen a la mano del británico, y no a la de su compañero Ricky Gervais.

por Anónimo
noviembre 24, 2013

Crítica en Serie | Hello Ladies (Temporada 1)

por Anónimo | noviembre 24, 2013

Caminos sin caminar

crítica de 10.000 noches en ninguna parte | de Ramón Salazar, 2013

La espera entre proyectos de un director interesante puede resulta frustrante. Un caso claro son los 8 años que separan 20 centímetros (2005) de esta estupenda 10.000 noches en ninguna parte (precioso título), tercer largometraje de Ramón Salazar. Financiada con total libertad, la película cuenta la historia de un joven (buen trabajo de Andrés Gertrúdix en un personaje nada fácil) que vive una existencia gris, monótona. De casa al trabajo y del trabajo a casa. Pero no es algo voluntario, el vivir así. El joven es preso de un pasado que se antoja tenebroso y que reverbera en su presente debido a la presencia de su madre, un cataclismo emocional de proporciones épicas. Con este panorama tan crudo, encerrado en una difícil entrada en el mundo adulto, el Hijo escapa por Europa al cerrar los ojos. Salazar cuida al detalle esas escapadas, que representan facetas de nuestro protagonista, aspectos deseables donde la luz y el color brillan, en contraste con un Madrid que nunca ha resultado tan frío y distante. Hay un deliberado tratamiento fotográfico distinto para cada ciudad.

Apropiadamente, la cinta es un viaje. De los sentidos, de la mente y del ánimo del espectador, que asiste a un proceso de autodestrucción familiar. Susi Sánchez realiza un trabajo monumental dando vida y dolorosa verdad a la Madre, una mujer inapropiada y temperamental que se hunde más y más en su propio hoyo, rechazando asideros. Las vidas posibles del Hijo son los recovecos más íntimos de su psique, expuestos para que uno saque sus propias conclusiones mientras reflexiona sobre las opciones que se nos presentan en la vida y las consecuencias de tomar una u otra ruta. ¿Son estas vidas imaginaciones o quizá recuerdos? La cantidad de pinceladas que tienen incitan a descartar su condición onírica, pero otro tipo de detalles contradicen esta teoría. La verdad puede o no puede encontrarse a medio camino, ya que la apuesta de la película es por la ambigüedad. Las escapadas del Hijo nos llevan a la capital alemana y a la francesa. A Berlín llegará de manos de una joven con quien se cruza en un autobús, y por ella entrará a formar parte del microcosmos amoroso-sexual de una pareja abierta. Ana, Claudia y León representan la represión liberada del protagonista, cuya sexualidad nunca pudo desarrollarse de forma saludable. En París volverá a jugar y superará sus miedos gracias a una proyección del pasado, un resquicio de felicidad en forma de joven vitalista y comprensiva. Las tres historias, ramificaciones de una trama central, se alternan ante nuestros ojos en un eficaz y limpio ejercicio de montaje. Si funciona todo tan bien es por el estupendo elenco y la brillantez de un guión redondo, medido a la perfección.

por Anónimo
noviembre 24, 2013

Crítica | 10.000 noches en ninguna parte

por Anónimo | noviembre 24, 2013

El infierno del mar

crítica de Leviathan | de Lucien Castaing-Taylor & Véréna Paravel, 2012

La oscuridad es como un líquido espeso en el aire. El mar, una amenaza constante y turbadora. Las gaviotas continúan vigilando. Y la vida parece un circulo vicioso de destripamiento, selección, lavado y caza, en mitad del infierno de un barco oxidado, entre barreños de sangre y cabezas cortadas. Cuando veo la red desde la borda, su sombra me recuerda a un animal mitológico. Me recuerda a un Leviatán. Son hombres trabajando en un pesquero, alzando a la cubierta el contenido de su última res. Nada extraordinario. Puramente cotidiano, costumbrista incluso. Un documental sobre el día a día de los trabajadores de una embarcación dedicada a la pesca en alta mar, en los océanos del Atlántico Norte, los mismos donde Melville ocultó el fantasma del gigante blanco Moby Dick. Leviathan es el primer trabajo de autoría compartida entre Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel, cineastas y antropólogos dedicados al estudio del ser humano en relación a su entorno. Paravel en el contexto de una zona industrial pobre de Nueva York retratada en su debut Foreign Parts; Taylor por su parte, situando al ser humano en un contexto natural a través del seguimiento del último viaje de unos pastores con sus ovejas a lo largo de las montañas de Montana. En consecuencia Leviathan es una conjunción perfecta de los intereses de ambos directores, y gana una relevancia que trasciende los discursos más obvios e inmediatos acerca de la moralidad de algunos actos, para ascender a terrenos más ambiciosos casi con inconsciencia

Filmada con 20 cámaras GoPro situadas en lugares poco comunes que rompen la concepción clásica del espacio para observar la realidad desde puntos donde un hombre no podría hacerlo, Leviathan se acerca a un collage visual de grano grueso y contraste al máximo que se mueve con malabarismo milimétrico entre la linea que separa el documental del videoarte, acercándose en última instancia a la concepción de cine experimental. Lucien y Paravel no mantienen un control absoluto sobre lo filmado. Ahí se intuyen horas y horas de material grabado, seleccionado posteriormente en montaje para dejar sólo las partes más ricas y visualmente impactantes. Los cineastas van en busca de la imagen improvisada, esa que surge de la pura inercia de la vida, de lo que ocurre enfrente de una cámara sin que el cineasta lo manipule, sino que tenga la suerte de grabarlo. Si ponemos una cámara atada al cabo exterior, tal vez captemos el fondo oceánico. Los trozos despedazados de los peces, o el agua teñida de rojo. O el mar visto desde abajo, pero apenas intuido, y el ruido del agua golpeando en la oscuridad. Leviathan es un ejercicio de estilo a la par que una reflexión tremendamente abierta sobre la condición humana y sus límites. Apenas oiremos un par de frases en toda la película. No hay narración, no hay diálogos. Por no haber, no hay ni música. Tal solo el sonido natural del ambiente. El chirrido continuo de las cadenas, la ensordecedora maquinaria del barco sonando bajo agua, retumbando con el eco del motor en marcha, entre las olas y el viento.

por Unknown
noviembre 24, 2013

Crítica | Leviathan

por Unknown | noviembre 24, 2013

Película basada en hechos reales que cuenta la historia de la escritora Robyn Davidson quien, en 1977, recorrió más de 25.000 kilómetros del desierto australiano acompañada por su perro y cuatro camellos. El tráiler presenta una maravillosa e inmensa fotografía del inmenso paisaje desértico australiano que vendrá a cargo de la consagrada directora de fotografía, Mandy Walker (Lantana, 2001). La actriz de moda Mia Wasikowska (Stoker, 2013), protagoniza este docudrama en el que también actuará otra de las jóvenes promesas de Hollywood, el actor Adam Driver (Frances Ha, 2012). Junto a ellos estarán Emma Booth (Swerve, 2011) y Rainer Bock (Passion, 2012). El director, John Curran, regresa tras las malas críticas logradas con su último filme, Stone (2010), que, pese a contar con Robert De Niro y Edwar Norton, no logró la acogida esperada, por lo que intentará redimirse con esta aventura sobre la superación personal. Tras su paso por el Festival de cine de Venecia, Toronto y Londrés, la cinta será estrenada en Reino Unido el 25 de Abril.

Fuente| The Film Stage
Texto| Alberto Sáez Villarino

por Redacción EAM
noviembre 24, 2013

Tráiler | Tracks, de John Curran

por Redacción EAM | noviembre 24, 2013

Lo que prometía ser una noche de sexo, drogas y diversión para un grupo de jóvenes en una fiesta de piscina, se transforma en una descontrolada orgía de terror y violencia. Mientras el alcohol disminuye y el número de muertos aumenta, la película se vuelve más oscura y depravada. El tráiler nos muestra una enigmática mezcla de humor negro, sadismo, erotismo y fanatismo religioso, todo, con una canción infantil de fondo bastante desconcertante. El filme cuenta con un reparto liderado por Sasha Ramos, Erin Cline y Catherine Trail. Tras su paso, durante más un año, por una innumerable cantidad de festivales de cine independiente, y después de alzarse con el galardón a la mejor película en el festival de cine de Nueva York, la mejor película cómica de terror en el festival de Chicago y muchos más premios en diversos certámenes, la cinta dirigida por Thomas L. Phillips, saldrá a la venta en DVD el 4 de febrero de 2014. 

Fuente| Quite a Conundrum

Texto| Alberto Sáez Villarino

por Redacción EAM
noviembre 24, 2013

Tráiler | Quite a Conundrum, de Thomas L. Phillips

por Redacción EAM | noviembre 24, 2013

La mujer pantera | Cat People, de Jacques Tourneur, 1942. Num. 26.

No pasan los años para el género de terror. Desde que el cine apareció en nuestras vidas, sucesivas generaciones de espectadores han mantenido intacta esa fascinación por el arte de pasar miedo delante de una pantalla con la misma intensidad del primer día. Míticas compañías como los estudios Universal, la británica Hammer o la entrañable factoría Corman aterrorizaron a nuestros abuelos del mismo modo que James Wan lo hace en la actualidad con Insidious o Expediente Warren. Es un auténtico placer sumergirse en las antologías del género y disfrutar de los giallos de Mario Bava, el gore excesivo de Lucio Fulci, las elegantes adaptaciones de Poe a cargo de Roger Corman o los sangrientos slashers ochenteros que precedieron a La noche de Halloween. Casas encantadas que esconden pasados de lo más escabrosos, monstruos de las más variadas procedencias, alienígenas del espacio exterior con muy malas intenciones, muertos que vuelven a la vida y posesiones demoníacas son algunas de las variantes que gozan de más seguidores entre el público ávido de pasarlo mal ante la pantalla. En El antepenúltimo mohicano queremos hacer una pequeña recopilación de 150 títulos que, en mayor o menos proporción, han dejado su huella en el género. Algunas por sus innegables cualidades cinematográficas, otras por su capacidad de crear personajes icónicos –muchos de estos éxitos han tenido perpetuidad en multitud de secuelas o han conocido nuevas versiones–. No están todas las que son ni son todas las que están, pero seguro que las siguientes obras han provocado más de una pesadilla al espectador.

* Nuevas incorporaciones.

150. MUÑECO DIABÓLICO | 1988. USA. Tom Holland.*
149. LA NIEBLA DE STEPHEN KING | 2007. USA. Frank Darabont.
148. JEEPERS CREEPERS | 2001. USA. Victor Salva.
147. LOS VIAJEROS DE LA NOCHE | 1987. Estados Unidos. Kathryn Bigelow.*
146. NOCHE DE MIEDO | 1985. Estados Unidos. Tom Holland.*
145. PIRAÑA | 1978. USA. Joe Dante.
144. SINISTER | 2012. Estados Unidos. Scott Derrickson.*
143. A SERBIAN FILM | 2010. Serbia. Srdjan Spasojevic.*
142. NO RESPIRES | 2016. Estados Unidos. Fede Álvarez.*
141. LA HORDA | 2009. Francia. Yannic Dahan, Benjamin Rocher.*
140. LA VISITA | 2015. Estados Unidos. M. Night Shyamalan.*
139. STAKE LAND | 2010. Estados Unidos. Jim Mickle.*
138. INSIDIOUS | 2010. Estados Unidos. James Wan.*
137. AL INTERIOR | 2007. Francia. Alexandre Bustillo, Julien Maury.*
136. THE LORDS OF SALEM | 2012. Estados Unidos. Rob Zombie.*
135. CANDYMAN | 1992. USA. Bernard Rose.
134. SCANNERS | 1981. Canadá. David Cronenberg.
133. VIERNES 13 | 1980. USA. Sean S. Cunningham.
132. CREEPSHOW | 1982. USA. George A. Romero.
131. EL ENTE | 1982. USA. Sidney J. Furie.
130. THE NEON DEMON | 2016. Francia. Nicolas Winding Refn.*
129. TRAIN TO BUSAN | 2016. Corea del Sur. Yeon Sang-ho.*
128. CROMOSOMA 3 | 1979. Canadá. David Cronenberg.*
127. LA CENTINELA | 1977. Estados Unidos. Michael Winner.*
126. LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA | 1972. Estados Unidos. Wes Craven.*
125. TÚ ERES EL SIGUIENTE | 2011. Estados Unidos. Adam Wingard.*
124. LOS RENEGADOS DEL DIABLO | 2005. USA. Rob Zombie.
123. MARTYRS | 2008. Francia. Pascal Laugier.*
122. EDEN LAKE | 2008. Reino Unido. James Watkins.*
121. REC | 2007. España. Jaume Balagueró, Paco Plaza.*
120. CRONOS | 1993. México. Guillermo del Toro.*
119. AQUARIUS | 1987. Italia. Michele Soavi.*
118. LA CABAÑA EN EL BOSQUE | 2011. USA. Drew Goddard.
117. EL ANSIA | 1983. Estados Unidos. Tony Scott.*
116. RE-ANIMATOR | 1985. USA. Stuart Gordon.
115. LA MANSIÓN ENCANTADA | 1963. Reino Unido. Robert Wise.
114. 28 DÍAS DESPUÉS | 2002. Reino Unido. Danny Boyle.
113. NOSFERATU | Alemania. 1979. Werner Herzog.*
112. EL HOMBRE INVISIBLE | 1933. USA. James Whale.
111. MANIAC | 1980. USA. William Lustig.
110. LA MOMIA | 1932. USA. Karl Freund.
109. HIDDEN: LO OCULTO | 1987. USA. Jack Sholder.
108. CARRETERA AL INFIERNO | 1986. USA. Robert Harmon.
107. TERROR EN AMITYVILLE | 1979. USA. Stuart Rosenberg.
106. MUÑECOS INFERNALES | 1936. Estados Unidos. Tod Browning.*
105. EL HOMBRE LOBO | 1941. USA. George Waggner.
104. PHANTASMA | 1979. USA. Don Coscarelli.
103. ALTA TENSIÓN | 2003. Francia. Alexandre Aja.
102. ARRÁSTRAME AL INFIERNO | 2009. USA. Sam Raimi.
101. VINIERON DE DENTRO DE… | 1976. Canadá. David Cronenberg.
100. DEMONS | 1985. Italia. Lamberto Bava.
099. LA INVITACIÓN | 2015. Estados Unidos. Karyn Kusama.*
098. ANTICRISTO | 2009. Dinamarca. Lars von Trier.*
097. THE HOST | 2006. Corea del Sur. Bong Joon-ho.*
096. AUDITION | 1999. Japón. Takashi Miike.*
095. BONE TOMAHAWK | 2015. Estados Unidos. S. Craig Zahler.*
094. EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR | 1999. USA. Daniel Myrick, Eduardo Sánchez.
093. GARRAS HUMANAS | 1927. Estados Unidos. Tod Browning.*
092. LAS COLINAS TIENEN OJOS | 1977. USA. Wes Craven.
091. NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS | 1972. Italia. Jorge Grau.
090. EL HOMBRE Y EL MONSTRUO | 1931. USA. Rouben Mamoulian.
089. BRAINDEAD | 1992. Nueva Zelanda. Peter Jackson.
088. BABADOOK | 2014. Australia. Jennifer Kent.*
087. BAHÍA DE SANGRE | 1971. Italia. Mario Bava.*
086. SCREAM | 1996. USA. Wes Craven.
085. SAW | 2004. USA. James Wan.
084. LA CAÍDA DE LA CASA USHER | 1960. USA. Roger Corman.
083. SEIS MUJERES PARA EL ASESINO | 1964. Italia. Mario Bava.*
082. ROJO OSCURO | 1975. Italia. Dario Argento.
081. LA POSESIÓN | Francia. 1981. Andrzej Zulawski.*
080. THE DESCENT | 2005. Reino Unido. Neil Marshall.
079. HELLRAISER | 1987. Reino Unido. Clive Barker.
078. LOS DEMONIOS | 1971. Reino Unido. Ken Russell.*
077. PHENOMENA| 1984. Italia. Dario Argento
076. DARK WATER | 2002. Japón. Hideo Nakata.
075. LA BRUJA | 2015. Estados Unidos. Robert Eggers.*
074. EN COMPAÑÍA DE LOBOS | 1984. Reino Unido. Neil Jordan.
073. LOS OTROS | 2001. España. Alejandro Amenábar.
072. LA NIEBLA | 1980. USA. John Carpenter.
071. LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA | 1953. USA. André De Toth.
070. EL MAS ALLÁ | 1981. Italia. Lucio Fulci.
069. EL PUEBLO DE LOS MALDITOS | 1960. Reino Unido. Wolf Rilla.
068. CUBE | 1997. Canadá. Vincenzo Natali.
067. EXPEDIENTE WARREN | 2013. USA. James Wan.
066. ZOMBIE | 1978. USA. George A. Romero.
065. EL VIYI | 1967. URSS. Georgi Kropachyov, Konstantin Yershov.*
064. MISERY | 1991. USA. Rob Reiner.
063. LA MOSCA | 1958. USA. Kurt Neumann.
062. DRÁCULA | 1958. Reino Unido. Terence Fisher.
061. LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA | 1932. USA. Victor Halperin.
060. ENTREVISTA CON EL VAMPIRO | 1994. USA. Neil Jordan.
059. LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN | 1957. Reino Unido. Terence Fisher.
058. AMANECER DE LOS MUERTOS | 2004. USA. Zack Snyder.
057. EL DIABLO SOBRE RUEDAS | 1971. USA. Steven Spielberg.
056. IT FOLLOWS | 2014. Estados Unidos. David Robert Mitchell.*
055. POLTERGEIST | 1982. USA. Tobe Hooper.
054. EL HOMBRE CON RAYOS X EN LOS OJOS | 1963. USA. Roger Corman.
053. EL OTRO| 1972. USA. Robert Mulligan.
052. AULLIDOS | 1981. USA. Joe Dante.
051. PESADILLA EN ELM STREET | 1984. USA. Wes Craven.
050. LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS | 1978. USA. Philip Kaufman.
049. DRÁCULA | 1931. USA. Tod Browning, Karl Freund.
048. RINGU | 1998. Japón. Hideo Nakata.
047. POSESIÓN INFERNAL | 1981. USA. Sam Raimi.
046. ¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO? | 1976. España. Narciso Ibáñez Serrador.
045. DÉJAME ENTRAR | 2008. Suecia. Tomas Alfredson.
044. LA NOVIA DEL DIABLO | 1968. Reino Unido. Terence Fisher.
043. EL SEXTO SENTIDO | 1999. USA. M. Night Shyamalan.
042. UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES | 1981. Reino Unido. John Landis.
041. LA TORRE DE LOS SIETE JOROBADOS | 1944. España. Edgar Neville.
040. SUSPIRIA | 1976. Italia. Dario Argento.
039. LA MOSCA | 1986. USA. David Cronenberg.
038. AL FINAL DE LA ESCALERA | 1980. Canadá. Peter Medak.
037. FAUSTO | 1926. Alemania. F.W. Murnau.*
036. EL HOMBRE DE MIMBRE | 1973. Reino Unido. Robin Hardy.*
035. DRÁCULA DE BRAM STOKER | 1992. USA. Francis Ford Coppola.
034. LA PROFECÍA| 1976. USA. Richard Donner.
033. EL CARNAVAL DE LAS ALMAS | 1962. Estados Unidos. Herk Harvey.*
032. REPULSIÓN | 1965. Reino Unido. Roman Polanski.
031. LA NOVIA DE FRANKENSTEIN | 1935. USA. James Whale.
030. YO ANDUVE CON UN ZOMBIE | 1943. USA. Jacques Tourneur.
029. LA MÁSCARA DEL DEMONIO | 1960. Italia. Mario Bava.
028. LA NOCHE DE HALLOWEEN | 1978. USA. John Carpenter.
027. LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS | 1956. USA. Don Siegel.
026. LA MUJER PANTERA | 1942. USA. Jacques Tourneur.
025. VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO | 1922. Alemania. Carl Theodor Dreyer.*
024. LA PARADA DE LOS MONSTRUOS | 1932. USA. Todd Browning.
023. LA HORA DEL LOBO | 1968. Suecia. Ingmar Bergman.*
022. EL FANTASMA DE LA ÓPERA | 1925. Estados Unidos. Rupert Julian.*
021. LOS OJOS SIN ROSTRO | 1960. Francia. Georges Franju.*
020. EL GOLEM | 1920. Alemania. Carl Boese, Paul Wagener.
019. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES | 1968. USA. George A. Romero.
018. EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO | 1960. Reino Unido. Michael Powell. *
017. ONIBABA | 1964. Japón. Kaneto Shindô.*
016. EL QUIMÉRICO INQUILINO | 1976. Francia. Roman Polanski.*
015. EL DOCTOR FRANKENSTEIN | 1931. USA. James Whale.
014. SUSPENSE | 1961. Reino Unido. Jack Clayton.
013. EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI | 1920. Alemania. Robert Wiene.
012. EL MÁS ALLÁ | 1964. Japón. Masaki Kobayashi.
011. NOSFERATU | 1922. Alemania. F.W. Murnau.

10. LA COSA

The Thing, 1982. USA. John Carpenter.

Maestro de la serie B en el cine fantástico de las últimas cinco décadas, John Carpenter merece estar en el top con muchos de sus títulos, pero su obra maestra siempre será este espectacular remake de El enigma de otro mundo (1951) de Christian Nyby, al que logró superar en todos los aspectos. Los magníficos efectos especiales y la lograda sensación de claustrofobia e incertidumbre son sus mayores bazas.

9. CARRIE

1976. USA. Brian De Palma.

Brian De Palma hizo un gran trabajo con la primera novela de Stephen King trasladada al cine, tanto a nivel visual –el tramo final en el que Carrie lleva a cabo su terrible venganza es absolutamente modélico– como a la hora de dirigir a sus actores, especialmente unas Sissy Spacek y Piper Lauirie pletóricas. Su enorme éxito propició que todos los libros de King fueran pasando por la gran pantalla, con mayor o menor fortuna.

8. LA MATANZA DE TEXAS

The Texas Chain Saw Massacre, 1974. USA. Tobe Hooper.

Película de culto para los amantes del terror más gore, realizada con un presupuesto ínfimo pero gran creatividad y entusiasmo. Nos presentó a uno de los “monstruos” más icónicos del género, Leatherface, que con su sierra eléctrica provocó las mayores pesadillas entre los adolescentes de los 70. Conoció multitud de secuelas, remakes y sucedáneos varios, aunque ninguno ha soportado tan bien el paso de los años como la original de Tobe Hooper.

7. LA SEMILLA DEL DIABLO

Rosemary's Baby, 1968. USA. Roman Polanski.

Mia Farrow estuvo espléndida sufriendo el embarazo más inquietante de la historia del cine en este clásico del terror en su vertiente de brujería y satanismo, que adaptó una novela de Ira Levin. Su mayor acierto residió en la opresiva atmósfera de pesadilla que envuelve a sus imágenes, huyendo del horror más explícito para tomar unos caminos más cercanos al drama psicológico.

6. LOS PÁJAROS

The Birds, 1963. USA. Alfred Hitchcock.

Considerada por muchos como la última obra maestra del maestro del suspense, esta película logró que millones de espectadores miraran al cielo al salir de los cines durante los 60. La bellísima Tippi Hedren fue la perfecta musa rubia de Hitchcock y sus momentos más impactantes, como el ataque de los pájaros al pueblo de Bodega Bay, no han perdido ni un ápice de su efectividad medio siglo después de su estreno.

5. TIBURÓN

Jaws, 1975. USA. Steven Spielberg.

El primer gran éxito de taquilla del rey Midas de Hollywood hizo que las playas norteamericanas se quedaran desiertas de bañistas allá por 1975. Un excelente trío de actores (Roy Scheider, Richard Dreyfuss y Robert Shaw) y un escualo mecánico fueron las herramientas de Spielberg para entregar su primera obra maestra, todo un prodigio de la creación de suspense cuya escena de apertura ya ha pasado a las antologías. Gran parte de la culpa la tuvo la mítica música de John Williams.

4. EL RESPLANDOR

The Shining, 1980. USA. Stanley Kubrick.

Controvertida y genial a partes iguales, esta adaptación de la novela de Stephen King por parte del excéntrico Kubrick fue muy criticada por el propio escritor, al mismo tiempo que el público salió encantado de los cines con la desatada interpretación de un Jack Nicholson en estado puro, que retrató como nadie la esquizofrenia del personaje de Jack Torrance. Visualmente, la película alcanza una perfección fuera de toda duda.

3. ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

Alien, 1979. USA. Ridley Scott.

“En el espacio nadie puede oír tus gritos”, rezaba en la publicidad de esta obra maestra de la ciencia ficción más terrorífica. Sigourney Weaver se convirtió, de la noche a la mañana, en una auténtica estrella gracias al personaje de la aguerrida teniente Ripley y la escena del alien surgiendo del interior de John Hurt supuso un auténtico impacto en su momento. Fue el inicio de una de las franquicias más exitosas del género.

2. PSICOSIS

Psycho, 1960. USA. Alfred Hitchcock.

Anthony Perkins realizó el papel de su vida como el atormentado Norman Bates en el título más famoso (que no el mejor) de Hitchcock, que adaptó una novela de Robert Bloch. Elegantemente fotografiada en blanco y negro y con una poderosa banda sonora del gran Bernard Herrmann, la cinta siempre será recordada por la escena del asesinato de Janet Leigh en la ducha. Desde entonces, muchos no corren la cortina a la hora del baño.

1. EL EXORCISTA

The exorcist, 1973. USA. William Friedkin.

Una de las películas más taquilleras del cine de terror y referente obligado a la hora de hablar de posesiones demoníacas en la gran pantalla, El exorcista mantiene toda su capacidad de incomodar y aterrorizar al espectador cuarenta años después de su estreno, no solo por su violencia gráfica, inaudita para la época, sino a través de un modélico guion de William Peter Blatty sobre su propia novela.

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