HOMO ‘CHUACHE’
El último desafío (The Last Stand, Kim Ji-woon, 2012)

El emplazamiento de la cámara es vital a la hora de generar sensaciones en el espectador. Posee un lenguaje propio destinado a cohesionar los distintos elementos que componen el plano: dar puntada sin hilo o, en su defecto, dudar puede intervenir nocivamente en la consecución de esa secuencia embaucadora. Por eso los mejores cineastas son proclives a dejar huella en nuestro disco duro; porque dominan mejor que nadie los aspectos básicos de la estética emocional, el volátil “no existen fórmulas, sino trucos que ensanchan o contraen nuestro pecho”. Tal vez la industria surcoreana –con sus reservas lógicas, por supuesto— sea un buen ejemplo del conocimiento casi quirúrgico del encuadre y el ritmo que impulsan las acciones en pantalla. Aunque tampoco entrabas a desgranarlo después de ver A Bittersweet Life, dirigida por Kim Ji-woon. Un noir afilado y abrasador como el hierro candente. Dentro de ella se disponían varías gradaciones formales que, de alguna manera, evocaban aquella jungla hiperviolenta de los gánsters italoamericanos de Scorsese (quien, por cierto, le debe su Oscar por Infiltrados al filme chino Infernal Affairs), deudora a su vez de un thriller atávico con poso existencialista. Allí, en el epicentro del relato, permanecías boquiabierto ante golpes y venganzas que parecían surgir del Infierno mismo. Y ocurría igual en su siguiente filme, Encontré al diablo, cuyo movimiento pendular se antojaba demoledor y terrorífico. Su secuencia de apertura —gracias a la precisión sádica del realizador— era más gélida que la propia manta de nieve que cubría la carretera a través de un cerro oscuro en mitad de la negra noche. El peor lugar para quedarte tirado; el lugar perfecto para que ese psicokiller —el demonio más cruel del cine moderno—, interpretado por un intimidante Choi Min-sik, acuda en auxilio de una chica que jamás hubiese imaginado tal horror.

por Anónimo
enero 31, 2013

EL ÚLTIMO DESAFÍO (THE LAST STAND) | CRÍTICA

por Anónimo | enero 31, 2013

LA SOMBRA DEL CUERVO
Hitchcock | Sacha Gervasi, 2012

     Una abultada figura se perfila a contraluz. Su barriga dibuja un balón de playa; su nariz, un gancho que descubre físicamente los complejos de ese artista de origen cockney. Avanza con tranquilidad proyectando su reconocible sombra. Se llama Alfred Hitchcock y dirige películas de suspense, artefactos perversos que escarban sin pudor en las vergüenzas mismas del ser humano. En su lado oscuro, también. Y sin embargo, Hitchcock mantiene el quid pro quo con los espectadores: diversión a cambio de reconocimiento. Porque Hitchcock —sesenta años de vida y cincuenta y nueve largometrajes tras de sí en el momento de rodar Psicosis— es ante todo un ególatra superior, consentido a duras penas por esa maestría que se le presupone antes de concederle financiación. Estamos ante alguien que ha trascendido ya los parámetros vulgarmente matemáticos que muchos utilizan para analizar este lenguaje en expansión. Hitchcock, el icono, es refractario al desprestigio, pues sólo ciertos necios se atreven a cuestionar una trayectoria casi modélica detrás de la cámara, desde sus trabajos como diseñador de créditos o director artístico hasta las cimas alcanzadas con títulos como Extraños en un tren, Vértigo —malinterpretada en determinados círculos intelectuales— y Con la muerte en los talones. Hitchcock, el hombre bajo el traje y la corbata, vive pendiente de las críticas, convencido de que los ignorantes que critican destructiva o vagamente sus obras están equivocados, de que no saben apreciar sus virtudes. Así, cuando los demonios acechan y la vanidad amenaza con cegarle, tan sólo puede recurrir a una persona: su querida Alma. O sea, la mujer que soportó su neurosis durante largas décadas de convivencia bajo el mismo techo, y quien ofició también de pareja intelectual, o sea creativa durante más de treinta años. Alma revisaba y corregía y aconsejaba y metía lupa en todos y cada uno de los libretos que caían en manos de Hitchcock. Digamos que Alma cumplía sobradamente la función metafórica de su nombre (no obstante, mostraba grandes aptitudes a la hora de pulir argumentos y desarrollos necesitados de vitaminas).

por Anónimo
enero 31, 2013

HITCHCOCK | CRÍTICA

por Anónimo | enero 31, 2013

‘Blood Brother’, de Steve Hoover

U.S. documentary competition winner.

     El pasado domingo terminó la trigésima edición de Sundance con un torbellino de sensaciones. La primera y principal es que parece que 2013 traerá buenas películas independientes de nuevo. Eso sí, es pronto para pronosticar su recorrido; mucho dependerá de su paso por los diferentes certámenes de Clase A. La segunda, es el nuevo triunfo de la temática racial. Voces críticas se han alzado ante la elección de ‘Fruitvale’ como mejor película, no por la calidad de ésta –que ha conseguido buenas opiniones, aunque sin unanimidad – sino porque parece que Sundance es un coto privado al cine de autoría y materia afromericana y no el ejemplo de originalidad que prodiga. Muchos menos debates ha generado la ganadora en la categoría de documental nacional, ‘Blood Brother’, que es, desde ya, una de las candidatas al Oscar 2014 en su apartado. Ahora queda esperar que filmes desembarcarán en el viejo continente y con qué tipo de distribución. A priori, sólo cintas como ‘Before Midnight’, ‘Ain’t Them Bodies Saint’ y ‘Upstream Color’ tienen garantizada esa plaza. A partir de primavera lo conoceremos. Como es habitual, tras un gran festival toca hacer balance. Desde El antepenúltimo mohicano elegimos los diez largometrajes más interesantes de está edición del festival indie por excelencia. En unos días marcharemos a Rotterdam, ese recoveco para el cine experimental, equivalente al evento de Utah en Europa. A continuación, las diez de Sundance’13.

por Emilio M. Luna
enero 30, 2013

SUNDANCE 2013 | LAS 10 MEJORES PELÍCULAS

por Emilio M. Luna | enero 30, 2013

el dato: los galardones más importantes de la industria de animación. En activo desde 1972. Es su 40ª edición.

el pasado año: venció ‘Rango’, de Gore Verbinski. Listado de ganadores.

apuntes: ‘Rompe Ralph’ se apunta un nuevo tanto. Su rival en los Oscar parece ‘ParaNorman’. Tim Burton se va de vacío.

por Emilio M. Luna
enero 30, 2013

ANNIE AWARDS 2012

por Emilio M. Luna | enero 30, 2013

“El ser humano sometido a la necesidad extrema es conducido hasta el límite de sus recursos, y al infortunio para todos los que transitan por este camino.

por Unknown
enero 30, 2013

LIBROS DE CINE | LOS MISERABLES

por Unknown | enero 30, 2013

LA EXPLORACIÓN DE UNA IDENTIDAD
Laurence Anyways (Xavier Dolan, 2012)

     En uno de los primeros planos de esta película (o, para ser más precisos, en el primer primer plano de la misma), un joven sigue con su mirada el movimiento de la cámara, tras la cual camina una persona que previsiblemente llama la atención de todo el mundo. El efecto es similar al que dicen que produce La Mona Lisa, cuando su espectador camina delante del cuadro y siente la mirada incesante de la dama del lienzo. Poco después, aunque diez años antes en la cronología de la película, vemos este cuadro colgado de la pared de la habitación del protagonista. Más que afortunada coincidencia, este paralelismo nos deja entrever la intuición y la contundencia que presiden el tercer largometraje de Xavier Dolan. Con solo veintitrés años, este cineasta canadiense tiene efectivamente ya tres títulos en su haber, con los que ha conseguido labrarse de forma sorprendentemente prematura un nombre en el circuito festivalero, obteniendo reconocimiento en Cannes para todos ellos. En Laurence Anyways (2012) mantiene sus preocupaciones temáticas en torno a la sexualidad, pero dando un paso más allá en el enfoque de la misma. Así, nos cuenta la historia de una mujer atrapada en el cuerpo de un hombre, centrada en su relación con otra mujer. El primer personaje es un profesor al que eventualmente despiden cuando decide feminizar su atuendo, pero su pareja no le abandona tan rápidamente. En un principio actúa de forma moderna y desprejuiciada, animándole en su transformación, pero pronto se da cuenta de que no está siendo sincera consigo misma. Los dos se quieren con pasión pero la convivencia entre ellos acaba siendo imposible... Todo ello se nos narra durante una década que transcurre sobretodo en el Canadá francófono pero también en las cercanías de París.

por Ignacio Navarro
enero 29, 2013

LAURENCE ANYWAYS | XAVIER DOLAN, 2012

por Ignacio Navarro | enero 29, 2013

"La valía de un hombre se mide...

por la cuantía de soledad que le es posible soportar."

Nietzsche.

     Siempre nos ha provocado morbo el hecho de observar sin ser vistos. Quizá esa curiosidad por el otro colma nuestra necesidad de no hablar de nosotros, de buscar consuelo en aquello que nos es ajeno, y por ello, sentimos probablemente menos culpabilidad, aflicción o desasosiego. Desprendiéndonos de la superficialidad de un Big Brother de masas, pero manteniendo el objetivo vigilante y omnipresente, el realizador João Canijo nos presenta una película coral con ciertos toques de tragedia griega y marcada por un realismo por momentos hiperrealista. Si a esto añadimos la insistencia de Canijo por buscar un sentimiento patrio (quizá perdido tras la dictadura salazarista), tenemos todos los componentes que conforman esta última cinta del director portugués.

     En lo que se refiere al aspecto narrativo y técnico, parece que Sangue do Meu Sangue (João Canijo, 2011) nos remite a la multipremiada cinta de Jaime Rosales llamada La soledad, puesto que la polivisión ocupa gran parte del metraje. Gracias a ésta, podemos ser testigos de diferentes acciones en un mismo plano. El uso de esta técnica pretende aportar expresividad a la situación. Y no solamente esto, sino que además, se le permite a los espectadores jugar a ser voyeurs, partícipes de escenas paralelas que suceden en la privacidad de una casa. Si el realizador de la cinta española intentaba mostrar con esta fragmentación la incompatibilidad y necesidad de los personajes de vivir juntos, así como el lenguaje secreto del silencio, João Canijo lo utiliza, quizá, para hablar sobre la importancia del lenguaje. En este filme, observamos un ir y venir de personajes que constantemente expresan sus sentimientos, se confiesan, se sinceran, demuestran amor y odio por medio del verbo. Aquí hay poco espacio para el silencio. Pero siempre todo bajo un halo de cotidaneidad, de realismo. De ahí que el realizador haya optado por representar el melodrama como uno propio de televisión, formato en el que estuvo trabajando durante muchos años. Incluso la opción de mostrar diálogos simultáneos aporta una mayor realidad a la acción. Sin embargo, esta normalidad vital está siempre llena de contrastes, que es precisamente lo que hace que, al otro lado de la pantalla, el espectador encuentre interés por todas y cada una de las historias. Mientras a un lado de la escena vemos un acto de cariño, de amor, a otro, el estado anímico es claramente diferente. Por paradójico que parezca, Canijo también nos habla de incomunicación, en medio de tanto diálogo. De hecho, la violencia tratada se antoja como producto inevitable de ese aislamiento. Tan paradójico como el hecho de que el director haya escogido ese título que predice la unión congénita entre sus personajes, cuando realmente existe entre ellos un distancia (casi) irremediable.

por Anónimo
enero 29, 2013

SANGUE DO MEU SANGUE | JOÃO CANIJO, 2011

por Anónimo | enero 29, 2013

Alice Guy nació en París en el año 1873. Está considerada la primera mujer directora de la historia del cine. Este tipo de afirmaciones son algo tramposas: los inicios del cinematógrafo son un descubrimiento constante y no sería de extrañar que en cualquier momento apareciera otro nombre que le arrebatara el puesto. Pero mientras esto no suceda, Alice Guy es la primera. Una auténtica pionera no solo en el campo de la dirección cinematográfica, sino en el uso del color y el sonido en sus películas. Aquí siguiendo los pasos de la productora en la que trabajó en sus inicios, la Gaumont, en la cual se forjó como autora. Alice comenzó trabajando como secretaria de Léon Gaumont en 1885 cuando este se dedicaba a la construcción de equipos fotográficos. En 1896 Gaumont perfecciona una cámara de cine y funda la productora que llevaba su apellido como insignia: la Gaumont. En 1896 Alice pasó a escribir y dirigir películas para esta compañía. Tenía veinticuatro años. Ella misma narra cómo se dirigió a su jefe proponiéndole contar con imágenes una historia para diversión de sus amigos. Así, de forma tan sencilla, consideran algunos que nació el cine en su forma narrativa. Eso dicen, porque la leyenda aumenta día a día y los logros de Alice Guy se multiplican a cada nuevo artículo que sobre ella se escribe.

El colgarle inventos parece en ocasiones más fruto de los articulistas buscando algo original sobre lo que escribir que un homenaje sensato y leal hacia su recuerdo. Así, en lo referente a que ella rodó la primera película con estructura narrativa, no olvidemos que la productora de Edison ya en el temprano 1895 había realizado una breve, de 14 segundos, con actores representando una escena de época: The Execution of Mary, Queen of Scots. Un plano en el que ya vemos el gusto por lo macabro y las ganas de impactar al público de los pioneros. Si leéis sobre que Alice Guy también inventó los efectos especiales adelantándose al mismo Georges Méliès, no dejéis de ver este pequeño filme que ya los utiliza antes que ellos. El truco consiste en detener la filmación y cambiar algún elemento del decorado o de los actores y volver a filmar provocando así que parezca que los objetos se mueven por sí mismos, que alguien aparece o desaparece, que los vestidos se quitan y se ponen solos, en fin, un recurso que sería utilizado en infinidad de ocasiones. El cine era entonces magia de verdad. En la película de Edison el corte lleva al cambio imperceptible de la actriz que interpreta a la pobre María Estuardo por un muñeco con sus ropas, al cual el verdugo corta implacable la cabeza con un hacha. No contento con esto, recoge el sangriento trofeo del suelo y lo muestra ufano a cámara.

The Execution of Mary, Queen of Scots (1895)

El hada de las coles, La fée aux choux (1896)

Le pêcheur dans le torrent (1897)

Heroine (1907)

La fiebre reivindicativa habitual de un personaje que se ha mantenido en la oscuridad ha llevado a algunos a convertirla, ya lo he dicho, en inventora de prácticamente todo. Las fechas de producción en los inicios del cine son la mayoría de las veces aproximados, y una diferencia de tres o cuatro años, en ocasiones mucho menos, convierten al descubridor de algo en mero compañero de aventuras. Como si esto fuera poco. Así, su primera película ha sido considerada de siempre La fée aux choux (El hada de las coles), fechada en 1896. Pero una reciente edición en dvd por Kino International en su colección Gaumont Treasures de 64 de sus cortos y películas la fecha en 1900. Esto haría temblar las afirmaciones que consideran este filme el primero en mostrar una historia narrada. Apenas un minuto en el cual vemos a una joven hada sacando niños de entre las coles de un huerto. Que sea la primera o no en cualquier caso nos da igual. Admiramos a Alice Guy por encima de ser la primera en lo que sea. Incluso por encima de ser mujer. La admiramos por lo que admiramos a todos los pioneros del cine: por ser ellos los que abrieron fuego en un arte que en esos inicios no era considerado como tal. Como los pocos artículos que he leído sobre ella son algo inconsistentes con las fechas, y en ocasiones de manera directa demuestran no haber visto ni una de sus películas cuando las resumen, tomaré como base para la datación de las mismas esta colección de la Kino que recopila material restaurado por filmotecas y productoras de diversas partes del globo. Hasta el año 1907 Alice Guy dirigió de todo: películas narrativas, documentales y números musicales sonorizados por el sistema del cronomegáfono, un invento patentado en el año 1905. Este sistema consistía en la grabación de, por lo general, un número musical con un enorme megáfono que reproducía la música. A la película se le añadía una banda de sonido que coincidía con las imágenes dando la sensación de ser sonido recogido en directo. Era además costumbre en el cine mudo la utilización de grandes megáfonos para reproducir música que sirviera de ambientación para las escenas que se iban a rodar, así como la utilización de sonidos o a los mismos actores reproduciendo un texto relacionado con lo rodado. Esto último, que parece evidente, no siempre era tenido en cuenta. En ocasiones se dejaba al actor que dijera lo que le viniera en gana, lo cual desembocaba en desastre si el público era capaz de interpretar, por el movimiento de los labios, la inconveniencia de algunas palabras.

La primera película recogida en la edición de Kino es Le pêcheur dans le torrent (1897). En un único plano general fijo, observamos a un pescador que ve turbada su tarea con la llegada de unos jóvenes bañistas. Les reprende y solo consigue que todos acaben enzarzados en una pelea. 46 segundos que muestran ya una de las líneas temáticas de Alice: la del humor. Un humor que busca siempre al gran público, supuestamente el poco formado intelectualmente que acudía a las proyecciones cinematográficas: chistes fáciles, de humor grueso, asilvestrado en muchas ocasiones, y plagado de golpes, porrazos y peleas sin cuento. En fin, lo que nos hace reír a todos, para qué nos vamos a engañar. En Challerie et charcuterie automatiques (1900) podemos ver una máquina por cuya entrada, dispuesta en la parte superior, dos hombres introducen gatos y perros; por la inferior salen, por un lado, sombreros, y por el otro chorizos o salchichas. Una idea digna del Profesor Franz de Copenhague para Los grandes inventos del TBO con un toque a lo Ambrose Bierce en su magnífico y brutal relato Aceite de perro (Oil of Dog, 1911). Otro corto que destaca de entre todos aquellos rodados para descacharre del personal es Chirurgie fin de siécle (1900), en el cual unos médicos operan a un paciente así como a lo finolis, cortando brazos y piernas con sierras, tijeras y un enorme cuchillo. Una vez cortados los miembros los introducen en un cubo. Pero no termina aquí, claro: de un bote gigantesco sacan las piezas de recambio y las pegan con cola al cuerpo del paciente. La gran broma final es que al despertar de la anestesia los nuevos miembros tienen vida propia, se mueven de manera loca cada uno por su lado provocando que el hombre, nada más ponerse en pie tras la operación, se contorsione de manera espasmódica. Ya veis que eso del gore es tan viejo como el propio cine.

Alice Guy, por Fermín Solís

Los más brillantes en este apartado humorístico son sin embargo dos cortos en los cuales el humor no es tan salvaje, pero sí más efectivo y de construcción más elegante. Los directores de cine ingleses (a la cabeza de ellos R. W. Paul y Cecil Hepworth junto a los miembros de la escuela de Brighton, James Williamson y G. A. Smith) a finales del siglo XIX y principios del XX revolucionaron el lenguaje cinematográfico con grandes avances narrativos que Alice aplicó con excelentes resultados desde bien pronto. En especial el uso del raccord para los cambios de escena y la continuidad de la historia alejándola del recurso teatral del escenario único. Ya lo podemos comprobar en películas anteriores, pero en estas dos Alice se muestra inspirada de manera especial. En Une héroine de quattre ans (1907) una niñera se queda dormida en el parque y la niña a la que está vigilando se escapa recorriendo la ciudad sin miedo alguno. Son geniales todos los divertidos momentos en los cuales la niña se dedica a escarmentar maleantes, a ayudar a ciegos y ancianitas a cruzar la calle y, en fin, a hacer el bien por doquier. Y Le piano irrésistible (1907), donde un nuevo vecino llega al vecindario y trae con él un piano. Empieza a tocar y al principio todos se muestran molestos por el ruido, pero al poco de escuchar la música es imposible no empezar a bailar y enloquecer a su ritmo. ¡Hasta los obreros de la mudanza se ponen a bailar como posesos! Cuando al fin el pianista, agotado, deja de tocar, todos los vecinos, que han ido hasta su casa para bailar a lo loco, lo vuelven a sentar ante el piano y le obligan a que no se detenga.

Así, desde muy pronto Alice Guy comienza a utilizar los recursos que se iban descubriendo en la narrativa cinematográfica. Trucos que hoy nos parecen simples y sencillos pero que entonces resultaron toda una sorpresa y siempre eran efectivos entre el público. No era otro el objetivo de estos primeros artistas del cinematógrafo: entretener y sorprender, lejos en todo momento de considerarse o ser considerados artistas. En Chez le magnétiseur (1898) Alice ya hace uso de los efectos especiales: gracias al ya comentado truco de detener la grabación y volver a rodar con elementos del decorado alterados, Alice nos muestra la actuación de un hipnotizador en el salón de su casa. Una joven a la cual viste, desviste, le cambia la ropa de forma mágica por la de su novio militar que entra en escena bastante enfadado… Un cortometraje que parece continuar en Scène d’escamotage (1898), rodado en el mismo escenario y en el cual el hipnotizador de marras realiza artimañas propias de prestidigitador, haciendo desaparecer a una chica y mostrando en su lugar a un mono, volatilizándolo a su vez para al final volver a mostrar a la chica. Va un poquito más lejos en el sorprendente Faust et Méphistophélès (1903), donde se condensa la obra de Goethe en menos de dos minutos llenando el escenario de apariciones mágicas, demonios, fantasmas de los de sábana blanca y un saludo final al público como si todos se hallaran en el escenario de un teatro (algo nada extraño en estos primeros años del cinematógrafo). La más conocida y sorprendente de estas películas de trucos de Alice Guy quizá sea La charité du prestidigitateur (1905). En ella un mago decide ayudar a un vagabundo y le concede ropas, un opíparo banquete mágico en mitad de la calle y dinero, pero en cuanto el vagabundo se ve rico y bien vestido negará su ayuda a quien le socorrió sin esperar nada a cambio.

En el rodaje de Making an American Citizen (1912)

Como ya se ha dado a entender, no había ni de lejos la más mínima pretensión autoral en estos pioneros del cine. Tratar de definirlos por los temas elegidos para sus películas o por los géneros a los que recurrían es una tarea vana: todos eran válidos. Por esto Alice no dejó de hacer documentales, los tomavistas tan populares en los inicios del cine, la manera más sencilla y barata de viajar para aquellos que no podían hacerlo de verdad. Ni tampoco dejó de lado las historias consistentes en dramas tremebundos, de esos de hacer llorar sin piedad al personal. Rodó hasta películas de guerra. Y todo esto sin olvidar sus experimentos con el sonoro, el rodaje de canciones sincronizadas por el método comentado del cronomegáfono. Se conserva una maravillosa toma del año 1905 en el gran estudio de Buttes-Chaumont de la Gaumont en la que vemos a Alice Guy dirigiendo una de estas grabaciones coordinando a todo el equipo: actores, camarógrafos, eléctricos, iluminadores, la joven encargada de accionar el gigantesco gramófono… Un documento espectacular en el que podemos admirar cómo la falta de intenciones artísticas no eximen de poseer genio. En su documental Espagne (1905) también la atisbamos rodeada de niños sorprendida por su camarógrafo Anatole Thiberville. Compuesto casi en su totalidad de fantásticas panorámicas circulares, todavía hoy Espagne es un trabajo apabullante por la belleza de sus tomas y la vitalidad de todos los cuadros. Madrid, Sevilla, Barcelona, Granada… Desde los monumentos y paisajes más espectaculares hasta los suburbios de chabolas atravesados por cortejos fúnebres, todo parece vivir y vibrar de manera especial en él.

Hasta el año 1907 Alice Guy rodaría más de doscientas películas. Entre ellas la gran superproducción dedicada a narrar el nacimiento, vida y pasión de Cristo con la que la Gaumont pretendía hacer la competencia a la película que sobre el mismo tema había estrenado la productora Pathé bajo la dirección del gran Ferdinad Zecca, Vie et passion de N. S. Jésus-Christ. Los temas bíblicos fueron muy recurridos pues, junto a su popularidad, jugaba a su favor el factor de que permitían contar grandes historias que al ser conocidas por el público hacían muy fácil su comprensión. Alice dirigió La naissance, la vie et la mort de Christ montando varios cuadros en los que se iban mostrando de manera condensada los momentos más famosos del personaje bíblico. Ese mismo año Alice se casa con el director de cine inglés Herbert Blaché y se retira momentáneamente de la dirección. Con él, en 1910, ya en Estados Unidos, formará la productora Solex Company donde volverá con fuerza a su actividad como realizadora cinematográfica. De esta segunda época cabe destacar su emocionante película Falling Leaves (1912), en la cual la base argumental es mostrar la “maravillosa” cura del doctor Earl Headley para la tuberculosis. Pero Guy sabe ir más allá de la convención y muestra momentos muy poéticos jugando con la metáfora de la muerte representada en la caída de las hojas de los árboles. Abandonaría de manera definitiva el mundo del cine en el año 1920. Cuando en 1907 deja la Gaumont, Alice Guy era secretaria de producción además de directora de cine. Gracias a ella se había incorporado, entre otros, a la productora el pionero de la animación Émile Cohl. Como sucesor en su puesto de producción, Alice impuso a un todavía no muy conocido Louis Feuillade. Cuando Guy vuelve a la dirección ya su cine empezaba a resultar viejo precisamente por el trabajo fascinante y rompedor de este último, que con su serial en cinco episodios Fantômas (1912-1913) revolucionaría el mundo del cine antes de que los italianos primero y los norteamericanos poco después impusieran sus respectivas hegemonías. Así también Alice Guy fue una visionaria capaz de apreciar entre sus iguales a aquel que los superaría a todos: Feuillade sería quien por primera vez, y sin que fuera su pretensión, elevaría el cine a niveles artísticos y narrativos hasta entonces impensables.

José Luis Forte

© Revista EAM / Cáceres

Le piano irrésistible (1907)

Scène d’escamotage (1898)

por José Luis Forte
enero 29, 2013

Cineclub | Alice Guy, pionera del cinematógrafo

por José Luis Forte | enero 29, 2013

I MISS YOU...
Como locos (Like Crazy, Drake Doremus, 2011)

     Hubo un tiempo no muy lejano en que cine independiente era sinónimo de buen cine, propuestas arriesgadas y poca ambición comercial. Desde Sexo, mentiras y cintas de video (1989) de Steven Soderbergh, probablemente el título más emblemático de esta corriente, muchas han sido las satisfacciones que nos han llegado desde festivales como el de Sundance, creado para dar un mayor empuje a este tipo de ofertas. Pero también es cierto que el dinero todo lo corrompe y cada vez nos llegan más producciones que intentan vendernos la moto de estilo indie, pero acaban cayendo en los convencionalismos del cine más comercial.

por José Martín León
enero 28, 2013

LIKE CRAZY | DRAKE DOREMUS, 2011

por José Martín León | enero 28, 2013

MADUREZ PREMATURA
Bestias del sur salvaje (Benh Zeitlin, 2012)

     Tuve la ocasión de ver esta película por primera vez en el festival de Sarajevo del verano pasado, y su director Benh Zeitlin estaba presente. Tras la proyección, contestó a algunas preguntas del público, pero no sin antes asegurar que se sentía muy emocionado de estar en una ciudad como Sarajevo y que a su madre le haría también mucha ilusión cuando le detallase la experiencia. Estas palabras eran genuinas: el éxito de la película era todavía reciente y seguramente para él todo estaba transcurriendo mucho más rápido y mejor de lo que podía imaginar, sin que probablemente un año antes previera triunfar en certámenes no solo como el de Sarajevo sino sobretodo como Cannes o Sundance. En efecto, estamos ante la ópera prima de alguien con treinta años recién cumplidos, detrás de la cual hay años de trabajo donde se han abaratado al máximo los costes de producción y se han fichado a actores desconocidos, no sindicados. Solo la suerte y el talento podían pues augurar tal reconocimiento, culminado un año después de su presentación en el citado festival de Sundance, que vive actualmente una nueva edición, en cuatro nominaciones a los Oscar, todas entre las categorías principales.

por Ignacio Navarro
enero 28, 2013

BESTIAS DEL SUR SALVAJE | BENH ZEITLIN, 2012

por Ignacio Navarro | enero 28, 2013

el dato: el primer gran baremo de la temporada. Screen Actors Guild es el gremio de intérpretes americanos que vota los mejores trabajos de sus homólogos esta temporada. Fundado en 1995. Su nivel de acierto con respecto al Oscar es muy elevado.

el pasado año: 'Criadas y señoras' fue elegida como la película con mejor reparto. Jean Dujardin, Viola Davis, Christopher Plummer y Octavia Spencer, otros vencedores.

apuntes: es oficial, ‘Argo’ es la gran favorita al Oscar. Adelanta en el recta final a sus cuatro rivales y se acerca de forma inexorable al Oscar. Tras su triunfo en los premios del gremio de productores e intérpretes, unido a la caída de cintas como ‘Los miserables’ y ‘La noche más oscura’, parece que sólo ‘Lincoln’ le puede hacer sombra. Daniel Day Lewis, Jennifer Lawrence y Anne Hathaway cada vez más cerca de la estatuilla. En televisión, ligera sorpresa por el triunfo de 'Downton Abbey' en drama. ‘Homeland’ se ha tenido que conformar con un nuevo galardón para Claire Danes.

por Emilio M. Luna
enero 28, 2013

SCREEN GUILD ACTORS AWARDS 2013

por Emilio M. Luna | enero 28, 2013

Primer tráiler de la esperada cinta del autor francés.
 Aun tiene pendiente de estreno el documental ‘The We and the I”.

fecha de estreno: 24 de abril en Francia.

director: Michel Gondry.

intérpretes | Audrey Tautou, Romain Duris, Omar Sy, Jamel Debbouze, Gad Elmaleh, Alain Chabat, Vincent Lindon, Jean-Pierre Darroussin, Aïssa Maïga, Natacha Régnier, Philippe Torreton, Charlotte Lebon.

sinopsis | Adaptación de la novela La espuma de los días ("L'écume des jours" en francés) de Boris Vian. Cuenta la historia de una mujer con una enfermedad inusual.

por Emilio M. Luna
enero 27, 2013

EXPRESS | MOOD INDIGO, DE MICHEL GONDRY

por Emilio M. Luna | enero 27, 2013

La ópera prima de Ryan Coogler, ‘Fruitvale’, es la primera gran ganadora del año al obtener el máximo galardón en la trigésima edición del Festival de Sundance. Premio más que esperado que confirma las buenas sensaciones que dejó en su presentación. De hecho, fue una de las primeras películas adquiridas por un gran estudio, en este caso por los hermanos Weinstein que ya han dado muestras más que evidentes de tener buen ojo –y a veces algo más – de cara a la temporada. ‘Fruitvale’, está protagonizada por una de las jóvenes estrellas de ‘Friday Night Lights’ Michael B. Jordan, al que pudimos ver el año pasado en ese hit inesperado llamado ‘Chronicle’. El filme narra la historia de Oscar Grant, un joven de raza negra que fue disparado por la espalda por un policía tras ser detenido por un incidente menor. Apunten este nombre. Ryan Coogler releva en lo más alto del palmarés a Benh Zeiltin que en la pasada edición se llevara todas las loas por ‘Bestias del sur salvaje’, a posteriori Cámara d’or en Cannes y nominada a mejor película en los Oscar.

por Emilio M. Luna
enero 27, 2013

SUNDANCE 2013 | RESUMEN Y PALMARÉS

por Emilio M. Luna | enero 27, 2013

el dato: galardones otorgados por el sindicato norteamericano de productores – fundado en 1962 – tanto televisivos como cinematográficos. Un gremio estrechamente ligado a la categoría principal y cuyos resultados finales tradicionalmente no difieren en demasía.

el pasado año: triunfó ‘The Artist’, de Michel Hazanavicious. ‘Las aventuras de Tintín’ en animación. Y, ‘Beats, Rhyms and Life: The Travels of a Tribe Called Guest’ en documentales. Estas dos últimas no estuvieron nominadas en los Oscar 2012

apuntes: ‘Argo’ logra una victoria vital que solidifica sus opciones de cara al Oscar. Gran sprint final para la cinta de Ben Affleck. Hay que remontarse a 2007 cuando ‘Pequeña Miss Sunshine’ obtuvo el PGA pero el Oscar fuera para ‘Infiltrados’. ‘Slumdog Millionaire’, ‘En tierra hostil’, ‘El discurso del Rey’ y ‘The Artist’ obtuvieron sendos galardones. Parece la gran rival de ‘Lincoln’. En un segundo plano se quedan ‘El lado bueno de las cosas’ y ‘La noche más oscura’. ‘Los miserables’ parece descartada. En el apartado animado triunfo de ‘Rompe Ralph’ más que merecido. Lo mismo ocurre en documental con ‘Searching for a Sugar Man’.

por Emilio M. Luna
enero 27, 2013

PRODUCERS GUILD OF AMERICA 2013

por Emilio M. Luna | enero 27, 2013

«Tu tiempo es limitado, de modo que no lo malgastes viviendo la vida de alguien distinto. No quedes atrapado en el dogma, que es vivir como otros piensan que deberías vivir. No dejes que los ruidos de las opiniones de los demás acallen tu propia voz interior. Y, lo que es más importante, ten el coraje para hacer lo que te dicen tu corazón y tu intuición. Ellos ya saben de algún modo en qué quieres convertirte realmente. Todo lo demás es secundario»

Steve Jobs.

En unas horas conoceremos el palmarés de Sundance. Una trigésima edición que ha dejado un buen puñado de películas que han encontrado distribución y, sobre todo, los primeros grandes ecos del año. En la jornada de ayer, gran expectación por la premiere de 'jOBS', el filme sobre la juventud de uno de los genios del progreso reciente: Steve Jobs. Con el repaso del noveno día cerramos los resúmenes de Sundance 2013. En breve, los ganadores y lo más destacado proyectado en Park City.

por Emilio M. Luna
enero 27, 2013

SUNDANCE 2013 | DAY 9

por Emilio M. Luna | enero 27, 2013

Dinamarca, 2009

dirección | Anders Fløe Svenningsen.

guión | Nikolaj Sonqvist, Anders Fløe Svenningsen.

intérpretes | Amalie Amorøe, Marie Hammer Boda, Jacob Fisker.

duración | 15 min.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

SEKUNDER | ANDERS FLØE SVENNINGSEN, 2009

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

“Soy egoísta, impaciente y un poco insegura. Cometo errores, pierdo el control y a veces soy difícil de lidiar. Pero si no puedes lidiar conmigo en mi peor momento, definitivamente no me mereces en el mejor”.

Marilyn Monroe.

Pero con Mr. Nolan no termina este aniversario. Por cortesía de FOX España, que se une a nuestra celebración, sorteamos un pack especial de películas de la gran diva del séptimo arte. Hablamos de Marilyn Monroe, cómo no. En juego, sus filmes ‘Los caballeros las prefieren rubias’, ‘Cómo casarse con un millonario’, ‘Río sin retorno’, ‘Luces de candilejas’, ‘La tentación vive arriba’, ‘Con faldas y a lo loco’ y ‘Vidas rebeldes’, una estupenda recopilación de esta rubia inolvidable. Para participar, sólo hay que dejar este mensaje, “Miss Monroe en el aniversario de @cinemohicano”, en la publicación correspondiente de la página de facebook de 'El antepenúltimo mohicano' y/o twitter (se pueden computar, por tanto, dos votos). El plazo de inscripción finaliza el miércoles 13 de febrero. Un día después, anunciaremos el ganador o ganadora vía red social. Muchas gracias, de nuevo, por su fidelidad.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

V ANIVERSARIO EAM | CONCURSO MARILYN

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

"Tengo que creer en un mundo fuera de mi propia mente. Tengo que creer que mis acciones todavía tienen significando... aún cuando yo no puedo recordarlas. Tengo que creer que cuando mis ojos están cerrados, el mundo todavía continua allí".

Memento, de Christopher Nolan.

Hoy es un día muy especial para ‘El antepenúltimo mohicano’. Hace cinco años, con la publicación de una reseña dedicada a ‘El tren de las 3:10’ –que, además, supondría la primera publicación en el semanario Avuelapluma—, nacía esta publicación destinada a compilar opiniones sobre el universo cinematográfico y televisivo. Cinco años después, un servidor, tiene a once compañeros con los que cada semana desgranamos el pasado, presente y futuro de una gran pasión. Queremos compartir esta alegría con nuestros lectores sorteando un pack con dos películas de un autor muy especial para ‘El antepenúltimo mohicano’: Christopher Nolan. Nuestra película preferida, ‘Memento’ (2000), y su último éxito, ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ (2012) conforman dicho pack. Para participar hay que dejar este mensaje, “Concurso Aniversario El antepenúltimo mohicano | @cinemohicano” en la publicación correspondiente de la página de facebook de 'El antepenúltimo mohicano' y/o twitter (se pueden computar, por tanto, dos votos). El plazo de inscripción finaliza el miércoles 13 de febrero. Un día después anunciaremos el ganador o ganadora vía red social. Muchas gracias por su fidelidad. “Acuérdense de no olvidarse… de sus segundos mohicanos preferidos”.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

V ANIVERSARIO EAM | CONCURSO NOLAN

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

     Nacida a la luz del pequeño éxito que obtuvo en su estreno la película dirigida por Wolf Rilla El pueblo de los malditos (Village of the Damned, 1960), Los hijos de los malditos (Children of the Damned, Anton M. Leader, 1963) fue presentada como una continuación de aquella. En los títulos de crédito se indica que se trata de A sequel to John Wyndham’s “The Midwich Cuckoos”, por lo que no habría razón para dudar. Todavía hoy es fácil encontrar referencias a ella como la segunda parte del clásico de Rilla. Y sin embargo no lo es. Recupera algunos temas que Wyndham trataba en su novela y que en la anterior película se habían obviado o apuntado someramente, y tiene a un grupo bien rarito de niños con poderes y conocimientos fuera de lo común. Hasta hay una escena en la cual los niños de esta, al activar sus poderes de control mental, muestran sus ojos brillando con la furia contenida que hizo inolvidables a los primeros, efectos especiales obra de Tom Howard en ambas. El autor de la música también es común a ambas películas, Ron Goodwin, con otra gran partitura que tiende a la ensoñación de carácter fantástico. Pero hasta aquí podrían llegar las similitudes. Más que de una continuación, una segunda parte en toda regla, creo que estamos ante una película que, valiéndose del éxito de su precedente, nos muestra en realidad una historia distinta. Vaya, es que estos nuevos malditos ni siquiera proceden del espacio exterior. Pero no nos adelantemos.

por José Luis Forte
enero 26, 2013

CINE CLUB | LOS HIJOS DE LOS MALDITOS (1963)

por José Luis Forte | enero 26, 2013

'Camille Redouble', de Noémie Lvovsky, lidera las nominaciones a los Premios César.

el dato: máximo galardón del cine francés otorgado por la Academia de las artes y técnicas cinematográficas gala (Académie des Arts et Techniques du Cinéma). Se cumple su trigésimo octava edición.

el pasado año: venció, cómo no, ‘The artist’, de Michel Hazanavicious. Listado de ganadores.

fecha de la gala: el 22 de febrero en el Théâtre du Châtelet de París.

notas: nominaciones engañosas ya que ‘Camille Redouble’ (13) y ‘El adiós a la reina’ (10), las que mayor numero acaparan, no deberían tener demasiado protagonismo. Sorprendente es el caso de la cinta de época de Benoît Jacquot que, tras su floja presentación en la Berlinale’12, ha pasado sin pena ni gloria por las carteleras europeas. La favorita clara es ‘Amour’ (también con 10 menciones), destinada a barrer en las categorías principales. Destaca la presencia de los siempre excelentes Jérémie Renier y Benoît Magimel (por ‘Coclo’) y del joven Kacey Mottet Klein, protagonista de L’enfant d’en haut. A continuación, el listado completo.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

LES CÉSAR 2013 | NOMINACIONES

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

Se acerca el final de la trigésima edición de Sundance y en Park City pululan todas las cintas presentadas durante de la semana. Una proyección en masa que deja cada vez menos hueco para la promoción de nuevas obras. Hoy presentamos siete creaciones del programa internacional de filmes y documentales. Apunten ‘Circles’ (Krugovi), de Srdan Golubovic. A continuación, el repaso del octavo día.

por Emilio M. Luna
enero 26, 2013

SUNDANCE 2013 | DAY 8

por Emilio M. Luna | enero 26, 2013

texto | Rosa Cornet, cineasta.

entrevista | Staff.

imágenes | Hadijatou J'accuse.
imagen de cabecera | Oxfam Novib

     Cuando se quiere castigar a alguien por haber desobedecido las leyes la máxima condena que imponen los tribunales es la privación de libertad. Hadijatou Mani, y otras 43.000 personas en Níger tienen esta condena desde su nacimiento, sin haber delinquido. Han nacido esclavos. ¡Si señores, la esclavitud todavía existe en nuestros días! La esclavitud en el sentido más literal y dramático del término. Personas que compran a otras personas y se convierten en sus propietarias. Hadijatou Mani, denunció a su Estado, Níger, por no haberla protegido contra la esclavitud. Y ganó, consiguiendo una sentencia sin precedentes hasta el momento. Tuvo que reclamar porque aunque la constitución nigerina prohíbe la esclavitud, la tradición está todavía muy arraigada en la sociedad, hasta el punto que algunos tribunales hacen prevalecer la tradición por encima de las leyes. Lala Gomà y yo conocimos su historia a través de una noticia publicada en un periódico donde se daba cuenta del hito conseguido por Hadijatou Mani. Y decidimos indagar más acerca de ella y de la persistencia de la esclavitud en pleno siglo XXI. A medida que nos íbamos sumergiendo en el tema, nuestra indignación e impotencia iba en aumento. Por este motivo decidimos viajar a Níger para hacer un documental donde se contara la historia completa de esta mujer valiente, que con su ejemplo puede hacer retroceder esta situación tan compleja, injusta e inhumana. La lucha de Hadijatou es singular desde el principio. La vendieron a los 12 años y durante los 9 que fue esclava huyó en infinitas ocasiones, poniendo en peligro su integridad y la de su familia. La última vez escapó desnuda y embarazada, después de haber recibido una paliza de su amo que, siendo el padre del hijo que ella esperaba, la acusó de haberse acostado con otros esclavos. Su caso corrió como la pólvora por su zona, hasta que llegó a oídos de la ONG Timidria. Un responsable de la oficina acudió en su ayuda porque pensaron que la vida de la joven corría peligro. Le ofrecieron la posibilidad de denunciar, y ya nunca ha dejado de hacerlo. Aunque algunos tribunales sentenciaran en contra suya, ella apelaba. Inasequible al desaliento, incluso pasó por prisión y cuando la liberaron continuó luchando. Nosotras la dejamos en plena lucha por la custodia de los dos hijos que tuvo con su ex amo, a los que prácticamente no conoce porque siempre le estuvo vetada la relación con ellos. Ahora tendrá lugar el último juicio, el que parece ser que pondrá fin a la vía legal, y a través del cual, Hadijatou puede finalizar su cruzada personal.

Hadijatou J'accuse, explicado por sus directoras

Es ahora cuando tenemos que volver a Níger a cumplir nuestra promesa de acabar el documental cuando Hadijatou tuviera la resolución sobre sus hijos. Además, queremos ver cómo su lucha ha animado a otras mujeres a tomar su mismo camino. En nuestro primer viaje vimos como se gestaba esta pequeña revolución. Ahora, nos consta que Timidria tiene muchas peticiones de denuncia sobre la mesa. La rebelión está servida. Lenta, pero esperamos que sea imparable. Palizas, vejaciones físicas y morales, trabajo duro, violaciones sistemáticas. Éste era el día a día de Hadijatou y es el de los cientos de miles de esclavos –mujeres en su mayoría- que todavía hay en el mundo. A través del documental y de la historia de Hadijatou, queremos aportar nuestro grano de arena a que esta situación se conozca y remueva conciencias. Como seres humanos, como mujeres no nos podemos permitir mirar para otro lado ante esta situación.

Rosa Cornet. 

cineasta.

por Anónimo
enero 25, 2013

Hadijatou Mani: El castigo de la esclavitud

por Anónimo | enero 25, 2013

MENTES DESAFINADAS
El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook, David O. Russell, 2012)

La demostración más palpable y quizá violenta de que estás sumido en la locura es anunciar a gritos que no estás loco, que es el mundo que te rodea el que no te entiende, un mundo embrutecedor donde la paranoia presta cobijo a tus conspiradores, a la toxicidad de una civilización deshecha. Contra ello luchaba lapidariamente un pelirrojo llamado Rorschach, antiguo vigilante de una América decrépita, según él infestada de enfermedades y parásitos humanos que personificaban el Mal. Era la suya una visión rígida pero conectada a los traumas infantiles, como dispondría Freud en sus famosas tesis psicológicas. Todo o casi todo debería tener un porqué, y eso mismo busca el protagonista de El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook, 2012), un tipo cualquiera desgastado por la erosión de un matrimonio roto por un episodio extramarital: el entregado amante estalla al descubrir a su mujer en la ducha con un profesor de Historia —calvo y fláccido, para más señas—, cuyo rostro queda como un whopper (que no vemos) tras la brutal paliza que recibe de este despechado entrañable. Lo cuento amargamente, pero el filme de David O. Russell evita toda amargura reconcentrada e inicia la terapia —adaptación homónima del libro de Matthew Quick— en un psiquiátrico, a espaldas de un protagonista convencido de que tiene que cambiar para recuperar a su mujer.

DOS NOMINADOS OSCAR | Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

Positividad, positividad, positividad. A los cinco minutos está fuera de ese edificio que evoca la turbación de otro inolvidable: el de Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del cuco. Su madre, una Jackie Weaver que asiente con estupor, le devuelve a su Filadelfia natal, a la de los Eagles, a la de Benjamin Franklin y a la de su obsesivo padre, quien tuerce el gesto —en parte incrédulo, en parte nervioso— ante la inesperada vuelta de su hijo. Este primero participa en apuestas ilegales y padece un trastorno obsesivo-compulsivo que le obliga a hablar del azar y las estadísticas concernientes a su club de la NFL como el “yuyu”. Un personaje a la medida del Robert DeNiro menos sobreactuado de los últimos tiempos: el director de la magnífica The Fighter dirige con inteligencia y con un control eficiente de los tiempos, del tono y los ademanes que deben acompañar a sus diálogos. Y es que, esta película se beneficia de poseer un director que es también guionista, pero uno que ha absorbido cada línea del texto original, que conoce a la perfección ese microcosmos americano asaltado por el desamor y la histeria. Silver Linings Playbook cuenta con eso que los entendidos llaman un reparto coral, donde cada una de las piezas es (im)permeable a la trascendencia dramática del resto: los arcos de transformación se describen sutilmente en el transcurso de una trama redonda, cuyo nudo no para de arrancarte sonrisas gracias a situaciones que son en realidad dignas de la mejor tragicomedia, ya que basculan conmovedoramente entre esa clase de humor que desarma por su limpieza (y punch) y la catarsis familiar más perniciosa.

Cámara al hombro, en permanente movimiento —siempre al servicio de la narración, y no al revés—, asistimos a una clase magistral de autoayuda sin pretensiones: ese anonadado que despierta a sus padres a las cuatro de la mañana para mostrarles su desacuerdo con Hemingway y el trágico final de Adiós a las armas (al menos el más popular, pues existen cuarenta y siete finales), conocerá a una joven viuda que le instará a ofrecer antes de pedir. Inflamable y rabiosamente sexy, Jennifer Lawrence reafirma que es una actriz llamada a grandes empresas: lo tiene todo, y encima es un placer para la vista. Es una actriz total. Algo parecido ocurre con Bradley Cooper, quien ya demostró que no es sólo un guapo con suerte en Sin límites. Asimismo, David O. Russell potencia su sencillez estilística como cineasta: no precisa de grandes florituras para contar buenas historias. Admirador de la música de Led Zeppelin —ya escuchamos una canción de la mítica banda inglesa en The Fighter—, se vale de sus acordes para inyectar la dosis necesaria de electricidad. El alto voltaje de las películas que trascienden.

Juan José Ontiveros.

crítico de cine.

Estados Unidos, 2012. Título original: Silver Linings Playbook. Director: David O. Russell. Guión: David O. Russell (libro: Matthew Quick). Fotografía: Masanobu Takayanagi. Música: Danny Elfman. Reparto: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, Julia Stiles, Anupam Kher, John Ortiz, Shea Whigham, Dash Mihok, Paul Herman, Brea Bee.

por Anónimo
enero 25, 2013

SILVER LININGS PLAYBOOK | CRÍTICA

por Anónimo | enero 25, 2013

"Un precioso retrato adolescente. Nichols describe admirablemente la fascinación de estos chavales hacia el peligro desconocido. Todo respira en esta preciosa película."

Comentario de Carlos Boyero a propósito del estreno de 'Mud' en el pasado festival de Cannes.

El homenaje a ese valiente periodista llamado Tim Hetherington ha marcado la séptima jornada en Park City. Además, se ha presentado en territorio americano una de las películas de la temporada: 'Mud'. Sebastian Silva, Jack Kerouac, James Franco y un melodrama indonesio, otros de los protagonistas del día. Comenzamos un nuevo repaso a todo lo acontecido en Sundance'13.

MUD

de Jeff Nichols

Intérpretes: Matthew McConaughey, Jacob Lofland, Tye Sheridan, Reese Witherspoon, Michael Shannon, Sarah Paulson, Ray McKinnon, Sam Shepard, Paul Sparks, Joe Don Baker

Sundance Midnight

Sinopsis | Un carismático fugitivo de nombre Mud (Matthew McConaughey) se oculta en una isla de Mississippi, donde se hace amigo de dos muchachos de catorce años, Ellis y su amigo Neckbone. Ambos le intentarán ayudar a escapar de la ley y de varios cazadores de recompensas para que así pueda reunirse con su alma gemela: su amor Juniper (Reese Witherspoon).
 

Notas | Valoración media de la crítica: +B. Para muchos la mejor película del pasado festival de Cannes tras 'Amour'. Se estrena en territorio americano 'Barro' (Mud), la tercera película de Jeff Nichols que nos presenta una nueva demostración de Matthew McConaughey. 'Mud' es un drama de aventuras al más puro estilo Huckleberry Finn. Al igual que en la Costa Azul francesa, ha sido recibida con excelentes críticas aunque algunos detractores le achacan que alarga en demasía los diálogos. Llegará a las pantallas americanas en abril. Una de las citas importantes del año. Collider, Film School Rejects, JoBlo, Screencrave.

ASS BACKWARDS

de Chris Nelson

Intérpretes: Vincent D'Onofrio, Alicia Silverstone y Jon Cryer

Estados Unidos

Next

Sinopsis | dos grandes amigos atraviesan el país para regresar a su hogar natal y revivir las experiencias de cuando eran niños.

Notas | Valoración media de la crítica: -B. Comedia aspirante a cinta de culto que rescata a Alicia Silverstone para la causa. Una 'road movie' bien interpretada que contiene momentos hilarantes con otros de verguenza ajena. Variety.

GIDEON’S ARMY

de Dawn Porter

Estados Unidos

U.S. documentary competition

Sinopsis | "Gideon’s Army" sigue a tres jóvenes y comprometidos defensores públicos que se dedican a trabajar para el pueblo que la sociedad preferiría olvidar. Las largas horas, bajos salarios y los sorprendentes casos son tan comunes que incluso los más comprometidos con frecuencia renuncian.

Notas | Valoración media de la crítica: +B. Variety.

EL MIDAN (THE SQUARE)

de Jehane Noujaim

Egipto | Estados Unidos

World documentary competition

Sinopsis | ¿Qué significa arriesgar su vida por sus ideales? ¿Hasta dónde van cinco revolucionarios en la defensa de sus creencias en la lucha por su nación?

Notas | Valoración media de la crítica: -B. Nueva aproximación a la plaza Tahir y al comienzo de la Primavera 'Arabe' que no aporta nada nuevo pero está rodada con pulso. Variety.

BIG SUR

de Michael Polish

Intérpretes: Jean-Marc Barr, Kate Bosworth, Josh Lucas, Radha Mitchell, Anthony Edwards, Henry Thomas

Estados Unidos

premieres

Sinopsis | ‘Big Sur’ es un relato autobiográfico que narra la historia de Jack Duluoz (alter ego de Kerouac, encarnado por Barr) y su relación con la fama, tras el repentino éxito de su obra, así como sus problemas de adicción. El libro también recoge su relación con Billie (Jackie Gibson en la vida real, interpretada por Bosworth), la mujer de su mejor amigo, Cody Pomeray (esto es, Neal Cassady, a quien da vida Lucas).

Notas | Valoración media de la crítica: -B. De nuevo Jack Kerouac a la pantalla. Ahora desde el punto de vista de Michael Polish. La crítica ha destacado la excelente labor de Jean-Marc Barr pero la cinta se queda lejos del retrato definitivo del mítico escritor de Lowell. THR.

MAGIC MAGIC

de Sebastián Silva

Intérpretes: Juno Temple, Michael Cera, Emily Browning, Catalina Sandino Moreno, Agustín Silva

Estados Unidos

Next

Sinopsis | La trama se presenta como la historia de una niña de vacaciones en Chile que, de buenas a primeras y sin otros síntomas previos, comienza a perder el control de sus facultades mentales.

Notas | Valoración media de la crítica: -B. Segunda película de Sebastian Silva en este Sundance 2013. Si con 'Crystal Fairy' el cineasta chileno intentaba hacer reir al público, con 'Magic Magic' quiere hacerlo temblar. Un thriller paranormal con Juno Temple -- y también Michael Cera -- que no ha tenido mala acogida. Su atmósfera, lo más destacado. Puede ser el año de la consagración de Silva. Fangoria.

MILKSHAKE

de David Andalman

Intérpretes: Tyler Ross, Shareeka Epps, Georgia Ford, Eshan Bay, Leo Fitzpatrick, Danny Burstein

Estados Unidos

Next

Sinopsis | A mediados de 1990, Estados Unidos, seguimos la trágica vida sexual de Jolie Jolson, un matón wannabe (y bis-bis-nieto del legendario Al Jolson) en el DC suburbano, él se esfuerza por llegar a ser algo que no puede ser - negro.

Notas | Valoración media de la crítica: C. Shareeka Epps vuelve a Sundance (ya estuvo con 'Half Nelson') en esta intermitente comedia desarrollada en un instituto americano y destinada a pasar sin pena ni gloria por los cines estadounidenses. THR.

GOD LOVES UGANDA

de Roger Ross Williams

Estados Unidos

U.S. documentary competition

Sinopsis | Una exploración de gran alcance de la campaña evangélica para infundir a la cultura africana los valores importados de la derecha cristiana de Estados Unidos. La película sigue a los líderes religiosos americanos y ugandeses que luchan contra la "inmoralidad sexual" y los misioneros que tratan de convencer a los ugandeses de seguir la ley bíblica.

Notas | Valoración media de la crítica: C. Variety.

IN FEAR

de Jeremy Lovering

Intérpretes: Iain De Caestecker, Alice Englert and Allen Leech

Estados Unidos

Sundance Midnight

Sinopsis | Conduciendo, perdido, bajo la tormenta. Los peores miedo surcan la mente deseando que no se hagan realidad.

Notas | Valoración media de la crítica: -C. Muestra de terror de serie B que presenta a un interesante realizador: Jeremy Lovering. Película con buen futuro comercial. Variety.

MUSCLE SHOALS

de Greg "Freddy" Camalier

Estados Unidos

Next

Sinopsis | Documental sobre la música en Tennessee River (Alabama).

Notas | Valoración media de la crítica: +B. THR.

KINK

de Christina Voros.

Estados Unidos

Documentary premieres

Sinopsis | documental producido por James Franco que lleva a la pantalla el mundo del sadomaso desde el portal Kink.

Notas | Valoración media de la crítica: +D. Variety.

WHAT THEY DON’T TALK ABOUT WHEN THEY TALK ABOUT LOVE

Yang tidak dibicarakan ketika membicarakan cinta

de Mouly Surya

Intérpretes: Nicholas Saputra, Ayushita Nugraha, Karina Salim, Anggun Priambodo, Lupita Jennifer

Indonesia

World dramatic competition

Sinopsis | Retrato entre lo dramático y lo musical de un instituto de Yakarta.

Notas | Valoración media de la crítica: -A. Nuevo producto indonesio que arriba a Estados Unidos y nueva victoria para esta industria creciente. Retrato sobre la adolescencia lleno detalles que ha entusiasmado a la crítica. Suena en las quinielas del palmarés. THR.

WHICH WAY IS THE FRONT LINE FROM HERE?
THE LIFE AND TIME OF TIM HETHERINGTON

de Sebastian Junger

Estados Unidos

Documentary premiere

Sinopsis | Homenaje a Tim Hetherington de su compañero en la dirección de ‘Restrepo’ Sebastian Junger.

Notas | Valoración media de la crítica: A. 'Restrepo', el excelente documental que nos situaba en el frente afgano fue la última película de Tim Hetherington. Un año después fallecía en Libia en una acción militar del gobierno. Junger, su compañero, le recuerda en este documental que, cómo era de esperar, ha calado hondo en el público. Variety.

Emilio Luna.

editorial.

por Emilio M. Luna
enero 24, 2013

SUNDANCE 2013 | DAY 7

por Emilio M. Luna | enero 24, 2013