AMBROSE CHAPEL

Sin ningún precedente en la época, Alfred Hitchcock versionó su propia obra con El Hombre Que Sabía Demasiado (The Man Who Know To Much, 1956). Film que creó por primera vez en 1934 bajo suelo británico. La versión del treinta y cuatro era ya una excelente muestra del estilo del realizador londinense y una más que decente cinta de intriga. Con un mayor presupuesto y encabezando dos estrellas del celuloide el proyecto, creo un remake que no sólo mejora el film en el que se basa, también crea una de las mejores cintas, jamás creadas, en el género de intriga.

En un viaje a Marruecos la familia McKenna conoce a un enigmático francés, cuya muerte desembocará en el secuestro de su hijo y una corriente de pesquisas y conspiraciones, donde los McKenna intentarán unificar de nuevo la familia. Un thriller internacional en el que Hitchcock contó con el gran James Stewart y Doris Day cómo protagonistas. En la familia comienzan ya las primeras diferencias con el film original. Si en la versión de 1934, nos ofrecía un retrato del matrimonio donde la monotonía y la desidia era la característica principal. Bob Lawrence (el marido) es un hombre aburrido y estancado y Jill Lawrence (la mujer) es una mujer fría y frívola. En la versión de 1956, los McKenna son una pareja idealista, un matrimonio tradicional americano, muy sólido y unido. Las diferencias no acaban aquí, ya que el toque que le da Hitchcock a cada una es diferente. A la primera versión, es mucho más evasiva con el humor típico británico y más condescendencia con el espectador que contrasta con la versión del cincuenta y cuatro mucho más trascendente, realista y tensa. El escenario es diferente en cada versión, siendo Suiza en la inicial y Marruecos en el remake. Y, los villanos tienen más preponderancia en la primera versión, espoleados por el siempre excelente Peter Lorre. Mismo autor, diferente estilo de una misma historia.

Los medios, una historia pulida, un director maduro y excelentes intérpretes, hacen de El Hombre que Sabía Demasiado (1956) una versión muy superior. Doris Day y James Stewart son una pareja insuperable, con un Stewart en estado de gracia. Él representa el héroe inesperado, real y humano. En una de sus entrevistas al maestro británico, Truffaut, le preguntaba que si Cary Grant y James Stewart eran intercambiables, según el tipo de film; Grant para papeles con más sarcasmo y humor elegante y Stewart para papeles más reales y emocionantes. Hitchcock respondió a esta cuestión, argumentando que para El Hombre Que Sabía Demasiado necesitaba la “sinceridad tranquila” que emanaba Stewart al espectador. No existe mejor definición del genio del suspense para la caracterización de un James Stewart muy acertado en todos los momentos del metraje.

La música es otra de las grandes protagonistas de El Hombre que Sabía Demasiado. Doris Day interpreta a Josephine McKenna, una reputada y exitosa cantante, de cuyos labios sale una canción que formará parte importante de la película. “Qué Será, Será (Whatever Will Be, Will Be)” es una de las pistas resolutorias del film, interpretada brillantemente por Day y que obtuvo el Óscar cómo mejor canción (creada por Jay Livingston y Ray Evans). Pero en esa mítica canción no queda el protagonismo musical. El compositor habitual de Hitchcock, Bernard Hermann, no sólo forma parte del reparto, también crea una estupenda partitura. La composición que él interpreta (Storm Clouds Cantata de Arthur Benjamin) en el Royal Albert Hall, al igual que la canción forma parte concluyente de la trama. Esta obra también aparece en la película original de 1934 (con Benjamin cómo compositor); la música y las escenas en ambas versiones son idénticas. Hitchcock le reveló a Truffaut que hizo un travelling sobre el pentagrama del percusionista, según el maestro si el público supiera leer el libreto, sabría que momento culmen estaba por llegar, aumentado la sensación de tensión. Un homenaje del director a su creador de banda sonoras habitual, dándole un merecedor protagonismo en todos los ámbitos.

El Hombre Que Sabía Demasiado, aparte de unas brillantes actuaciones posee un gran número de momentos inolvidables. La escena en la lúgubre capilla, llena de tensión y también de alivio de los protagonistas viendo que el camino es correcto. Toda la narración inicial en el Marrakech; la acción y suspense en el Royal Albert Hall; o la parte final en la mansión del embajador son rodadas en una calidad cinematográfica superlativa. Todo unido a una excelente fotografía de Robert Burks, algún que otro momento de relajación con el típico humor de Hitchcock, hace de El Hombre que Sabía Demasiado una de las obras más importantes de los años cincuenta y del género de intriga. Nunca un percusionista tuvo tanta relevancia en una historia de espías, conspiración y valor.

Lo Mejor: Un colosal James Stewart. La dirección de Hitchcock y la música de Bernard Herrmann.

Lo Peor: Un mayor reconocimiento en su momento de estreno, cómo muchas otras cintas del maestro del suspense.

Puntuación: 8,5/10 CINE CLÁSICO

por Emilio M. Luna
junio 30, 2010

CINE CLUB: EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (1956)

por Emilio M. Luna | junio 30, 2010

Junto a Sonrisas y Lágrimas (The Sound of Music, 1965) y West Side Story (Robert Wise, 1961), con toda probabilidad, el gran musical de la historia del séptimo arte. Hablamos de Cantando Bajo La Lluvia (Singin’ In The Rain, 1952). El realizador Stanley Donen contó con la ayuda en la dirección del protagonista de la cinta, Gene Kelly, para lograr uno de los momentos cinematográficos clave del siglo XX. Cantando Bajo La Lluvia se convierte en un vehículo para el lucimiento de un Kelly espectacular. El actor americano se exhibe en grandes números musicales, actuaciones que funcionarían por sí solas y que están perfectamente ensambladas a la trama. Kelly no está sólo, en un magnífico elenco en el que destacan: Donald O’Connor (mágica su pieza Make ‘Em Laugh); Debbie Reynolds, Millard Mitchell, Douglas Fowley, Jean Hagen, Cyd Charisse y Rita Moreno.

Una de las cintas de más éxito de uno de los grandes cineastas de los años cincuenta, Stanley Donen. Resultó sorprendente que sólo fuera nominado a dos estatuillas de la academia americana de cine (mejor secundaria a Jean Hagen y banda sonora). El número más conocido y recordado, es la canción que da título al film, “Singin’ In The Rain”. Una actuación alegre y vitalista, con un Don Lockwood (Kelly) enamorado, que hace parar el tiempo y espacio con una magistral composición. La historia de un actor, cómo jamás se había contado, en uno de los iconos de la filmografía moderna, Singin’ In The Rain.

por Emilio M. Luna
junio 29, 2010

ESCENAS DE CINE: CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952)

por Emilio M. Luna | junio 29, 2010

Una de las melodías más famosas de todos los tiempos que acompaña a uno de los clásicos del cine de aventuras por excelencia, El Último Mohicano (The Last of Mohicans, 1991). Poco más se puede decir de una de las películas que marcó una generación. Cine con mayúsculas que pasó de puntillas por la cartelera y la crítica americana en su momento, pero que se ha convertido en una de las películas insignia de los años noventa. Un inspirador Daniel Day Lewis encabezaba el reparto de esta libre adaptación de la novela de James Fenimore Cooper. Junto a Lewis, uno de los aspectos más significativos del film es su música. Una partitura creada por Randy Edelman y Trevor Jones, con dos piezas muy conocidas en la cultura popular, adaptada y versionada en numerosas ocasiones. Ambos compositores, pese a una amplia carrera a sus espaldas, siempre han estado en un segundo plano con respecto a otros compañeros cómo Jerry Goldsmith, Michael Kamen o John Williams. En la partitura para el Último Mohicano, unieron dos estilos muy diferentes creando un gran trabajo que les dio la fama.

Ambos se reparten las tracks, siendo las de Trevor Jones las más conocidas y logradas, cómo “Main Title”, “The Kiss” y “Promentory”, no hay que desmerecer las composiciones de Edelman cómo “The Courier”. Era la segunda incursión de Jones en el cine de aventuras, tras Cristal Oscuro. El Último Mohicano fue el único gran éxito de ambos, que tras este aumentaron sus proyectos, sobre todo en cintas menores o de poca repercusión. Una excelente banda sonora, de principio a fin, que tiene un hueco entre las grandes de la historia. A continuación, la pista más representativa: Promentory (versión del film). Disfruten.

por Emilio M. Luna
junio 28, 2010

SOUNDTRACK: EL ÚLTIMO MOHICANO (1991)

por Emilio M. Luna | junio 28, 2010

FERDINANDO EL GRANDE

"Bonito cuento de hadas al servicio de una más que correcta Sandra Bullock, cuyo positivismo es la razón del éxito de un film, demostrando que el público demanda menos trascendencia encubierta."

Mucho se ha hablado de The Blind Side (2009), uno de los éxitos del pasado otoño en Estados Unidos. Una película de bajo costo que consiguió una excelente recaudación en Norteamérica y que obtuvo buenas críticas que le valieron una nominación -a posteriori ganadora- del Óscar a su protagonista, Sandra Bullock. Bullock, una actriz infravalorada que ha basado su éxito en comedias de segunda fila y que había demostrado solvencia para el drama en filmes como Tiempo de Matar (Time To Kill, 1996) o Crash (2004). Encasillada pero con cintas de considerable éxito económico, Bullock goza del beneplácito de la industria y de sus compañeros, principal razón de su criticado y polémico máximo galardón a mejor intérprete femenina del año. La cuestión es: ¿Merece tal reconocimiento? ¿Es tan buena su interpretación para superar a compañeras cómo Helen Mirren, Meryl Streep o la joven Carey Mulligan?

Respondiendo la segunda pregunta, en un año cinematográfico poco proclive a la calidad, las interpretaciones femeninas no pasaron, salvo una notable Mulligan, del aprobado alto. Y con esta nota, se puede calificar la actuación de Sandra Bullock, sólida, convincente y bastante entregada, pero cómo la obra que protagoniza cumple sin excesivos alardes. The Blind Side, basada en hecho reales recogidos en la novela de Michael Lewis, es una agradable cinta de autosuperación con un toque mágico al estilo Disney; pero que en pleno siglo XXI, formaría parte de cualquier sobremesa televisiva. Dirigida por el impersonal John Lee Hancock (El Álamo: La Leyenda, 2003)), The Blind Side llega a nuestras carteleras con el pertinente y habitual retraso. En este caso, totalmente justificado.

Hancock en su segunda incursión en el drama deportivo (tras The Rookie, 2002) nos deja un correcto y optimista cinta sobre la calidad humana. Más cercana a la ingenuidad de Friday Night Lights (a la que hace un guiño al inicio) que a la competividad de Remember The Titans, en The Blind Side todo es perfecto: la familia cristiana, el entrenador, la educadora y los profesores. Sólo mascamos la adversidad del protagonista al inicio, cuando presuponemos el ambiente en el que se ha criado y podido sobrevivir, durante el resto del metraje los problemas que surgen son livianos e poco creíbles a ojos del espectador. Por momentos, es la típica producción de Disney, con todos sus tópicos y estereotipos. Sólo Bullock y el observar la evolución del joven Michael Osher en un entorno desconocido son el único (y suficiente) atractivo de esta producción.

Pese a que los flashes apuntan a Bullock, el protagonista de The Blind Side es Quinton Aaron (Michael), en la enésima caracterización de joven desarraigado, de raza negra y de gran tamaño. Aaron dice más con sus silencios que en sus conversaciones, y al igual que la película, va bajando de interés paulatinamente. Tras un comienzo interesante, a mitad de la proyección decae y ya no se repone en ningún momento. No falta el padre estupendo, el entrenador histriónico, el típico niño adulto y Kathy Bates haciendo de Kathy Bates. Una función a servicio de Sandra Bullock que tocará emociones en varios momentos y te dejará una sonrisa efervescente, a la espera de estrenos más sugestivos e inteligentes.

Lo Mejor: Su mensaje optimista.

Lo Peor: No se separa en, casi ningún momento, de la estética de edulcorado telefilm.

Puntuación: 5/10

por Emilio M. Luna
junio 27, 2010

THE BLIND SIDE

por Emilio M. Luna | junio 27, 2010

James Mangold (Copland y En la Cuerda Floja) sorprendió en 2008 con la revisitación del clásico del Western, El Tren de las 3:10 (3:10 To Yuma, 1957) de Delmer Daves. Una cinta con unos impresionantes Russell Crowe y Christian Bale, que aunaron éxito de crítica y público y confirmaron el lento gotear del renacimiento del género de indios y vaqueros. 3:10 To Yuma, supuso un antes y un después en la errática carrera de un correcto realizador. Mangold reúne a dos estrellas mediáticas, en una nueva cinta de acción que promete arrasar en taquilla el mes de Julio. Humor socarrón, acción inverosímil, persecuciones, romance y poca trascendencia en Knight and Day, que en España se llamará Noche y Día.

Los carismáticos Tom Cruise y Cameron Díaz lideran esta superproducción sobre agentes secretos y teorías conspiratorias. Junto a la popular pareja, completa un excelente elenco: Paul Dano, Maggie Grace, Viola Davis, Peter Sarsgaard y Olivier Martínez. Rodada parcialmente en Sevilla, se eligió la capital andaluza para su presentación mundial. En los primeros avances, nos encontramos con una nueva Misión Imposible (cuya cuarta parte depende del éxito de Knight and Day) con muchos tópicos pero que promete adrenalina y divertimento a partes iguales. La críticas americanas, están siendo benevolentes. A España llegará el viernes 2 de Julio.

por Emilio M. Luna
junio 27, 2010

EXPRESS: TRAILER DE KNIGHT & DAY

por Emilio M. Luna | junio 27, 2010

Aún resuena el abandono del Guillermo del Toro del proyecto de El Hobbit. Un duro golpe que unido a los problemas de MGM han hecho tambalear una producción que sigue adelante, aunque con muchas dudas. Se han barajado nuevos capitanes de este barco a la deriva, como Peter Yates o Neil Blomkamp (District 9), finalmente el propio productor y guionista del film, Peter Jackson se hará cargo de las aventuras de Bilbo Bolsón fuera de la Comarca. Con los diseños, el guión y los escenarios creados, queda la parte importante de la preproducción de un rodaje que debería haber empezado este verano y que se ha pospuesto para final de año. Ojalá se lleve a buen puerto la adaptación de la magnífica novela de J. R. R. Tolkien. Tras la estupenda versión de Peter Jackson de El Señor de los Anillos, las expectativas son muy altas y El Hobbit, debería ser uno de los grandes hitos cinematográficos como lo fue la trilogía del Anillo.

Hace un año, se estreno con un gran éxito de público, La Caza de Gollum (The Hunt for Gollum, 2009). Un cortometraje de treinta y ocho minutos, situado argumentalmente entre los sucesos de El Hobbit y La Comunidad del Anillo. La Caza de Gollum narra la búsqueda de Aragorn (Trancos) de la criatura Gollum, alentado por Gandalf, El Gris. Gollum sabe quien es el portador del anillo, lo que podría desembocar que las fuerzas del mal dieran caza y muerte al portador y recuperar el anillo de poder. Chris Bouchard es el creador y director de esta magnífica pieza, dotada de una magnífica ambientación y bastantes medios. Con intérpretes amateurs; con una trabajada banda sonora (basada en la composición de Howard Shore); escenas de paisajes de las cintas de Jackson; con buenos efectos especiales y escenas de acción, logra una obra de gran calidad. Un Fan-Film, que además, conserva la apariencia y el estilo de enfoque de las películas de Peter Jackson. Un homenaje en toda regla al director neozelandés con un estupendo y entretenido cortometraje. Denle una oportunidad, merece la pena.

Para más información, tiene una web bastante completa: The Hunt For Gollum.

por Emilio M. Luna
junio 26, 2010

COURT-MÉTRAGE: THE HUNT FOR GOLLUM

por Emilio M. Luna | junio 26, 2010

LA SEGUNDA MADRE

"Inteligente ejercicio cinematográfico sobre los sentimientos del ser humano, en un acertado retrato sobre la soledad y el cariño de un cada vez más relevante cine chileno."

El talentoso Sebastián Silva (artista, músico y cineasta) representa el despertar del cine chileno, cada vez más solicitado en festivales sudamericanos y europeos. Silva, dejó una interesante ópera prima, la mexicana El Viaje de la Nonna (2007) y con su última película, La Nana (2009) ha obtenido grandes críticas y bastante reconocimiento en forma de premios. Premio del Jurado en Sundance 2009, Nominada a los Globos de Oro y finalista de los Independent Spirit Awards. No pudo competir al Óscar, ya que su país de producción, Chile, eligió la cinta de Miguel Littin, Dawson Isla 10 como representante chilena. Silva, Littin o Andrés Wood son los responsables de que el cine del país andino viva un excelente momento. Sin duda alguna, La Nana de Silva merecía un puesto en la terna final de la academia americana.

Por suerte, el cine es mucho más que los simples galardones, y La Nana no los necesita para ser recordada como una excelente cinta de cine social e intimista. Catalina Saavedra interpreta a Raquel una niñera de una familia de clase alta de Santiago de Chile. Raquel es una mujer muy tímida, sobria y bastante agria. Con la llegada de otra niñera intenta marcar su territorio haciendo la vida imposible a los demás. Tras más de veinte años conviviendo con ellos se siente parte de la familia y le invade una sensación de soledad, vacío y celos al aparecer otra nana que hace peligrar su posición en el hogar de los Valdés. La Nana, es una película sencilla en su proposición y profunda en su desarrollo. Un estudio realista sobre los sentimientos y el comportamiento humano, con toques quijotescos que en su tramo final se ablanda para dejarnos un buen sabor de boca. Sea necesaria o no, esa evolución final, La Nana dibuja con acierto a todos los elementos que conforman la narración: desde la familia hasta las aspirantes a niñeras que acuden al domicilio chileno.

La actriz chilena Catalina Saavedra, logra una magistral interpretación de esta áspera y a la vez carismática mujer, que busca su equilibrio emocional y sentirse respaldada por los “suyos”. Nada sobra en esta cinta de Sebastián Silva, aunque el final del guión elaborado por el propio Silva y Pedro Peirano, te deja la sensación de cuento optimista más que de retrato realista.

Lo Mejor: La interpretación de Catalina Saavedra. La sencillez y la inteligencia de la propuesta.

Lo Peor: El edulcorante final que no era necesario para el éxito del film

Puntuación: 7/10

por Emilio M. Luna
junio 24, 2010

LA NANA (THE MAID)

por Emilio M. Luna | junio 24, 2010

Con su interesante ópera prima, Control (2007), Anton Corbijn pasó a ser uno de los realizadores más requeridos por los grandes estudios. El epílogo sobre el cantante de Joy Division, Ian Curtis, fue un total éxito de crítica con el resultado de varias nominaciones a los premios de la industria británica (Bafta). Corbijn ha pasado gran parte de su carrera cómo reputado fotógrafo y creador de videos musicales de principales estrellas del pentagrama cómo Depeche Mode, Roxette, Metallica, U2, Bryan Adams o Red Hot Chili Peppers. Con su salto a la pantalla grande provocó la suficiente inercia para que Universal Pictures contara con él en su primera película americana. The American da nombre a un thriller de acción que contará con uno de los pesos pesados de la cinematografía actual. George Clooney, en una de las producciones más interesantes del próximo otoño.

Clooney, interpretará a un solitario asesino que debe realizar su última misión. The American, revive la estética de los thrillers internacionales de los años setenta, con una estética muy elegante. Con su papel característico de enigmático caballero, Clooney espera dar un paso más en su fructífera carrera. El debut americano de Corbijn es una de las citas ineludibles de la temporada, y aspirante a algo más que una buena taquilla. Su estreno en Estados Unidos será el 1 de Septiembre, y a nuestro país llegará el 17 del mismo mes. Para empezar el primer póster y trailer de este interesante thriller.

por Emilio M. Luna
junio 23, 2010

EXPRESS: AVANCE DE THE AMERICAN

por Emilio M. Luna | junio 23, 2010

Christopher Nolan es uno de los grandes directores del momento, y uno de los aspirantes a formar parte del altar eterno del cine contemporáneo. Desde su ópera prima Following, han llegado películas de gran calidad y notable éxito: Memento, Imsomnio, Batman Begins, El Prestigio y El Caballero Oscuro. Cercano ya está el estreno de Origen (Inception) un thriller internacional con toques oníricos del que se espera que sea su mejor película dentro de una excepcional, y corta aún, filmografía. Con David Fincher y Darren Aronofsky, son el futuro del cine, algo esperanzador para los tiempos que corren. Spielberg, Scorsese, Eastwood o Coppola tienen el relevo asegurado.

Antes de gestar su primer largometraje, Nolan (cómo muchos realizadores) creó varios cortometrajes. Tarantella (1989), Larceny (1996) y la pieza que nos ocupa hoy: Doodlebug (1998). Rodado en blanco y negro, Doodlebug es un corte de tres minutos, donde ya se atisbaba el tema principal de los filmes de Nolan: la obsesión. Sin diálogos sólo el desasosiego de un individuo con un insecto en su habitación, Doodlebug es una llamativa composición muy curiosa, que gustará a los seguidores del realizador británico. El actor que protagoniza el corto, Jeremy Theobald, aparecería un año más tarde en la primera cinta de Nolan: Following. Una vuelta a los inicios de uno de los cineastas del momento. Les dejo con el cortometraje Doodlebug.

por Emilio M. Luna
junio 23, 2010

COURT-MÉTRAGE: DOODLEBUG (C. NOLAN, 1998)

por Emilio M. Luna | junio 23, 2010

UNA VERDAD INCÓMODA

"Entretenido thriller que gana en la pausa como pierde cuando sube la tensión, un film menor de uno de los grandes del momento, Paul Greengrass."

La dupla Matt Damon-Paul Greengrass, es la responsable que Jason Bourne, sea uno de los personajes más reconocidos del mundo del celuloide. Crearon una trilogía (junto a Doug Liman) llena de cine acción de gran calidad, que basaba sus éxitos en una excelente dirección y montaje. Con la última entrega, El Ultimatum de Bourne (The Bourne Ultimatum, 2008), instauraron las bases de un género mejor aceptado tanto por el público cómo por la crítica. Esta tercera película, obtuvo tres Óscars, y una gran recaudación mundial. Una cinta trepidante, sobresaliente que dejó a nuestros dos protagonistas en lo más alto del séptimo arte. Con el proyecto de una cuarta entrega, al margen de las novelas de Robert Ludlum, en suspenso. Greengrass vuelve a reclutar a Damon, para esclarecer el misterio de las armas de destrucción masiva que hicieron al bando aliado invadir Irak con Green Zone.

Basada en una novela de Rajiv Chandrasekaran, nos narra como Roy Miller, alférez de la división de infantería norteamericana, encargado de hallar rastros de armamento nuclear, va encontrando pruebas de la ausencia de dicho armamento. Sus investigaciones le llevarán a altos cargos del gobierno americano. Green Zone es un thriller de acción rodado con un ritmo trepidante, y cuyos tramos de investigación más pausados despiertan más interés que las escenas de acción. En cierta medida, el tema de la investigación militar, reúne ciertos paralelismos con la cinta de Ridley Scott, Red de Mentiras (Body of Lies, 2007). Ambos son productos de calidad con una similar ambientación cuyas partes de exploración y búsqueda resultaban más sugerentes. En Green Zone las escenas de acción no aportan demasiado, llegando a resultar caóticas para el espectador.

Después de ver los primeros avances y trailers la pregunta inicial antes de ver Green Zone es: cuánto tiene de Jason Bourne el film. En ciertos momentos, podemos ver a Roy Miller cómo amnésico agente americano, pero la cinta de Greengrass se desmarca de su anterior proyecto. En Green Zone la descripción de lo que sucede es más importante que el propio personaje. Hay aspectos que unen sendos filmes, cómo el ritmo narrativo o la banda sonora de John Powell (que también repite en este proyecto), pero a grandes rasgos, Green Zone es una cinta con el estilo de Greengrass cómo bandera, nada más. Tanto el realizador como Damon ha sabido alejarse de anterior filme.

Tras un comienzo espectacular, con una narración fluida que involucra al espectador, la película se va perdiendo lentamente. Aunque hace que aguante la tensión, la aparición de nuevos personajes y algunas decisiones de Miller resultan confusas, alejando el interés paralelamente al descubrimiento de la verdad. El elenco actoral cumple en unos personajes desdibujados. Salvo Miller, el resto de personajes tienen muy poco peso en la trama. Greg Kinnear y Jason Isaacs, los antagonistas del alférez, gozan de poco tiempo en pantalla, cumplen como los consecuentes villanos. Una pena que Greengrass no aproveche a Isaacs, en un papel donde se encuentra muy cómodo (El Patriota). Brendan Gleeson y Amy Ryan tienen personajes testimoniales, sólo Khalid Abdalla (Freddy) tiene cierta relevancia dramática como traductor y enlace de Miller. Green Zone es una más que correcta cinta de acción bélica, pero que quizás con mayor profundidad, hubiera llegado a cotas más altas. La dirección de Greengrass y el manejo de un tema bastante trillado y escabroso resuelto de manera elegante, son lo mejor de un filme que ofrece las luces y sombras del estilo del director irlandés. Pese a sus defectos es un entretenimiento de calidad, de lo mejor de la temporada.

Lo Mejor: Matt Damon y la dirección de Greengrass.

Lo Peor: Escenas de acción tan embarulladas como su guión.

Puntuación: 6/10

por Emilio M. Luna
junio 22, 2010

GREEN ZONE: DISTRITO PROTEGIDO

por Emilio M. Luna | junio 22, 2010

Llego el fin de curso del producto estrella del canal Showtime, junto a Dexter, Californication. Doce episodios marcados por la irregularidad, donde el interés por las peripecias de Hank Moody ha ido decreciendo. Tras dos excelentes temporadas, marcadas por un fino humor y tramas entretenidas, esta tercera ha resultado repetitiva y algo vacía en su contenido.

Un Hank Moody docente, es un tema bastante recurrente al que los guionistas no han sacado partido. Su triple relación con miembros del campus, ha resultado monótona y algo aburrida. En especial, con la directora británica, Felicia Koons (Embeth Davidtz) y su compañera de trabajo, Jill (Diane Farr). En el polo opuesto, Eva Amurri, interpretando a una liberal alumna, que a medida que avanzaba la temporada ha tenido menos protagonismo, tocando sensiblemente la calidad de la trama.

Por momentos, Californication se ha convertido en un producto de líos y enredos, con un humor poco atinado y una historia intrascendente. Prueba de ello, es la relación de Charlie Runkle (Evan Handler) y su esposa Marcy (Pamela Adlon) algo tediosa y embarullada. En los aspectos positivos, destacar la aparición de Kathleen Turner, en un entrañable y divertido personaje que sustituye en ese puesto a Lew Ashby (Callum Keith).

Asimismo, David Duchovny sigue divirtiéndose como Hank Moodie, dando una interpretación notable. Una pena que su lucimiento sea en vano, con esta decepcionante tercera temporada, que esperemos que remonte en la inminente cuarta. Californication sigue siendo un producto de calidad, pero que empieza a dar señales de agotamiento cómo le ocurre a muchos seriales televisivos. Confiamos en Moody (y en Karen, Natasha McElhonne).

Puntuación: **

por Emilio M. Luna
junio 21, 2010

ADICTOS EN SERIE: CALIFORNICATION (3th SEASON)

por Emilio M. Luna | junio 21, 2010

Décimo episodio del tratamiento del cine a personajes que marcaron la historia. Llega el turno de la reina emblema de las antiguas monarquías europeas. Habitual en las crónicas sociales, y contínuo goteo de noticias sobre sus avatares familiares. Isabel II, representa la realidad de la nobleza actual, con una sociedad que los ha relegado a motivos superficiales carentes de relevancia y aupada a los tabloides nacionales e internacionales. Detrás de todo ésto, hay una fuerte y controladora personalidad, que vivió momentos muy difíciles con la muerte de Diana de Gales. Una gran dama que lo audiovisual ha retratado en múltiples ocasiones, en especial el mundo de las series televisivas. Comenzamos el recorrido sobre la gran Reina.

ISABEL II DE INGLATERRA

“GOD SAVE THE QUEEN”

Muy lejos del esplendor de siglos pasados, la monarquía europea ha sido relegada a un segundo plano. Con menor influencia tanto política cómo socialmente, su existencia es un símbolo para su nación y un objetivo habitual de los rumores de la prensa del corazón. Lejos quedan ya sus decisiones y su poder, representando el lado frívolo de una sociedad moderna unida al progreso tecnológico. Como dirían algunos pensadores, la monarquía está en desuso. Si alguien representa lo expuesto anteriormente, es el Reino Unido, encabezada por nuestra protagonista, Isabel II.

Nacida el 21 de Abril de 1926 en Mayfair, Londres, Elizabeth Alexandra Mary, subió al trono del Reino Unido el 6 de Febrero de 1952. Tras 58 años de reinado, es tras la Reina Victoria y Jorge III el monarca más duradero con la corona. Primogénita del Príncipe Alberto (Duque de York) e Isabel (Duquesa de York) vivió la típica infancia de la nobleza, en su etapa adulta ayudó y colaboró en el voluntariado femenino de las tropas británicas que combatían en la Segunda Guerra Mundial. En 1948, hizo su primera visita al extranjero a Sudáfrica y en noviembre de ese mismo año, contrajo matrimonio con Felipe Mounbatten, oficial británico con descendencia en la familia real griega. Junto a él tuvo tres hijos y una hija: Carlos (Príncipe de Gales), Ana (Princesa Real), Príncipe Andrés (Duque de York) y Príncipe Eduardo (Conde de Wessex)

Su ascenso a la corona de Inglaterra, vino por consecuencia de una serie cambios sucesorios. No se esperaba que tuviera opciones pero todo cambió cuando su tío Eduardo VII abdicó por amor, pasando su padre ha asumir el máximo poder cómo Jorge VI. Durante un viaje oficial a Kenia fue informada de la muerte de su padre y su ascenso al trono. Tras el pertinente luto, fue coronada en la Abadía de Westminster, en Londres el 2 de Junio de 1953.

Su reinado se ha caracterizado por la sobriedad, y el control en todos los estamentos británicos. En política externa tuvo que hacer frente al nacionalismo norirlandés; la guerra con Argentina, por la supremacía de las Islas Malvinas en 1982; y el pacto de las Azores contra el terrorismo islámico en 2003. Pero fue lo personal lo que aupó a la palestra a La Reina. El cacareado divorcio de su hijo Carlos con Diana Spencer (Lady Di) y la posterior muerte en accidente de tráfico de ésta, coparon los tabloides de la prensa sensacionalista británica y europea. El fallecimiento de la Princesa Diana, un personaje mediático y admirado en todo el planeta, puso en jaque todos los estamentos ingleses por la agobiante presión mediática.

La longeva soberana ha vivido hasta trece cambios de gobierno, con alternancia entre el partido conservador y el laborista. Especialmente duro fue gobierno del Primer Ministro Tony Blair, entre 1997 y 2007, con la guerra de Irak y la ruptura de la tregua del IRA. Isabel afrontó todas las vicisitudes con rigor y templanza y su figura sigue siendo la más popular y reconocida del Reino Unido.

Un icono de la cultura actual, donde las diferentes manifestaciones artísticas no permanecieron ajenas a ella. El cine no iba a ser menos y son numerosos los documentos audiovisuales que cuentan con su presencia. Hay que destacar que la gran mayoría de obras suelen ser parodias, caricaturas o teleseries de factura anglosajona en clave biográfica.

Son muy numerosas sus apariciones en la pequeña y la gran pantalla. El triángulo que formaron Isabel II, su hijo Carlos y su esposa Diana fue adaptado en varias ocasiones por seriales y filmes para televisión. Más de veinte películas televisivas tuvieron como personaje a la reina de Inglaterra. Destacaba la actriz Jeanette Charles, que interpretó el papel de monarca británica en catorce ocasiones, resaltando su participación en la parodia de Mike Myers, Austin Power y el Miembro de Oro (Austin Power in GoldMember, 2002).

En el mundo del telefilme destacaron cintas cómo Charles and Diana (A Royal Love Story, 1982) con Margaret Tyzack en el papel de reina; Carlos y Diana: Infelices para Siempre (Charles and Diana, Unhappily even alter, 1992) con Amanda Walker; Diana, Su Verdadera Historia (Diana, 1993) con Anne Stallybrass; Her Majesty (2001) con Rachel Wallis; Bertie and Elizabeth (2002) con Juliet Aubrey cómo la Reina de Inglaterra; Prince William (2002) con Rosemary Leach; Love Again (2003) con Julia Monrow; la paupérrima comedia Churchill (2004) donde Helen Landau y Neve Campbell interpretan a la monarca en diferentes etapas de su vida; Whatever Love Means (2005) con Stella McCusker; y, Margaret (2009) interpretada por segunda ocasión por la británica Rosemary Leach.

Con una copiosa filmografía “telefilmesca”, el mundo de las series de televisión fue también un filón. Los Espías de Cambridge (Cambridge Spies, 2002) contó con una interpretación de Isabel II de lujo: Imelda Staunton, que participó en dos capítulos de este serial bastante popular en Gran Bretaña. El producto histórico Dr Who, le dedicó en 2007 dos episodios a la reina Elizabeth, interpretada por las actrices Jessica Martin y Angela Pleasence. Los momentos más importantes de la vida reciente de La Reina y su entorno se presentaron en la serie “The Queen” (2009) dirigida por Patrick Reams. Cinco episodios, que contaban con otras tantas actrices (Diana Quick, Barbara Flynn, Susan Jameson, Samantha Bond y Emilia Fox) interpretando a Isabel II que no fue muy bien recibida ni por la crítica ni por la audiencia.

Sea en caricaturas o en breves apariciones, La Reina de Inglaterra ha sido un personaje recurrente en el mundo del celuloide y las series infantiles. Recibiendo a estrellas del pop: los seriales Jonas (2009, con Marcia Steiner); Hannah Montana (2006, con Helen Duffy) y el largometraje Un Sueño para Ella (What a Girl Wants, 2003 con Elizabeth Richard); soportando a compatriotas más que engorrosos: Ali G (2002, Jeanette Vane); o viendo cómo el mundo se viene abajo en 2012 de Roland Emmerich (2009, con Elizabeth Richard que vuelve a repetir papel). Incluso en Los Simpsons aparecía en dos episodios en el 2000 y el 2010 con las voces de Tress McNeille y Eddie Izard, respectivamente.

Un personaje habitual en producciones de diferente índole, pero muy mal tratado y satirizado hasta la saciedad. Fue el prestigioso Stephen Frears, el que en 2006 nos mostró una versión coherente y realista sobre la gran dama de la nobleza europea, con La Reina (The Queen). Un solemne drama que narraba las conversaciones entre La Reina de Inglaterra y su Primer Ministro Tony Blair, tras la impactante muerte de Diana de Gales. Un increíble retrato sobre una dama que demuestra su humanidad y cercanía al pueblo en la intimidad. The Queen se sustenta en la maravillosa interpretación de la actriz británica Helen Mirren.

Mirren, logra una composición de la monarca sobresaliente, ella lleva el peso total del filme y lo eleva a los altares de los clásicos intemporales. Una de las mejores interpretaciones en décadas, que tuvo su recompensa en forma de Óscar, Bafta y Globo de Oro en 2006. Además, la película de Frears fue nominada cómo mejor película en los premios americanos, y consiguió múltiples galardones de las academias europeas, entre ellas la española; que premió The Queen con el Goya a la mejor película de factura europea. Cómo curiosidad, destacar que Helen Mirren, interpretó a la reina Isabel I (1533-1603) en una estupenda teleserie de la BBC, Elizabeth I.

Una cinta elegante y bien narrada, que contaba, también, con la estupenda interpretación de Michael Sheen (Frost Vs Nixon: El Desafío) cómo Tony Blair. No puede ser considerada una biografía de Isabel II, ya que sólo supone un fragmento reciente de su historia, pero hasta la fecha es el film que mejor ha reflejado a esta interesante y relevante figura de la historia de Europa.

Una mujer fascinante, de fuertes convicciones, que representa el lado romántico que aún no perdió la monarquía y la nobleza.

“El dolor es el precio que pagamos por el amor”.
Isabel II de Inglaterra.

Por Emilio Martín Luna.

Enlace al ARTÍCULO HISTÓRICOS DE CINE El Cine de Lo Que Yo te Diga: "Isabel II, God Save The Queen".

por Emilio M. Luna
junio 21, 2010

HISTÓRICOS DE CINE: ISABEL II DE INGLATERRA

por Emilio M. Luna | junio 21, 2010

GUARDIANES DE LA LIBERTAD

"Magnífico documento sobre la preponderancia del hombre ante un ser vivo más inteligente y “humano” que la gran mayoría de personas que nos rodea."

Cómo comienzo, una réplica. Al leer opiniones sobre el documental ganador del Óscar, The Cove -casi unánimes en su valoración positiva- resaltan algunas críticas de compañeros y especialistas. Reseñas que hablan de un documento audiovisual, malintencionado y parcial que eleva la calidad humana de los norteamericanos y tilda de sanguinaria a las autoridades japonesas. Está fuera de toda duda, que cualquier obra, de la expresión artística que sea, tiene impresa una ideología, un mensaje o una visión. También es el caso de The Cove, pero es necesario recalcar y argumentar que los datos nombrados en esta cinta son totalmente verídicos y de dominio público. Japón extermina más de 25.000 delfines en el periodo de seis meses, para vender una carne que nadie compra y que es altamente tóxica. 2.000 ejemplares se utilizan para el negocio de los parques acuáticos. Además, están tratando por todos los medios volver a la pesca indiscriminada y masiva de ballenas. La CBI (Comisión Ballenera Internacional) es otro show político más, donde los intereses y el dinero derriban cualquier buena convicción. Japón utiliza tratados con otros países para obtener votos y así el beneplácito de una tarifa plana marina. Todos los sabemos, viendo, leyendo o hablando. The Cove nos muestra en primer plano lo que ocurre en el país nipón. Si no se puede resolver esto, cómo se pretende cambiar la situación actual mundial. A esos compañeros, que tachan el documental como un “ensalce patriótico”, que abran mejor sus miras, no sólo estamos para aumentar el ego tenemos el poder de inspirar, hace falta conciencia.

Volviendo a lo estrictamente cinematográfico, The Cove, toma el testigo de Man on Wire, no sólo cómo triunfadora en los Óscar en su categoría, sino también como una nueva manera de narrarnos un documento real. El éxito de Man on Wire, se basaba en mostrarnos una proeza de un hombre en clave de suspense. The Cove logra un thriller, un film de espías pero con un tema mucho menos superficial que un equilibrista en Nueva York. The Cove es la pasión de un hombre, Richard O´Barry, entrenador de delfines en la mítica serie Flipper (1964-1967); architelevisado producto de nuestra infancia, que dio comienzo al interés público ante estas majestuosas criaturas: los delfines. O´Barry en un momento de su vida, se da cuenta que la libertad de los delfines son la mejor manera de disfrutarlos. Inicia una cruzada por salvarlos de la opresión indiscriminada de pueblos, ciudades y países. El mayor de los males para este cetáceo lo llevan a Taiji (Wakamura, Japón), donde llevará a cabo, con la ayuda de sus compañeros, una arriesgada misión.

Louie Psihoyos un antiguo fotógrafo del National Geographic, lleva una dirección con pulso de este atípico documental. No sólo aporta datos, sino también evasión y entretenimiento. Narrado con buen ritmo, consigue tocar nuestros sentimientos con escenas descorazonadoras y demasiados reales, que nos hacen sentir lo apartados que estamos en realidad en nuestros mundos de hormigón y vidrio. Un merecido triunfo de la naturaleza en forma de múltiples premios: Óscar, Sundance y Globo de Oro. Remarcar la última escena de Richard O´Barry, es un completa síntesis sobre la pasión.

Lo Mejor: La pasión que demuestran en este proyecto.

Lo Peor: Que no sea el medio definitivo para parar esta injusticia.

Puntuación: 8/10

por Emilio M. Luna
junio 19, 2010

THE COVE (LOUIE PSIHOYOS, 2009)

por Emilio M. Luna | junio 19, 2010

Una de las propuestas más curiosas y originales de éste 2010 será Buried (Enterrado). La película del gallego Rodrigo Cortés ha obtenido una notable acogida en los diversos festivales que ha participado, entre ellos Sundance. Cortés realiza su primer largometraje en tierras americanas, tras su bastante lograda ópera prima, Concursante (2007). El cine había dibujado la claustrofobia, en una habitación (La Habitación del Pánico, The Cube); sótano, avión (Vuelo Nocturno); en una cabina (La Cabina o Última Llamada), barco (Tiburón) y ahora Cortés escenifica uno de los mayores terrores del ser humano, ser enterrados vivos. La premisa de que un hombre se despierta en un ataúd, con un móvil con poca batería, una vela y un cuchillo ha llamado mucho la atención a la crítica americana. Se destaca, principalmente, la interpretación de un actor bastante infravalorado como es Ryan Reynolds. Intérprete que ha demostrado su cara dramática con solvencia, y se mueve con calidad en el género de la comedia.

Tensión y suspense, donde el tiempo es el segundo protagonista. Es inevitable el recuerdo de la participación de Quentin Tarantino en CSI, con uno de los mejores episodios de la historia de la televisión. Enterrado (Buried) tiene previsto su estreno el 1 de Octubre. Veremos cual es el recorrido comercial y de crítica, porque podíamos estar ante uno de los títulos sorpresa en la temporada de premios. Les dejo el primer trailer.

por Emilio M. Luna
junio 19, 2010

EXPRESS: TRAILER DE BURIED (ENTERRADO)

por Emilio M. Luna | junio 19, 2010

LA CENA DE NIETZSCHE

Alfred Hitchcock ya demostró con Naúfragos (Lifeboat, 1944) el dominio de la tensión y narración con un único escenario de fondo. Un prodigio técnico que entre otras muchas virtudes, ha elevado al director británico a la categoría de mito. Por segunda vez, y con un apartamento cómo fondo, ratificó su eficacia en el dominio de interiores y de cómo sacar máximo partido a sus escenas en La Soga (Rope, 1948). Una característica que convirtió en sublime con La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954), seis años más tarde. La Soga, cómo otras muchas obras de Hitchcock, ha sido siempre considerado un producto menor en su filmografía, que con el paso de los años ha ganado el prestigio y la admiración que merece. Su puesta en escena, sus diálogos y sus mensajes sociales y políticos hicieron que fuera ignorada en su época de estreno. Hoy en día, no sólo es un clásico del cine de suspense, también es un estudio psicológico y filosófico sobre la mente humana.

Basada en una obra de teatro de Patrick Hamilton, Hitchcock se viste de dramaturgo y con un plano-secuencia nos narra una curiosa reunión de amigos. Una cena organizada por dos estudiantes que con un terrible secreto bajo un arcón, intentarán jugar con sus invitados en una demostración de superioridad intelectual. Una superioridad que demuestra el realizador británico a la hora de mantener, el interés, la tensión y el suspense durante los ochenta minutos de proyección. La Soga en su comienzo nos hace partir al lado de los dos protagonistas, sintiendo empatía sobre ellos. Nos pone a su mismo nivel, ya que conocemos el secreto que ocultan al resto de invitados. Dos protagonistas, Shaw Brandon (John Dall) y Philipp (Farley Granger) totalmente diferentes: Brandon un joven de enorme ego, calculador e inteligente; Philipp un hombre maniatado, inseguro, mera comparsa de su compañero.

Como invitado, se les sumó un tercer protagonista: Rupert Cadell (James Stewart) un hombre íntegro, intelectual y con un gran poder de deducción. Un sugerente triángulo interpretativo, con interesantes aristas personales. La superioridad, el concepto de "superhombre" de Nietzsche, se encuentra visible en todo momento. Brandon se siente superior a los demás, y piensa que el mundo lo conforman rebaños inútiles que deben ser eliminados. “La pasión de matar puede satisfacerte tanto como la pasión de crear... Estamos vivos, real y maravillosamente vivos”, reza uno de los monólogos de Brandon, tan seguro de sí mismo como inseguro está su partener Philip. Los diálogos que encabeza Brandon, son sin duda lo mejor del filme (excelente la charla junto al Sr. Kendall, con Hitler cómo tema), que encuentran respuesta en el imaginativo Rupert Cadell, interpretado de manera brillante por James Stewart.

Hitchcock, crea un elaborado y original alegato contra el fascismo, en una cinta que esconde mucho más. Homosexualidad y misoginia, son temas ocultos sutilmente dibujados por el maestro del suspense. Brandon y Philip tiene una peculiar y ambigua relación, de libre interpretación por parte del espectador. Una significado que Hitchcock utiliza, malévolamente, para resaltar su depravación y falta de escrúpulos. Todo remarcado en una conversación tras el asesinato con un paralelismo entre el delito y el acto sexual. Por otra parte, los personajes femeninos, están acotados a un segundo y humillante segundo plano (indecisión, interés, sumisión, chismorreo…). Todo mostrado en las dos salas de un pequeño apartamento. Que a medida, que el día se va oscureciendo, el futuro de los protagonistas va menguando. Un guión excelente de Arthur Laurents y Hume Cronyn, del que Hitchcock saca un enorme partido.

James Stewart se echa las espaldas la historia, y junto a él nunca decae. En sus cinco colaboraciones con Hitchcock, tal vez La Soga, sea la actuación más meritoria por parte del actor de Indiana. Su antagónico, Brandon, es interpretado de manera eficaz por el actor teatral John Dall, que recibió una nominación al Óscar por su primera interpretación en El Maíz es Verde (1945). La Soga ha sido la caracterización más importante de su carrera, en su papel de empático villano. Su compañero Philip tiene el rostro de Farley Granger, que repitió con Hitchcock tres años más tarde en Extraños en el Tren (Strangers on a Train, 1951). Granger se encuentra algo perdido, con un personaje nada agradable y bastante difícil. Por momentos, realiza una interpretación algo forzada y demasiado expresiva. Completan este excelente reparto: Cedric Hardwicke, Joan Chandler y Douglas Dick.

La Soga (The Rope) es un filme que gana en cada visionado, y obtiene por derecho propio la etiqueta de clásico intemporal del cine de suspense. Una obra muy difícil de igualar, y que ha servido de inspiración a muchos autores actuales. Un manual sobre la personalidad perfectamente elaborado por la mente de un hombre que, cinematográficamente hablando, si era superior a la mayoría.

Lo Mejor: El desarrollo en un plano-secuencia. James Stewart

Lo Peor: Un Farley Granger algo sobreactuado.

Puntuación: 8,5/10 CINE CLÁSICO.

por Emilio M. Luna
junio 18, 2010

CINE CLUB: LA SOGA (ROPE, 1948)

por Emilio M. Luna | junio 18, 2010

Una de las mejores películas de la década con una de las mejores interpretaciones de todos los tiempos. El Caballero Oscuro (The Dark Knight, 2008) elevó el limitado género de superhéroes y novelas gráficas a una nueva dimensión. Un gran éxito de crítica y público que consagró (más si cabe) a este joven y prodigioso realizador llamado Christopher Nolan. Un film profundo, complejo, diferente que te mantiene en vilo durante dos horas y media, y deja con el poso que te dejan las grandes obras del séptimo arte. Gracias a El Caballero Oscuro, la expectación por lo próximo de Nolan es enorme en una filmografía llena de grandes y satisfactorios títulos. En dos meses lo sabremos con el estreno de Origen (Inception, 2010) que promete ser la cinta del año y cuya campaña viral tiene mucho en común con el film que nos ocupa hoy. Todos los avances hacen presagiar lo mejor, de un director que no sólo hace cine de calidad sino que también sabe venderlo al espectador.

El Caballero Oscuro, tiene numerosos momentos de gran calidad, uno de ellos es el interrogatorio de Batman su némesis: El Joker. Una gran muestra del enorme talento de Heath Ledger, en un carismático y perfilado villano que se hizo dueño, por completo, de la función montada por Nolan. Una soberbia escena, con dos grandes actores (y amigos) acompañada por un excelente sonido y banda sonora de Hans Zimmer. Uno de los grandes momentos del 2008, con unos diálogos sobresalientes. Tensión palpable en este retrato de un superhéroe con aire de Hamlet, que dejo una interpretación para la eternidad, con el nombre de Heath Ledger.

por Emilio M. Luna
junio 17, 2010

ESCENAS DE CINE: EL CABALLERO OSCURO

por Emilio M. Luna | junio 17, 2010

Esta semana en el Noticiero repasamos las novedades más relevantes del séptimo arte de las últimas fechas. Comienza el verano y junto a los blockbusters llegaran noticias y trailers de las producciones más interesantes, a nivel cualitativo, que nos llegarán en otoño. Comenzamos con Sofía Coppola, capaz de encandilar a la crítica (Lost in Translation, Las Vírgenes Suicidas) cómo de dejarla atónita y dormida (María Antonieta). Mucha curiosidad con su nuevo proyecto, Somewhere, escrita por la propia Coppola, y que contará en el reparto con Elle Fanning y Stephen Dorff. Ya tenemos el primer trailer de una producción se estrenará en Estados Unidos en navidad.

Una de las cintas más esperadas del próximo 2011, será Thor. Con la avalancha de títulos de Marvel por llegar (Capitán América, Ironman III), Thor es la apuesta de la que más se espera. Por la elección de su director: Kenneth Branagh; y por su gran reparto: Chris Hemsworth (Stark Trek), Natalie Portman, Anthony Hopkins, Stellan Skaargard, y Tom Hiddlestone (interpretando a Loki). La información llega a cuenta gotas, y en breve tendremos un teaser que nos muestre la estética del film, por lo pronto ya tenemos una imagen con Hensworth con el traje de héroe nórdico.

La semana pasado, hablamos del paso atrás de El Hobbit, tras la marcha de Guillermo del Toro. No hay ningún candidato, a la espera de que Peter Jackson, de el “no” definitivo. Uno de los nombres que se barajan es Peter Yates (Harry Potter). Veremos cómo sigue este proyecto, cuyo guión y decorados están creados. Nuestro siguiente protagonista, estuvo en la terna de inicio para dirigir una nueva epopeya en la Tierra Media. Hablamos de Sam Raimi, que se va hacer cargo de una nueva versión del Mago de Oz en “Oz, the Great and Powerful”. Cinta de Disney que volverá llevar a Dorothy al mágico país de Oz. Ojalá que el proyecto salgo algo mejor que el remake de Burton de Alicia en el País de las Maravillas.

Para terminar, varios fichajes para producciones del curso que viene: Angelina Jolie podría convertirse en Cleopatra, en un superproducción sobre la reina de Egipto. Elena Anaya formará parte del reparto de lo próximo de Pedro Almodóvar, La Piel que Habito, Anaya compartirá set con Marisa Paredes y Antonio Banderas. Y James McAvoy, será el profesor Xabier en X-Men: The First Class, en una cinta de la que se rumorea que el solicitado Michael Fassbender (Fish Tank) puede ser la versión más joven de Magneto, el villano de la función. Les dejo con el trailer de lo último de Sofia Coppola: Somewhere.

por Emilio M. Luna
junio 17, 2010

ACTUALIDAD: EL REGRESO DE SOFÍA COPPOLA

por Emilio M. Luna | junio 17, 2010

MELANCOLÍA

"Flojo melodrama sobre la nostalgia y la melancolía que partiendo de una buena base no lograr enganchar en ningún momento, pese a que el final del film nos haga sentir lo contrario."

Allen Coulter ha labrado gran parte de su carrera en el mundo de las series televisivas. Una carrera bastante exitosa ya que ha intervenido en las series más importantes de los últimos años: Los Soprano, Sexo en Nueva York, Roma y A Dos Metros Bajo Tierra, entre otras. Con su primer largometraje, Hollywoodland (2006) tuvo una gran acogida por la crítica, incluso su protagonista Ben Affleck ganó la copa Volpi en el festival de Venecia. Para su segunda película, con un presupuesto más modesto, iba a contar con uno de los actores mediáticos del momento, Robert Pattinson. Un actor británico, que apareció brevemente en la saga de Harry Potter, y que se dio a conocer con la saga de vampiros más famosa e influyente del momento, Crepúsculo (Twilight). Pattinson, aún demasiado joven para ser juzgado, tiene aún mucho que aprender, y aún esta verde para papeles protagónicos. Una muestra de ello, es Remember Me, donde ejerce de principal reclamo para el gran público.

Junto al actor de moda, un rostro televisivo, Emilie de Ravin, y dos veteranos y excelentes actores: Chris Cooper y Pierce Brosnan. Coulter, tiene las ideas claras, una narración de la típica historia de amor con un toque nostálgico y de tristeza. El patrón inicial es bueno, pero el filme se pierde en situaciones, y sobre todo, diálogos absurdos. El personaje interpretado por Pattinson (Tyler) es muy interesante con una pesimista y reflexiva concepción vitalicia. El actor se esfuerza por hacernos llegar a ese chico descorazonado por recuerdos pasados, se queda a medio camino, y no transmite ningún tipo de empatía. Mucho más perdida, si cabe, está su deseo amoroso, Ally; De Ravin no está nada creíble en su papel, siendo la inexpresividad su característica principal. Ambos junto a un guión con diálogos poco elocuentes y desatinados dejan a Remember Me como un subproducto cercano a las obras de aprendices de Nicholas Sparks (El Diario de Noa, Mensaje en un Botella, Un Paseo para Recordar, Querido John…).

Tan sólo la buena fotografía de Jonathan Freeman y el buen hacer de Pierce Brosnan, la hacen agradable y en algunos tramos interesante. El retrato de la familia de Tyler y su evolución, es lo única destacable de una sosa historia. La hora y media de film se hace demasiado larga, con una trama vista en numerosas ocasiones. Tan sólo los seguidores de Pattinson se mantendrán atentos e interesados en tan intrascendente relato. El final de Remember Me, intenta reconciliarnos con la película. Tras su visionado existirán dos lecturas: ese giro mejorará la cinta para algunos o que ese final sobrecogedor juega con nuestro corazón, sentimientos y recuerdos de una tragedia que nos azotó hace años. En cualquiera de los dos casos, Remember Me, es una película muy pequeña, en todos los sentidos, que fracasa en la emoción, una emoción que intenta arrebatarnos al final pero cuyo poso es tan vacío cómo su contenido.

Lo Mejor: New York y la presencia de Pierce Brosnan.

Lo Peor: Emilie de Ravin y una historia llena de tópicos.

Puntuación: 4/10

por Emilio M. Luna
junio 16, 2010

RECUÉRDAME (REMEMBER ME, ALLEN COULTER, 2010)

por Emilio M. Luna | junio 16, 2010

Si hace unos días hablábamos de la adaptación de Los Pilares de la Tierra, a la pequeña pantalla. Ayer martes, llegó el primer avance de una de las series más esperadas, Canción de Hielo y Fuego, basada en el conjunto de novelas de George R.R. Martin del mismo nombre. Siete novelas, de las que lleva publicadas cuatro: Juego de Tronos (1996), Choque de Reyes (1998), Tormenta de Espadas (2000) y Festín de Cuervos (2005). Se espera para finales de 2010 la quinta entrega titulada Danza de Dragones. Literatura de aventuras y conspiraciones medievales destinadas a un público adulto. Épica del medievo con toques fantásticos que tiene una gran legión de seguidores. Se hablaba de que el cine podía adaptar esta compleja obra, pero lo más lógico y acertado ha sido elegir el formato de la televisión, para una serie que constará de numerosos personajes y tramas.

La HBO, el mejor estudio de seriales televisivos, se hizo con un proyecto, que debe ser garantía de calidad. Un gran presupuesto, y un notable elenco encabezado por Sean Bean (El Señor de los Anillos), un magnífico actor que le da un plus en todo lo que participa. Siete libros para siete temporadas, HBO ha demostrado con Roma y Deadwood que se maneja muy bien en la épica adulta y promete darnos una de las mejores creaciones de televisión de todos los tiempos. Aún queda para el estreno del episodio piloto, de la primera temporada Juego de Tronos. Una temporada que se estrenará de manera completa en 2011 y cuyo rodaje comenzará en otoño. Para ir abriendo boca, una pieza de video con el casting completo, y el primer teaser-trailer de Juego de Tronos (A Game of Thrones, 2011)

por Emilio M. Luna
junio 15, 2010

ADICTOS EN SERIE: CANCIÓN DE HIELO Y FUEGO

por Emilio M. Luna | junio 15, 2010