Hoy lunes, se han dado a conocer los nominados a los premios independientes del cine británico. Unos galardones que funcionan como perfecta antesala de lo que ocurrirá en los Bafta, el evento más importante de la cinematografía del Reino Unido. Los premios BIFA (British Independent Film Awards), celebrarán su décimo cuarta edición con un puñado de favoritos de salida: El Topo (Tinker Taylor, Soldier, Spy), Shame y Tyrannosaur, todas parten con siete nominaciones cada una. Otras presencias destacadas son We Need to Talk About Kevin y el documental Senna que completan el quinteto que lucharán en la sección de mejor película. De la terna final, destacar que los filmes de Tomas Alfredson, Steve McQueen y Lynn Ramsey son fuertes contendientes en la campaña del otro lado del atlántico. La presencia de la ópera prima de Paddy Considine (Tyrannosaur) corrobora las buenas sensaciones que dejo en Sundance y San Sebastián.

En los apartados interpretativos, varios nombres destacan por encima de los demás: Michael Fassbender (Shame) y Gary Oldman (El Topo) en la categoría masculina y Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin) en la femenina. De esta selección debería salir el ganador/a. Del resto de candidaturas reseñar las nominaciones, en la categoría de mejor película extranjera, de La Piel que Habito (Pedro Almodóvar) y Drive (Nicolas Winding Refn). Junto a ellas una de las mejores producciones del pasado año, la australiana Animal Kingdom (David Michod, 2010). Recordar que la gran triunfadora de la pasada edición fue El Discurso del Rey (The King’s Speech, Tom Hooper, 2010) a la postre ganadora del Óscar. Pueden repasar la relación de ganadores del 2010 en el siguiente enlace (BIFA 2010 Winners). A continuación, el listado completo de nominaciones.

BRITISH INDEPENDENT FILM AWARDS NOMINEES

Mejor película británica:
Senna (Asif Kapadia, 2010).
Shame (Steve McQueen, 2011).
El Topo (Tinker Taylor Soldier Spy, Tomas Alfredson, 2011).
Tyrannosaur (Paddy Considine, 2011.
We Need to Talk About Kevin (Lynn Ramsey, 2011).

Mejor dirección:
Ben Wheatley por Kill List.
Steve McQueen por Shame.
Tomas Alfredson por El Topo.
Paddy Considine por Tyrannosaur.
Lynne Ramsay por We Need to Talk About Kevin.

Mejor actor:
Brendan Gleeson por The Guard.
Neil Maskell por Kill List.
Michael Fassbender por Shame.
Gary Oldman por El Topo.
Peter Mullan por Tyrannosaur.

Mejor actriz:
Rebecca Hall por The Awakening.
Mia Wasikowska por Jane Eyre.
MyAnna Buring por Kill List.
Olivia Colman por Tyrannosaur.
Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin.

Mejor actor de reparto:
Michael Smiley por Kill List.
Tom Hardy por El Topo.
Benedict Cumberbatch por El Topo.
Eddie Marsan por Tyrannosaur.
Ezra Miller por We Need to Talk About Kevin.

Mejor actriz de reparto:
Felicity Jones por Albatross.
Vanessa Redgrave por Coriolannus.
Carey Mulligan por Shame.
Sally Hawkins por Submarine.
Kathy Burke por El Topo.

Intérprete revelación:
Jessica Brown Findlay por Albatross.
John Boyega por Attack the Block.
Craig Roberts por Submarine.
Yasmin Paige por Submarine.
Tom Cullen por Weekend.

Mejor dirección novel:
Joe Cornish por Attack the Block.
Ralph Fiennes por Coriolanus.
John Michael McDonagh por The Guard.
Richard Ayoade por Submarine.
Paddy Considine por Tyrannosaur.

Mejor guión:
The Guard de John Michael McDonagh.
Kill List de Ben Wheatley y Amy Jump.
Shame de Abi Morgan y Steve McQueen.
Submarine de Richard Ayoade.
We Need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay y Rory Kinnear.

Mejor trabajo de producción:
Kill List.
Tyrannosaur.
Weekend.
Wild Bill.
You Instead.

Mejor contribución técnica:
Chris King y Gregers Sall por el montaje de Senna.
Sean Bobbitt por la fotografía de Shame.
Joe Walker por el montaje de Shame.
Maria Djurkovic por la dirección artística de El Topo.
Seamus McGarvey por la fotografía de We Need to Talk About Kevin.

Mejor documental:
Hell and Back Again (Danfung Dennis, 2011).
Life in a Day (Kevin McDonald, 2011).
Project Nim (James Marsh, 2011).
Senna (Asif Kapadia, 2011).
TT3D: Closer to the Edge (Richard de Araques, 2011).

Mejor cortometraje británico:
0507.
Chalk.
Love at First Sight.
Rite.
Rough Skin.

Mejor película extranjera:
Animal Kingdom (David Michod, 2010).
Drive (Nicolas Winding Refn, 2011).
Pina (Win Wenders, 2011).
Nader y Simin. Una Separación (Asghar Farhadi, 2011).
La Piel que Habito (Pedro Almodóvar, 2011).

La ceremonia de entrega se celebrará el 04 de Diciembre en Old Billingsgate (en el centro de Londres).

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2011

NOMINACIONES BRITISH INDEPENDENT AWARDS 2011

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2011

Esta noche se celebra Halloween, una tradición americana extendida con éxito al viejo continente. Tiempo de calabazas, conjuros, disfraces, trucos y tratos que han tenido en el cine un poderoso transmisor. Cualquier cinta de terror ligero es válida. Horror de serie B, leyendas y fábulas adaptadas, humor gamberro y una pizca de picardía son los ingredientes de este hechizo que dura, ya dos décadas. Este es el caso de Evil Dead II, Terroríficamente Muertos (Dead By Down, Sam Raimi, 1987), segunda entrega de una trilogía de culto. El cineasta americano Sam Raimi se volvía a reunir con su actor fetiche, Bruce Campbell, para crear esta desenfadada historia que mezcla risas, fantasía y mucha originalidad. Campbell, "un Jim Carrey de bajo perfil", ha trabajado, casi en exclusiva con su vecino de Royal Oak (Michigan) a lo largo de su extraña carrera. Raimi siempre lo ha tenido presente en todas sus producciones, fuera en papeles secundarios o cómo un simple cameo.

Gracias a la trilogía de Evil Dead, Raimi se hizo notar en la industria americana. Al igual que ocurre con Peter Jackson, Raimi tiene millares de seguidores que adoran la esencia de las obras que dieron comienzo a su filmografía. Prueba de ello fue dicha vuelta con la aplaudida Arrástrame al Infierno (Drag Me To Hell, 2009); tras la mediocre experiencia final que supuso la trilogía dedicada a Spiderman. Posesión Infernal (The Evil Dead, 1981) fue la primera entrega que no sólo marco las bases del tríptico, también creo escuela en la producción de terror de los años noventa. Terroríficamente Muertos fue una excelente continuación que tuvo cómo epílogo la curiosa El Ejército de las Tinieblas (Army of Darkness, 1992). Sin duda alguna, este segundo capítulo (pese a sus muchos defectos) es el más atractivo y divertido.

Tras un comienzo espectacular, Evil Dead II va decayendo desde mitad de metraje. Por suerte, su protagonista la rescata y deja un excelente sabor de boca. Sus primeros cuarenta minutos son todo un ejemplo de hilarante frescura. Cómo muesca, hoy en Escenas de Cine presentamos uno de sus instantes más ocurrentes. Atención al último tercio del video. Pasen una excelente noche de todos los Santos.

por Emilio M. Luna
octubre 31, 2011

ESCENAS DE CINE: EVIL DEAD II (SAM RAIMI, 1987)

por Emilio M. Luna | octubre 31, 2011

Ha concluido una nueva edición de la Seminci vallisoletana. Un festival, que cómo comentamos en la previa, mantiene su solera pese a la complicada situación económica actual. Este año, además, ha presentado una atractiva programación con excelentes películas a concurso. Como gran complemento numerosas secciones, destacando los especiales al cine español y la retrospectiva del nuevo cine sueco. Geoffrey Enthoven ha obtenido la Espiga de Oro con su filme Hasta la Vista (2011), comedia belga sobre la discapacidad que también se ha alzado con el premio de la Juventud en la sección oficial. La Espiga de Plata ha ido a parar a la francesa Las Nieves del Kilimanjaro (Les Neiges du Kilimandjaro, Robert Guèdeguian, 2011), obra que ya participó en Cannes con buenas críticas.

La holandesa Agnieszka Holland, consiguió el galardón a mejor realizadora gracias a In Darkness (W Ciemnosci, 2011). Los entorchados interpretativos se concedieron a Zhou Dongyu por Shan zha shu zhi lian (Amor bajo el espino blanco de Zhang Yimou) en el apartado femenino y Brendan Gleeson (The Guard) y Patrick Huard (Starbuck), ex-aequo, en la categoría masculina. Otras creaciones destacadas que han engrosado el palmarés han sido la representante islandesa por el Óscar, Volcano (Eldfjall, Runar Runarsson, 2011), Monsier Lazhar (Philippe Falardeu, 2011) y Ticket (Ferenc Rófusz, 2011). Además en la capital pucelana se han proyectado los nuevos trabajos de Nanni Moretti (Habemus Papam) y los hermanos Dardenne (El Niño de la Bicicleta), ambas con una excelente acogida. Con el palmarés se cierra una notable Seminci, todo un éxito de público. Manteniendo esta línea, serán muchos los años que representará a la industria cinematográfica española.

por Emilio M. Luna
octubre 30, 2011

PALMARÉS FESTIVAL DE VALLADOLID 2011

por Emilio M. Luna | octubre 30, 2011

Semana interesante de estrenos que repasamos en un nuevo capítulo de Los Dos de la Tarde (Canal Extremadura Radio). Comenzamos con la novedad española de la semana, Eva de Kike Maillo. Drama de ciencia-ficción sobre la inteligencia artificial que tuvo una buena acogida en la Mostra de Venecia. Cine de género de calidad interpretado por Daniel Bruhl y, la siempre excelente, Marta Etura. El cine familiar tiene una cita de lujo con el retorno de Tintín a la pantalla. Steven Spielberg y Peter Jackson aúnan fuerzas en Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, 2011). Largometraje de ritmo trepidante deudor de las obras de aventuras de los años ochenta. Stop motion tridimensional que demuestra que no existen límites.

Amparada por una gran recepción en Estados Unidos, Criadas y Señoras (The Help, Tate Taylor, 2011) arriba a nuestras carteleras intentado repetir éxito. A este drama sobre el racismo interpretado por Emma Stone y Viola Davis le avalan cuatro semanas de número uno en la taquilla americana y la sensación de ser una de las “outsiders” de la carrera por el Óscar. Mucho menos sugerente es la comedia “cuasi” adolescente Dime con Cuantos (What’s Your Number, Mark Mylod, 2011). Humor socarrón y repetitivo para este producto encabezado por Anna Faris y Chris Evans. Terminamos el repaso de los estrenos en España con El Niño de la Bicicleta (Le Gamin Au Velo, Jean Pierre & Luc Dardenne, 2011). Drama sobre la orfandad presentado con éxito en Cannes y que está semana ha formado parte de la programación de la Seminci vallisoletana. Cine de autor de gran calidad. Una de las propuestas más interesantes del otoño.

En la subsección “Coming Soon”, J. Edgar, la nueva película de Clint Eastwood. Un biopic sobre la vida de John Edgar Hoover, el creador del FBI, interpretado por Leonardo Di Caprio que promete ser una de las cintas del año. Con tiempo para hablar de series de televisión, le dedicamos unos minutos a The Walking Dead. Reciente su inicio de segunda temporada, muchos cambios en la producción estrella del canal AMC. Con Frank Darabont fuera de la capitanía, se espera que este serial retorne a la esencia del cómic de Robert Kirkman.

Para finalizar, música de series, con Lifehouse y “You and Me”. Un tema habitual de shows cómo One Tree Hill, Smallville y O.C. Con este grupo de “christian rock” nos despedimos hasta el próximo viernes. Les recordamos que el lunes publicaremos una nueva entrega de la Radio en Serie en Onda Cero. Pasen un excelente puente.


Cómo “bonus”, de nuevo, Jon Alonso recordando a otro mito: Frank Sinatra.

por Emilio M. Luna
octubre 30, 2011

CANAL EXTREMADURA RADIO: PROGRAMA Nº 63

por Emilio M. Luna | octubre 30, 2011

LA TRISTE ALTERIDAD
Melancolía | Melancholia, Lars Von Trier (2011)

“Mágico y reflexivo tratado sobre el ego, la vida y la muerte impregnado de un embriagador magnetismo en su segundo segmento que evoca la esencia y los miedos del ser humano."

     El fin del mundo se acerca. Y lo hace, a ojos de los de autores europeos, de forma íntima y sin estridencias. Una afirmación que se extrae de dos de los largometrajes de mayor repercusión en la temporada de festivales: 4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara, 2011) y Melancholia (Lars Von Trier, 2011) que se unen a la norteamericana Another Earth (Mike Cahill, 2011) en una mirada introspectiva a la psique humana cuando el final se haya más cerca. En la oscuridad, aparece una recreación fidedigna del espíritu; un dibujo tan turbador cómo lleno de belleza. Es la mejor definición posible para el filme que hoy nos ocupa. Melancholia, es arte en su forma más vehemente, alumbrada por un virtuoso analista de los sentimientos más lúgubres y primarios, una película dotada de la personalidad de un cineasta que hace de su obra su propio retrato.

por Emilio M. Luna
octubre 27, 2011

Crítica | Melancolía

por Emilio M. Luna | octubre 27, 2011

DÍAS DE VINO Y ROHIPNOL

“Repetición de la fórmula inicial carente de chispa y frescura, donde la malsonancia es el único recurso para evitar el tedio."

Nunca una resaca había sido tan productiva. Eso es que lo pensaría Todd Phillips tras el estreno americano de Resacón en las Vegas (The Hangover, 2009). Números excelsos en taquilla, buenas críticas y hasta un Globo de Oro (Mejor comedia o musical) que funcionaron cómo excelente carta de presentación en, su también exitoso, desembarco europeo. Un filme que sacó del anonimato al propio Phillips, perdido en producciones mediocres de fuera de temporada. Con Resacón en las Vegas llamó la atención de los grandes estudios, convirtiéndose un valor referente para éstos en el género cómico. De esta guisa llegaron Salidos de Cuentas (Due Date, 2010, Crítica), donde congregaba a dos pesos pesados de la comedia (Robert Downey y Zach Galifiniakis) y la obligada secuela de The Hangover, ahora con el escenario más propicio posible: Tailandia.

Como es habitual en este tipo de productos, el despojo del factor sorpresa muestra todas las taras de un filme destinado (únicamente) a la rentabilidad económica. Un factor evidente desde los títulos de crédito donde se demuestra un mayor presupuesto y quien será el protagonista de esta melopea cinematográfica. Una mayor y mejor producción, localizaciones de lujo e incluso una gran persecución por las calles de Bangkok adornan una película hueca que busca servir de lucimiento para Bradley Cooper. Las principales tomas y diálogos están destinados a su personaje. Un foco impuesto que no tiene el efecto deseado ya que, al igual que el filme, el actor de Philadelphia se diluye entre tacos y poses impostadas. Una resaca ligera que viene acompañada de estrambóticos giros.

Resacón, ¡ahora en Tailandia! (Hangover Part II, 2011), resulta un espectáculo circense donde todo vale con el objetivo de mantener el interés del público. Perdida la simpatía e las ocurrencias de la primera parte, en esta segunda todo se vuelve rocambolesco. Situaciones patéticas, alguna aislada y sin sentido (la escena en la camioneta previa a la entrada al templo), que buscan un guiño de complicidad a una platea estupefacta entre la sonrisa y la indignación. Dentro de lo burdo y lo gamberro, tan sólo la figura del infrautilizado Señor Chouw (Ken Jeong), supone un gracioso contrapunto ante el estereotipo de los tres personajes principales. Zach Galifiniakis (Alan) y Ed Helm (Stu), las otras dos hojas del trébol, marchan perdidos y poco inspirados cómo acompañantes de Cooper (Phil). Junto a ellos unos testimoniales e irrelevantes Paul Giamatti y Justin Bartha en papeles fuera de trama.

Bordeando lo absurdo, en líneas generales, el largometraje de Phillips resulta entretenido y deja un buen sabor de boca. Eso sí, efímero. Resacón ¡Ahora en Tailandia! es un servicio de fast food cinematográfico con algún escaso buen momento y la sensación de que la fórmula está agotada incluso antes de su inicio. Por desgracia, la vuelta de este malestar etílico dependerá de la economía por encima del talento.

Lo Mejor: El personaje asiático, Mr. Chouw (Ken Jeong). Los créditos finales.

Lo Peor: Pese a algunos buenos gags la historia es completamente anodina.

Puntuación: 5/10 CINE USA 2011/COMEDIA.

por Emilio M. Luna
octubre 26, 2011

THE HANGOVER PART II (TODD PHILLIPS, 2011)

por Emilio M. Luna | octubre 26, 2011

J.J. Abrams no es infalible. El nuevo mecenas de la producción de entretenimiento también guarda deslices en su manga. En su corta carrera, el director neoyorquino ha puesto apellidos a éxitos cómo los relanzamientos de Star Trek y Misión Imposible, al revival de sci-fi Super 8 y a la revolución televisiva de Perdidos (Lost) (aunque sólo como creador, abandonó el proyecto tras la primera temporada). Precisamente en la pequeña pantalla es donde ha desarrollado gran parte de su trabajo. Felicity (1998-2002) y Alias (2001-2006) pusieron su nombre en un candelero que se disparó con la ya icónica historia de los supervivientes del vuelo Oceanic 815. Más tarde, totalmente desligado de la gran serie del milenio, mostró buena vista con Fringe (2008-2012), obra de culto en ciernes, y vivió el fracaso con la cancelación de Undercovers (2010). Cómo ocurre con el Rey Midas (Steven Spielberg), cada estreno con su sello genera una gran expectación. Estos son los casos de las inminentes Alcatraz y Person of Interest, la serie que hoy nos ocupa.

El tándem Jonathan Nolan (hermano y guionista de Christopher Nolan) y el propio Abrams es suficiente reclamo para captar todos los focos de la temporada televisiva americana. Y lo hacen con un thriller de connotaciones de ciencia-ficción que promete llevar el testigo del género a buen puerto. Un testigo que se dejaron atrás las canceladas Flashforward y The Event. Para ello dos rostros mediáticos que encabecen dicho proyecto: James Caviezel y Michael Emerson (Benjamin Linus en Lost). Con esta maravillosa conjunción de nombres ilustres se esperaba un impresionante episodio piloto. El resultado nos remite a la primera frase de este artículo. La primera entrega de Person of Interest es un compendio, poco creíble, de tópicos y de situaciones rocambolescas. Entretenimiento sí, pero a que precio.

La historia de una desahuciado agente del gobierno al que se le ofrece el trabajo de redimirse salvando vidas en crímenes aún sin ejecutar ofrece un amplio espectro de posibilidades. Recordando a Minority Report (Steven Spielberg, 2002), el piloto se torna en un procedimental anodino y vulgar que no pueden recuperar, ni siquiera, sus protagonistas. Fuera de ritmo e intrascendente, mucho debe mejorar Person of Interest. Por materia prima que no quede.

Puntuación: ** ADICTOS EN SERIE/SERIES DE TELEVISIÓN USA.

por Emilio M. Luna
octubre 25, 2011

ADICTOS EN SERIE: PERSON OF INTEREST (PILOTO)

por Emilio M. Luna | octubre 25, 2011

THE FRIENDSHIP

“Drama coral, intenso y entretenido, dotado de carga moral y aupado por un completo y heterogéneo elenco de intérpretes que convierten lo anodino en notable."

Avalado por un enorme éxito en Francia, arribó a los cine europeos el tercer filme de Guillaume Canet, Pequeñas Mentiras Sin Importancia (Les petits mouchoirs, 2010). Canet, contrastado intérprete, debutó con Mi Ídolo (Mon Idole, 2002) drama sobre la amistad y la ambición que demostró las buenas maneras de este joven artista y que obtuvo buenas valoraciones en su país natal. El punto de inflexión llegó con su segunda obra, No Se Lo Digas a Nadie (Ne Le Dis à Personne, 2006). Con esta cinta de suspense se ganó a la crítica gala siendo la gran triunfadora de los premios César en 2006 con cuatro galardones (dirección, actor, música y montaje). Además de la realización, ambos filmes tenían en común el firmante del libreto: el propio Canet. Nada se le resiste a este autor destinado a marcar una época en la cinematografía francesa. Prueba de ello es Pequeñas Mentiras Sin Importancia.

Un terrible accidente pone en cuestión un habitual viaje de un grupo de amigos. Una escapada que termina realizándose pero que acaba sacando a la luz pequeños secretos entre ellos mientras su amigo lucha en soledad por su vida. ¿Cinismo o impotencia? La estancia de dos semanas en la playa resolverá esa incógnita y, sobre todo, desenmascarará los sentimientos de un grupo que aparentemente estaba muy unido. Pequeñas Mentiras Sin Importancia aborda el tema de la amistad desde un punto de vista sutil, casi íntimo, y lo hace de la mejor manera posible, perfilando uno a uno cada uno de sus personajes, dotándolos de alma, de personalidad y carisma. El gran mérito de Canet es la notable capacidad narrativa que convierte algo trivial en interesante y, sobre todo, ameno. Son dos horas y cuarto de buen cine que aúna realismo y entretenimiento.

Si en su breve filmografía, Canet demuestra un poderoso estilo, en Pequeñas Mentiras Sin Importancia se le añade una gran versatilidad como guionista. Su trabajo es casi perfecto en un guión lleno de vida donde todo el protagonismo se reparte de manera equitativa entre todos los personajes. Algo que permite el brillo de muchos de sus intérpretes. El caso más evidente es de Benoît Magimel (Vincent), toda una revelación en la estoica composición de un hombre atormentado. Un dolor que no le resta amabilidad y camaradería. Junto a Magimel (ganador de una Palma de Oro en Cannes en 2011 con La Pianiste) una siempre excelente Marion Cotillard (Marie), que sale adelante con un personaje algo estereotipado que hace del desorden sentimental su modus vivendi. Ambos son la punta del iceberg de un conjunto de inquietudes cuya importancia depende de la lente de cada cual.

En la composición de los caracteres no terminan las virtudes del filme de Canet. Logra mantener al espectador en vilo durante todo el metraje con franqueza y detalle. Una gran cualidad en una época donde el cine necesita multitud de giros para permanecer atractivo a los ojos del público. Canet cómo excelente apuntador y una banda sonora de lujo llena de clásicos americanos ratifican la calidad de Pequeñas Mentiras Sin Importancia. Una película cuyas virtudes pueden por mucho a sus, también, defectos (que los tiene). Toda una sorpresa del siempre sugestivo cine francés.

Lo Mejor: Excelente reparto donde destacan Marion Cotillard y Benoit Magimel.

Lo Peor: Ritmo narrativo irregular unido a algunos parches de guión innecesarios.

Puntuación: 7/10 CINE EUROPEO 2011/DRAMA/CINE FRANCÉS.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2011

PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA (2010)

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2011

Y llegará la película. O al menos, algo parecido. Ya desde hace unos días podemos disfrutar en el portal de El Sótano de Antena 3 del cuarto capítulo de Los Idiotas. Coincidiendo con su lanzamiento conocíamos en exclusiva que la primera temporada acabaría con una pieza de largo formato. Cuatro episodios unidos que conformaría en el primer largometraje de esta serie rodada y producida en Cáceres. Gran expectación por el resultado de un experimento que puede ser desternillante. Por lo pronto el cuarto episodio cierra la trama que se inició en el tercero y que nos descubría a un simpático y desconocido Adolf Hitler sacado de su retiro espiritual en la ermita de San Blas. Una magnífica segunda parte llenas de referencias culturales y populares ideal para ver de continuado con la anterior entrega.

Pensando en el futuro, Jose Parras Canuto nos ha dado alguna de las claves en forma de guión del segmento final. Lo más sugerente es un sketch dedicado a Blade Runner (Ridley Scott, 1982), de estupenda ejecución e interpretación. Además, aprovechando la celebración de Horteralia en Cáceres (de la mano de nuestros amigos de Avuelapluma) se han rodado diversas escenas con la “fauna” allí presente. El acabose para este serial que se ha convertido en objeto de culto. Les deseamos la mayor de las suertes y que prosiga su exitoso caminar en el canal Antena 3 Neox donde compite con producciones profesionales subvencionadas y apoyadas por grandes medios. Toneladas de irreverencias, humor zafio y mucho talento. A continuación, el cuarto capítulo de Los Idiotas por Jose Parras Canuto.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2011

ADICTOS EN SERIE: LOS IDIOTAS (CUARTO CAPÍTULO)

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2011

Atados los caballos, en esta veraniega tarde de otoño volvemos a los estudios de Canal Extremadura Radio en Cáceres para un nuevo episodio cinéfilo. Jornada más tranquila ya que se tuvo que suspender el capítulo de la mañana en Onda Cero debido a problemas técnicos y de agenda. Comenzamos repasando todos los estrenos del fin de semana. La película más interesante, a priori, es la producción indie Margin Call. Dirigida por J.C Chandor y protagonizada por Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Demi Moore, Zachary Quinto y Simon Baker, Margin Call narra el origen de la crisis económica actual. Un thriller que viene acompañado de buenas críticas desde el otro lado del atlántico.

Buena acogida, también, desde su estreno en Sundance ha llevado consigo Otra Tierra (Another Earth, Mike Cahill, 2011). Filme de bajo presupuesto que plantea la existencia de dos planetas Tierra idénticos con habitantes idénticos. Mucho menos sugerente es la precuela de La Cosa (The Thing, Matthijs Van Heijningen Jr, 2011). Una innecesaria vuelta a la Antártida que sólo sirve cómo acercamiento de las nuevas generaciones a los clásicos de Christian Nyby (1951) y John Carpenter (1982). Llega la tercera entrega de Paranormal Activity (Henry Joost y Ariel Schulman, 2011). Más sustos y tensión en esta nueva precuela que narra la infancia de la protagonista de la saga. Sorprendentemente los tres largometrajes ha recibido críticas decentes y, sobre todo, un gran apoyo del público. En el primer viernes de estreno obtuvo unos espectaculares números. Paranormal es la nueva vuelta de Sarah Jessica Parker a otro vehículo romántico para su lucimiento en Tentación en Manhattan (I Don’t Know Who She Does It, Douglas McGrath, 2011). Sobra la descripción.

El filme español de la semana es La Voz Dormida (Benito Zambrano, 2011). Finalista en la lucha por la representación española al Óscar, la nueva cinta de Benito Zambrano es otro retrato de postguerra pleno en excelentes interpretaciones femeninas. Una de las mejor películas de nuestro país esta temporada. Tras los estrenos, en el “Coming Soon” hablamos de Un Dios Salvaje (Carnage, 2011), la esperada nueva obra de Roman Polanski.

Con tanto sólo unos pocos minutos hablamos de Dexter, la serie de Showtime que cuenta con miles de adeptos en todo el mundo. Todo un icono, que al igual que House, va decayendo con el paso de las temporadas. Acaba de comenzar la sexta. Con el señor Morgan, ponemos el punto y seguido a la sección de cine de Los Dos de la Tarde. Cómo epílogo un tema de la banda sonora de Blue Valentine (Derek Cianfrance, 2011), “You and Me” de Penny and Quarters. Pasen una excelente semana.


Como viene siendo habitual en la últimas semanas, “bonus track” a cargo de Jon Alonso con la segunda parte de la vida de Steve McQueen. La próxima semana, Frank Sinatra.

por Emilio M. Luna
octubre 23, 2011

CANAL EXTREMADURA RADIO: PROGRAMA Nº 62

por Emilio M. Luna | octubre 23, 2011

Llegan los primeros premios de la temporada. En septiembre con los festivales de Venecia, Toronto y San Sebastián se abrió oficiosamente la campaña de galardones. Hasta la llegada del clásico National Board of Review no se abrirá de forma oficial. Para ir calentando motores los Gotham Independent Awards, asociación que valora las cintas independientes americanas de cada curso. Habitualmente no tiene una gran relevancia en el camino al Óscar, pese a que en anteriores ediciones se han premiado a filmes cómo Half Nelson (Ryan Fleck, 2006), Precious (Lee Daniels, 2009) o The Hurt Locker (2009). El año pasado hasta tres de sus largometrajes aparecieron en la terna final de la categoría de mejor película: Black Swan (Darren Aronofsky), Winter's Bone (Debra Granik) y The Kids Are All Right (Lisa Cholodenko). Todo un record para este evento que cumple su vigésimo primer cumpleaños.

Esta mañana en New York se anunciaron las candidaturas de este año que postulan a Take Shelter (Jeff Nichols, 2011), The Descendants (Alexander Payne, 2011) y The Tree of Life (Terrence Malick, 2011) cómo grandes favoritas. A destacar, la ausencia en la principal categoría de Like Crazy (Drake Doramus, 2011), Drive (Nicolas Winding Refn) y Martha Marcy May Marlene (Sean Durkin, 2011). Resaltar, en el lado positivo, las menciones a Meek’s Cutoff (Kelly Reichardt, 2010), Bellflower (Evan Glodell, 2011) y Margin Call (J.C. Chandor, 2011), que se estrena este fin de semana en España. El 28 de Noviembre se anunciarán los ganadores. Apunten estos nombres porque serán protagonistas en los Independent Spirit y puede que en los Óscar. Terrence Malick se apunta el primer tanto. A continuación, el listado completo de nominados a los Gotham Awards.

GOTHAM INDEPENDENT AWARD NOMINEES 2011

-Mejor filme: "Beginners" "The Descendants" "Meek's Cutoff" "Take Shelter" "The Tree of Life".

-Mejor documental: "Better This World" "Bill Cunningham New York" "Hell and Back Again" "The Interrupters" and "The Woodmans".

-Director revelación: Mike Cahill "Another Earth" Sean Durkin "Martha Marcy May Marlene" Vera Farmiga "Higher Ground" Evan Glodell "Bellflower" and Dee Rees "Pariah".

-Intérprete revelación: Felicity Jones "Like Crazy" Elizabeth Olsen "Martha Macy May Marlene" Harmony Santana "Gun Hill Road" Shailene Woodley "The Descendants" and Jacob Wysocki "Terri".

-Mejor reparto: "Beginners" "The Descendants" "Margin Call" "Martha Marcy May Marlene" and "Take Shelter".

-Mejor película no estrenada comercialmente: "Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same" "Green" "The Redemption of General Butt Naked" "Scenes of a Crime" and "Without".

Las nominaciones al premio Gotham otorgado por la audiencia se conocerán el día 7 de Noviembre. También se premiará de manera honorífica a David Cronenberg, Gary Oldman, Charlize Theron y Tom Rothman.

por Emilio M. Luna
octubre 20, 2011

NOMINACIONES GOTHAM AWARDS 2011

por Emilio M. Luna | octubre 20, 2011

En el anterior artículo, dedicado a Pa Negre (Pan Negro, Agustí Villaronga, 2010), apuntábamos que la competencia en la categoría de mejor película de habla no inglesa iba a ser cruenta y bastante impredecible. Este apartado, tradicionalmente, siempre ha ido a contracorriente deparando numerosas sorpresas. En los últimos años, favoritas potenciales se han ido cayendo en los cortes previos. Casos como el de Cuatro Meses, Tres Semanas y Dos Días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile, Christian Mungiu, 2007) o Volver (Pedro Almodóvar, 2006) son los más flagrantes. Con independencia del criterio de los académicos, esta temporada se presenta con muchas alternativas para las cintas foráneas. Una posible elección de la obra de Pedro Almodóvar, La Piel que Habito, hubiera supuesto un bello comodín para España en una baraja con muchos ases. Nuestra representante, la primera producción en catalán que opta a la estatuilla, tendrá duros rivales provenientes de todos los continentes.

Hace unos días la academia americana de cine anunció el listado de las sesenta y tres naciones que lucharán por la estatuilla dorada. Se modificaron y cayeron, respectivamente, de la selección final las representantes de Albania, The Forgiveness of Blood (Joshua Marston, 2011), y Puerto Rico, América (Sonia Fritz, 2011). Autores cómo Aki Kaurismaki, Zhang Yimou, Bela Tarr, Nadine Labaki, Nuri Bilge Ceylan, Jose Padilha o Win Wenders formarán de la partida. Ante la duda de una posible descalificación de la cinta de Yimou, The Flowers of War con Christian Bale, las máximas candidatas a ser finalistas son Le Havre (Finlandia) y Where Do We Go Now (Líbano). Ambas con un sólido paso por los diversos festivales de primavera y verano. La obra de Labaki, tuvo una gran acogida en Cannes, Toronto y San Sebastián.

Precisamente en el inminente Festival de Cine de Valladolid se proyectarán las representantes de Islandia (Volcano) y Dinamarca (Superclásico). Entre las ausencias de esta selección, destaca la argentina Las Acacias de Pablo Giorgelli, un modesto filme que ha triunfado en los certámenes europeos. Al final, el país suramericano ha optado por Aballay, El Hombre sin Miedo (Fernando Spiner, 2011). A continuación, todas las participantes.

SELECCIÓN FINAL FILME DE HABLA NO INGLESA

-Albania: Amnesty de Bujar Alimani.
-Alemania: Pina de Wim Wenders.
-Argentina: Aballay, el hombre sin miedo de Fernando Spiner.
-Austria: Breathing de Karl Markovics.
-Bélgica: Bullhead de Michael R. Roskam.
-Bosnia Herzegovina: Belvedere de Ahmed Imamovic.
-Brasil: Tropa de Élite 2 de José Padilha.
-Bulgaria: Tilt de Viktor Chouchkov, Jr.
-Canadá: Monsieur Lazhar de Philippe Falardeau.
-Chile: Violeta se fue a los Cielos de Andrés Wood.
-China: The Flowers of War de Zhang Yimou.
-Colombia: Los Colores de la Montaña de Carlos César Arbeláez.
-Corea del Sur: The Front Line de Jang Hun.
-Croacia: 72 Days de Danilo Serbedzija.
-Cuba: Habanastation de Ian Padrón.
-República Checa: Alois Nebel de Tomás Lunák.
-Dinamarca: Superclásico de Ole Christian Madsen.
-República Dominicana: La Hija Natural de Leticia Tonos.
-República Eslovaca: Gypsy de Martin Sulík.
-Egipto: Lust de Khaled el Hagar.
-España: Pa Negre de Agustí Villaronga.
-Estonia: Letters to Angel de Sulev Keedus.
-Filipinas: The Woman in the Septic Tank de Marlon N. Rivera.
-Finlandia: Le Havre de Aki Kaurismäki.
-Francia: Declaration of War de Valérie Donzelli.
-Georgia: Chantrapas de Otar Iosseliani.
-Grecia: Attenberg de Athina Rachel Tsangari.
-Holanda: Sonny Boy de Maria Peters.
-Hong Kong: A Simple Life de Ann Hui.
-Hungría: The Turin Horse de Béla Tarr.
-Islandia: Volcano de Rúnar Rúnarsson.
-India: Abu, Son of Adam de Salim Ahamed.
-Indonesia: Under the Protection of Ka’Bah de Hanny R. Saputra.
-Irán: Nader y Simin. Una Separación de Asghar Farhadi.
-Irlanda: As If I Am Not There de Juanita Wilson.
-Israel: Footnote de Joseph Cedar.
-Italia: Terraferma de Emanuele Crialese.
-Japón: Postcard de Kaneto Shindo.
-Kazajistán: Returning to the ‘A de Egor Mikhalkov-Konchalovsky.
-Líbano: Where Do We Go Now? de Nadine Labaki.
-Lituania: Back to Your Arms de Kristijonas Vildziunas.
-Macedonia: Punk Is Not Dead de Vladimir Blazevski.
-México: Miss Bala de Gerardo Naranjo.
-Marruecos: Omar Killed Me de Roschdy Zem.
-Noruega: Happy, Happy de Anne Sewitsky.
-Nueva Zelanda: The Orator de Tusi Tamasese.
-Perú: October de Diego Vega y Daniel Vega.
-Polonia: In Darkness de Agnieszka Holland.
-Portugal: José e Pilar de Miguel Gonçalves Mendes.
-Reino Unido: Patagonia de Marc Evans.
-Rumanía: Morgen de Marian Crisan.
-Rusia: Quemado por el Sol 2 de Nikita Mikhalkov.
-Serbia: Montevideo: Taste of a Dream de Dragan Bjelogrli.
-Singapur: Tatsumi de Eric Khoo.
-Sudáfrica: Beauty de Oliver Hermanus.
-Suecia: Beyond de Pernilla August.
-Suiza: Summer Games de Rolando Colla.
-Tailandia: Kon Khon de Sarunyu Wongkrachang.
-Taiwán: Warriors of the Rainbow: Seediq Bale de Wei Te-sheng.
-Turquía: Once upon a Time in Anatolia de Nuri Bilge Ceylan.
-Uruguay: La Casa Muda de Gustavo Hernández.
-Venezuela: El Rumor de las Piedras de Alejandro Bellame Palacios.
-Vietnam: The Prince and the Pagoda Boy de Luu Trong Ninh.

El día 19 de Enero conoceremos las nueve semifinalistas y el 24 del mismo mes, junto al resto de nominaciones, las elegidas. Ojalá las opciones de Pa Negre pasen de testimoniales. Una nueva cinta sobre la postguerra no parece la mejor carta de presentación. ¿Se trata de elegir la mejor? ¿O el filme que tenga más opciones? Nuestra favorita: Le Havre de Aki Kaurismaki.

por Emilio M. Luna
octubre 20, 2011

ÓSCARS 2012: SELECCIÓN MEJOR FILME EXTRANJERO

por Emilio M. Luna | octubre 20, 2011

EL DESPERTAR

"Desbocada e irregular unión de géneros llevada a buen puerto por su director e intérpretes pero que suena a partitura reescrita."

Sin duda alguna, Agustí Villaronga el gran protagonista del año en el panorama cinematográfico español. Su último filme, Pa Negre (Pan Negro, 2010), no sólo fue el gran triunfador de la última edición de los premios Goya (donde obtuvo nueve estatuillas, entre ellas la de mejor película), también ha sido elegido por la academia cómo la representante española en la lucha por el Óscar en la categoría de película de habla no inglesa. Es el primer largometraje en catalán que lo consigue. Todo un logro ya que consiguió imponerse al favoritismo inicial de la producción de Pedro Almodóvar, La Piel que Habito. La obra de Villaronga, una más que digna elección, tendrá en los trabajos de Aki Kaurismaki, Asghar Farhadi, Bela Tarr, Win Wenders, Zhang Yimou o Nadine Labaki, entre otros, a sus principales contendientes. No será un camino sencillo.

La academia de cine español ha sido consecuente y ha elegido la película más importante, en cuanto a premios y valoración, de este curso. Poco importa, ya, que la elección se haya hecho un año después (Pa Negre pertenece a la cosecha de 2010); que la opción Almodóvar fuera la más conveniente o que la obra de Villaronga vuelva, una vez más, a la postguerra. Dimes y diretes que no ensombrecen la calidad de una cinta plena en virtudes técnicas pero carente de innovación ante una estereotipada trama. ¿Es Pa Negre un triunfo de la forma sobre el fondo? En un análisis superficial la respuesta sería positiva. Pero el engranaje comandado por Villaronga ofrece una serie de detalles sutiles que se encuentran por encima de la media del cine español actual. El éxito de la dedicación y la pasión de un autor.

El comienzo del metraje es sobresaliente. Con una insólita escena que golpea de lleno en la retina y se queda grabada en la memoria. Un prólogo brillante que parece anunciar una cinta de misterio y venganza de primera categoría. Esas expectativas se van disipando a medida que transcurren los minutos y todo converge en un drama rural con todos los tópicos del cine de la guerra civil española: “buenos y crueles”, “vencedores y vencidos” y todo dentro del relato del despertar de la pubertad y la conciencia de un niño de diez años. Ambientada en una zona arbórea de la Cataluña pastoral, el eje de la trama son las relaciones entre los habitantes de dicho pueblo. Un mundo de rencor y venganza que no termina de desarrollarse en favor del apéndice narrativo político y judicial.

Pese a ésto, una lúgubre aura va envolviendo el filme extrapolando la zozobra a un espectador curioso ante ese cruel e incómodo lugar. Allí nada es fácil para el joven Andreu, desde su relación con sus contemporáneos cómo con una familia pendiente de un hilo. Todo hasta llegar a un desenlace más que satisfactorio pese a una de serie de preguntas cuya respuesta depende de la perspectiva de la platea. Un prisma diferente desde el que ver el gran episodio de la historia de nuestro país en el siglo XX. El paisaje, la fotografía, la música de Jose Manuel Pagán se une a las notables interpretaciones de Nora Navas y Laia Marull en un producto bien dirigido pero de narración intermitente. El cine español no necesita otra nueva revisión de la Guerra Civil por muy bien que lo envuelva un gran Agustí Villaronga.

Lo Mejor: El arrollador inicio. El buen nivel de las interpretaciones. La fotografía de Antonio Riestra.

Lo Peor: Tópico desarrollo visto en anteriores filmes de idéntica temática.

Puntuación: 6/10 CINE ESPAÑOL 2010/POSTGUERRA/CINE EUROPEO 2010.

por Emilio M. Luna
octubre 19, 2011

PA NEGRE (PAN NEGRO, AGUSTÍ VILLARONGA, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 19, 2011

EL DOGMA DE LA SOLEDAD

"Vigoroso drama social. Espejo contemporáneo de la soledad y la pérdida dirigida de manera brillante por Susanne Bier que explora con sutileza y emotividad los recovecos del alma humana."

De vuelta a su Copenhague natal. Tras la experiencia americana que supuso Cosas que Perdimos en el Fuego (Things With Lost in the Fire, 2008), Susanne Bier prosigue por ese dúctil senda de la ausencia y la pérdida que ha marcado su filmografía. Desde su ópera prima, la producción sueca Freud’s Leaving Home (Freud Flyttar Hemifran, 1991), la cineasta danesa ha dibujado los brillos y sombras de la moralidad humana siempre desde el punto de inflexión de un dramático suceso vital. Sus obras más conocidas cómo el drama dogma Te Quiero Para Siempre (Elskeg Dig For Evigt, 2002); Hermanos (Brødre, 2004) y Después de la Boda (Efter Brylluppet, 2006) atestiguan la tendencia de esta notable realizadora que se ha hecho un hueco de honor en la cinematografía europea. Prueba de ello es su último largometraje, En un Mundo Mejor (Haevnen, 2010), ganadora del Globo de Oro y el Óscar.

Formada en el movimiento Dogma, Bier tiene una especial habilidad para reflejar la unión entre el realismo y el lirismo de las vidas cotidianas. Ella, representa la nueva ola de la industria danesa junto Lone Scherfig y Nicolas Winding Refn que se unen a Lars Von Trier en este florecimiento artístico de la pequeña nación escandinava. Europa y Norteamérica se rinden a sus pies cómo demuestra su presencia habitual en los eventos y premios más importantes. En un Mundo Mejor, desde su estreno llevó el marchamo de cinta ganadora gracias a las maravillosas críticas que le acompañaron. Su triunfo en la siempre exigente categoría foránea no supuso sorpresa alguna. Sólo la confirmación de Bier como una de las grandes directoras de la actualidad. Algo que corroborará con All You Need is Love (2012), proyecto encabezado por Pierce Brosnan.

En un Mundo Mejor (Haevnen, 2010), es un sincero retrato de dos familias a dos tiempos. Una separada por la distancia y cuyo inocente hijo vive acobardado en el entorno escolar; otra, con un padre viudo e hijo huérfano que luchan por recobrar el aliento. Ambas tienen un punto en común: sus vástagos comparten colegio y amistad. El filme de Susanne Bier muestra la dualidad entre el idealismo y la violenta realidad. Cómo punto de partida y esencia, muestra las vivencias del padre de la primera familia, donde sirve cómo galeno en un campo de refugiados africano. Allí no hay lugar para ideales, enterrados por una arena conformada por seres crueles e inhumanos. Una paradoja entre Occidente y el Tercer Mundo cuya línea de separación es más fina de lo que parece.

Cómo la vida misma, en la crudeza hay momentos para la belleza. Ésta no sólo se muestra en el plano narrativo también en la realización de En un Mundo Mejor. Fotografía, montaje, música y uso de la cámara reúnen todas las virtudes del estilo nórdico. Sobriedad y beldad bajo la batuta de una excelente dirección. Acompañan, cómo no, las interpretaciones. William Jøhnk Nielsen y Markus Rygaard, los jóvenes protagonistas de esta historia, dan una notable réplica a sus veteranos compañeros Michael Persbrandt y Ulrich Thomsen (habituales en la carrera de Bier). Todo un acierto de casting que da veracidad a una trama que espeja con dolorosa franqueza todos los traumas de la sociedad contemporánea. Por suerte, siempre hay una vía de escape.

Y ese aspecto, junto a un estereotipado desarrollo de la pareja separada, son los elementos más achacables de En un Mundo Mejor. Quizás demasiado benevolente pero siempre dejando el germen en la mente del espectador y éste sea el que decida. Cómo en su anterior filme, Cosas que Perdimos en el Fuego, Bier siempre muestra una pequeña puerta de salida. Esa que reconduce nuestras vidas a través del recuerdo. Es algo que tiene en común su cine con la vida real. El tamaño y la dirección de dicho vano es la sutil diferencia que marca nuestra experiencia.

Lo Mejor: El elenco, destacando a los jóvenes intérpretes. El envoltorio formal que aplica Bier.

Lo Peor: Una mayor profundidad en la historia entre la pareja adulta.

Puntuación: 7,5/10 CINE EUROPEO 2010/CINE ESCANDINAVO.

por Emilio M. Luna
octubre 19, 2011

EN UN MUNDO MEJOR (HAEVNEN, S. BIER, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 19, 2011

AMISTADES PELIGROSAS

"Ligera comedia dramática ambientada en la campiña inglesa que tras un aletargado arranque logra convencer gracias a su sarcasmo y el carisma de su protagonista, una excelente Gemma Arterton."

Creada por Pasy Simmonds en 2005, Tamara Drewe ha sido una de las viñetas referentes para la prensa británica de los últimos años. Publicada por el diario The Guardian hasta octubre de 2007, estas historietas se basan en la novela del siglo XIX, Lejos del Mundanal Ruido (Far from Madding Crowd, 1874) de Thomas Hardy. La señorita Drewe vuelve a su pueblo natal cómo una exitosa periodista. Allí encontrará la envidia de sus vecinos y un pasado del que nunca se separará. Este pequeño relato lleno de acordes y desacuerdos pasó del cómic al celuloide el año pasado gracias a Stephen Frears.

El cineasta británico, creador de joyas cómo Las Amistades Peligrosas (Dangerous Liaisons, 1988) o Alta Fidelidad (High Fidelity, 2000), se viste de Woody Allen y Claude Chabrol para representar las aireadas vidas de los habitantes de esta villa británica. Tamara Drewe (Stephen Frears, 2010), fue presentada en el festival de Cannes 2010 fuera de competición obteniendo buenas críticas. Algo que no logró evitar su modesto paso por las carteleras europeas y americanas. Algo en lo que influyó su estilo. La obra de Frears está dirigida a un público demasiado concreto pese a su ligereza y falta de crudeza con respecto a la novela gráfica de Simmonds. Además, poco ayuda su deslavazado comienzo, con un ritmo átono y una trama poco sugerente salvada por los instantes de un estupendo Luke Evans. Tanto el inminente triángulo amoroso en la casa de hospedaje para escritores cómo las primeras horas de Tamara Drewe resultan insulsas y poco sugerentes. Todo cambia, cómo en los clásicos filmes de Woody Allen, a medida que se van añadiendo nuevos personajes (en especial el rockero interpretado por Dominic Cooper) y aumenta el nivel de líos y vicisitudes entre los protagonistas.

Cómo si de una cinta diferente se tratara, Tamara Drewe, torna en su segunda parte en un divertido cuento pleno de ironía e instantes hilarantes. Unos momentos donde emerge la figura de Gemma Arterton cómo soprano de esta simpática valkiria que marcha in crescendo al igual que el nivel de caricatura de sus personajes. Cómo en Alta Fidelidad, Frears sabe manejar los momentos cómicos con aplomo y dotar a la narración de una interesante mezcla de ingenuidad y desdicha. Alejada de cualquier comparación, tanto en la obra en la que se basa y la novela de Hardy, Tamara Drewe funciona cómo un inteligente divertimento lleno de referencias cinéfilas e intérpretes competentes. Arterton demuestra su evolución en su primer papel protagonista. Será el primero de muchos.

La fotografía de Ben Davis (brillante) y la música de Alexandre Desplat hacen el resto. Tamara Drewe, es un filme irregular cuya valoración depende de un hilo durante gran parte de la proyección pero que acaba conquistando el corazón del espectador de forma sibilina. Una cinta agradable que sigue demostrando el talento de uno de los grandes realizadores europeos de las dos últimas décadas. Cómo es clásico en todas las obras de su filmografía, el halo autorreferencial se mantiene presente en forma de escritor de mediana edad que aislado del mundo encuentra una musa cada noche en la bellas praderas anglosajonas.

Lo Mejor: Gemma Arterton y Luke Evans.

Lo Peor: Su translúcida primera parte.

Puntuación: 7/10 CINE EUROPEO 2010/CINE BRITÁNICO/NOVELA GRÁFICA.

por Emilio M. Luna
octubre 18, 2011

TAMARA DREWE (STEPHEN FREARS, 2010)

por Emilio M. Luna | octubre 18, 2011