Hoy miércoles se abrió el telón de la 68ª edición de la Mostra de Venecia. Uno de los eventos más prestigiosos del panorama europeo y que en los últimos años había tocado fondo con paupérrimas programaciones. Precisamente, el festival comienza con las dudas sobre el futuro de su director, Marco Múller, muy criticado por su labor y criterios de elección. Algo que no se ha puesto en duda este año.

Al igual que en Cannes, Venecia presenta un conjunto de filmes, en todos los apartados, realmente brillante con algunos de los grandes estrenos del año. Las últimas creaciones de Roman Polanski, George Clooney, David Cronenberg, Steven Soderbergh, Steve McQueen, Tomas Alfredson, Abel Ferrara, Andrea Arnold, Yorgos Lanthimos, Al Pacino y Todd Solondz arribarán a un Lido pleno de expectación y satisfacción. Buena señal que los grandes certámenes respondan a la crisis con programas interesantes que atraigan a público y prensa ávido de personajes mediáticos.

Esta mañana con la proyección matinal de The Ides of March (Los Idus de Marzo, George Clooney, 2011), se dio el pistoletazo de salida del festival. Con la presencia del propio George Clooney y los intérpretes Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman, se presentó una de las películas más esperadas de este año. Un drama político llamado a ser protagonista en la inminente campaña de premios. The Ides of March también forma parte del plantel de las celebraciones en Telluride y Toronto. Un comienzo espectacular de la Mostra que abría la sección oficial.

THE IDES OF MARCH (George Clooney, Estados Unidos, 2011): drama político con toques de thriller que ha gustado a la prensa especializada. El filme de Clooney narra cómo un joven director de campaña de un aspirante al gobierno va destapando una serie de irregularidades que lo llevan a una situación límite. El Clooney más clásico ha presentado un filme convencional pero de bella factura. The Ides of March está elevado por unas excelentes interpretaciones donde se ha destacado al protagonista principal interpretado por Ryan Gosling. Sin aportar nada nuevo al género es una mirada cínica al mundo de la política con solidez, franqueza, sutileza y elegancia. Con The Ides of March, cómo hizo con Buenas Noches y Buena Suerte (Good Night & Good Luck, 2005), Clooney se confirma como heredero del cine testimonial americano que tuvo su apogéo en los años setenta.

"Una película notable. Clooney acierta a dibujar una película ajustada a razones. Una solvente intriga con parada y fonda en los intestinos de cualquiera." (Luis Martínez: Diario El Mundo).

“Fascinante y bien hecha. El elenco excelente, hasta en sus papeles más pequeños”. (Dave Calhoun: Time Out).

“A medio camino entre el género político y el thriller, este cuento moral de George Clooney está iluminado por un elenco fantástico”. (Deborah Young: Hollywood Reporter).

Mañana llegará lo nuevo de Roman Polanski, Un Dios Salvaje (Carnage, 2011). Junto al director franco-polaco, en la sección oficial se presentará la cinta china Saideke Balai (Wei Te-Sheng, 2011). Fuera de concurso llegarán Madonna con W.E; Scossa de Francesco Maselli y Summer Games de Rolando Colla. Toda la información sobre la Mostra de Venecia en El Antepenúltimo Mohicano.

por Emilio M. Luna
agosto 31, 2011

MOSTRA DE VENECIA 2011: JORNADA INAUGURAL

por Emilio M. Luna | agosto 31, 2011

Vuelven los concursos a El Antepenúltimo Mohicano por cortesía de Cameo. En juego un gran filme y dos de las cintas españolas más destacadas de la temporada. Se sortean dos copias de Incendies (Denis Villeneave, Canadá, 2010) y dos pack con Ispansi (Carlos Iglesias, 2011) y ¿Para qué Sirve un Oso? (Tom Fernández, 2011).

Incendies, finalista al Óscar en el apartado de mejor filme extranjero, fue por méritos propios una de las grandes películas del año pasado. El sexto filme del canadiense Denis Villeneuve es un profundo viaje a las raíces y la situación de tensión en los paises musulmanes. Un drama con tintes de suspense que sobrecoge gracias a un excepcional reparto. En Un Mundo Mejor (In a Better World, Dinamarca, 2011), fue finalmente la ganadora en una reñida categoría pero ninguna voz se hubiera alzado si la producción canadiense hubiera obtenido el máximo galardón. Incendies ha abierto las puertas a su director al cine comercial americano con numerosos proyectos en cartera.

Menos repercusión pero de buena factura son los dos filmes españoles Ispansi y ¿Para qué Sirve un Oso? Ispansi (Españoles) es un nuevo retrato de la inmigración española al este de Europa durante la Guerra Civil. Tema ya tocado por su director, Carlos Iglesias, con Un Franco Catorce Pesetas (2006). Mucho más ligera es ¿Para qué Sirve un Oso?, interpretada por Javier Cámara y Gonzalo de Castro. Una sátira presentada en el festival de Málaga que obtuvo buenos números en la taquilla española.

Para participar es muy sencillo. Sólo hay que responder una pregunta en la página de Facebook de El Antepenúltimo Mohicano. Pueden participar cualquier viandante del planeta. El plazo de inscripción es hasta el 12 de Septiembre. El día 13 se anunciarán los ganadores en el apartado de comentarios de esta publicación, por facebook y twitter (@cinemohicano). Se puede optar a sendos premios.

PREGUNTA INCENDIES: ¿Cuál es tu película preferida ambientada en Oriente Próximo?

PREGUNTA PACK ISPANSI/¿PARA QUÉ SIRVE UN OSO?: ¿Qué esperas de la nueva cinta de Pedro Almodóvar, La Piel que Habito?

Hasta el 12 de Septiembre de plazo. Las respuestas en la publicación de este sorteo en Facebook. A continuación en el siguiente enlace (PÁGINA DE FACEBOOK DE EL ANTEPENÚLTIMO MOHICANO).

La próxima semana, un nuevo sorteo, en esta ocasión gracias a Fox. Una de las películas españolas más taquilleras del año será la protagonista. Muchas gracias a todos/as por su participación.

por Emilio M. Luna
agosto 31, 2011

CONCURSO CAMEO: INCENDIES & CINE ESPAÑOL

por Emilio M. Luna | agosto 31, 2011

El próximo fin de semana llega a las carteleras el estreno más esperado del cine español este año, vuelve Pedro Almodóvar con La Piel que Habito. Su paso por Cannes, además de notable, supuso la confirmación del eterno divorcio del cineasta manchego con la crítica especializada española. Un desencuentro de diez años de duración que ha lastrado el recorrido artístico de Almodóvar en nuestro país, encontrando sólo acomodo en los cálidos y agradecidos brazos del público francés y norteamericano. Su último filme, Los Abrazos Rotos (2009), no obtuvo el reconocimiento deseado pero tuvo cierta repercusión en la temporada de premios americana. Señal inequívoca que el director de Volver (2006) está por encima incluso de su obra. La Piel que Habito sorprendió en Cannes por su puesta en escena con reminiscencias germanas y por un género (thriller) alejado de los tópicos “almodovarianos”.

Sea como fuere, guste o no, La Piel que Habito no va a dejar indiferente al público. Antonio Banderas y Elena Anaya dan cuerpo a una obsesión que ralla el patetismo y que refleja una nueva vuelta a la filmografía de este valiente realizador. Esta versión libre del mito de Frankenstein promete tensión, barroquismo y humor. Rodada, gran parte, en territorio gallego, La Piel que Habito significa la bienvenida a un Pedro Almodóvar con toque postmoderno, preludio de su primer guión internacional. Un deseo que siempre le ha acompañado tras rechazar (equivocadamente, según el propio Almodóvar) la dirección de Brokeback Mountain (Ang Lee, 2006), una de las mejores películas de 2006. Nuevos tiempos para un grande del cine europeo que sigue prometiendo numerosas noches de gloria al cine patrio.

A continuación, el trailer definitivo de La Piel que Habito. Este viernes en España. El 14 de Octubre en Estados Unidos.

por Emilio M. Luna
agosto 30, 2011

EXPRESS: LA PIEL QUE HABITO (P. ALMODÓVAR, 2011)

por Emilio M. Luna | agosto 30, 2011

CÓMO DESEES

Años ochenta. Es la década donde un joven y diminuto mago debe salvar a Elora Danan de las garras de una ambiciosa bruja (Willow, Ron Howard, 1988); es momento para un joven muchacho que luchará por evitar la noche eterna (Legend, Ridley Scott, 1985); es la época del Reino de la Fantasía (La Historia Interminable, Wolfang Petersen, 1984) y de un maestro en el arte narrativo (The Storyteller, Jim Henson, 1988); es periodo de laberintos y hechiceros (Dentro del Laberinto, Jim Henson, 1986) y de mágicas figuras de los bosques (Cristal Oscuro, Jim Henson & Frank Oz, 1982). Los años ochenta son tiempos de magia y fantasía cinematográfica. Entre todas estas grandes historias florece un sueño inherente al espectador. Ese que su príncipe encuentra a su princesa. Una de las grandes obras del género que tiene por título, La Princesa Prometida (The Princess Bride, Rob Reiner, 1987).

William Goldman, afamado escritor y guionista, adaptó de manera suavizada su propio cuento a la pantalla. Concebida como una fábula mitológica, La Princesa Prometida, se convirtió de manera instantánea en un clásico atemporal pese a su floja recaudación norteamericana. Un éxito que se acrecentó con su caminar televisivo y que la convirtió en uno de los hitos de aventuras de los años ochenta. Todo gracias a un desenfadado estilo y una encantadora puesta en escena. Goldman, cuya rúbrica aparece en los “oscarizados” libretos de Dos Hombres y un Destino (Butch Cassidy & Sundance Kid, George Roy Hill, 1969) y Todos los Hombres del Presidente (All the President’s Men, Allan J. Pakula, 1976), supo reciclar uno de los grandes relatos de fantasía contemporáneos conquistando a público de todas las edades década tras década.

El amor entre la princesa Buttercup (Robin Wright) y el joven aventurero Westley (Cary Elwes) es mucho más que un simple relato romántico. Llena de ironía y sarcasmo, La Princesa Prometida además de una desmitificación del género guarda notables paralelismos con la prosa mitológica griega. Desde la belleza femenina de su protagonista hasta su radiante epílogo, pasando por elementos como la superación de la muerte, la presencia de criaturas sobrenaturales o el factor fortuna en el reencuentro convierten al filme dirigido por Rob Reiner en una versión juvenil de Orfeo y Eurídice y a William Goldman en el Jenofonte de Éfeso del siglo XX. Todo complementado con el humor típico de la literatura fantástica anglosajona y el completo retrato de personajes secundarios que convierten a La Princesa Prometida en un carrusel de sorpresas.

“Hola, me llamo Iñigo Montoya, tu mataste a mi padre prepárate a morir”.
Iñigo Montoya (Mandy Patinkin).

Personajes tópicos, cercanos a lo absurdo, pero dibujados con gracia y detalle que hacen especial cada momento del filme. El valeroso Iñigo Montoya (Mandy Patinkin); el enorme y gentil luchador otomano Fezzik (André René Roussimoff); el despiadado y egocéntrico siciliano Vizzini (Wallace Shawn); el pusilánime monarca Humperdinck (Chris Sarandon) o el simpático curandero Max El Milagroso (Billy Crystal); todos conforman un mundo que cada niño siempre guardó en su imaginación con diferentes nombres y formas pero similar esencia. La leyenda de Westley y Buttercup traslada el país de Florín a nuestra mente. Un mundo que arraigará en nuestra memoria para siempre. Algo que también ocurre con la música del filme a cargo del guitarrista Mark Knopfler.

“La muerte no detiene al amor. Lo único que puede hacer es demorarlo.”
Westley/El Pirata Roberts (Cary Elwes).

Rodada en diversos parajes británicos e irlandeses, la romántica partitura compuesta por el miembro de Dire Straits cobra vida propia protagonizando los mejores momentos del largometraje. Composición original que fue premiada con una nominación al Óscar. Un marco incomparable para una historia inolvidable. Cómo el nieto atento (Fred Savage) ante la narración del abuelo (Peter Falk), el espectador se mantiene encandilado ante un cuento que cómo este artículo tiene un final. Un final donde triunfa el amor, donde afloran nuestros anhelos donde deseamos ser el “diestro” espadachín Westley o la princesa Buttercup. Ese día en que descubrimos con asombro que cuando él/ella decía cómo desees en realidad significaba “te amo”.

Emilio Luna.

Lo Mejor: El dúo protagonista interpretado por Robin Wright y Cary Elwes. La banda sonora de Mark Knopfler. El inteligente guión de William Goldman. Los personajes secundarios.

Lo Peor: Que no tuviera demasiada repercusión en su momento.

Puntuación: 9/10 CINE CLUB/CLÁSICOS/AVENTURAS.

por Emilio M. Luna
agosto 27, 2011

CINE CLUB: LA PRINCESA PROMETIDA (R. REINER, 1987)

por Emilio M. Luna | agosto 27, 2011

Cercanas las vacaciones retornamos como cada viernes con un nuevo episodio de cine en Los Dos de la Tarde. Cuatro episodios y un mes para cerrar esta primera temporada. En esta entrega repasamos las variopintas novedades de la cartelera española esta semana. Comenzamos con la quinta parte de Destino Final (Final Destination, Steven Quale, 2011). Terror adolescente concebido para obtener buenos números. Algo que también influyó en el diseño del producto español estrella del mes de Agosto, Lo Contrario al Amor (Vicente Villanueva, 2011). Rostros televisivos y una trama típica que ha encontrado el bondadoso beneplácito de la crítica y que promete una recaudación más que excelsa.

Italia sigue con su ofensiva y cómo cada semana llega otra comedia de factura transalpina con Gianni y sus Mujeres (Gianni e Le Donne, Gianni Di Grigorio, 2011). Sátira romántica interpretada, dirigida y guionizada por el creador de Vacaciones de Ferragosto (Pranzo di Ferragosto, 2008), Gianni Di Grigorio. Mucho más sugerente es la cinta sueca Dinero Fácil (Snabba Cash, Daniel Espinosa, 2010). Todo un éxito en su país que ha hecho que el mercado americano se fije en su realizador. Thriller de bajos fondos ambientado en Estocolmo, pleno de acción y violencia. Algo que también repite la curiosa El Perfecto Anfitrión (The Host, Nick Tomnay, 2010). Numerosos giros en una trama de intriga donde nada es lo que parece.

En el apartado de series, turno para Friday Night Lights y Breaking Bad. La primera una de las sensaciones anónimas de esta década cuyo final puso un excelente broche a cinco temporadas en el aire. Algo más de cuerda le queda a Breaking Bad, un excelente drama de AMC interpretado por el genial Bryan Cranston. Con las series y con la compañía de la banda sonora de Los Tudor (a cargo de Trevor Morris) nos despedimos. Disfruten de la semana.

por Emilio M. Luna
agosto 27, 2011

CANAL EXTREMADURA RADIO: PROGRAMA Nº 55

por Emilio M. Luna | agosto 27, 2011

La pasada edición del Festival de Cannes fue todo un éxito gracias al notable nivel de las cintas participantes. Con una de las secciones oficiales más interesantes de los últimos años y grandes nombres en los apartados paralelos, el evento de la costa azul francesa dejó un gran sabor de boca y la constatación que los grandes certamenes se hacen con grandes programaciones. Cannes ha servido de guía para el resto de eventos del año. Venecia y San Sebastián tomarán su testigo con programas atractivos y mediáticos. En los últimos años se había apostado por un perfil demasiado bajo copado por sólo cintas de autor. En la concesión a todo tipo de públicos está la esencia. Cannes no sólo fue el habitual páramo de autores europeos, también la presentación de cintas del otro lado del Atlántico que a la postre fueron grandes protagonistas.

Algo de fácil deducción con sólo ojear el palmarés. Las sensaciones de Cannes fueron The Tree of Life (Terrence Malick, 2011) y Drive (Nicolas Winding Refn). Dos producciones independientes americanas llamadas a estar en la primera fila de la temporada de premios. Pero no fueron las únicas que llamaron la atención. The Artist (Michel Hazanavicious, 2011); Once Upon a Time In Anatolia (Nuri Bilge Ceylan, 2011); We Need to Talk About Kevin (Lynne Ramsay, 2011); Le Havre (Aki Kaurismaki, 2011); Melancholia (Lars Von Trier, 2011) o La Piel Que Habito (Pedro Almodóvar, 2011) recibieron muy buenas críticas y se les auguró un gran recorrido comercial y artístico. En este tercer Carrusel de Trailers, salen a la palestra cinco propuestas de esta interesante edición de Cannes 2011. ¿Su preferida? Desde El Antepenúltimo Mohicano apostamos por The Artist.

ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA (Bir Zamanlar Anadolu, Nuri Bilge Ceylan, Turquía, 2011): el interesante cineasta turco presentó en la riviera francesa este drama policiaco que obtuvo el Gran Premio del Jurado.

THE ARTIST (Michel Hazanavicious, Francia, 2011): no sólo una de las conmociones de Cannes también de esta temporada cinematográfica. Retrato en blanco y negro y mudo de un actor estrella que ve que su estrella cambia con la llegada del cine sonoro. Aspirante en potencia al Óscar.

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN (Lynn Ramsay, Estados Unidos, 2011): otras de las cumbres independientes del cine americano. Puede suponer una nominación al Óscar a su protagonista, Tilda Swinton. Una de las interpretaciones más aclamadas del festival francés.

LE HAVRE (Aki Kaurismaki, Finlandia, 2011): quizás, la película más alabada que se quedó sin hueco en el palmarés final. Kaurismaki vuelve con fuerza con una comedia dramática que enfoca sobre el fenómeno de la inmigración. Tierna y emocionante.

EL NIÑO DE LA BICICLETA (Le Gamin au Velo, Jean Pierre & Luc Dardenne, Francia, 2011): los hermanos Dardenne, figuras habituales de Cannes, consiguieron el Gran Premio del Jurado con esta fábula sobra la orfandad llena de ternura. Otras de las cotas importantes del cine europeo esta temporada.

En la próxima entrega de Carrusel de Trailers una nueva tanda de avances de los festivales más importantes del curso: Berlín, Venecia, Cannes y San Sebastián.

por Emilio M. Luna
agosto 25, 2011

EXPRESS: CARRUSEL DE TRAILERS (CANNES 2011)

por Emilio M. Luna | agosto 25, 2011

EL FIN DEL ROMANCE

“Retrato romántico de una lánguida pareja que fracasa al intentar captar la realidad matrimonial debido a una superficial y tópica narrativa."

A vueltas con el desamor. En la actualidad el género romántico se ha convertido en un simple recurso comercial del cine americano lejos del estilo de Richard Linklater o John Cassavettes. Una nueva corriente sobre la triste evolución del romance se ha instaurado en la industria independiente estadounidense. Una corriente que comenzó la adaptación de la cruda novela de Richard Yates, Revolutionary Road, dirigida por Sam Mendes en 2008. Le siguieron los dramas Rabbit Hole (John Cameron Mitchell, 2010), Blue Valentine (Derek Cianfrance, 2010) y Like Crazy (Drake Doramus, 2011) junto a la comedia 500 Days of Summer (Marc Webb, 2009). Cintas que narraban el proceso de separación física y emocional de una pareja con realismo y sensibilidad. Lejos de esa metamorfosis afectiva llega la ópera prima de Massy Tadjedin, Sólo una Noche (Last Night, 2010), cabeza de cartel del pasado Festival de Tribeca.

Tadjedin, joven realizadora de origen persa, había ocupado su corta carrera cómo guionista de filmes cómo The Jacket (John Marbury, 2005). Con Sólo una Noche da el salto detrás de la cámara adaptando un libreto que lleva su rúbrica. Sólo una Noche obvia todo el bagaje vital de una joven y acomodada pareja neoyorquina y se centra en su eterno penúltimo episodio de inseguridades, hastío y celos. El filme intenta presentar el lado realista de una relación donde la monotonía ha invadido sus vidas y todo se ha convertido en gris e insustancial. Bifurcada en dos segmentos, la cinta de Tadjedin intenta jugar con los prejuicios del espectador ofreciendo el comportamiento de cada miembro de la pareja en una noche llena de soledad y tentación.

El resultado es irregular y a medida que transcurre el metraje, al igual que la pareja, se convierte en monótono e intrascendente. Sólo una Noche es una obra de contrastes que realza por momentos la fracción narrativa que interpretan Keira Knightley y Guillaume Canet. Ella cómo una débil esposa, él como un siempre enigmático deseo pasional y ambos reencontrados por azar. Una parte interesante con cierto aire al díptico de Richard Linklater (Antes del Amanecer-Antes del Atardecer) pero que de manera idéntica al filme se pierde en su globalidad. Algo que ya ocurre de antemano con el fragmento protagonizado por Sam Worthington y Eva Mendes. Él un esclavo del trabajo, ella una tentadora alternativa amorosa que vivirán una tensión sexual no resuelta en un viaje rutinario. Todo unido por el eje del film que es el matrimonio que conforman Knightley y Worthington. Dos historias donde todo es lo que parece pero que no supone eco alguna en sus vidas y aún menos en las del espectador.

Porque pese a sus destellos Sólo una Noche no logra conectar con el público en ningún sólo momento. Aunque su narración puede provocar una fácil extrapolación a las propias vivencias, todo resulta demasiado artificial. El punto de partida falla ya que es evidente la escasa química matrimonial. Todo lo que suceda después, incluyendo su realista final lleno de acierto, no provoca ningún tipo de interés. A su favor resulta un digno entretenimiento pero que no cala o trasciende. El citado final supone una excelente reflexión fuera de sala. El tradicionalismo social puede con el amor. En ocasiones, una perversa unión en lucha con la soledad.

"Las heridas que no se ven son las más profundas".
William Shakespeare.

Lo Mejor: Guillaume Canet y Keira Knightley.

Lo Peor: El segmento Worthington-Mendes. La leve capacidad de conexión.

Puntuación: 5/10 CINE USA 2010/DRAMA ROMÁNTICO.

por Emilio M. Luna
agosto 24, 2011

LAST NIGHT (SÓLO UNA NOCHE, M. TADJEDIN, 2010)

por Emilio M. Luna | agosto 24, 2011

En este segundo pase de Carrusel de Trailers una mirada a los inminentes estrenos del cine de acción. Cinco películas de estilos muy diferentes pensadas para determinadas clases de público.

Con probabilidad el estreno del año en el género sea la cinta independiente Drive (Nicolas Winding Refn, 2011, TRAILER) pero hay otros autores que tienen mucho que decir. Algunos por partida doble cómo Steven Soderbergh. Alejado de su mejor momento, sus dos próximas cintas (Contagion y Haywire) pueden marcar el devenir de una carrera anclada tras el éxito de Traffic (2000). Grandes repartos en dos largometrajes llamados a ser protagonista en la taquilla americana.

Algo que tiene asegurado Brad Bird con el cuarto episodio de Misión Imposible. El debut de este maestro de la animación en imagen real es una de las novedades más anheladas de la temporada. Cine de entretenimiento de calidad. Con muchas más pretensiones llega la ópera prima de Ralph Fiennes, Coriolanus. Adaptación del texto de William Shakespeare que nos traslada a una Roma contemporánea en una historia de venganza. La ciencia-ficción llega de la mano de Chris Gorak con The Darkest Hour (La Hora más Oscura). Una nueva invasión extraterrestre con cierto regusto a serie B que espera mejorar a las fallidas Skyline (Colin & Greg Strause, 2010) y Battle Los Angeles (Jonathan Liebesman, 2011). Cinco propuestas que van desde el estilo académico hasta el recital “shakesperiano” pasando por acción adrenalítica e invisibles visitantes del espacio. A continuación, sus respectivos trailers.

THE DARKEST HOUR (Chris Gorak, 2011): Emile Hirsch encabeza este proyecto ambientado en Moscú. Una atípica invasión alinígena invade el mundo y el ser humano busca respuestas. Se rodó en la propia capital rusa. Se estrena el 23 de Diciembre en Estados Unidos. El 12 de Enero en España.

CONTAGIO (Contagion, Steven Soderbergh, 2011): una de las cintas más esperadas de esta temporada. Cuenta con un notable reparto encabezado por Matt Damon, Jude Law, Kate Winslet y Marion Cotillard. Tendrá su premiere en el Festival de Venecia. Se estrena en Estados Unidos el 09 de Septiembre. En España el 29 de Noviembre.

CORIOLANUS (Ralph Fiennes, 2011): Fiennes reune en su primer filme a Gerard Butler, Vanessa Redgrave, Brian Cox y Jessica Chastain en una anácronica adaptación de la obra homónima de William Shakespeare. Su paso por la pasada Berlinale dejó más abucheos que aplausos. Arriba a las pantallas americanas el 02 de Diciembre.

HAYWIRE (Steven Soderbergh, 2011): segunda cinta de Soderbergh de este curso y la que menos focos acapara. Thriller de acción encabezado por la desconocida Gina Carano (luchadora de artes marciales mixtas) junto a otro sólido elenco conformado por Ewan McGregor, Michael Douglas, Dennis Quaid, Michael Fassbender y Antonio Banderas. Llega a Norteamérica el 20 de Enero.

MISSION IMPOSSIBLE: GHOST PROTOCOL (Brad Bird, 2011): Vuelve Ethan Hunt. Y lo hace cómo mentor de nuevos agentes. Se espera de esta cuarta entrega de Misión Imposible que continue con el tono del infravalorado anterior episodio. Junto a Tom Cruise, Jeremy Renner, Josh Holloway, Simon Pegg y Michael Nyqvist cómo villano. Se estrena el 21 de Diciembre.

En el próximo capítulo de Carrusel de Trailers, un especial de las cintas más destacadas del Festival de Cannes 2011 aún pendientes de estreno.

por Emilio M. Luna
agosto 23, 2011

EXPRESS: CARRUSEL DE TRAILERS (SEGUNDA PARTE)

por Emilio M. Luna | agosto 23, 2011

TERIANTROPÍA

A finales de los años setenta y principios de los ochenta el cine de terror tomó un nuevo y revitalizante giro. Nuevo autores aportaron aire fresco a un género perdido y con olor a naftalina. Jóvenes cineastas cómo Steven Spielberg (Tiburón, Jaws, 1975); Wes Craven (Las Colinas Tienen Ojos, The Hill Have Eyes, 1977); Ridley Scott (Alien, el Octavo Pasajero, Alien, 1979); y, David Cronenberg (La Mosca, The Fly, 1986), cambiaron las reglas y atrajeron al público a las salas. Junto a ellos, un realizador neoyorquino muy particular, director de culto y todo un símbolo del género, hablamos de John Carpenter. Desde su primer largometraje, Estrella Oscura (Dark Star, 1974), Carpenter demostró un nuevo tipo de cine, detallista, autorreferencial y de gusto pulp. Prueba de ello son pequeñas joyas cómo Asalto a la Comisaría del Distrito 13 (Assault on Precint 13, 1976); Golpe en la Pequeña China (Big Trouble in Little China, 1986); o Rescate en Los Ángeles (Escape from L.A, 1996). Una filmografía llena de incomprensión y admiración, ambas separadas por una fina línea cercana a la nostálgica serie B.

Una de sus creaciones más exitosas fue el filme que hoy nos ocupa, The Thing (La Cosa, 1982). Adaptación del relato de John W. Campbell, Who Goes There? (1948), que tuvo un paso previo por la gran pantalla en 1951 a cargo de Christian Nyby con guión de Charles Lederer y la música de Dimitri Tiomkin. Ambas películas han sabido convivir a lo largo de las décadas siendo consideradas obras claves del género y objeto de estudio por sus numerosos seguidores. Algo que no ha pasado desapercibido para los grandes estudios que veintinueve años después del filme de Carpenter pusieron en marcha un proyecto de precuela dirigida por Matthijs van Heijningen Jr e interpretada por Joel Edgerton y Mary Elizabeth Winstead que verá la luz este curso. Una vuelta a la enigmática Antártida donde les espera el más terrible de los secretos.

La Cosa de John Carpenter creó escuela y ha sido una referencia para películas posteriores cómo Abyss (James Cameron, 1989), Smilla, Misterio en la Nieve (Smilla’s Sense of Snow, 1997) o la más reciente Sunshine (Danny Boyle, 2007). Un éxito que se basa en un magnético inicio lleno de zozobra y suspense. Una sensación de desasosiego que no abandonara el metraje del filme hasta su epílogo. La nieve, la aridez glacial y unos personajes equidistantes entre el asombro y la demencia conforman una trama tan simple como adictiva. Todo complementado con un gran nivel técnico, una estupenda dirección y la sobresaliente banda sonora de Ennio Morricone. Sin duda, La Cosa (The Thing) es todo un ejemplo del mejor cine de género de los fructíferos años ochenta. Una pesadilla espeluznante que deja huella en el espectador.

MACREADY, EL HÉROE INESPERADO

Carpenter contó para el filme con su actor fetiche, Kurt Russell cómo el aventurero R.J. MacReady en una fantástica elección de casting. En esta agobiante cueva de ignorancia e incomprensión en la que se convierte la estación antártica, el personaje interpretado por Russell representa una loca cordura que debe convivir entre el enemigo potencial con forma de compañero. Un terror de cuerpo horroroso y sangriento que sólo encuentra réplica en la tenacidad de este cowboy de la tundra. Lejos de la esperanza y la placidez, MacReady es el único y sólido nexo entre los hechos y el público. La tranquilidad de éste depende sobremanera de un héroe inesperado que con fuego y pólvora intentará dar respuestas a sus propias preguntas. Al igual que el largometraje, un personaje fascinante que habita en un universo sólo existente en los sueños.

Momentos inolvidables cómo el prólogo con persecución canina, la escena en la jaula con los perros o ese cadalso de extracción sanguínea demuestran el inconfundible estilo de Carpenter. Un Carpenter que saca enorme partido a un enclave inhóspito de minimalista colorimetría y el habitual uso de la steadycam. Señas de identidad de un maestro del terror que nos aborda y atrapa con un relato tan sobrecogedor cómo gratificante. Es probable que MacReady jamás volviera al polo. The Thing (La Cosa, 1982) siempre será la excusa perfecta para repetir una estancia que se graba en la retina para siempre.

“Sé que yo soy humano. Y si todos vosotros fuerais una de esas cosas, me atacaríais todos juntos ahora mismo, por lo que algunos aún sois humanos. Esa cosa no quiere mostrarse a sí misma. Quiere ocultarse dentro de una imitación. Luchará si tiene que hacerlo, pero es vulnerable al descubierto. Si nos captura, no tendrá más enemigos, no quedará nadie para matarla. Y entonces habrá vencido.”
MacReady (Kurt Russell)

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Con The Thing (La Cosa, 1982) abrimos esta nueva sección (CINE CULT) dedicada a clásicos de culto o películas incomprendidas en su época que encontraron en el paso de las hojas del calendario el lugar que siempre merecieron.

Puntuación: 78/100 CINE CULT/PELÍCULA DE CULTO/CIENCIA FICCIÓN.

por Emilio M. Luna
agosto 21, 2011

LA COSA (THE THING, JOHN CARPENTER, 1982)

por Emilio M. Luna | agosto 21, 2011

El drama deportivo es todo un himno en Norteamérica. Un subgénero que ha encontrado al otro lado del Atlántico la gloria que siempre se le negó en el viejo continente. Mucho más cabal y con un sobrio sentido de la épica, Europa no ha sido un coto fácil para la conjunción cine-deporte. Hockey, fútbol, rugby, baloncesto, carrera de caballos o incluso bobsleigh han tenido hueco en la gran pantalla. El deporte estrella de Estados Unidos, el béisbol, no es menos y en numerosas ocasiones ha sido trasladado al celuloide: El Orgullo de los Yanquis (The Pride of the Yankees, Sam Wood, 1942); El Mejor (The Natural, Barry Levinson, 1984); y Major League (David S. Ward, 1989) como creaciones más destacadas; la más reciente, la fallida The Rookie (John Lee Hancock, 2002). Una de las apuestas de este año es Moneyball (Bennett Miller, 2011), una cinta independiente que interpreta el siempre excelente Brad Pitt.

Lejos de la épica y los grandes focos, este pequeño drama sobre un general manager de un equipo de Oakland recuerda, en cierta manera, al toque de Jerry Maguire (Cameron Crowe, 1996) y la producción televisiva Friday Night Lights (Peter Berg, 2006-2010). Ésta última un equilibrado compendio entre intimismo y estética independiente que le ha convertido en una serie de culto recompensada en su último año con un gran número de nominaciones a los premios Emmy. Un halo cercano y emotivo que le aleja de los habituales convencionalismos del género. Moneyball, segundo largometraje de Bennett Miller, parece recoger esa mágica esencia gracias al carisma de su protagonista (Pitt) y una historia simple pero magnética. Miller, director de Truman Capote (2005), busca dar un salto más en su carrera con este “sleeper” de la temporada de otoño.

Junto a Pitt, un reparto solvente conformado por Philip Seymour Hoffman, Jonah Hill, Robin Wright y Chris Pratt. Llegará a las pantallas americanas el 23 de Septiembre. A continuación, el trailer (subtitulado al español) de Moneyball con Brad Pitt.

por Emilio M. Luna
agosto 20, 2011

EXPRESS: TRAILER DE MONEYBALL (B. MILLER, 2011)

por Emilio M. Luna | agosto 20, 2011

Temperaturas de averno en Cáceres ideal para refugiarse en un nuevo episodio de cine en los estudios de Canal Extremadura Radio. Esta semana desembarca la esperada cinta del verano, Super 8 (2011) de J.J. Abrams, un nostálgico revival que llega con dos meses de retraso con respecto a su alumbramiento americano. Una película entretenida y divertida que hará retroceder a los espectadores a su infancia con una historia llena de tensión y aventuras (CRÍTICA).

No es la única novedad de la cartelera. Dos producciones italianas bien distintas arriban a la península. Manuale D’Amore III: las edades del amor (Giovanni Veronesi, 2011), sorprende, más por su calidad, por su elenco. La presencia de Robert DeNiro en este estirado producto romántico denota cierta dejadez del actor americano por su filmografía. Mucho más estimulante es Le Quattro Volte (Michelangelo Frammartino, 2010); un viaje hacia los diferentes ciclos vitales con tono documentalístico. Otro de los filmes más anhelados de la temporada estival es Conan, el Bárbaro (Conan the Barbarian, Marcus Nispel, 2011). Estreno mundial de este reboot de la obra de John Millius que coronó a Arnold Schwazenegger en el estrellato de la industria americana. Jason Momoa (antiguo Baywatch e intérprete de Stargate Atlantis y Juego de Tronos) toma el testigo del actor austriaco en una versión plena de violencia y nula de ideas.

En la sección de series, True Blood y Boardwalk Empire. Dos productos HBO muy diferentes pero de idéntico éxito. Con la música de Michael Giacchino compuesta para Super 8 nos despedimos hasta el próximo capítulo. Disfruten del cine. Pasen una grata semana.

por Emilio M. Luna
agosto 19, 2011

CANAL EXTREMADURA RADIO: PROGRAMA Nº 54

por Emilio M. Luna | agosto 19, 2011

Hace unas semanas viajamos a la República Checa para conocer el palmarés de uno de los eventos más longevos del panorama cinematográfico europeo, el festival de Karlovy Vary. Seguimos en Centroeuropa con otro clásico certamen estival con muchas décadas a su espalda deleitando con el mejor cine continental, el Film Festival de Locarno. Creado en 1946, la celebración de la ciudad suiza es después de Cannes y Venecia el acontecimiento cinéfilo más veterano del panorama europeo. Locarno cuenta con una de las pantallas al aire libre más grandes del mundo encuadrada en la Piazza Grande con capacidad para más de ocho mil personas. Un fantástico parapeto para disfrutar no sólo del mejor independiente global, también un escenario de lujo para presentaciones de filmes importantes de la temporada.

Autores como Alexander Sokurov, Ken Loach, Mike Leigh, Abbas Kiarostami, John Malkovich, Win Wenders o Greg Araki, entre otros, han sido rostros habituales de un festival de modesto pero interesante perfil. El tradicional Leopardo de Oro, máximo galardón de la sección oficial, ha ido a parar a manos de autores cómo Tom DiCillo (en 1991 por Johnny Suede); Jafar Panahi (en 1997 por Ayneh) o Rodrigo García (en 2005 por Nueve Vidas). Habitual vano de cine de temática social, Locarno siempre ha sido una plaza propicia para el cine asiático. Algo que ha cambiado en esta 64º edición, celebrada desde el 03 al 13 de Agosto, de regusto suramericano. El filme argentino Abrir Puertas y Ventanas (Milagros Mumenthaler, 2011) ha sido el triunfador de este año. Una decisión no exenta de controversia (la favorita era el documental de Fernando Melgar, Vol Special) pero que culmina una semana redonda para el cine argentino. Aparte del Leopardo de Oro a mejor película y actriz (María Canale) de la cinta de Mumenthaler, el largometraje El Estudiante (Santiago Mitre, 2011) obtuvo el premio especial del jurado.

Otras obras destacadas del apartado oficial fueron Un Amor de Jeunesse (Mia Hansen Løve, Francia, 2011) y Din Dragoste Cu Cele Mai Bune Intentii (Adrian Sitaru, Rumanía, 2011). Fuera de concurso se proyectaron, con una gran acogida, Le Havre (Aki Kaurismaki, 2011), Drive (Nicolas Winding Refn) y Another Earth (Brit Marling, 2011) que recoge el testigo de Monsters (Gareth Edwards, 2010) cómo revelación independiente. Además, guiños comerciales con Super 8 (J.J. Abrams, 2011), Cowboys & Aliens (Jon Favreau, 2011) o Red State (Kevin Smith, 2011), demostrando su empatía con todo tipo de públicos. Todo un éxito esta 64º edición de un festival sin mucho nombre pero gran brillo.

por Emilio M. Luna
agosto 18, 2011

FESTIVAL INTERNACIONAL DE LOCARNO 2011

por Emilio M. Luna | agosto 18, 2011

La batalla de Little Big Horn acaecida el 25 y 26 de Junio de 1876 siempre será recordada cómo la gran derrota del ejército americano frente a las tribus indias. El jefe Sioux Tasunka Witko, más conocido cómo Caballo Loco, logró unir a siete tribus y combatir cara a cara al prestigioso Séptimo de Caballería encabezado por el general Custer.

Un épico enfrentamiento que dejó doscientos sesenta y ocho muertos en el bando americano y la espoleta que hizo que los nativos americanos fueran arrinconados y confinados en reservas. Un combate que dejó un duelo personal que se convirtió en leyenda entre el comandate en jefe George Amstrong Custer y Caballo Loco. El río Little Big Horn se convirtió en un emblema de la conquista del Oeste y la enésima demostración de poder del débil frente al poderoso.

Varias creaciones audiovisuales aportaron su visión sobre la batalla más importante de las llamadas “Guerras Indias”. Siendo las más interesantes los largometrajes La Última Aventura de Custer (Custer of the West, Robert Siodmak, 1967); Pequeño Gran Hombre (Little Big Man, Arthur Penn, 1970); y el filme que hoy nos ocupa, Murieron con las Botas Puestas (They Died with their Boots On, Raoul Walsh, 1941). Todo un clásico del género lleno de acción, aventuras y un final antológico encabezado por el siempre genial Errol Flynn como el líder del séptimo de caballería. La cinta dirigida por Raoul Walsh (director, entre otras, de clásicos de aventuras cómo Tambojes Lejanos y El Hidalgo de los Mares), carente de valor histórico y plena en emotividad, es todo un ejemplo del cine de su época. Un perfecto equilibrio entre intimidad y espectacularidad que hicieron que el público acudiera en masa a las salas.

Aunque la contienda final es el fondo del filme, Murieron con las Botas Puestas es el relato de la vida militar de George Custer. Desde su arrogante juventud hasta convertirse en todo un símbolo del ejercito con la carga más conocida de la historia. Una película cuyo interés aumenta a cada minuto elevado por Flynn y unos notables Arthur Kennedy y Olivia de Havilland. Murieron con las Botas puestas es cine de primera categoría que sigue ganando empaque con el paso de los años. Prueba de ello es esta hermosa escena llena de silencioso lamento donde las miradas van por delante de las palabras. Un momento que rescata la esencia de la obra de Walsh lleno de instantes brillantes que siempre merece la pena revisar. A continuación en Escenas de Cine, Murieron con las Botas Puestas.

por Emilio M. Luna
agosto 17, 2011

ESCENAS DE CINE: THEY DIED WITH THEIR BOOTS ON

por Emilio M. Luna | agosto 17, 2011

THE GOONIE SPIRIT

“Nostálgico film de aventuras a la vieja usanza que devuelve a una generación a su infancia a golpe de acción, guiños y buenos sentimientos."

Hace treinta y cuatro años que un joven cineasta llamado Steven Spielberg -que tras un éxito sin precedentes con su segundo filme- sorprendía con una mágica historia sobre una visita extraterrestre en Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977). Toda una revolución del género que consolidó su posición en la meca del cine y confirmó que el cine comercial tenía un nuevo monarca. Su siguiente incursión en la ciencia-ficción, E.T, el Extraterrestre (1982), conmovió a niños y adultos y, como muchas obras de su filmografía, se convirtió en un icono vivo del séptimo arte. Director y productor, el nombre de Steven Spielberg estará siempre ligado al término blockbuster y a la garantía de gran cine. Prueba de ello es su participación en la producción de Super 8 (2011), el esperado misterioso proyecto de J.J. Abrams.

Enfocada como relevo generacional entre realizadores, Super 8 es un retorno a los clásicos filmes juveniles que proliferaron en la cartelera durante los años ochenta. Películas de toque infantil, moralizante e ingenuo, donde primaba el entretenimiento por encima de la profundidad. Super 8, cómo homenaje a ese periodo cinematográfico, lleva consigo todas las virtudes y defectos de un estilo que en pleno siglo XXI es un valiente anacronismo. Un valor que en las manos de J.J. Abrams cobra una especial dimensión, gracias al nivel de detalle y dedicación de este mecenas del nuevo milenio. Abrams toma cómo guía a Spielberg y las dos obras anteriormente mencionadas (siempre presentes en el metraje del filme), y crea una divertida película llena de grandes momentos y que devuelven el añejo sabor del cine de aventuras.

Es inevitable, por otra parte, recordar filmes juveniles cómo Los Goonies (The Goonies, Richard Donner, 1985) o El Secreto de la Pirámide (Young Sherlock Holmes, Barry Levinson, 1985). Cintas donde, al igual que Super 8, los niños son los protagonistas de una montaña rusa fílmica. Pero las referencias no terminan aquí, porque J.J. Abrams recurre a la esencia de hitos recientes del subgénero de criaturas cómo la coreana The Host (Gwoemul, Bong Joon-Ho, 2006) y una producción propia, Monstruoso (Cloverfield, Matt Reeves, 2008). Ante tanta influencia, sólo queda una pregunta que formular. ¿Cuánto de original tiene Super 8? La respuesta ira en consonancia al nivel de conexión entre espectador y narración.

Pese a la impecable factura visual de Super 8, llena de espectacularidad y efectos de primer nivel, el largometraje de J.J. Abrams no es un producto de fácil digestión. En una época actual donde es necesario girar tramas y aplicar trasfondo a cada elemento choca con el sencillo guión de Super 8. Una simpleza que se convierte en virtud y logra que sus dos horas de duración sean un maravilloso carrusel memorístico. Un viaje en el que somos introducidos gracias a unos pequeños aprendices de director y que ven cómo su mundo se convierte en una película cómo si de un sueño se tratara. Los grandes instantes de Super 8 tienen a la pandilla de Joe Lamb (Joel Courtney) como protagonista. Un grupo que tiene cómo eje a Alice Dainard, interpretada por una estupenda Elle Fanning.

La joven actriz, protagonista de Somewhere (Sofía Coppola, 2010), objeto de deseo de sus amigos y compañeros, se eleva por encima de un reparto sólido pero monocorde. Todas sus escenas son cómo una máquina del tiempo que hace retroceder al espectador a su primer encuentro con el amor. Precisamente éstas coinciden en el tiempo con la primera hora de filme, sin duda, todo un prodigio de interés y ritmo. Tras la exhibición inicial a mitad de metraje todo comienza a volverse previsible y algo embarullado cómo si fuera necesario “contemporanizar” la trama y Super 8 pierde fuelle pese a contar con secuencias plenas de tensión. Mucho tiene que ver el desaprovechamiento del segmento militar y del personaje que interpreta el siempre notable Kyle Chandler (cómo el ayudante de policía Jackson Lamb). Un vacío que separa a Super 8 de la gloria.

Con todos sus deslices, Super 8 presenta su candidatura cómo película de verano del siglo XXI. En un mundo de autocines extintos e industria politizada, Super 8 es un álbum de fotografías donde reviven las ilusiones y sueños infantiles. La magia de la imagen, que cómo le ocurre al joven protagonista, permite recuperar las sensaciones que por otra parte nunca se fueron de nuestro lado. Una emocionante mirada atrás.

Lo Mejor: Diseño de producción. Su primera hora. Elle Fanning.

Lo Peor: Algunos giros de guión cuestionables. Qué sea visto cómo un simple revival.

Puntuación: 7.5/10 CINE USA 2011/CIENCIA-FICCIÓN.

por Emilio M. Luna
agosto 14, 2011

SUPER 8 (J.J. ABRAMS, 2011)

por Emilio M. Luna | agosto 14, 2011