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    Cine Español 2011
    Cine Español 2011
    Madrid, 1987

    Desnudos generacionales

    crítica de Madrid, 1987 | de David Trueba, 2011

    La elección de un reparto para una película de estas características (pocos decorados, menos intérpretes, temática de choque generacional) dice mucho de lo que pretenden sus responsables. En Madrid, 1987, José Sacristán y María Valverde interpretan a Miguel y Ángela, pero también interpretan una suerte de abstracciones palpables, como un cajón de sastre donde David Trueba habla de sus temas más personales. Él es el Hombre, la Tercera Edad, el Pasado, el Viejo Periodismo, la España de antes del Franquismo, y, gracias a Sacristán, también el Cine Español de Antaño. Ella es la Mujer, la Juventud, El Futuro, el Nuevo Periodismo, los Últimos coletazos del Franquismo y, gracias a Valverde, también el Cine Español de Ahora. Además, siendo una película de 2011, ambos proyectan una larga sombra respecto a lo que cuentan en la película, un factor con el que Trueba también juega. El director estudió Periodismo a mediados de los 80 y se encuentra en una edad intermedia entre los personajes, así que podemos ver Madrid, 1987 como su particular exorcismo. Homenaje a las grandes influencias de su vida –las sentencias de Miguel están sacadas de muchos grandes del cine y la literatura, como rezan los créditos finales– y mirada nada nostálgica a una época irrecuperable, cuya sensación se logra transmitir.

    La película recoge la contraposición de sus posturas como personajes compendio que son, pero no se hace de forma teórica y espesa, sino que los rasgos de lo que personifican están integrados a la perfección en los diálogos y la interacción entre ambos. No como un manual de puntos a tratar, sino como una charla plausible y natural. El tipo de conversación que dos personas de estas características tendrían en realidad. Lo que no resulta tan natural es el duelo interpretativo, muy desigual. Y es que desde su primera aparición en pantalla, el inmenso José Sacristán llena el encuadre con su presencia, creando un hipnótico conjuro que termina cuando entran los créditos. Solo alguien del calibre y la voz del actor podía dar tan convincente vida al perro viejo que es Miguel, periodista de vuelta de todo. A su lado, María Valverde no está a la altura, y realiza un trabajo irregular, alternando momentos donde demuestra lo buena actriz que es (el monólogo sobre los sermones de los mayores) con instantes donde está del todo forzada, y la fluidez de su conversación constante se resiente.

    por Anónimo
    abril 17, 2014

    Crítica | Madrid, 1987

    por Anónimo | abril 17, 2014
    Diamond Flash

    UN DIAMANTE EN BRUTO

    crítica de Diamond Flash | Carlos Vermut, 2011

    El cine está cambiando. Al nivel de las superproducciones, por ejemplo, llevan varios años intentando encasquetarnos el 3D, con cada vez más directores de renombre apuntándose a la moda y cada vez más avances técnicos introducidos para volver a ese concepto de espectáculo en el séptimo arte. En el lado contrario, el de las producciones más modestas, también hay nuevos mecanismos como el crowdfunding o las estrategias de marketing, y nuevas cámaras que permiten rodar con cada vez menos presupuesto. Centrándonos en este segundo nivel, la clave es hacer más con menos, sobre todo si se trata de una ópera prima. Al arrancar un proyecto, las dificultades son numerosas, por lo que lo mejor es apostar por algo nuevo, algo original, que sorprenda y sea lo suficientemente memorable como para financiar un segundo proyecto, teniendo en cuenta que el primero no puede haber costado demasiado. Y Carlos Vermut es muy consciente de ello. Dibujante contrastado, ha debutado tras las cámaras hace un par de años con Diamond Flash (España, 2011), todo un hito en el cine de consumo online. Y lo ha hecho confiando plenamente en su experiencia creativa, asumiendo la responsabilidad de todos los departamentos principales del filme: la fotografía, el montaje, el guion, la producción y la dirección. Un esfuerzo titánico que demuestra la increíble capacidad de este hombre todoterreno, y que ha permitido tanto asegurar una visión libre y única de la película como abaratar al máximo sus costes.

    por Ignacio Navarro
    junio 10, 2013

    Crítica | Diamond Flash

    por Ignacio Navarro | junio 10, 2013
    Arrugas
    PARA LOS ANCIANOS DE HOY Y LOS ANCIANOS DE MAÑANA
    crítica de Arrugas | Ignacio Ferreras, 2011

    En los últimos años, España ha dado un paso de gigante en cuanto a la cantidad y, sobre todo, la calidad de su producción de cine de animación. Tras una gran cantidad de fallidas propuestas, casi siempre en lo que concernía los guiones, demasiado alejados de la inteligencia de la competencia americana –Pixar, Dreamworks y compañía– en 2007 apareció la magnífica Nocturna de Adrià García y Victor Maldonado para hacernos recuperar las esperanzas en que algo estaba cambiando. En 2009, la ambiciosa Planet 51 de Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez, arrasó en las taquillas de medio planeta, codeándose sin complejos con títulos como Wall-E o Kung Fu Panda. Un año después, Chico y Rita de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, llegaba a estar nominada al Oscar a la mejor película de animación y en 2012, Las aventuras de Tadeo Jones de Enrique Gato, se convertía en el segundo filme más taquillero del año, además de poder presumir de un acabado técnico que rozaba lo sobresaliente. Al igual que la mencionada Chico y Rita o la francesa Persépolis (2007), Arrugas (2011) es la prueba palpable de que el género animado no tiene que ser necesariamente sinónimo de infantil –es más, está dirigida a un público adulto– y que puede competir de igual a igual en efectividad a la hora de plantear temas tan serios como la vejez o la enfermedad, con las mejores películas convencionales.

    por José Martín León
    abril 02, 2013

    CRÍTICA | ARRUGAS

    por José Martín León | abril 02, 2013
    Crítica de La voz dormida
    NO ES SÓLO OTRA PELÍCULA SOBRE LA GUERRA CIVIL
    La voz dormida (Benito Zambrano, 2011)

    El sevillano Benito Zambrano fue una de las grandes revelaciones del cine español allá por 1999 gracias a una pequeña gran película que desprendía verdad y sentimiento a raudales. Su título: Solas. Ganadora de cinco premios Goya, incluyendo los de mejor director novel y guión original, si algún aspecto destacaba sobre todos los demás en aquella muestra de cine independiente nacional, ese era el magistral trabajo que logró extraer de sus actrices (María Galiana y Ana Fernández). Su siguiente obra, Habana Blues (2005), supuso un pequeño paso atrás en su carrera, con críticas desiguales. Se trató, no obstante, de una notable cinta llena de emoción y buena música, aunque algo ligera para lo que pretendía abarcar. Entre estos dos largometrajes, Zambrano había logrado una gran aceptación con la tv movie Padre coraje, con una inolvidable interpretación de Juan Diego.

    por José Martín León
    diciembre 18, 2012

    CINE ESPAÑOL 2011 | LA VOZ DORMIDA

    por José Martín León | diciembre 18, 2012
    Crítica de Mientras duermes, de Jaume Balagueró
    ALGUIEN VIGILA TUS SUEÑOS…
    Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011)

    Uno de los nombres propios que más ha hecho por el cine fantástico patrio en los últimos años, Jaume Balagueró puede presumir de poseer una de las filmografías más interesantes y coherentes dentro del panorama actual. Tras su triunfal debut allá por 1999 con la multipremiada Los sin nombre, este realizador catalán ha encadenado un éxito tras otro: Darkness (2002), Frágiles (2005), REC (2007) y su continuación REC 2 (2009), llegando su obra de madurez con la película que hoy ocupa nuestra Sesión doble: Mientras duermes (2011).

    por José Martín León
    noviembre 28, 2012

    CINE ESPAÑOL 2011 | MIENTRAS DUERMES

    por José Martín León | noviembre 28, 2012
    Crítica de Extraterrestre
    SEXO, MENTIRAS Y PLATILLOS VOLANTES
    Extraterrestre (Nacho Vigalondo, 2011)

    Personaje polifacético donde los haya, Nacho Vigalondo puede presumir de tener uno de los universos propios más originales, inteligentes y, por qué no decirlo, incomprendidos. Ya desde sus primeros trabajos como cortometrajista, Una lección de cine (1999) y Código 7 (2002), deja constancia de un humor marciano e inclasificable que alcanza su madurez con esa inolvidable pieza nominada al Óscar que fue 7:35 de la mañana (2003). Recogió premios en varios festivales y su nombre comenzó a sonar con fuerza como una de las grandes esperanzas de nuestro cine. Tras dos estupendos cortos más, Domingo (2005) y Choque (2005), donde los elementos fantásticos o surrealistas servían para mostrar los conflictos de pareja, Vigalondo dio el salto al largometraje con la imprescindible Los Cronocrímenes (2007), personalísima vuelta de tuerca al subgénero de viajes temporales que confirmaba lo que muchos ya sospechábamos viendo sus cortos: que estábamos ante un creador a contracorriente, valiente y que evita caer en cualquier tópico sea cual sea el género que toque. Por eso, quienes esperaban de Extraterrestre (2011) una comedia de ciencia ficción convencional o, lo que es lo mismo, que el director hubiera vendido su alma a la industria, sacrificando su particular estilo en favor de una mayor comercialidad, están muy equivocados.

    por José Martín León
    noviembre 05, 2012

    EXTRATERRESTRE (NACHO VIGALONDO, 2011)

    por José Martín León | noviembre 05, 2012
    Primos de Daniel Sánchez Arevalo
    Quim Gutiérrez & Inma Cuesta en Primos, tercera película de Daniel Sánchez Arevalo
    AS LONG AS YOU LOVE ME

    “Correcta y entretenida comedia dramática que goza de buenas interpretaciones y cierto sentido del ridículo pero queda lastrada por todo un conjunto de tópicos que la sitúan como una versión no demasiada inspirada del género cómico-romántico estadounidense."

    Dos nominaciones a los premios Goya (mejor actor de reparto y actor revelación) acompañan a unas de las propuestas más interesantes del pasado 2011. Hablamos de Primos, tercera incursión en el largometraje del joven e interesante cineasta Daniel Sánchez Arévalo. Tras una larga carrera como cortometrajista, el director madrileño sorprendió a la crítica con una ópera prima impredecible, enigmática y plena de talento: Azul oscuro casi negro (2006). Un valiente ejercicio dramático que nos descubría a Quim Gutiérrez y Raúl Arévalo, dos talentos en ciernes. Con el último, convertido en actor fetiche, llegaba su segundo filme, Gordos (2009) presentada en el Festival de Málaga con éxito y finalista en la representación de España para los Óscar 2010. Toda una confirmación para un director formado en Estados Unidos (beca Fullbright de la Universidad de Columbia) y cuyo cine bebe, en cierta manera, de los clásicos generacionales de los ochenta norteamericanos. De este modo y con las espadas en todo lo alto, Arévalo estrenó Primos el año pasado, un bonito cuento que desde su alumbramiento estuvo abrazado por el éxito. Un copioso debut en taquilla lo avala.

    Tercera obra y, como el propio Arévalo denomina, primer paso por la comedia pura. Una comedia que no abandona la nostalgia en ningún momento como si de una fábula se tratara. Elementos como el primer amor, el compromiso, la amistad, las relaciones paterno-filiales y las apariencias desfilan por Primos de manera ingenua y tierna. Un aire naif autoimpuesto que roza el esperpento por una buena razón: evocar al espectador sensaciones de la infancia. Un viaje memorístico que traslada a los protagonistas a su pueblo natal, Comillas, y a nosotros a ese lugar recóndito de la mente donde se esconden recuerdos que marcan pero que el tiempo deja de lado. Un “Verano azul” para adultos y adaptado a los nuevos tiempos que deja un poso agradable (y efímero) y la empatía con los variopintos personajes que circulan en pantalla.

    por Emilio M. Luna
    junio 06, 2012

    PRIMOS (DANIEL SÁNCHEZ ARÉVALO, 2011)

    por Emilio M. Luna | junio 06, 2012
    Al mediodía, la academia española de cine ha anunciado el trío finalista que luchará por representar a España en los próximos Óscars. Ninguna sorpresa con la inclusión de La Piel que Habito de Pedro Almodóvar, La Voz Dormida de Benito Zambrana y Pan Negro de Agustí Vilaronga.

    El filme de Almodóvar es el gran favorito. Por acogida comercial y por valoración fuera de nuestras fronteras, el director manchego sería la gran baza española. Enormemente considerado en Estados Unidos, su nombre estaría por decreto en las quinielas de los favoritos a mejor filme foráneo. Una competición que este año se presume encarnizada tras lo visto en los festivales de Venecia y Cannes. Mucho menos opciones tiene la vuelta de Benito Zambrano (Solas) a la gran pantalla. Cinta de postguerra interpretada por Inma Cuesta, María León y Marc Clotet que tendrá su premiere en el inminente festival de San Sebastián. Su escueta distribución internacional será una tara que limitará sus posibilidades.

    La tapada de este trío de finalistas es la pasada ganadora de los Goya, Pan Negro (Pa Negre, Agustí Villaronga, 2010). Un largometraje muy del gusto de la academia que no se presentó en la pasada edición buscando un mayor respaldo en forma de galardones. La pregunta es si a Pan Negro le ocurrirá lo mismo que a Celda 211. El inexorable paso del tiempo es un enemigo demasiado cruel. El 28 de Septiembre se conocerá la elegida que buscará la máxima condecoración a las artes cinematográficas. Desde El Antepenúltimo Mohicano apostamos por La Piel que Habito de Pedro Almodóvar.

    ¿Volverá la academia a confíar en el maestro manchego o apostará por la obra de Agustí Villaronga?
    por Emilio M. Luna
    septiembre 14, 2011

    ÓSCARS 2012: CANDIDATAS ESPAÑOLAS AL ÓSCAR

    por Emilio M. Luna | septiembre 14, 2011
    El próximo fin de semana llega a las carteleras el estreno más esperado del cine español este año, vuelve Pedro Almodóvar con La Piel que Habito. Su paso por Cannes, además de notable, supuso la confirmación del eterno divorcio del cineasta manchego con la crítica especializada española. Un desencuentro de diez años de duración que ha lastrado el recorrido artístico de Almodóvar en nuestro país, encontrando sólo acomodo en los cálidos y agradecidos brazos del público francés y norteamericano. Su último filme, Los Abrazos Rotos (2009), no obtuvo el reconocimiento deseado pero tuvo cierta repercusión en la temporada de premios americana. Señal inequívoca que el director de Volver (2006) está por encima incluso de su obra. La Piel que Habito sorprendió en Cannes por su puesta en escena con reminiscencias germanas y por un género (thriller) alejado de los tópicos “almodovarianos”.

    Sea como fuere, guste o no, La Piel que Habito no va a dejar indiferente al público. Antonio Banderas y Elena Anaya dan cuerpo a una obsesión que ralla el patetismo y que refleja una nueva vuelta a la filmografía de este valiente realizador. Esta versión libre del mito de Frankenstein promete tensión, barroquismo y humor. Rodada, gran parte, en territorio gallego, La Piel que Habito significa la bienvenida a un Pedro Almodóvar con toque postmoderno, preludio de su primer guión internacional. Un deseo que siempre le ha acompañado tras rechazar (equivocadamente, según el propio Almodóvar) la dirección de Brokeback Mountain (Ang Lee, 2006), una de las mejores películas de 2006. Nuevos tiempos para un grande del cine europeo que sigue prometiendo numerosas noches de gloria al cine patrio.

    A continuación, el trailer definitivo de La Piel que Habito. Este viernes en España. El 14 de Octubre en Estados Unidos.

    por Emilio M. Luna
    agosto 30, 2011

    EXPRESS: LA PIEL QUE HABITO (P. ALMODÓVAR, 2011)

    por Emilio M. Luna | agosto 30, 2011

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