Se cierra un año notable de cine. Grandes películas han arribado a las carteleras americanas y europeas, sobre todo en la recta final, dejando un buen sabor de boca a diferentes tipos de público. Tras el triunfo de El discurso del Rey (The King’s Speech, Tom Hooper, 2010) en los Óscars, los diez meses restantes han estado marcados por los tres grandes festivales europeos: Berlín, Cannes y Venecia. En estos tres eventos del viejo continente se han presentado los filmes que más admiración han levantado durante la temporada.

Entre el glamour y las bambalinas una primavera algo sombría con pocos títulos destacables (Jane Eyre, Código Fuente) y un verano más entretenido de lo habitual con el estreno de las superproducciones Super 8 (J.J. Abrams, 2011), X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class, Matthew Vaughn, 2011), Thor (Kenneth Branagh, 2011) y El origen del planeta de los simios (The Rise of the Planet of the Apes, Ruper Wyatt, 2011). A partir de septiembre, con la clausura de la Mostra italiana, goteo incesante de títulos sugerentes que han dado brillo a estos trescientos sesenta y cinco días de séptimo arte. Ahora es turno de los galardones que conceden las diferentes industrias, academias, asociaciones de críticos y gremios estadounidenses. El próximo 2012 podría ser el gran año del cine francés y The Artist (Michel Hazanavicious, 2011) que aspira a convertirse en la primera cinta gala en obtener la preciada estatuilla dorada. Siempre con permiso de Los Descendientes (The Descendants, Alexander Payne, 2011), War Horse (Steven Spielberg, 2011), La invención de Hugo (Hugo, Martin Scorsese, 2011) y El árbol de la vida (The Tree of Life, Terrence Malick, 2011).

Igual de interesante se ha presentado la producción de nuestro país. Auge del cine de género con trabajos como No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu, 2011) o Eva (Kike Maillo, 2011) como propuestas más interesantes. Siempre por detrás de Pedro Almodóvar y su La piel que habito. Una nueva vuelta de tuerca a todas sus obsesiones pero ahora en forma de notable thriller. También, fue el año de Pa Negre (Agustí Villaronga, 2010), triunfadora en los premios Goya y representante de España en los Óscars. Decisión controvertida ante la pujante y efectiva presencia de Almodóvar entre las candidatas. Por el momento parece una decisión errónea ya que el director manchego aglutina cinco laureles y el beneplácito de la crítica americana.

Este año cinematográfico, por momentos brillante, nos ha dejado numerosas perlas. Necesitaríamos varias listas para poder englobar todas las obras de calidad proyectadas. Como es habitual despedimos el 2011 con la clasificación de las creaciones más destacadas. Se quedan fuera (por falta de tiempo) películas como Carnage (Roman Polanski, 2011), El topo (Tinker Tailor Soldier Spy, Tomas Alfredson, 2011) y The Artist. Con toda probabilidad tendrán hueco en la relación del venidero 2012. A continuación, las diez mejores producciones del año. Antes, una mención de honor para otros largometrajes que nos hicieron disfrutar.

MENCIÓN DE HONOR: Valor de ley (True Grit, Joel & Ethan Coen, 2010); The King’s Speech (Tom Hooper, 2010); The Fighter (David O. Russell, 2010); La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011); Beginners (Mike Mills, 2011); The Turin Horse (Bela Tarr, 2011); Incendies (Denis Villeneauve, 2010); En un mundo mejor (In a Better World, Susanne Bier, 2010); Super 8 (J.J. Abrams, 2011); X-Men: First Class (Matthew Vaugh, 2011); El origen del planeta de los simios (The Rise of the Planet of the Apes, Ruper Wyatt, 2011); Código fuente (Source Code, Duncan Jones, 2011); 50/50 (Jonathan Levine, 2011); Margin Call (J.C. Chandor, 2011); Somewhere (Sofia Coppola, 2010); Life in a Day (Kevin McDonald, 2011); Pequeñas mentiras sin importancia (Les petits mouchoirs, Guillaume Canet, 2010); Contagion (Steven Soderbergh, 2011); Crazy Stupid Love (Glen Ficarra & John Requa, 2011); Horrible Bosses (Seth Gordon, 2011); y la pequeña rareza australiana The Reef (Andrew Traucki, 2010).

LAS DIEZ MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO

10. LOS IDUS DE MARZO (The Ides of March, George Clooney, Estados Unidos, 2011): valiente obra de intriga sobre el sistema político americano dirigida por un soberbio George Clooney. Presentada en la Mostra de Venecia, se descolgó demasiado pronto de la carrera por los Óscars, aún así está nominada a cuatro Globos de Oro. Impresionante interpretación de Ryan Gosling que da sólida réplica a un excelente elenco.

9. I SAW THE DEVIL (Akmareul Boattda, Kim Ji-Woon, Corea del Sur, 2010): una de las sorpresas de este año. Este thriller coreano pleno en violencia es todo un prodigio de metalenguaje cinematográfico. Tan sólo unas pequeñas lagunas narrativas le alejan de la gloria. Brillante Lee Byung-Hun como vengativo agente del gobierno.

8. 127 HORAS (127 Hours, Danny Boyle, Estados Unidos, 2010): James Franco lidera la nueva gran película de Danny Boyle. Casi dos horas intensas, llenas de tensión y dolor. Un ejercicio simple pero efectivo.

7. NADER & SIMIN, UNA SEPARACIÓN (Jodaeiye Nader az Simin, Asghar Farhadi, Irán, 2011): triunfadora, sin paliativos, del pasado festival de Berlín. Giro a los tópicos del cine persa con un drama judicial de primera categoría. Gran favorita para ganar el Óscar a mejor película de habla no inglesa.

6. MONEYBALL (Bennett Miller, Estados Unidos, 2011): pendiente de estreno en España, este drama deportivo cuenta con uno de los mejores guiones del año, creado por Aaron Sorkin. Encabeza un estupendo Brad Pitt como general manager de un modesto equipo de béisbol. Notable descripción de la actividad de las Grandes Ligas del deporte americano por excelencia. La banda sonora de Mychael Danna, espectacular.

5. MIDNIGHT IN PARIS (Woody Allen, Estados Unidos, 2011): vuelve el maestro por sus fueros con una romántica historia ambientada en la Edad de Oro parisina. Marion Cotillard enamora a la platea y ésta a su vez lo hace de la capital francesa. Multitud de referencias culturales en este elegante cuento que devuelve al mejor Woody Allen.

4. MELANCHOLIA (Lars Von Trier, Dinamarca, 2011): dos partes bien diferenciadas, un todo impresionante. El realizador danés vuelve a conquistar con una fábula personal sobre el Apocalipsis. Portentosas Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. Ganadora de los premios del Cine Europeo.

3. EL ÁRBOL DE LA VIDA (The Tree of Life, Terrence Malick, Estados Unidos, 2011): el título que más ha resonado durante estos doce meses por diversos motivos. Ganadora en Cannes. Pura poesía, pura magia, puro arte. La quinta película de Terrence Malick ha dejado atónito al público que se ha entregado a esta sugerente propuesta.

2. BLUE VALENTINE (Derek Cianfrance, Estados Unidos, 2010): Ryan Gosling el hombre del año. Junto a Michael Fassbender ha copado los filmes más interesantes de la temporada. En Blue Valentine, Gosling enamora y, a su vez, conoce la otra cara del amor junto a una soberbia Michelle Williams. Aún no se ha estrenado en España. Mereció más en la pasada edición de los Óscars. El canto de una generación. Impresionante.

1. DRIVE (Nicolas Winding Refn, Estados Unidos, 2011): la sensación del año y gran aspirante a convertirse en un clásico de culto. Cannes ya avisó del poderío del filme de Nicolas Winding Refn. Le concedió el título a mejor director y abrió su fructífero camino por diversos festivales de nivel. Esté nominada o no en los Óscars, Drive ya tiene la gloria. Ryan Gosling sorprende en el papel de Driver, un caballero taciturno que inspira ternura y el amor de una magnética Carey Mulligan. Romanticismo y ultraviolencia en una cinta inspirada en los clásicos de acción de los setenta. La banda sonora de Cliff Martínez y la selección musical, superlativas. La escena en el ascensor, la mejor del año. Un deslumbrante golpe a la retina.

Drive sucede a Origen (Inception, Christopher Nolan, 2010) como mejor película del año. Con este listado ponemos el punto y seguido a la publicación de artículos desde El Antepenúltimo Mohicano. Les deseamos una feliz salida y entrada del año. A la vuelta, más. Disfruten, sueñen, vean cine.

por Emilio M. Luna
diciembre 30, 2011

RESUMEN 2011: LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO

por Emilio M. Luna | diciembre 30, 2011

Finaliza el año y, como es costumbre, es hora de hacer balance. En estos próximos tres días iniciamos un repaso con lo más destacado de estos trescientos sesenta y cinco días a nivel cinematográfico y televisivo. Un díptico donde tendrán cabida los filmes y series de televisión que nos han hecho soñar y disfrutar. Un año audiovisual bajo nuestra mirada.

El primer segmento estará dedicado al repaso de los productos de la pequeña pantalla. Termina un curso y comienza otro de marcado carácter irregular. Como es habitual en el fin de cada temporada muchos seriales se han despedido antes de tiempo y otros han supuesto una refrescante sorpresa. Este último caso una minoría ya que solo la presencia de Homeland, New Girl y, en cierta medida, Once Upon a Time han otorgado aire fresco a la parrilla americana. Esta carestía de sugerentes nuevos títulos se ha unido a la decadencia de algunas veteranas que viven ya su camino final a través del cable coaxial. House y Dexter, entre otras, pese a mantener buenos números han bajado la calidad de sus capítulos. La causa: problemas contractuales y presupuestarios.

Uno de los grandes bastiones, AMC, ha sufrido algunos reveses económicos que han puesto en duda la continuidad de sus pesos pesados: Breaking Bad y Mad Men. El ascendente canal Starz ha visto como su show estrella, Camelot, ha acabado su corto periplo en las programaciones lleno de decepción. Y mientras otras cadenas se resienten HBO se lleva toda la gloria con los grandes éxitos mediáticos del curso: Game of Thrones y Boardwalk Empire. El canal de cable más famoso ha vuelto a superar las expectativas dando un enorme paso de aproximación al mejor cine.

Un 2011 de luces y sombras que también supuso la marcha con el barquero del gran Andy Whitfield (Spartacus). Un guerrero lleno de carisma que siempre tendrá hueco en la historia de la televisión moderna. Esta publicación es, también, un homenaje a este bravo intérprete.

Todo repaso tiene, tradicionalmente, su lista. A continuación, los diez shows más destacados del año siempre desde un punto de vista personal y de la cobertura a las series visionadas.

LAS DIEZ MEJORES SERIES DEL AÑO

10. DEXTER (Showtime): tras una brillante cuarta temporada, las dos siguientes han significado el triste ocaso para Dexter Morgan. Villanos sin convicción y tramas repetitivas para el asesino más reflexivo de Miami que sigue manteniendo intacto su carisma. Siempre un placer tener a Michael C. Hall en pantalla.

9. HOUSE MD (Fox): 2012 significará el punto final a Gregory House. La séptima temporada tuvo más oscuros que claros. Prueba de ello fue su desacertado final. El comienzo de la octava prosigue con idéntica fórmula pero distintos aires. Ojalá tenga una despedida a tono con la calidad de uno de los iconos televisivos. Pese a su caída, sigue siendo una serie de calidad.

8. TRUE BLOOD (HBO): carnaval de exageraciones. Tras una tercera entrega llena de excesos y diversión, la cuarta repite patrón sin demasiado éxito. Aún así, es un seguro de entretenimiento. Las audiencias la aman dentro de este nuevo frenesí vampírico. Lo mejor, la subyugante presencia de Alexander Skarsgard.

7. NEW GIRL (Fox): una de las sorpresas del año que se ha consolidado en la parrilla televisiva americana. Una adorable Zooey Deschanel comparte piso con tres insólitos compañeros. Sonrisas aseguradas.

6. BOARDWALK EMPIRE (HBO): altos presupuestos para una mastodóntica producción llena de detalles. Atlantic City y La ley seca como nunca se habían retratado. La segunda temporada continúa con el mismo nivel de calidad que la primera. Cine de primera categoría.

5. JUSTIFIED (FX): otro de los descubrimientos del año. De un procedimental entretenido a un serial de nivel. El agente Raylan Givens (Tymothy Olyphant) se gana los corazones de los espectadores a base de disparos e ironía. Un western moderno en Harlan.

4. FRINGE (Fox): la cuarta campaña será la última de este show de culto. Renovada por petición de sus millares de fans. Enigmas y grandes personajes para una de las grandes series de la década.

3. AMERICAN HORROR STORY (FX): una de las debutantes que se ha ganado a la platea a golpe de terror. La familia Harmon tiene más de un problema con su mudanza y quiere compartirlo con el público. Dylan McDermott, Connie Britton y Jessica Lange encabezan esta creación de ficción que revoluciona el género.

2. FRIDAY NIGHT LIGHTS (NBC/Directv): nostalgia y lágrimas aseguradas con el maravilloso final (en su quinta y definitiva temporada) de la mejor serie deportiva de la historia. No existirá mejor mentor alguno como el entrenador Eric Taylor (Kyle Chandler). Texas forever.

1. JUEGO DE TRONOS (HBO): uno de los grandes acontecimientos de este 2012 a todos los niveles. La adaptación de la primera novela de Canción de hielo y fuego ha sido todo un éxito. Ambientación inigualable, personajes profundos y excelentes diálogos que dejan el listón muy alto para la inminente visión de Choque de Reyes (la segunda novela de la saga creada por George R.R. Martin). El episodio noveno, Baelor, el mejor del año junto a Always (Friday Night Lights). Pura magia. “El Rey está en el Norte”.

En la segunda parte de nuestro anuario, lugar para el séptimo arte con las diez películas del año.

por Emilio M. Luna
diciembre 30, 2011

RESUMEN 2011: LAS 10 MEJORES SERIES DEL AÑO

por Emilio M. Luna | diciembre 30, 2011

I’M WITH CANCER

"Joseph Gordon-Levitt demuestra su versatilidad en esta tragicomedia tan arriesgada como sugerente sobre la enfermedad del siglo XXI."

Responder al miedo con una sonrisa. Ni la crisis económica, ni una guerra civil, no hay nada que genere tanto temor como el cáncer. En tiempos donde el progreso tecnológico y médico ha erradicado multitud de enfermedades y ha puesto límites y fecha de caducidad al mal de los noventa (virus Sida/Aids), el cáncer sigue siendo la asignatura pendiente de la sociedad moderna. Esta anomalía celular, de múltiples variantes, ataca sin condición no sólo al individuo también a todos los que rodean a éste. Como ocurre con el mal de Alzheimer, familiares y amigos sufren los daños colaterales y a su vez colaboran en un frente de sinergía en busca de la cura. El guionista Will Reiser, surgió victorioso de su pelea con la enfermedad a la edad de veinticuatro años. Ahora su historia nos llega plasmada en celuloide con la simpática comedia dramática 50/50 (Jonathan Levine, 2011).

Reiser comparte su experiencia a través de la figura de Adam (Joseph Gordon-Levitt), un joven de veintisiete años al que se le diagnostica un extraño tumor en la zona lumbar. Aceptar la dolencia hará temblar los cimientos de una insulsa e insatisfactoria vida. Cambios en busca de la esperanza. Una madre, un amigo y una psicóloga debutante supondrán la barandilla para una situación llena de dudas y miedos. A caballo entre un ligero humor negro y el drama sentimental marcha 50/50, la tercera película de Jonathan Levine. En sus dos obras anteriores, All the Boys Love Mandy Lane (2006) y Wackness (2008), este joven cineasta neoyorquino ahondó en el tema de las adicciones desde dos géneros diferentes: el suspense y la comedia, respectivamente. Con otra adicción, en este caso a la vida, Levine logra su mejor película hasta la fecha en su corta filmografía.

No es el humor ni el drama el punto fuerte de 50/50. Éste radica en el cariño que contagia el protagonista. Gran mérito de un excelente Joseph Gordon-Levitt. Actor que, al igual que Ryan Gosling, se mueve con soltura tanto en terrenos independientes como en grandes superproducciones, siempre con la credibilidad y el carisma como estandarte. Junto a él, una no menos destacable Anna Kendrick que funciona como agradable complemento a la par que supone el elemento romántico de la trama. Una trama revestida con aire intimista que peca de edulcorante. Una corrección que venía en sobreaviso tras el cambio del llamativo título original “I’m with Cancer” al definitivo más neutro. Cincuenta por ciento valiente, respetuosa y fiel; cincuenta por ciento ingenua y excesivamente positiva.

Algo que no le resta valor a un filme encomiable en su fondo y más dubitativo en su forma. Una propuesta sincera y conmovedora que no deja de ser una tragedia. Prueba fehaciente es la escena previa a la operación final. Llena de tensión, dolor y desasosiego. 50/50 es una película de contrastes, la capacidad que tenga el espectador en adaptarse a la trama y converger hacia la figura de Adam modelarán el nivel de satisfacción final. Merece la pena por la laboriosa entrega de Joseph Gordon-Levitt a un papel difícil y que demuestra sus enormes cualidades. Una mirada positiva a una situación muy dolorosa que por suerte, en muchos casos de la vida real tiene salida. Ojalá la película que halle el remedio se haga realidad. Supondría el mejor final posible a todas esas amargas historias que son o han sido parte de nuestras vidas.

Lo Mejor: Joseph Gordon Levitt y Anna Kendrick. El guión de Will Reiser.

Lo Peor: El tono edulcorado y benévolo.

Puntuación: 7,5/10 CINE USA 2011/DRAMA.

por Emilio M. Luna
diciembre 29, 2011

50/50 (JONATHAN LEVINE, 2011)

por Emilio M. Luna | diciembre 29, 2011

CARCHARHINUS LEUCAS

"David R. Ellis prosigue con su largo y angustioso camino hacia la gerencia de un restaurante de comida rápida con otra vaga muestra de serie b sin ningún atributo característico del género."

Este 2011 han vuelto los tiburones a la gran pantalla. Animales incomprendidos y proscritos tras el fenómeno de Tiburón (Jaws, Steven Spielberg) en 1975. El paso de los años ha descubierto que estos elegantes peces son fundamentales para el ecosistema y que por desgracia algunas especies están en peligro de extinción gracias a la desaforada pesca por parte del hombre. Los raros contactos con el hombre se deben a equívocos con presas habituales e invasión del territorio en época de apareamiento. Pese al bajo número de ataques al año a cada uno de éstos le acompaña un enorme eco mediático. Es inevitable, por otra parte. El cine, salvo unas honradas excepciones, lo sigue dibujando como un ser despiadado, inteligente y deseoso de carne humana. Este es el caso de la infame película que hoy nos ocupa, Shark Night (David R. Ellis).

Este filme que repite la fórmula de Piranha (Alexandre Aja, 2010) se une a interesantes producciones estrenadas esta primavera con los reyes del mar como protagonista o fondo: la realista cinta australiana The Reef (Andrew Traucki, 2010) y el drama de superación Soul Surfer (Sean McNamara, 2011). En 2012, Halle Berry tendrá una cita con su angustioso pasado en Dark Tide (John Stockwell, 2012) y los escualos visitarán un supermercado australiano tras un tsunami en Bait* (Kimble Rendall, 2012). Los tiburones no pasan de moda en el celuloide, aunque la verdad sea dicha siempre con protagonismo en productos televisivos (Syfy), bajo coste o Serie B. Precisamente de todos estos apartados bebe Shark Night, un documentado “videoclip" sobre unos adolescentes masacrados por diferentes especies de tiburón en un lago de agua salada.

Los títulos de crédito iniciales ya nos avisan del camino que seguirá el largometraje. Lo normal es que tras este periodo el espectador haya decidido marcharse de la sala, apagar el televisor o buscar al creador del engendro con teas y hachas. Está demostrado que los tiburones toro (también conocidos como Sarda) han remontado caudales en el Mississippi, Ganges y el Zambeze ya que posee unas glándulas que le permiten aceptar el agua dulce. Algo impensable en otros especímenes que perecerían de manera inmediata. Información que tiene muy en cuenta Ellis en su filme y que hace notar cada diez minutos en el metraje. El problema es cómo llenar un lago con los escualos más grandes y violentos y pensar de qué se alimentan ¿de cangrejos?

La respuesta la aplica de nuevo el propio realizador. Con una trama novedosa donde los villanos del filme crean “snuff movies” con la muerte de turistas a manos de estas criaturas marinas. Aunque piensen que puede ser una broma, ese es el argumento real de Shark Night. Si el espectador, tras conocer este maravilloso dato decide proseguir el visionado en vez de levantarse y hacer algo más interesante y arriesgado como emparejar sus calcetines se encontrará, de nuevo, atractivas incongruencias: desde el deportista con el brazo sesgado que decide vengar a su novia con una jabalina, pasando por unos diseños de los peces creado por Agatha Ruiz y una relación de amor enternecedora entre un gran blanco y una moto acuática. Todo muy excesivo, hortera y deficiente.

Lástima que se le de cabida a este tipo de propuestas tan banales y de dudoso gusto en la gran parte de las carteleras europeas. Veintiocho millones de dólares de presupuesto arrojados al lodo. No le vendrían mal a David R. Ellis en su futura y limitada manutención.

*El título de la crítica es la denominación latina del tiburón toro.
*Ficción que se convierte en realidad ya que el pasado año con las inundaciones en Queensland se avistaron varios tiburones tigre en las calles anegadas.

Lo Mejor: Por citar algún elemento, Sara Paxton.

Lo Peor: Desde la dirección hasta los actores pasando por los diseños informáticos de los escualos.

Puntuación: 1/10 CINE USA 2011/TERROR.

por Emilio M. Luna
diciembre 28, 2011

SHARK NIGHT (DAVID R. ELLIS, 2011)

por Emilio M. Luna | diciembre 28, 2011

El cine de Serie B o cine de bajo presupuesto ha sido de siempre todo ese grupo de películas que contaban con actores desconocidos o grandes actores en decadencia como protagonistas, con directores todo terreno al frente o bien, cómo no, grandes en horas bajas (William Beaudine, Eugène Lourié), entendiéndose horas bajas como aquellas en las que ninguna productora los hubiera querido para producciones de presupuestos elevados, no necesariamente porque fueran incapaces de hacer magníficas películas, o directamente directores vetados por algún productor rencoroso (ese fue el sino del gran Edgar G. Ulmer, por ejemplo). En fin, todo un universo lleno de historias increíbles, películas que salían adelante gracias a la inventiva del equipo o sencillamente porque había todo un departamento que las confeccionaba como churros, esto último en las grandes productoras, que siempre contaban con su departamento de películas de serie b, películas pensadas para cumplimentar los grandes estrenos proyectándolas antes de las películas importantes, no por esto en muchos casos mejores.

Hubo más de una vez en que estas películas B cosecharon éxitos tremendos, y también había productoras dedicadas a realizar en su totalidad películas de bajo presupuesto. El cine de género era su premisa, los seriales (el antecedente cinematográfico de las series de televisión) su abanderado y la televisión su refugio final. Para el recuerdo, saber que algunas de las películas más importantes y recordadas de la historia del cine nacieron en estos departamentos y productoras. Y dentro de la multitud de géneros, las películas del oeste o, dicho a lo fino, los westerns fueron uno de los más recurrentes.

El director Jack Arnold es recordado hoy sobre todo por sus películas de género fantástico, todas ellas dentro de la categoría de películas B: Vinieron del espacio (It Came from Outer Space, 1953), La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954) o Tarántula (Tarantula, 1955), citando las más populares, todas ellas excelentes. Pero de manera especial por esa obra maestra, subyugante y maravillosa, que es El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957). Pero no es ninguna de ellas la que he elegido para traer aquí.

No Name on the Bullet (que podríamos traducir como Bala sin nombre, aunque resulta menos sonoro que el original) fue rodada por Jack Arnold en el año 1959, justo cuando daba comienzo su época televisiva, su último refugio. Realizaría alguna película más, pero su época de gloria, o al menos la época que hoy más se recuerda, tocaba a su fin. No Name on the Bullet es una de estas películas de Serie B, un western que contaba con un actor muy querido en EE.UU, un héroe de guerra, compositor de canciones country y auténtico ejemplo de eso que tanto gusta de hombre formado a sí mismo que emprendió su carrera desde lo más bajo (recolector de algodón): Audie Murphy, un actor de mirada acuosa, ojos azules y baja estatura.

Por qué he elegido esta película y no alguno de sus clásicos de ciencia ficción lo explico ahora mismo: porque esta es, a mi gusto, una de sus mejores películas, si me apuráis mi favorita si no existiera la prodigiosa El increíble hombre menguante. Y me temo que está un tanto olvidada u oculta entre sus logros dentro del cine fantástico.

No Name on the Bullet comienza con la llegada de un misterioso pistolero, John Gant (Audie Murphy), a un pequeño pueblo cuyos habitantes viven tranquila y apaciblemente sus diarias rutinas. Gant es conocido por ser un asesino a sueldo, un tipo que mata por encargo, pero tan hábil que nunca ha podido ser acusado de asesinato: su táctica consiste en provocar a su futura víctima de manera que esta desenfunde primero su revólver y, ay, ya está perdida porque Gant es, ¿alguien lo dudó un segundo?, el pistolero más rápido del oeste. Sus crímenes son en defensa propia, eludiendo así a la justicia. Claro, en cuanto los habitantes del pueblo lo ven llegar, todos se hacen cruces pensando quién será el desgraciado al que Gant va a poner fuera de juego.

Esto desata una verdadera fiebre en el pueblo: porque no hay tipo que no crea que el famoso y temible pistolero viene a por él. Todos comienzan así a sacar a relucir algún acto del pasado que los haría merecedores de la venganza de alguien, alguien a quien no le ha importado contratar a Gant, el cual sobra decir que no se alquila barato.

Gant se pasea por el pueblo como un auténtico ángel de la muerte, su sola visión aterrorizando a todos, sacando a la luz sin soltar una palabra las miserias de cada uno de los habitantes del desdichado pueblo. Algunos se salvan de tener algo que ocultar, pero son pocos. ¡Vaya pueblo! Y uno de estos es el doctor, el único que se atreverá a enfrentarlo en una guerra dialéctica que ofrece los momentos más intensos y elegantes de una película que brilla en especial por la profundidad de su planteamiento rodado con una sobriedad casi espartana. El doctor juega una partida de ajedrez con el temido Gant y creedme que, si bien la secuencia es breve, no tiene que envidiar nada a la de El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957) del mismo Ingmar Bergman. Aunque, sobra decirlo, el objetivo de la película de Arnold no es conmover nuestras almas sino nuestra conciencia. Sin olvidar nunca entretener, claro, que es la forma más bonita de hacernos pensar.

Y para ello se vale de la genial idea de elegir a Audie Murphy como este espectro oscuro que aterroriza a todos con solo asomarse a la puerta del salón, un actor de aspecto angelical que aquí sabe transmitir ese aire necesario de pistolero sin piedad pero al tiempo vulnerable, sabedor de que su sola presencia sacará lo peor de las personas con las que se encuentra, lo cual le ha llevado a tener una visión amarga y desesperada de la vida que se refleja de manera brutal en el desenlace de la película. Rodado de manera tan sobria y elegante como el resto, también aquí Arnold dio con el tono justo: porque pocas películas del oeste encontraréis con un final tan amargo y resignado, pero al tiempo como si esto no importara, sin remarcar un solo gesto o engrandecer ninguna acción, sin épica, como si la consecuencia lógica de vivir fuera terminar cuanto antes con nuestro sufrimiento.

Por José Luis Forte

Escribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
Cuando por las noches llueve, también le gusta leer.

arthurmachen [@] hotmail.com
La décima víctima

por José Luis Forte
diciembre 28, 2011

NO NAME ON THE BULLET (JACK ARNOLD, 1959)

por José Luis Forte | diciembre 28, 2011

Hugo consigue su segunda victoria de la temporada en Austin. La asociación de críticos de la ciudad tejana, fundada en 2005, eligió a la cinta de Scorsese como la mejor película del año. Tras los National Board of Review y las excelentes críticas ya nadie duda de su presencia en la terna final por la estatuilla dorada. Algo que contrasta con una mediocre acogida en las taquillas americanas. Hugo releva a Cisne negro (Black Swan, 2010), ganadora el año pasado.

Destacan los tres entorchados obtenidos por Drive (mejor director, actor secundario, y guión adaptado, aparte del segundo puesto en la categoría principal) y, el segundo triunfo de la campaña de I Saw the Devil (en el apartado foráneo). A continuación, la relación completa.

AUSTIN FILM CRITICS ASSOCIATION AWARDS 2011 WINNERS

MEJOR PELÍCULA: HUGO

TOP 10 FILMS: 1. Hugo; 2. Drive; 3. Take Shelter; 4. Midnight in Paris; 5. Attack the Block; 6. The Artist; 7.Martha Marcy May Marlene; 8. I Saw the Devil; 9. 13 Assassins; y, 10. Melancholia.

MEJOR DIRECTOR: Nicolas Winding Refn (Drive)
MEJOR ACTOR: Michael Shannon (Take Shelter)
MEJOR ACTRIZ: Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin)
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Albert Brooks (Drive)
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Jessica Chastain (Take Shelter)
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Woody Allen (Midnight in Paris)
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Hossein Amini (Drive)
MEJOR FOTOGRAFÍA: Emmanuel Lubezki (The Tree of Life)
MEJOR BANDA SONORA: Steven Price (Attack the Block)
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: I Saw the Devil (Corea del Sur)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Rango
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Senna
ARTISTA REVELACIÓN: Jessica Chastain
MEJOR ÓPERA PRIMA: Attack the Block
AUSTIN FILM AWARD: Take Shelter

por Emilio M. Luna
diciembre 28, 2011

AUSTIN FILM CRITICS ASSOCIATION AWARDS 2011

por Emilio M. Luna | diciembre 28, 2011

WHEN THE STARS GO BLUE

"Romanticismo en la piel de unos entregados Jim Sturgess y Anne Hathaway que consiguen enganchar con su amor intertemporal pero no enamorar con una historia superficial y tópica."

“St Swithun’s day if thou dost rain, for forty days it will remain; St Swithun’s day if thou be fair, for forty days ‘twill rain nae mare”. Con este refrán de 1599 comienza una particular relación que traspasa todas las barreras geográficas y temporales en One Day (Lone Scherfig, 2011). Adaptación de la novela homónima de David Nichols (autor, también, del libreto) que aspiraba a convertirse en el drama romántico de este año y cuya tibia acogida en el mercado americano y europeo ha relevado a un tercer plano. La nueva y académica obra de la danesa Lone Scherfig nos acerca a los sentimientos parapetados en el subconsciente. Recuerdos que sólo lo onírico y la sinestesia devuelven a la vida. Anhelos que siempre permanecen a nuestro lado y que suponen el inspirador bagaje que lleva el ser humano consigo a lo largo de su existencia.

Dos jóvenes británicos, Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess) comparten, desde la distancia y esporádicos encuentros, un relación de profunda amistad durante veinte años. Ella acepta durante todo ese tiempo que no está a su alcance. Él, con un ritmo vital desenfrenado, se apoya en ella en todos sus reveses. Una historia de amistad, de sensaciones veladas que se nos presenta en un día concreto de cada uno de esos años: el 15 de Julio. Magia mostrada a la antigua usanza de la mano de Lone Scherfig. La directora escandinava repite la fórmula de An Education (2009) con una realización tradicional, un diseño clásico y un aura nostálgica que evoca miradas atrás. A pesar de sus buenos momentos y toda la carga emocional que transporta, desafortunadamente One Day no posee la frescura de su anterior filme.

La superficial narrativa en la que se estructuran la mayoría de los capítulos del largometraje toca pero no cala. Llovizna que no humedece pese al esfuerzo y pericia de dos estupendos intérpretes y la poderosa banda sonora compuesta por Rachel Portman. Con acentos británicos impostados o no, Sturgess y Hathaway convencen desde el exceso y la mesura respectivamente. La interacción entre ambos rebosa química y esa maravillosa tensión que aflojará cuando el destino se torne en propicio, de nuevo, un quince de Julio. Junto a ellos, la sobresaliente aparición de Patricia Clarkson, actriz de superlativa credibilidad que logra acaparar toda la pantalla con su sola presencia. Lástima que esta reduzca a unas solas notas. Precisamente funciona como metáfora en el desarrollo del filme: cuidada estética, sentido y sensibilidad pero en escuetas e insuficientes dosis.

Miradas dulces, sonrisas cómplices y gestos de ternura, junto con los acordes de piano de Rachel Portman, acompañan al filme a su final. Un tramo lleno de tópicos pero no menos deseado. Nuestro corazón quiere una recompensa sin pensar la respuesta de la memoria pasado el tiempo. De manera afortunada así es el ser humano deseoso del ahora, de la búsqueda del momento único. Por eso los dioses nos envidian*. Emma y Dexter son cualquiera de ustedes, todas sus esperanzas y fantasías. Recuerden, algunos sueños deben seguir siendo eso…sueños. Apunten su quince de Julio particular, repasen por qué están aquí. Sólo es un día.

“Todo lo que sabemos del amor es que el amor es todo lo que hay”.
Emily Dickinson (Poetisa norteamericana).

*Frase extraída de Troya (Troy, Wolfang Petersen, 2004), pronunciada por Aquiles (Brad Pitt).

Lo Mejor: La pareja protagonista.

Lo Peor: Episodios insustanciales. El estereotipado final.

Puntuación: 5’5/10 CINE USA 2011/DRAMA.

por Emilio M. Luna
diciembre 28, 2011

ONE DAY (LONE SCHERFIG, 2011)

por Emilio M. Luna | diciembre 28, 2011

Sin lugar a dudas, junto a Canción de Hielo y Fuego, Boardwalk Empire es la serie del año. Un producto HBO con mayúsculas que nos traslada a los gloriosos años veinte en Atlantic City. Steve Buscemi encabeza un serial creado por Martin Scorsese que obtuvo, aparte de una buena acogida popular, excelentes críticas y numerosos galardones.

En La radio en serie analizamos el éxito de Boardwalk Empire en uno de los episodios pendientes. Evolución, personajes e intérpretes serán los protagonistas. A continuación, un nuevo capítulo televisivo en Onda Cero Cáceres.

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2011

ONDA CERO CÁCERES: BOARDWALK EMPIRE

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2011

The Artist arrasa en Arizona. Es el titular tras el fallo de los premios otorgados por la asociación de críticos de Phoenix. Hasta nueve laureles ha conseguido la cinta de Michel Hazanavicious, principal favorita para ganar el Óscar este año. Otro galardón más que se une a una copiosa lista. La gran pregunta es si aguantará este ritmo hasta Febrero. Hasta entonces se postula como el primer largometraje de producción francesa en alcanzar la gran estatuilla dorada.

Del resto de premiados destacan la victoria de Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene) y de La piel que habito en el apartado extranjero. A continuación, la relación de ganadores.

PHOENIX FILM CRITICS SOCIETY AWARDS 2011 WINNERS

MEJOR PELÍCULA: "The Artist"
MEJOR DIRECTOR: Michel Hazanavicius (The Artist)
MEJOR ACTOR: Jean Dujardin (The Artist)
MEJOR ACTRIZ: Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Albert Brooks (Drive)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Bérénice Bejo (The Artist)
MEJOR REPARTO: "Super 8"
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: "The Artist"
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: "The Help"
MEJOR PELÍCULA FAMILIAR: "The Muppets"
MEJOR PELÍCULA DE MENOR REPERCUSIÓN: "A Better Life"
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: "Rango"
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: "La Piel que Habito" (España)
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: "Page One: Inside the New York Times"
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: Life's a Happy Song, (“The Muppets”)
MEJOR BANDA SONORA: Ludovic Bource (“The Artist")
MEJOR FOTOGRAFÍA: Emmanuel Lubezki (Tree of Life)
MEJOR MONTAJE: Ann-Sophie Bion & Michel Hazanavicius ("The Artist")
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Dante Ferretti & Francesca Lo Schiavo ("Hugo")
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: "The Artist"
MEJORES EFECTOS VISUALES: "Hugo"
MEJORES ESPECIALISTAS: "Drive"
MEJOR INTÉRPRETE REVELACIÓN: Thomas Horn ("Extremely Loud and Incredibly Close")
MEJOR DIRECTOR REVELACIÓN: Michel Hazanavicius ("The Artist")
MEJOR ACTOR INFANTIL: Thomas Horn (“Extremely Loud and Incredibly Close")
MEJOR ACTRIZ INFANTIL: Saoirse Ronan ("Hanna")

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2011

PHOENIX FILM CRITICS SOCIETY AWARDS 2011

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2011

Contaba con veintidós años el joven Béla Tarr cuando comenzaba su carrera como director, realizando documentales que retrataban la pobreza de Hungría. Dichos proyectos llamarían la atención de los Béla Balázs Studios que serían parte fundamental de su carrera. Hoy con 56 años de edad y con un total de 9 películas, Béla Tarr se ha convertido en un director de culto, que sin duda ha marcado al cine mundial. Este año ha presentado en el Festival de Cine de Berlín, “The Turin Horse” (A Torinói ló, 2011), cinta que (por desgracia) será la última película en su carrera como director. El filme obtuvo el premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine (FIPRESCI) y el Premio Especial del Jurado en la capital germana.

The Turin Horse parte de un hecho histórico, el 03 de enero de 1889 el filósofo Friedrich Wilhelm Nietzsche (1844-1900) comenzó a atravesar sus últimos días de lucidez mental, antes de hundirse en la demencia. En esta etapa está enmarcado el episodio de su abrazo a un caballo que estaba siendo maltratado por su dueño, le pidió disculpas en nombre de la humanidad por la brutalidad humana.

Olvídense, por un momento, de Nietzsche. Béla Tarr nos propone un viaje seco, cruel y apocalíptico al lado de un padre anciano, su hija y el citado equino. “The Turin Horse” abre con una voz en off narrando la historia del pensador alemán; seguidamente vemos a un anciano (Janos Derszi), su caballo y una carreta, fotografía en blanco y negro. El viento agresivo trae polvo y hierbas secas durante un largo recorrido hasta su casa, en ese momento un rótulo nos indica que estamos en el “Primer día”. La película está dividida en seis capítulos traducidos al mismo número de días. El anciano llega a su humilde hogar, lo espera su hija (Erika Bok). Durante gran parte del filme observaremos la misma rutina que se repite día tras día: la hija se levanta, va al pozo a recoger agua, cocina patatas, toman Pálinka (Un aguardiente hecho de frutas típico de Hungría), despierta a su padre y lo viste (parece que uno de sus brazos esta paralizado). En ese primer día el padre intenta sacar al caballo pero no consigue que se mueva. El caballo cansado no camina hacia ninguna dirección, parece haber perdido el deseo de moverse, de comer y ha decidido solamente esperar el final. A partir de este momento con el animal como protagonista cambian los aires de la narración. No hay diálogos y ni falta que hacen, llegando a la hora de metraje aparece un emisario soltando una ráfaga de diálogos filosóficos y anunciando una catástrofe, tiempos difíciles se acercan. Los cinco días restantes siguen el mismo patrón, todo es rutinario, pero todo comienza a complicarse, van apareciendo ciertos personajes que socavan dicha situación, de los que no daré más detalles.

Durante el visionado del filme he recordado una de las mejores películas latinas, la magistral: Vidas secas (Brasil, 1963) de Nelson Pereira dos Santos. Un clima parecido acompaña a "The Turin horse". Aquí no hay explosiones ni locura colectiva, hay silencios de muerte, una atmosfera asfixiante, la pieza musical que actúa como fondo está impregnada de dolor, cargada de melancolía, acompañando a un viento sopla sin piedad trayendo oscuridad y misterio. Es magistral la manera que Béla Tarr nos propone el fin del mundo, aún siguen rondando en mi cabeza cada uno de los días y me provoca pánico. El cineasta magyar logra que suframos con los personajes, es un miedo extraño, profundo y macabro.

Una propuesta sobria y lúgubre donde hay lugar para la ternura en la relación entre un padre enfermo y una hija que debe darlo todo por él. Una historia de fortaleza y, a la vez, con aires de impotencia. Cámara fija en el interior de la casa como último reducto de humanidad. Afuera todo es turbio, desolado, estéril, erosionado, sin vida. Una sensación de frío que provoca el deseo de estar en el interior. Hay un par de planos que me encantaron, particularmente uno: Mientras están sentados a la mesa comiendo, la cámara enfoca primero al padre, luego la hija y por ultimo juntos, todo esto en días diferentes, fue un detalle que me dejo fascinado.

Increíblemente al final quien se ha quedado quieto, sin moverse, es otro; nos han quitado nuestras ilusiones. “The Turin Horse” se vuelve con todo eso una cinta enigmática, una película para todos y para nadie, una obra maestra.

Por Olvín Otero

Otaku del cine, veo el arte como ente de cambio,
headbanger en las espesas hierbas de un bosque milenario,
danzando enloquecido en los claros de los espíritus y en hondos huecos de los fantasmas internos

Edición de Emilio Luna
Cinema 2.0

por Olvín Otero
diciembre 27, 2011

THE TURIN HORSE (A TORINÓI LÓ, BELA TARR, 2011)

por Olvín Otero | diciembre 27, 2011

BACHELORETTE

"Divertida y simpática comedia que aúna inteligencia y cierto gamberrismo al servicio de una carismática Kristen Wiig como comandante de un notable elenco de actrices secundarias."

Concebida como la versión femenina de Resacón en las Vegas (The Hangover, Todd Phillips, 2009), La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids, Paul Feig, 2011) se ha convertido en una de las grandes sensaciones de un año que está punto de claudicar. El clamor popular (copiosa recaudación en Norteamérica) y excelentes críticas han aupado al estrellato la tercera película del especialista en el género Paul Feig. Creador del serial de culto Freaks and Geeks (1999), Feig ha mantenido una irregular carrera a caballo entre la gran y la pequeña pantalla. Bridesmaids supone el salto cualitativo (y cuantitativo) en su evolución como cineasta. Efecto colateral de su colaboración el productor Judd Apatow y con la humorista Kristen Wiig (Saturday Night Lights). Mordaz en el guión, hilarante en la interpretación, Wiig es la gran responsable de una de las grandes comedias del año.

La actriz neoyorquina aleja a su personaje (Annie) de todos los estereotipos habituales de la treintañera atractiva en el cine americano. Una perdedora, despojada de toda dignidad que deberá liderar la organización del enlace de su amiga de la niñez Lilliam (Maya Rundolph). Todo en un envoltorio lleno de divertidas secuencias, cierto humor salvaje, con hueco para la camaradería y el romance. Simpatía innegable de un filme que no cambia las reglas del género pero que supone una brizna de aire fresco no sólo en el humor cinematográfico actual, también en los caracteres femeninos en este tipo de producciones. Aunque en su debe, resaltar que era fácil el acierto ya que en La boda de mi mejor amiga aparecen variopintos personajes que marchan de un extremo al otro. Ligera y agradable cumple sus promesas y otorga un rato ameno a su público, sin ninguna distinción en el género de éste.

Annie (Wiig) transmite una amalgama de sentimientos de fácil extrapolación y consigue ganarse al espectador tras su primera escena. Esa sensación de perdición y de búsqueda constante en el propio subsuelo del pozo en el que el ser humano se sumerge en momentos de su vida. Siempre desde un punto de vista tragicómico, con halo optimista, deudora de las buddy movies de los años ochenta. Annie es un fiel reflejo de la situación económica-social del momento donde las ilusiones penden de un hilo y donde la dicha es un factor pasajero. Sus parteners de aventuras suponen el perfecto contrapunto pero con idéntica esencia. Quizás el superficial desarrollo de éstas, restan profundidad a la trama. Un simple complemento, tangente a una historia central que desemboca en un final típico y esperado.

Mientras, diversión con Wiig, y unas excelentes Rose Byrne y Melissa McCarthy. Byrne, joven actriz australiana que debutó siendo el objeto de deseo de Heath Ledger en la interesante Two Hands (Gregor Jordan, 2009), confirma su madurez como intérprete en la histriónica piel de la rival de la protagonista. McCarthy, multipremiada por las asociaciones de críticos, resulta una grata sorpresa como la parte andrógina del grupo. Buenos ingredientes añadidos de un cocktail que funciona con la mera presencia de su actriz principal. La boda de mi mejor amiga no busca nada más. No es perfecta ni lo pretende. No sólo se desmarca de su homóloga Resacón en las Vegas (con ligero guiño incluido en forma de viaje fallido) si no que la supera con pasmosa facilidad. Atención a Kristen Wiig, promete sonrisas y carcajadas durante muchas jornadas dominicales.

Lo Mejor: Kristen Wiig, Rose Byrne y Melissa McCarthy.

Lo Peor: Ligeros baches de ritmo en la narración. Momentos y personajes desaprovechados.

Puntuación: 7/10 CINE USA 2011/COMEDIA/JUDD APATOW.

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2011

BRIDESMAIDS (LA BODA DE MI MEJOR AMIGA, 2011)

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2011