VIDA EN STANDBY

"Poderoso y realista retrato sobre la pérdida personificado por unos excelentes Aaron Echkart y Nicole Kidman que nos dejan uno de los mejores dramas del año."

Revolutionary Road (2008) nos ofreció una descripción anatómica del derrumbe paulatino de un joven matrimonio. El film de Sam Méndes, que adaptaba con tino la novela de Richard Yates, se convirtió en el silencioso triunfador de su curso con una realista historia espejo de las relaciones sentimentales. Una bella crudeza que paso de puntillas por la carteleras pero dejando huella en un público habituado al edulcorante. Este año se estrenan dos filmes de temática similar pero con fondos diferentes: Blue Valentine (Derek Cianfrance, 2010) y Rabbit Hole (John Cameron Mitchell, 2010). La primera es un lienzo independiente sobre la autodestrucción de una joven pareja (Ryan Gosling & Michelle Williams) que combina la magia con el dolor en diferentes etapas vitales. La segunda, el film que nos ocupa hoy, es la descripción del estancamiento de un matrimonio de mediana edad como consecuencia de un hecho que marca sus vidas: la pérdida.

Rabbit Hole es el tercer film de John Cameron Mitchell. Erigido como director de culto tras las notables Hedwig and the Angry Inch (2001) y Shortbus (2006), en su tercera y esperada obra adapta la novela homónima de David Lindsay-Abaire (también guionista del film) ganadora del Pullitzer. Rabbit Hole representa el lento caminar hacia la esperanza de un matrimonio que ha perdido a su joven vástago. Un sentimiento de desolación que los aparta de la realidad y los aleja el uno del otro. El gran mérito de Mitchell es una narración pausada y exquisitamente sutil que traspasa la angustia de la pareja al espectador de manera inmediata. Todo envuelto en un aura independiente y modesta donde sus actores cargan con el peso del filme con interpretaciones creíbles y sin estridencias. Un mérito compartido por Nicole Kidman y Aaron Eckhart que se entregan por completo en sus papeles.

Aaron Eckhart, actor de carrera ecléctica e interesante confirma en The Rabbit Hole lo apuntado en Gracias por Fumar (Thank You For Smoking, 2005) y El Caballero Oscuro (The Dark Knight, 2008). Capacidad de adaptación a cualquier tipo de papel dotándolo de presencia y carisma. Eckhart representa el arquetipo de actor clásico solvente y versátil con cualquier tipo de guión o género. En Rabbit Hole da piel a un marido que busca rescatar a su mujer de los brazos de la desesperación. Como si de un Orfeo derrotado se tratara, Howie (Eckhart) no sólo convive con el triste y latente recuerdo también con la ausencia de una Eurídice rendida en su lento descenso al infierno. Siendo Nicole Kidman la principal protagonista en Rabbit Hole, son encomiables los momentos de Eckhart. Él representa el optimismo en una situación cercana al filo. Su excelente monólogo final recoge la esencia del film. Un extracto positivo pese a su realismo y dolor.

Si Eckhart demuestra su enorme talento, Nicole Kidman vuelve a su mejor momento en Rabbit Hole. Demasiado superficial y con papeles estereotipados, Kidman había perdido el norte de su dilatada carrera con creaciones de dudoso éxito como Australia (2008) o Nine (2009). Innegable su capacidad, sólo era necesaria una mejor elección en sus proyectos para retornar a la senda correcta. Ese camino se lo muestra John Cameron Mitchell y Kidman responde con una notable interpretación que le pudiera deparar una nueva nominación al Óscar. Becca (Kidman) permanece anclada en el pasado y no logra relanzar su vida. Un vacío terrenal que no es capaz de llenar su marido, su madre (Dianne Wiest) o su hermana. Una particular Eurídice que sólo halla el consuelo en el joven culpable de la muerte de su hijo. Kidman soberbia, al igual que su partener Aaron Eckhart, trasmite con sus gestos y miradas desolación y dudas en un personaje que busca, ante todo, alivio.

Un drama elegante de desnudos sentimientos que sin el amparo de una campaña mediática de cara a la temporada de premios tendrá una inmerecida poca repercusión. Cameron Mitchell logra una excelente película articulada con dos actores sobresalientes y un sólido guión que refleja con naturalidad una de las constantes del alma del ser humano.

“Únicamente aquellos que evitan el amor, pueden evitar el dolor del duelo. Lo importante es crecer, a través del duelo, y seguir permaneciendo vulnerables al amor.”
JOHN BRANTNER

Lo Mejor: Nicole Kidman y Aaron Eckhart. El guión de David Lindsay.

Lo Peor: No tendrá la repercusión merecida.

Puntuación: 8/10 CINE USA 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 29, 2010

RABBIT HOLE

por Emilio M. Luna | diciembre 29, 2010

El romance en el cine no vive sus mejores días. Un género que ha significado himnos personales que reflejan los sentimientos que todo el ser humano anhela en su vida. En los últimos años numerosas comedias y dramas románticos han llegado a nuestras carteleras llenas de tópicos y sin un ápice de originalidad. Lejos en el tiempo, quedan ya, aquellas comedias románticas de Blake Edwards (Desayuno con Diamantes); esa maravilla de Clint Eastwood llamada Los Puentes de Madison (The Bridges of Madison County, 1995) o las frescas y edulcoradas Un Paseo para Recordar (A Walk to Remember, 2002); El Diario de Noa (The Notebook, 2004); o Garden State (2004). En la actualidad pocas cintas han sabido llevar con decoro y elegancia el motivo eterno de la existencia humana. Tan sólo las inclasificables 500 Days of Summer (2009) y la británica Monsters (2010) han llevado a buen puerto historias mágicas en fechas cercanas.

La influencia del fenómeno Crepúsculo ha influido en demasía aportando más clichés y menos profundidad. Intentando remontar una de las apuestas del género romántico para el año que viene será Waiting For Forever. Un drama adolescente sobre el amor y el paso del tiempo que aspira a ser un estandarte para las nuevas generaciones. Dirigida por James Keach y protagonizada por Rachel Bilson (la serie OC), Tom Sturridge, Nikki Blonsky (Hairspray) y Richard Jenkins, Waiting for Forever ha obtenido una buena recepción inicial. El 4 de Febrero llegará a las pantallas americanas previo al día del patrón de los enamorados. Por lo pronto nos llega el primer poster (bastante original y vistoso) y el trailer que veremos a continuación. Amantes del género, apunten Waiting for Forever.

por Emilio M. Luna
diciembre 28, 2010

EXPRESS: TRAILER DE WAITING FOR FOREVER

por Emilio M. Luna | diciembre 28, 2010

Último episodio del año para la sección de cine de Los Dos de la Tarde. Un capítulo donde resumiremos lo mejor de un curso muy interesante en lo cinematográfico. Un año que coronó a Origen como la cinta que más repercusión obtuvo. Un ruido que, sin embargo, no influirá en los Óscars donde está cantado el premio para La Red Social. Fincher es el triunfador del año junto a Kathryn Bigelow. La cineasta americana logró la merecida estatuilla con En Tierra Hostil (The Hurt Locker), un prodigio técnico que te mantiene pegado al asiento durante dos horas. 2010 fue el año además de maravillas como Un Profeta (Jacques Audiard, A Prophéte); Black Swan (Darren Aronofsky, Cisne Negro); El Secreto de sus Ojos (J.J Campanella); Mr. Nobody (Jaco Van Dormael); o Monsters (Gareth Edwards). Una cosecha notable en una temporada donde el cine europeo e independiente nos ha dejado las mejores muestras.

Un año donde han escaseado los blockbusters y donde sólo Origen y Toy Story han cumplido las expectativas generadas. Todo esto y mucho más en un programa divertido y ameno. Nos despediremos con la banda sonora de Black Swan, una de las mejores cintas del año que tendrá su estreno en Enero. Con Tchaikovsky-Clint Mansell decimos hasta pronto. Agradecer la oportunidad dada por Jose Parras Canuto en su programa, todo un placer y una grata experiencia. Feliz año nuevo a todos, nos vemos el próximo viernes.

CANAL EXTREMADURA RADIO MARTES 28 DE DICIEMBRE DE 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 28, 2010

CANAL EXTREMADURA RADIO: XXII PROGRAMA

por Emilio M. Luna | diciembre 28, 2010

A MODERN FAMILY

"Original y poco convencional drama familiar elevado por un excepcional reparto en el que destacan unos soberbios Annette Bening, Mark Ruffalo y Mia Wasikowska."

Laurel Canyon (La Calle de las Tentaciones, 2002), nos dio a conocer a la interesante cineasta Lisa Cholodenko. Con su segunda obra se ganó a parte de la crítica y confirmó lo apuntado en su ópera prima, High Art (1998). Considerada una promesa en ciernes, la carrera de Cholodenko no acababa de despegar. Pese al refugio en el versátil mundo televisivo (con episodios en A Dos Metros Bajo Tierra o The L Word) su filmografía permaneció estancada y fuera de los circuitos comerciales. Una senda a la que vuelve este 2010 con la alabada y promocionada The Kids Are All Right. Con su tercer film, esta guionista y directora americana logra no sólo su mejor creación sino una de las mejoras películas de este año. The Kids Are All Right devuelve a una Cholodenko íntima y sugerente que promete ser uno de los nombres importantes de la cinematografía de la próxima década.

Acompañada por unas excelentes críticas y por un exitoso paso por los principales festivales mundiales (Sundance, Berlín o Toronto), The Kids Are All Right ya era protagonista desde el comienzo estival. Una campaña que con toda probabilidad la aupara a la terna final de mejor película del año y recompensará a sus intérpretes con varias nominaciones. Reconocimientos merecidos para esta insólita comedia dramática que narra el estado de un matrimonio de lesbianas cuyos hijos provienen de la misma muestra de inseminación artificial. Un particular punto de partida que tiene cómo mérito principal enganchar al espectador desde el primer segundo de metraje. Su estética sutil llena de encubierto positivismo y la profundidad de sus personajes logran mantener el interés en todo momento dejando un dulce poso de satisfacción. The Kids Are All Right es un filme con gran peso interpretativo. Sus actores están cercanos al sobresaliente y gracias a ellos todo resulta creíble y entrañable.

Annette Bening, tiene el papel más agradecido y el que más elogios acapara. Su personaje algo “masculinizado” lleva la carga dramática del film y Bening le da el brío y el empaque necesario sin caer en el histrionismo. La otra parte de la naranja lo representa una notable Julianne Moore que como en toda su carrera se entrega completamente a un rol que representa las numerosas sonrisas que despierta The Kids Are All Right.

Más divertido y desatado, si cabe, está Mark Ruffalo. El actor de Wisconsin, representa a un carismático donante de semen con una vida llena triunfos superficiales que cambia al conocer a dos hijos inesperados. Paul (Ruffalo) es el verdadero alma del filme, desde su incredulidad hasta sus anhelos se extrapolan fuera de la pantalla. El deseo de esa nueva vida le hace aferrarse a ella, vivirla, disfrutarla y sentirla. Ruffalo está ejemplar y se convierte en un sólido eje donde The Kids Are All Right pasa de ordinaria a notable.

Una valoración que merece Mia Wasikowska. Alejada de la decepcionante versión de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, Wasikowska se confirma en The Kids Are All Right como una de las actrices independientes del momento. Encantadora y frágil, sus momentos con Paul (Ruffalo) están llenos de tiernos silencios, en las miradas de ambos se funde la ilusión de ese pequeño cambio en sus vidas. Wasikowska raya a gran altura como el resto de este ensamblado reparto donde también destaca su hermano en la ficción John Hutcherson.

En pleno comienzo del siglo XXI, donde se cuestiona la profundidad e interés de las creaciones cinematográficas, The Kids Are All Right representa la frescura y originalidad del cine independiente americano. Un estilo que no entiende de tendencias y que cada año nos deja varias joyas para el recuerdo. The Kids Are All Right, junto a Blue Valentine, Winter´s Bone, Rabbit Hole, la australiana Animal Kingdom y la británica Monsters, representan a lo mejor de la sobresaliente cosecha indie de este 2010. Una cinta diferente, con unas interpretaciones excelentes que nos traen de vuelta los mejores sentimientos en un mundo realista con pequeños instantes mágicos.

Lo Mejor: Todos los integrantes del elenco donde sobresalen los secundarios.

Lo Peor: Que toda la gloria sea para Annette Bening.

Puntuación: 7,8/10 CINE USA 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2010

THE KIDS ARE ALL RIGHT

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2010

Entrega navideña con el décimo quinto número del podcast de LQYTDiga. Un episodio acorde a las fiestas que vivimos y que repasa toda la actualidad de este mes y el resumen al año que en unos días finaliza. Para ello el podcast cuenta con la visita de especialistas de las principales publicaciones cinematográficas de la red cómo analistas. Un anuario con los principales estrenos, noticias y decepciones que se unen a los premios Foreto que cada año galardonan lo más destacado del curso (pueden votar aquí).

Unas condecoraciones que han obtenido cintas cómo Déjame Entrar (el año pasado); Antes Que El Diablo Sepa que has Muerto (2008); La Vida de los Otros (2007); Brokeback Mountain (2006); Million Dollar Baby (2005); y Kill Bill (2004). Además tendremos los estrenos de Neds, Cyrus, The Way, Uncle Boonmee, recuerda sus Vidas Pasadas, Biutiful y Chloe más las llegadas recientes de Tron Legacy, El Discurso del Rey, Balada Triste de Trompeta y Ahora los Padres son Ellos. Precisamente en la sección Vampiros de Cine, se comenta Déjame Entrar, la maravillosa cinta sueca que este año ha tenido su correspondiente remake americano.

Todas las noticias con Cinema Espresso y el apartado de series con un pequeño reportaje sobre True Blood (nuestra humilde aportación). También tendremos un repaso a las mejores bandas sonoras de la temporada, los estrenos del mercado doméstico y el buzón de sugerencias. Un completísimo programa con más de una hora y media de lo mejor del séptimo arte que podéis descargar aquí. Más información, en la web de El Cine de Loqueyotediga a cuyos compañeros encabezados por Nacho Gonzalo les deseamos felices fiestas.

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2010

15º PROGRAMA (PODCAST LQYTDIGA)

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2010

Volvemos tras los días de descanso navideño, recuperándonos de las sensaciones que nos dejó Black Swan. Un asueto acompañado de mucho cine con las revisiones de The Hurt Locker y Rescue Dawn más dos estrenos de este año: The Kids Are All Right y Rabbit Hole. Dos cintas altamente recomendables que suben la calidad media de un curso con un amplio número de películas de calidad notable. Tiempo de reunión, tiempo de familia y que mejor film que ¡Qué Bello es Vivir! (It´s a Wonderful Life, 1946) para disfrutar con ellos del séptimo arte. La película navideña por excelencia, todo un clásico irrepetible lleno de magia y buenos sentimientos. Frank Capra el mejor cuentacuentos del cine americano nos dejo una obra culmen que no pierde un ápice de encanto pese a sus setenta años de historia. Dulce y emocionante, ¡Qué Bello es Vivir! Nos devuelve a un mundo de anhelo y deseos que gracias a algunas personas de nuestra vida siempre se seguirán cumpliendo. Es difícil decir “no” a un film que nos llena de recuerdos y nos recuerda una “humanidad” adormitada entre tanta trascendencia y superficialidad.

Un genial James Stewart, acompañado por la bella Donna Reed, protagoniza este cuento sobre la esencia navideña. Un relato lleno de vida todo un éxito comercial en 1946 y que durante décadas a formado parte habitual de la parrilla televisiva navideña. La cinta de Capra obtuvo cinco merecidas nominaciones al Óscar, entre ellas, mejor film, director e intérprete principal. Como homenaje a esta maravilla les dejamos con una de las escenas (su final) más representativas de ¡Qué Bello es Vivir! Disfruten de sus seres queridos, en navidad y durante todo el año.

por Emilio M. Luna
diciembre 26, 2010

Escenas | ¡Qué bello es vivir! (1946)

por Emilio M. Luna | diciembre 26, 2010

A BEAUTIFUL MIND

"Hipnótico y turbador thriller psicológico, narrado de manera brillante por Darren Aronofsky que nos traslada al lado oculto de la mente del ser humano."

La sorpresa es algo inherente al director neoyorquino, Darren Aronofsky. En cada obra de su filmografía nos ha mostrado un diferente retrato sobre el lado opaco de la mente. Ese segmento primario que en el ser humano adormece y que conforma el opuesto de la marcada personalidad de un individuo. La adicción (Requiem for a Dream, 2000); la pérdida (La Fuente de la Vida, The Fountain, 2006) y el fracaso (El Luchador, The Wrestler, 2008) son muestras diseccionadotas del bisturí de este joven realizador que se desmarca de la nueva ola de creadores (encabezada por Fincher y Nolan) con tapices tan sugerentes como desgarradores sobre el alma. Con Black Swan prosigue su evolución. Un camino que lo consolida en lo más alto de la cinematografía actual. Cisne Negro es una magnética muestra de cine de cuyo poso cuesta desprenderse.

Si en uno de los primeros estrenos del presente curso, Shutter Island, Martin Scorsese hacía de lo anodino algo sobresaliente, en Black Swan, Aronofsky se viste del mejor Polanski en un angustioso thriller de factura impecable. Desde el primer momento el filme te atrapa y no te suelta. Te mantiene amarrado pese al dolor, al desgarro o la incomodidad que producen ciertos tramos narrativos. Aronofsky crea una atmósfera sofocante para su protagonista que se extrapola al espectador. Se le pudiera achacar que dota de complejidad a una trama convencional. Pero en el cine como en la danza la estética lo es todo y aunque la sensación de dejavú esta presente, Aronofsky nos sorprende y deja atónitos con una de las mejores películas del año con una historia que no deja indiferente.

Gran mérito tiene su protagonista, Natalie Portman. Con un personaje enigmático y complejo, Portman lo hace humano y creíble cuando lo más sencillo hubiera sido la sobreactuación. Su perfomance (al igual que sus palabras en un tramo del film) es perfecta. Portman se entrega a Nina Sayers desbordando una áurea mágica en todas sus intervenciones (mención especial en las coreografías). Le acompañan unos estupendos Vincent Cassell (como director de la compañía) y Mila Kunis (su rival Lily) que dibujan con aplomo unos estereotipados personajes en un mundo tan competitivo como cruel. Mención especial a Kunis, todo un descubrimiento que podría valerle la nominación al Óscar cómo mejor secundaria. Tres caracterizaciones de primera categoría que alzan el film junto al trabajo de su director.

Con la partitura de su habitual, Clint Mansell (unida a la pieza clásica, "El lago de los cisnes", de Tchaikovsky) Aronofsky crea un mundo que roza lo onírico y fantasmagórico. Una historia que te deja cuestiones que solo la mente puede elucubrar (la relación materno-filial) y una sensación que descubre la permeabilidad de nuestra alma. No es fácil reponerse ante la impresión final que deja Black Swan. De ahí la capacidad de su director para convertir lo ordinario en extraordinario (como si El Prestigio se tratara). Las lecturas son múltiples: efectos de un mundo competitivo, el típico juego de los opuestos, el despertar sexual de una mente oprimida…Black Swan (Cisne Negro) continua tras el final de la proyección, se instala como un parásito en nuestra memoria y nos traslada la obsesión de su protagonista en uno de los mejores dramas psicológicos de los últimos años.

Lo Mejor: Excepcional Natalie Portman. Vincent Cassell y Mila Kunis dan replica a la gran altura.

Lo Peor: El final algo previsible que no empaña a la magnética narración de su realizador.

Puntuación: 8/10 CINE USA 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 23, 2010

BLACK SWAN (CISNE NEGRO)

por Emilio M. Luna | diciembre 23, 2010

Ya no se prodigan aventuras con fusión cómica al estilo La Princesa Prometida. Filmes para todos los públicos que te trasladan a mundos fantásticos y te dejan una eterna sonrisa y un grato recuerdo. La cinta de Rob Reiner es todo un clásico maravilloso por el que no pasan los años. En la actualidad las aventuras, al igual que otros géneros, deben ir cargados de metafísica, dobles lecturas y muchos efectos especiales. Demasiada seriedad para algo que no lo necesita, el cine es simple evasión. Destino de Caballero, fue un buen intento de ofrecernos un retrato actualizado de comedias caballerescas. La película que lanzó al estrellato a Heath Ledger, fue una de las grandes sorpresas del año 2000, obteniendo una buena taquilla en España y bastantes admiradores. Con el estilo de estas producciones nombradas anteriormente llega Your Highness, uno de los estrenos más esperados del próximo año.

Dirigida por David Gordon Green, Your Highness reúne a James Franco (con su probable primera nominación por 127 Hours), Danny McBride, Natalie Portman y Zooey Deschanel. La típica y bienvenida historia de princesas y príncipes con toque gamberro. No obstante, los creadores de Your Highness (que pudiéramos traducir como “Su Alteza”) son los mismos de Pineapple Express (traducida en España como Superfumados). Nos llega el primer trailer lleno de momentos cómicos (con algunas influencias de Willow), en una de las muchas producciones “palomiteras” del próximo año. A nuestras pantallas arribará en Abril (el día ocho en Estados Unidos). Disfruten del primer e interesante avance de Your Highness.

por Emilio M. Luna
diciembre 22, 2010

EXPRESS: TRAILER DE YOUR HIGHNESS

por Emilio M. Luna | diciembre 22, 2010

Vuelve la sección de cine de Los de la Tarde este martes debido a las fechas festivas que nos aguardan. Capítulo en falso directo donde repasamos los estrenos más importantes de la semana: El Discurso del Rey, Los Viajes de Gulliver, Ahora los Padres son Ellos y Bruc (importante el gazapo histórico, nunca hagáis programas dormidos, apuntadlo). Fallos aparte (de los que aprender), destacamos El Discurso del Rey, la representante británica anual que aspira a dar guerra a La Red Social. Colin Firth demuestra su evolución y versatilidad en un personaje destinado a ganar el Óscar. Aparte de los estrenos de este miércoles, terminamos el año y comenzamos con el primer bloque del resumen de este curso dedicado a las series de televisión. Un buen año para la pequeña pantalla donde ha destacado Boardwalk Empire y Walking Dead entre las novedades. (Esta semana el anuario de El Antepenúltimo Mohicano).

Despedimos el programa con la mejor banda sonora del año (con permiso de Daft Punk), Inception de Hans Zimmer. Con su tema Time deseamos a todos los lectores y oyentes unas felices fiestas en compañía de la gente querida. El próximo martes, en directo, más y mucho mejor en Los Dos de la Tarde.

CANAL EXTREMADURA RADIO MARTES 22 DE DICIEMBRE DE 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 22, 2010

CANAL EXTREMADURA RADIO: XXI PROGRAMA

por Emilio M. Luna | diciembre 22, 2010

La inolvidable música de Elmer Bernstein (con el que comienza la sección de cine de Canal Extremadura) es el fondo de uno de los clásicos irrepetibles del western americano. Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960), la adaptación libre y comercial de Los Siete Samurais (Shichinin no Samurai, 1954), representa todas las virtudes del cine de entretenimiento. Ese tipo de cine que te mantiene siempre en la infancia donde sueñas ser un héroe en busca de la gloria.

Steve McQueen, Yul Brynner, Elli Wallach, Charles Bronson, Robert Vaughn, James Coburn y Horst Buchholz, un reparto inigualable en una de las aventuras imperecederas del cine. John Sturges, repitió con parte del reparto en La Gran Evasión (The Great Escape, 1963). Ambos filmes son los dos grandes éxitos comerciales de este director de Illinois, uno de los referentes del cine americano de los años sesenta.

Una cinta llena de épica con un clímax memorable que sirvió de inspiración a cintas posteriores y generó varias continuaciones de dudosa calidad (con Lee Van Cleef a la cabeza) y una serie de televisión. La cartelería de Los Sietes Magníficos refleja a ese grupo de hombres que se quedaron primero por dinero y luego por honor a defender al más débil. Pósters típicos de un género que pese a que vivió mejores tiempos, siempre nos deja pequeñas muestras de calidad (la próxima el remake de Valor de Ley de los hermanos Coen).

Los Siete Magníficos pasó a la pequeña pantalla donde volvería Robert Vaughn como elegante pistolero. Vaughn a la sombra de McQueen y Brynner fue uno de los grandes secundarios de la época.

Su ejemplar banda sonora fue nominada al Óscar. Una de las partituras más reconocibles de Elmer Bernstein que también repitió en La Gran Evasión con otro tema memorable.

En Chile y México se conoció por Siete Hombres y un Destino. Los Siete Magníficos fue una de las cintas que mejor taquilla obtuvo en 1960. La crítica inicial no fue tan positiva. Con el paso de los años se convirtió en un clásico por meritos propios.

Los Siete Magníficos es una de las películas más emitidas en la historia de la televisión. Su éxito animó a otros realizadores de prestigio ha acercarse al Western. Se rumorea que sirvió de inspiración a Sergio Leone en su trilogía del Dólar.

"He trabajado para hombres que me daban mucho... pero jamás he trabajado para alguien que me lo diera todo".

por Emilio M. Luna
diciembre 21, 2010

POSTERFILIA: LOS SIETE MAGNÍFICOS (1960)

por Emilio M. Luna | diciembre 21, 2010

Celebramos ya veinte programas en la sección de cine de Los Dos de la Tarde. Una experiencia divertida e inspiradora que invita siempre ha intentar seguir mejorando siempre. Esta semana empezamos con la despedida a Blake Edwards. Uno de los realizadores más influyentes de la meca del cine, con cine elegante e inteligente que ha dado grandes noches de gloria al séptimo arte (el programa se inició con una de las escenas de El Guateque). Además repasamos el despropósito de la semana de mano de los Globos de Oro con algunas de sus curiosas nominaciones. Hablamos de los interesantes estrenos encabezados por Tron Legacy. La cinta de Disney no ha tenido la acogida esperada anteponiendo lo técnico a lo narrativo pero es una de las citas imperdibles de este final de año. Alex de la Iglesia y su Balada Triste de Trompeta irrumpen en la cartelera sin dejar indiferencia, algo que si contagia Burlesque, el musical de Cher.

Estrenos para todos los públicos en una cartelera cada vez más atractiva. Poco tiempo tuvimos el viernes, aún así hicimos un repaso al género de animación. Un género en alza gracias a Pixar y a Oriente. Satoshi Kon es uno de los protagonistas junto a la banda sonora final de The Secret of Kells. Música folk irlandesa para decir adiós. Mañana martes, más cine en Los Dos de la Tarde.

CANAL EXTREMADURA RADIO VIERNES 17 DE DICIEMBRE DE 2010.

por Emilio M. Luna
diciembre 20, 2010

CANAL EXTREMADURA RADIO: XX PROGRAMA

por Emilio M. Luna | diciembre 20, 2010

Hace un par de semanas publicamos las nominaciones de los Golden Satellite Awards. Unos premios menores al estilo de los Globos de Oro, pero que, sin embargo, tienen más rigor y mejor criterio viendo los resultados. Anoche se celebró la gala que dejó como gran triunfadora a La Red Social. La película de David Fincher se está dando un paseo por la temporada de galardones, obteniendo la gran mayoría de premios. Nadie duda que La Red Social conseguirá los Óscars más importantes. Un triunfo indiscutible donde ni El Discurso del Rey, Origen o 127 Hours están siendo rivales. Ahora el mayor atractivo será quienes le acompañarán en la terna final. En los Golden Satellite se ha repetido el guión de otros eventos. Origen (Inception) se ha llevado las menciones técnicas y Colin Firth, Christian Bale, Michael Cera, Anne Hathaway, Jackie Weaver, y Noomi Rapace los interpretativos. Destacar que la categoría cómica ha sido para Scott Pilgrim Vs The World. Un premio que animará a sus productores tras el batacazo comercial.

Resaltar la campaña mediática americana a favor de Los Hombres que no Amaban a las Mujeres. El thriller sueco ha conseguido estupendas críticas pero que no le valdrán para tener protagonismo en los Óscar (sólo Rapace tendría oportunidad). Toy Story III y Restrepo son otras de las triunfadoras de una noche calco de toda la temporada.

GOLDEN SATELLITE AWARDS

-Mejor película. Drama: La Red Social.
-Mejor película. Comedia o musical: Scott Pilgrim contra el Mundo.
-Mejor dirección: David Fincher por La Red Social.
-Mejor actor. Drama: Colin Firth por El Discurso del Rey.
-Mejor actriz. Drama: Noomi Rapace por Los Hombres que no Amaban a las Mujeres.
-Mejor actor. Comedia o musical: Michael Cera por Scott Pilgrim contra el Mundo.
-Mejor actriz. Comedia o musical: Anne Hathaway por Amor y Otras Drogas.
-Mejor actor de reparto: Christian Bale por The Fighter.
-Mejor actriz de reparto: Jackie Weaver por Animal Kingdom.
-Mejor guión original: El Discurso del Rey.
-Mejor guión adaptado: La Red Social.
-Mejor película en lengua no inglesa: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres.
-Mejor película de animación o con predominio de los efectos visuales: Toy Story 3.
-Mejor película documental: Restrepo.
-Mejor fotografía: Origen.
-Mejor música: Origen.
-Mejor canción: You Haven’t Seen the Last of Me de Burlesque.
-Mejor montaje: Please Give.
-Mejor dirección artística: Origen.
-Mejor diseño de vestuario: Alicia en el País de las Maravillas.
-Mejor sonido: Imparable.
-Mejores efectos visuales: Alicia en el País de las Maravillas.

por Emilio M. Luna
diciembre 20, 2010

GOLDEN SATELLITE AWARDS 2010

por Emilio M. Luna | diciembre 20, 2010

Tras el episodio inicial de Spartacus: Sangre y Arena, pocos podían pensar que esta serie pudiera dar mucho de sí. Un piloto lleno de excesos a cuya historia le faltaba algo de profundidad en beneficio de unos efectos visuales que ya vimos en el 300 de Frank Miller. En cambio, de manera paulatina, cada episodio va mejorando logrando enganchar con el espectador. Siempre dentro de un cariz comercial, Spartacus fusiona lo épico con lo romántico en una trama llena de giros y adversidades. En cierta medida, Spartacus recuerda la primera temporada de Prison Break. Paralelismos que guardan también sus protagonistas Espartaco-Michael Scofield (inteligentes, emotivos y con un gran sentido de la amistad). Al igual que la serie carcelaria, la tensión de Spartacus va “in crescendo” y partir del quinto capítulo la adicción es máxima e ineludible.

Precisamente, es el quinto capítulo el mejor la primera temporada. La batalla en la arena con Theokoles (Teocles) es todo un prodigio, lleno de emoción y rodado con garra. Ese quinto episodio es el punto de inflexión, Espartaco (sensacional Andy Whitfield) atrapa nuestros corazones y hace de su destino el nuestro tras los muros del ludus de Batiato. Pero no sólo Espartaco gana en interés, Crixo (Manu Bennett), Varro (Jay Courtney), Doctore (Peter Mensah) y Batiato (John Hannah) son estupendos personajes en un reparto coral de notable nivel. Todo representado en una ambientación muy realista (aunque, en instantes, algo exagerada) que nos traslada a la Roma más desatada y lasciva. El neozelandés Michael Hurst (el Iolus de Hércules) dirige con aplomo un gran número de episodios de una serie que va camino a convertirse en objeto de culto.

Andy Whitfield representa a un héroe lleno de carisma, motor y alma de una serie que sorprende en forma y contenido. Su final quizás sepa a poco y nos deja con ganas de más. El Espartaco proscrito (llevado a la gran pantalla por Kubrick) debiera dejarnos una segunda temporada espectacular. Esperemos que los probables cambios en el casting no bajen el nivel de un producto muy entretenido y ameno. La ausencia de Whitfield (aún no confirmada) podía trasladar a Wenworth Miller (entre otros) a la piel del héroe de Tracia. Mientras conocemos su destino, Starz presentará a principios de año su precuela: Gods of the Arena. En este prólogo, volveremos al ludus de Batiato y conoceremos al campeón de Capua que precedió a Crixo y Espartaco. Allí nos esperan, de nuevo, Batiato, Lucrecia y Doctore, diferentes caras de un desinhibido mundo lleno de corrupción y ambición.

Puntuación: **** ADICTOS EN SERIE

por Emilio M. Luna
diciembre 19, 2010

ADICTOS EN SERIE: SPARTACUS (FINAL 1ª TEMPORADA)

por Emilio M. Luna | diciembre 19, 2010

En la cuarta colaboración para el programa matinal Escúchame, uno de los grandes de la historia del séptimo arte. Uno de los responsables de que ese mundo de celuloide sea un lugar mágico que nos fascina y enamora. John Ford es, por derecho propio, uno de los directores más importantes de la historia. Con un filmografía llena de joyas: La Patrulla Perdida (The Lost Patrol, 1934); El Delator (The Informer, 1935); La Diligencia (Stagecoach, 1939); Las Uvas de la Ira ( The Grapes of Wrath, 1940); Que Verde era mi Valle ( How Green was My Valley, 1941); Fort Apache (1948); El Hombre Tranquilo (The Quiet Man, 1952); Mogambo (1953); Centauros del Desierto (The Searchers, 1956) o El Hombre que Mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Balance, 1962), citas ineludibles en casi un centenar de obras llenas de talento. Ford, represento el auge del Western, un género lleno de épica y lírica que atrajo a numerosos espectadores a las salas.

Ford era un hombre enigmático con una fuerte personalidad que rellenó crónicas sociales durante los años cincuenta. Su personalidad y su obra forman parte de esta colaboración para Escúchame el excelente programa divulgativo de Canal Extremadura. Una participación, por otra parte, llena de nervios intentando emular el histrionismo de una habitual de Ford, Jack Palance. Algo que no consigo (ni levemente) aunque al menos sirve como experiencia y aprendizaje en este extraño mundo de la televisión. Nuestro particular homenaje a John Ford, uno de los mitos eternos del siglo XX.

por Emilio M. Luna
diciembre 19, 2010

CANAL EXTREMADURA TV: JOHN FORD

por Emilio M. Luna | diciembre 19, 2010

LOOKING FOR FREEDOM

El hambre es la mayor lacra de la historia de la humanidad y, en ocasiones, un instrumento de reivindicación ideológica. Considerada un derecho inquebrantable (Declaración de Malta de la Asamblea Médica Mundial, 1991), la huelga de hambre es un método individual o colectivo de cuestionada ética que contrasta con fuertes convicciones. Uno de los casos más relevantes sucedió en Irlanda del Norte en 1981, cuando diez prisioneros irlandeses fallecieron en la prisión de Maze como conclusión a cinco años de protesta por el estatus de los prisioneros políticos en el Ulster. Un pulso contra la inflexibilidad de la primera ministra británica, Margaret Thatcher, que dividió a la opinión pública, alzó el nacionalismo exacerbado y convirtió al Sinn Féin en una poderosa fuerza política. Unos sucesos que conmocionaron Europa y consolidaron el sentimiento de independencia de una nación.

El mundo del celuloide no ha sido ajeno a estos hechos con tres producciones irlandesas: En el Nombre del Hijo (Son Mather’s Son, Terry George, 1996); H3 (Les Blair, 2001); y, el filme que nos ocupa, Hunger (2008), ópera prima del realizador Steve McQueen. Tres filmes con los diferentes testimonios de los prisioneros que sufrieron la marginación e injusticia del gobierno británico. Hunger narra con crudo realismo este episodio en la prisión de Maze con una cinta tan bella como descarnada que obtuvo notables críticas y numerosos premios(1). La película se centra en el líder de los reclusos norirlandeses, Bobby Sands (1954-1981), un hombre de gran personalidad y aplomo que lucha por la libertad de sus compatriotas y de su país. Interpretado de manera brillante por Michael Fassbender, la aparición de Sands está acompañada por una silenciosa épica sin estridencias. Fassbender se transforma en cuerpo y alma y nos deja una de las interpretaciones de la década con un dibujo solemne de este mártir para el pueblo norirlandés.

Hunger se articula en tres episodios con un prólogo que narra la llamada “protesta sucia” en la cárcel de Maze (también conocida cómo Long Kesh) y un epílogo con el paulatino deterioro de Sands en las dependencias médicas del centro penitenciario. El eje del film y auténtico nudo de la trama lo conforman la conversación entre Sands y el párroco Dominic Moran (Liam Cunningham). Un largo diálogo de veinte minutos de duración con varios monólogos sobre la postura de ambos personajes (dos católicos hablando sobre el suicidio). Todo un prodigio narrativo, interpretativo y técnico que conforma el alma de esta obra llena de honestidad y valentía. El discurso final de Sands donde lo ético y moral convergen en lo espiritual no sólo deja atónito al clérigo, también convence al espectador del tesón de este miembro del Ira Provisional.

El escenario físico de Hunger no sólo se desarrolla en las instalaciones de Maze Prison. La película, desde su inicio, se representa en el cuerpo humano. Cuerpos humillados, vejados, despreciados por los guardias o los propios reclusos separándose de cualquier concepto de humanidad. El cuerpo de Bobby Sands se convierte en un campo de batalla. Sus heridas son la expresión de sus sentimientos y de su coraje. La cruda violencia física se acerca a un arte tan obsceno y perverso cómo lleno de realismo. “El cuerpo es la libertad desencadenándose, escribiéndose en tanto se entrega a lo que disemina desde fuera su identidad .”(2)

McQueen, demuestra su formación en el videoarte con una narración pausada y serena con el predominio del plano-secuencia estático. El pulso en la dirección del joven director británico, plasmado con secuencias de gran potencia visual, nos introduce en un mundo desagradable descrito con una belleza desgarradora. Escenas que alternan calmados silencios con la más inmisericorde violencia con formato de obra pictórica. El último tercio del filme, con los últimos alientos de Sands, traza un retrato expresionista sobre la muerte donde el anhelo y lo onírico describen la personalidad del protagonista. Hunger se convierte en un poético alegato de los principios inherentes a la condición humana. Una poderosa razón que da sentido la vida por la que Sands y otras personas han luchado a lo largo de la historia: La Libertad.

“Mi vida significa todo para mí, la libertad lo significa todo”
Bobby Sands (Michael Fassbender).

1.Ganadora de la Cámara de Oro en la sección “Una Cierta Mirada” (A Certain Regard) en el Festival de Cannes en 2008.
2.Adolfo Vásquez Rocca sobre la obra de Jean Luc Nancy "Las Metáforas del cuerpo en la filosofía de Jean Nancy".

ARTÍCULO PARA LA PUBLICACIÓN VERSIÓN ORIGINAL (FUNDACIÓN REBROSS) Nº 190: EL HAMBRE. FEBRERO 2011.

por Emilio M. Luna
diciembre 17, 2010

HUNGER (STEVE MCQUEEN, 2008)

por Emilio M. Luna | diciembre 17, 2010

Otro de los puntos clave de la larga temporada de premios son los SAG, los premios otorgados por el gremio de actores a sus compañeros. Como la mayoría de integrantes son académicos, el nivel de coincidencia con los Oscars es máximo. Otorgados tanto en cine como en televisión las nominaciones no han deparado llamativas sorpresas. En la categoría de mejor reparto, se ha quedado fuera Origen (Inception) y ha entrado The Fighter que viene pisando fuerte en las últimas fechas. En el apartado femenino sorprende la presencia de Hillary Swank por Conviction, una de las decepciones de la temporada. Sorprende su elección y no la de su compañero de reparto Sam Rockwell, que había recibido mejores críticas que su partener. En secundarios entra John Hawkes (Winter´s Bone) y no es nominado Andrew Garfield. Se consolidan las candidaturas de Mila Kunis (Black Swan) y Melissa Leo (The Fighter).

True Grit asoma con dos condecoraciones para Bridges y para la joven Hailee Steinfeld. Entre las ausencias más destacadas están la pareja de Blue Valentine (Gosling & Williams) y Leonardo DiCaprio. Elecciones que cumplen el guión previsto y que dejan como triunfadoras a El Discurso del Rey y The Fighter con cuatro nominaciones. En televisión casi un calco de los Globos de Oro, salvo la ausencia de The Walking Dead. Steve Buscemi es nominado de nuevo junto a Michael C. Hall, Jon Hamm, Bryan Cranston y Hugh Laurie, los pesos pesados de la televisión americana actual. El 30 de Enero la gala (17ª Edición) que también rendirá homenaje al gran Ernest Borgnine. Los elegidos, a continuación.

NOMINACIONES SAG AWARDS

CINE

Mejor interpretación por una actriz en un papel protagonista
-Annette Bening, por The Kids are All Right
-Nicole Kidman, por Rabbit Hole
-Jennifer Lawrence, por Winter's Bone
-Natalie Portman, por Cisne negro
-Hilary Swank, por Conviction

Mejor interpretación por un actor en un papel protagonista
-Jeff Bridges, por Valor de ley (True Grit)
-Robert Duvall, por Get Low
-Jesse Eisenberg, por La red social
-Colin Firth, por El discurso del Rey
-James Franco, por 127 horas

Mejor interpretación por una actriz en un papel de reparto
-Amy Adams, por The Fighter
-Helena Bonham-Carter, por El discurso del Rey
-Mila Kunis, por Cisne negro
-Melissa Leo, por The Fighter
-Hailee Steinfeld, por Valor del ley (True Grit)

Mejor interpretación por un actor

en un papel de reparto
-Christian Bale por The Fighter
-John Hawkes por Winter's Bone
-Jeremy Renner por The Town (Ciudad de ladrones)
-Mark Ruffalo por The Kids are All Right
-Geoffrey Rush por El discurso del Rey

Mejor interpretación por el reparto de una película
-Cisne negro
-The Fighter
-The Kids are All Right
-El discurso del Rey
-La red social

Mejor interpretación por los dobles de una película
-Green Zone: Distrito protegido
-Origen
-Robin Hood

TELEVISIÓN

Mejor interpretación por una actriz en miniserie o telefilm
-Claire Danes por Temple Grandin
-Catherine O'Hara por Temple Grandin
-Julia Ormond por Temple Grandin
-Winona Ryder por The Lois Wilson Story
-Susan Sarandon por You Don't Know Jack

Mejor interpretación por un actor en miniserie

o telefilm
-John Goodman por You Don't Know Jack
-Al Pacino por You Don't Know Jack
-Dennis Quaid por The Special Relationship
-Edgar Ramirez por Carlos
-Patrick Stewart por Macbeth (Great Performances)

Mejor interpretación por una actriz en serie - drama
-Glenn Close por Daños y perjuicios
-Mariska Hargitay por Ley y orden: Unidad de víctimas especiales
-Julianna Margulies por The Good Wife
-Elisabeth Moss por Mad Men
-Kyra Sedgwick por The Closer

Mejor interpretación por un actor en serie - drama
-Steve Buscemi por Boardwalk Empire
-Bryan Cranston por Breaking Bad
-Michael C. Hall por Dexter
-Jon Hamm por Mad Men
-Hugh Laurie por House

Mejor interpretación por una actriz

en serie - comedia
-Edie Falco por Nurse Jackie
-Tina Fey por Rockefeller Plaza
-Jane Lynch por Glee
-Sofia Vergara por Modern Family
-Betty White por Hot in Cleveland

Mejor interpretación por un actor

en serie - comedia
-Alec Baldwin por Rockefeller Plaza
-Ty Burrell por Modern Family
-Steve Carell por The Office
-Chris Colfer por Glee
-Ed O'Neill por Modern Family

Mejor interpretación por el reparto de una serie - drama
-Boardwalk Empire
-The Closer
-Dexter
-The Good Wife
-Mad Men

Mejor interpretación por el reparto de una serie - comedia
-Rockefeller Plaza
-Glee
-Hot in Cleveland
-Modern Family
-The Office

Mejor interpretación por los dobles de una serie
-Último aviso
-CSI: NY
-Dexter
-Southland
-True Blood

por Emilio M. Luna
diciembre 16, 2010

NOMINACIONES A LOS SCREEN ACTORS GUILD (SAG)

por Emilio M. Luna | diciembre 16, 2010

Sesenta y siete años y cuatro películas, para los que algunos sería una paupérrima carrera y para otros sería fructífera si se llamaran Terrence Malick. Uno de los grandes del cine, un realizador diferente que lleva el detalle a su máxima esencia. Malas Tierras (Badlands, 1973); Días del Cielo (Days of Heaven, 1978); La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line, 1998); y El Nuevo Mundo (The New World, 2005) conforman esta variopinta filmografía llena de arte y lírica. El Nuevo Mundo, es sin duda una de las grandes obras de la década, un film incomprendido con un excelente personaje en su tramo final (interpretado por un gran Christian Bale). El Nuevo Mundo pasó de puntillas por la cartelera mundial pero Malick dejó la impronta de genio atemporal. Su nuevo proyecto, Tree of Life, lleva más de tres años de post-producción. Para otro realizador u obra sería indicativo de malos augurios, para Malick, en cambio, no existe ni la prisa o el tiempo, sólo su creación. Tres años con muchas hipótesis sobre su lanzamiento, un estreno que parece que llegará el 27 de Mayo.

En Tree of Life, Malick nos trasladará a una relación paterno-filial desde un punto de vista íntimo. Brad Pitt (en un papel destinado a Heath Ledger) y Sean Penn, son padre e hijo en una historia que traspasa los límites del tiempo. En el primer trailer, además de una excelente fotografía (de su habitual Emmanuel Lubezki), vemos imágenes increíbles con enorme carga poética. Mucho se espera de este lienzo en celuloide del gran Terrence Malick. Disfruten de este primer anticipo.

por Emilio M. Luna
diciembre 15, 2010

EXPRESS: TRAILER DE TREE OF LIFE (TERRENCE MALICK)

por Emilio M. Luna | diciembre 15, 2010