Orientalismo para multisalas

crítica de La leyenda del samurái (47 Ronin) | 47 Ronin, de Carl Rinsch, 2013

Como ha ocurrido con varios títulos recientes que no han sido capaces de encontrar su público (R.I.P.D., El llanero solitario, Cowboys & Aliens, etc.), La leyenda del samurái (47 Ronin) viene lastrada por una reputación de producto fallido desde antes de su estreno. Y ese, sea cual sea la calidad de la película en cuestión, es un escollo que, salvo excepciones, ninguna puede saltar y que las condena inexorablemente al fracaso comercial y al desprecio crítico. Con rumores sobre un presupuesto descontrolado que podría ascender a los 225 millones de dólares, el rodaje de secuencias adicionales y remontajes en los que no ha tenido nada que ver su director (el debutante Carl Rinsch), el regreso al cine de Keanu Reeves no es el desastre pronosticado desde un punto de vista cualitativo, pero sin duda alguna es una de esas películas que se quedan en tierra de nadie. Al público japonés (o con filia nipona) le sabrá a poco y le perturbará la cantidad de elementos fantásticos introducidos en una trama que se sabe de memoria. La leyenda de los 47 Ronin (samuráis que han perdido a su señor) es una de las historias más populares de Japón y ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones, siendo una de las versiones más conocidas la que Kenji Mizoguchi dirigió en 1941: La venganza de los cuarenta y siete samuráis (The 47 Ronin / Genroku Chûshingura). Por supuesto, en esta historia no había ningún héroe interpretado por una estrella de Hollywood ni monstruos con reminiscencias a las criaturas de Hayao Miyazaki. Elementos que sí están en la superproducción que nos ocupa… pero también una buena ración de instantes reflexivos, momentos que hacen que la acción se ralentice y que pondrán nerviosos a los espectadores más inquietos y acostumbrados al ritmo incesante de los blockbusters. Además, resulta algo desconcertante comprobar cómo el protagonismo va pasando de Keanu Reeves a Hiroyuki Sanada sin centrarse totalmente sobre ninguno de los dos, cambiando el foco narrativo de uno a otro según el fragmento de la historia en la que nos encontremos y generando la sensación (acertada) de que esto responde más a cuestiones de post-producción que de guión. Por lo tanto, y generalizando un poco, La leyenda del Samurái resulta demasiado artificiosa para el público oriental y demasiado lenta para el occidental.

por Unknown
enero 04, 2014

Crítica | La leyenda del samurái (47 Ronin)

por Unknown | enero 04, 2014

SOBREDOSIS DE MAGIA
crítica de Oz, un mundo de fantasía | Oz: The Great and Powerful, Sam Raimi, 2013

    Los estertores del siglo XIX dieron vida a una fábula de largo recorrido. En su título, El mago de Oz, residía todo un universo lleno de matices, capacidad embriagadora y cierto espíritu freak, de parábola no tan evidente, pero cargada de esa fascinación que ya habían incorporado personajes como Alicia (la del País de las Maravillas) y Peter Pan. Base inconsciente del escritor L. Frank Baum, autor de la fastuosa saga literaria que nos dio a conocer a Dorothy, a Totó, a ese trío de inofensivos traumados hechos de paja, hojalata y —no tan— fieros rugidos. A las brujas en sus puntos cardinales, a la narración multicolor desde Kansas, un lugar demasiado anodino para una adolescente soñadora. En definitiva, carne de primera para la industria del cine, cuyos capitostes querían explotar el filón del relato infantil, trazando nuevas estrategias para atraer a su potencial público. O sea, los niños. Para ello, inmersos ya en la década de los 30, Louis B. Mayer y el productor Mervyn LeRoy acudieron a Victor Fleming para desarrollar la gran adaptación de El mago de Oz, que resultó un fracaso mayúsculo. Años más tarde, como suelen apuntar sus fans, se haría justicia con un clásico que ha resistido —mejor o peor, gracias a o por culpa de las numerosas remasterizaciones— al implacable paso del tiempo. Cuentan que, durante el rodaje, Judy Garland mostraba la típica conducta de adolescente engreída, que varios Totós salieron volando sin alas y que apenas hubo tiempo para las risas tranquilizadoras. Todo normal, ya que el cine —y, sobre todo, la industria que lo mueve— está en parte forjado por las crónicas que desmitifican al mito. La otra mitad, esa que definimos como mágica y apasionante, es el resultado de aunar técnica y algo de talento.

por Anónimo
marzo 06, 2013

CRÍTICA | OZ, UN MUNDO DE FANTASÍA

por Anónimo | marzo 06, 2013

SIEMPRE JUNTOS, ETERNAMENTE SEPARADOS
Lady Halcón (Ladyhawke, Richard Donner, 1985)

He de reconocer que dentro del nutridísimo grupo de aventuras fantásticas de los 80, Lady Halcón (EE.UU., 1985) nunca ha sido de mis favoritas. Siempre he tenido debilidad por Dentro del Laberinto (1986) o Willow (1988), mientras que al filme de Richard Donner lo metería en el mismo saco que a Legend (1985), aquella fábula esteticista de Ridley Scott, como otra propuesta que, en mi opinión, podría haber dado algo más de sí. Ambos títulos comparten un impecable aspecto visual, una arrebatada historia de amor y una discutible elección de la banda sonora. Sin embargo, y siendo justos, hay que reconocer que se trata de una más que buena película que ha soportado estoicamente el paso del tiempo. En esta sesión pasaremos a desentrañar las luces y las sombras de uno de los clásicos del género por méritos propios.

por José Martín León
diciembre 26, 2012

LADY HALCÓN (RICHARD DONNER, 1985)

por José Martín León | diciembre 26, 2012

AVENTURAS EN LA CIUDAD SUMERGIDA DE ATLANTIS
Los conquistadores de Atlantis (Warlords of Atlantis, Kevin Connor, 1978).

Vivimos una época en donde la crisis creativa ha llegado a Hollywood y las grandes productoras se dedican a desenterrar antiguos éxitos para hacer dinero con sus remakes. El cine de aventuras tiende a ser grande y caro, con apabullantes efectos digitales pero también una falta alarmante de ideas. Se ha perdido algo que antaño nos hizo pasar los mejores ratos frente a una pantalla, el sense of wonder (o sentido de la maravilla), esa capacidad que tenían incluso muchos productos de serie B, que veían compensadas sus carencias presupuestarias con formidables dosis de imaginación, fantasía y una saludable falta de complejos a la hora de mezclar ingredientes imposibles en sus historias. Un ejemplo reciente de esta corriente vendría a ser la fracasada (aunque muy reivindicable) John Carter (2012), que no supo ser entendida como el entretenimiento ligero y desacomplejado que es. Y es el caso también de nuestro primer título de nuestra aventurera Sesión doble de esta semana: Los conquistadores de Atlantis (1978), un título hoy prácticamente olvidado, pero que a muchos nos hizo pasar muy buenos momentos en nuestra infancia.

por José Martín León
diciembre 24, 2012

LOS CONQUISTADORES DE ATLANTIS (1978)

por José Martín León | diciembre 24, 2012

CUANDO PI ENCONTRÓ A RICHARD PARKER
La vida de Pi (Life of Pi, Ang Lee, 2012)

De todos los realizadores orientales que han desembarcado en Hollywood con la intención de expandir sus talentos, tal vez sea Ang Lee el mejor ejemplo de perfecta integración en la maquinaria estadounidense, sin renunciar por ello a su maestría para asumir cualquier género. El taiwandés lo mismo borda un drama de época (Sentido y sensibilidad, 1995), que un retrato de la Ámerica de los 70 (La tormenta de hielo, 1997), pasando por un curioso western (Cabalga con el diablo, 1999), una exótica fantasía de artes marciales (Tigre y dragón, 2000), un cuestionado blockbuster de superhéroes (Hulk, 2003) y, especialmente, el romance homosexual Brokeback Mountain (2005), que le supuso el Óscar al mejor director. Esta hazaña bien podría repetirse en 2013 con la adaptación del best-seller del canadiense Yann Martel La vida de Pi, una superproducción de 120 millones de dólares que, a priori, podría despertar desconfianza a causa de la dificultad de plasmar semejante historia a la pantalla. Afortunadamente, el reto ha sido solventado con resultados brillantes.

por José Martín León
diciembre 04, 2012

LA VIDA DE PI (ANG LEE, 2012) | CRÍTICA

por José Martín León | diciembre 04, 2012

SPACE OPERA
Flash Gordon (Mike Hodges, 1980)

Una de las comedias más exitosas de los últimos tiempos, Ted (2012), nos traía esta temporada a un deslenguado oso de peluche que compartía amistad eterna con Mark Wahlberg. Los que nacimos en la década de los 70 nos encontramos en ella con un impagable regalo nostálgico: la presencia de Sam J. Jones, mítico Flash Gordon del cine, riéndose de sí mismo (y del personaje por el que siempre será recordado) y haciendo un gran homenaje a la película de 1980, de la que sus protagonistas se declaran fervientemente enamorados. En una de las líneas de diálogo de Ted, el oso decía: “Es tan mala, pero es tan buena”. A continuación vamos a analizar cuánto hay de cierto en esta apreciación.

por José Martín León
noviembre 14, 2012

FLASH GORDON (MIKE HODGES, 1980)

por José Martín León | noviembre 14, 2012

BLASÓN SIN ESCUDO

Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012)

Uno de los personajes de este año es Blancanieves. Este cuento, basado aparentemente en una leyenda germana de mediados del siglo XVIII, tuvo en la versión de los hermanos Grimm – publicado por primera vez en 1812 – el trampolín hacia el imaginario popular. Como es habitual con las fábulas en la época, su propagación fue inmediata pasando del vulgo al arte en cuestión de décadas. Ya en los albores de la industria cinematográfica llegó la primera adaptación a cargo de Harry Matthews (1913) que tuvo continuidad un año después con otro corto mudo de T.O. Eltonhead titulado ‘La leyenda de Blancanieves’ y protagonizado por Marion Fairbanks – que junto a su hermana Madeline fueron las primeras gemelas famosas del celuloide –. Tras estas dos modestas piezas, arribaron casi un centenar de producciones de diversa índole encabezadas por la versión de Disney de 1937 ‘Blancanieves y los siete enanitos’ (Snow White and the Seven Dwarfs). Setenta y cinco años después de esta fantástica película que fue dirigida hasta por cinco realizadores llegan tres versiones muy diferentes del cuento – que se unen al serial de éxito ‘Erase una vez…’ ('Once Upon a Time', ABC) – y destinadas a un determinado espectro de público. Lo hacen en forma de sátira romántica (‘Mirror, Mirror’ de Tarsem Singh), arte silencioso y blanquinegro (la aplaudida ‘Blancanieves’, de Pablo Berger) y portando oscura atmósfera y aires épicos con la cinta que hoy nos ocupa, ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’ (Snow White and the Huntsman, Rupert Sanders, 2012).

por Emilio M. Luna
octubre 22, 2012

BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR

por Emilio M. Luna | octubre 22, 2012

MR. SCOTT, EL CUENTACUENTOS

Legend (Ridley Scott, 1985)

Tras Enemigo Mío, completamos nuestra Sesión doble de esta semana con otro filme de 1985 y, al igual que la película de Wolfgang Petersen, un rotundo fracaso comercial que con los años se ha visto convertido en título de referencia dentro del género de la fantasía en los 80.

Ridley Scott venía de rodar dos obras maestras consecutivas dentro de la ciencia ficción, Alien el 8º pasajero (1979) y Blade Runner (1982), cuando se embarcó en uno de sus proyectos más personales, Legend (1985). Un cuento de hadas como los de toda la vida, con valientes héroes, princesas en peligro, elfos, hadas, enanos, unicornios y monstruos. El guión de William Hjortsberg poseía todos estos elementos sin salirse un ápice de lo establecido. Una historia bastante poco original, típica variante de la eterna lucha entre el Bien y el Mal que de no ser por la mano maestra de Scott en la dirección, habría sido condenada al mayor de los olvidos. Ciertamente, la gestación de la película fue de lo más problemática. El titánico presupuesto de 30 millones de dólares de la época y un rodaje que se extendió desde 1982 hasta su estreno tres años más tarde a causa de múltiples vicisitudes no presagiaban un buen final. Un incendio en los estudios Pinewood de Londres donde se rodaba el filme hizo que se tuvieran que construir improvisadamente nuevos decorados. De un metraje de 150 minutos, Scott tuvo que recortar casi una hora para hacer de su obra algo más rentable. En el montaje estrenado en salas estadounidenses, la magnífica banda sonora de Jerry Goldsmith fue sustituida por otra más infantil compuesta por la banda electrónica Tangerine Dream por razones igualmente comerciales. Mia Sara tenía 15 años cuando comenzó a interpretar a la princesa Lili y acabó el rodaje casi con 18. Sería mentira afirmar que todos estos inconvenientes no se reflejaron en el resultado final: Legend es un título fallido, tan cargado de fascinantes hallazgos visuales como de imperfecciones argumentales y, sobre todo, de montaje.

por José Martín León
octubre 03, 2012

LEGEND (RIDLEY SCOTT, 1985)

por José Martín León | octubre 03, 2012

¿A QUIÉN VAS A LLAMAR?
Los cazafantasmas (Ghostbusters, Ivan Reitman, 1984)

¿Qué se puede decir de este filme que no se haya dicho ya o que todos no sepamos? Que estamos ante una de las comedias más taquilleras de la Historia del Cine, que significó el espaldarazo final a la fama de sus protagonistas o que tiene como tema principal una de las canciones más pegadizas de los 80, todo eso es innegable. La pregunta clave es si merece Los cazafantasmas (Ghostbusters, 1984) el calificativo de clásico moderno de la comedia o si, por el contrario, ha sido mitificada en exceso gracias al poder de la nostalgia. En nuestra sesión de hoy, quiero apostar por lo primero. Es un clásico y muy merecido. Para asegurarme de ser imparcial, he tenido la oportunidad de volver a verla hace un par de horas y, ciertamente, encuentro detalles que en su día pasaron desapercibidos. El tiempo pone cada cosa en su sitio y mientras en 1984, Los cazafantasmas pudo ser más apreciada por sus efectos especiales y espectacularidad, en la actualidad es cuando mejor se puede apreciar el verdadero punto fuerte de la función: su guión. Como la belleza, que no dura toda la vida, los efectos visuales del filme han quedado desfasados y nos dejan valorar con más claridad unos diálogos muy ingeniosos y cargados de doble sentido y unos actores en estado de gracia, perfectos todos ellos en sus respectivos personajes.

por José Martín León
septiembre 15, 2012

GHOSTBUSTERS (IVAN REITMAN, 1984)

por José Martín León | septiembre 15, 2012

EL HOBBIT, SEGÚN GEORGE LUCAS
Willow (Ron Howard, 1988)

Después de abrir boca con Krull, tengo el placer de comentar uno de los clásicos indiscutibles del género de aventuras de los 80, una obra que nació del despecho de George Lucas por no haber podido hacerse con los derechos de adaptación al cine de El Hobbit de Tolkien. El megalómano director de La Guerra de las Galaxias (1977) buscaba una nueva gallina de los huevos de oro tras la finalización de su triunfal trilogía en 1983 con El retorno del Jedi. Después de producir y escribir el guión de la muy exitosa Indiana Jones y el Templo Maldito, vio peligrar su carrera con dos grandes fracasos consecutivos en 1986. Sus producciones Dentro del laberinto y, muy especialmente, Howard un nuevo héroe, casi le llevan a la ruina; así que necesitaba otro taquillazo para recuperar parte del crédito perdido con las aventuras del dichoso pato. George Lucas no tuvo la suerte de Peter Jackson y sus pretensiones de llevar las hazañas de Bilbo Bolsón al celuloide naufragaron. De esta contrariedad, y como no hay mal que por bien no venga, nació nuestro clásico de hoy: Willow (1988).

por José Martín León
septiembre 13, 2012

WILLOW (RON HOWARD, 1988)

por José Martín León | septiembre 13, 2012