La parrilla se renueva

Anuario 2015 | Las 10 mejores series de televisión del año.

La pequeña pantalla prosigue su escalada. Ni la despedida de algunos hits (Downton Abbey, Mad Men, Justified, Hannibal), ni la madurez (o decadencia) de los estandartes de la parrilla actual (House of Cards, Homeland, Juego de tronos, The Walking Dead, Girls, Masters of Sex), han restado un solo ápice de interés al panorama televisivo actual. Principalmente, gracias a la llegada de nuevas propuestas (Daredevil, Jessica Jones, Outlander, Crazy Ex-girlfriend, Narcos, Mr. Robot, Transparent, Ash vs. Evil Dead) o la consolidación de series que ya coparon todos los tops del 2014 con su primera entrega (The affair, The leftovers, Orange is the new black, Fargo, The Knick). El 2015 ha sido el año de Netflix y Amazon, que han afianzado un nuevo modelo de exhibición que ya ha traspasado las fronteras norteamericanas y se ha instalado en los hogares europeos; también, precisamente, lo ha sido para la ficción del viejo continente, que, a raíz del auge de los canales temáticos de pago, ha sabido encontrar su hueco y a su público. Productos como Bron/Broen, In the flesh, Gomorra, Les revenants, 1864, Versailles, Borgen o Deutschland 83 se han enfrentado cara a cara con la todopoderosa maquinaria estadounidense y han salido reforzados del combate. El universo de las series no para de expandirse, atrayendo cada vez más a realizadores e intérpretes notables. 2016 supondrá un nuevo paso más. Miniseries y pilotos serán cada vez más protagonistas en los festivales cinematográficos de prestigio y los showrunners algo más que una simple espoleta de un mundo tan adictivo como imparable. Todo lo que ocurra en 2016 vía coaxial o digital se lo contaremos en EAM. Antes, y como es habitual por estas fechas, balance con nuestro ranking del 2015. Estas son las diez series mejor valoradas por la redacción de El antepenúltimo mohicano:

por EAM
diciembre 31, 2015

Resumen 2015 | Las 10 mejores series de televisión del año

por EAM | diciembre 31, 2015

New lights, same system

Anuario 2015 | Las 10 mejores películas sin distribución española del 2015.

Es evidente que algo falla en el sistema de distribución/exhibición cinematográfica. No sólo se debe a un asunto de criterios, también de marketing. Es por ello que la piratería está siempre alimentada (que no justificada) y dispuesta a deshacer entuertos. El público no convencional se ve obligado o bien a recorrer el circuito de festivales, o bien a esperar su eterno lanzamiento local en forma digital, o bien a pasarse al célebre lado oscuro. Hablar de España como paradigma de la parálisis del cine de autoría es un error, realmente es un problema de concepto universal. El exhibidor no quiere obras que quizá no rentabilice, y al Estado en cuestión poco le importa lo que supere los aranceles patrios. De este modo, las majors mandan y ellas deciden cuándo estrenar en mercados de impacto medio (España, Italia, Francia o Alemania) sus productos con la marca Óscar. Así pues, durante los meses de enero y febrero llegarán a nuestras pantallas cintas (acompañadas con subencabezados que abogan por sus nominaciones y estatuillas) como El renacido (Twentieth Century Fox), Spotlight y Los odiosos ocho (EOne Films), Anomalisa (Paramount Pictures) o Carol (Vértigo Films), puntales de un año que ha dejado numerosas cintas que, por otro lado, han pasado desapercibidas pero que han maravillado a un acotado público ávido de historias diferentes, no siempre emparejadas con el mainstream. Varias, al igual que las nombradas, ya han encontrado su hueco (solo necesitan fecha, a lo sumo). Son los casos de la maravillosa La juventud (Vértigo Films); Nuestra pequeña hermana, Las mil y una noches y Mountains may depart (Golem); la ganadoras en Sitges —El invitado— y en Gijón —Right now, wrong then— (L’Aventura); la magiar El hijo de Saúl (Avalon); las islandesas Virgin Mountain —ganadora en Tribeca— y Sparrows —Concha de Oro en el Festival de San Sebastián— (Surtsey Films); la terrorífica The Witch (Universal Pictures); la turca Mustang (Acontracorriente); la colombiana El abrazo de la serpiente (Abordar); la tailandesa Cemetery of Splendour (Noucinemart); o la sugerente cinta francesa Le nouveau (Karma Films). Muescas de un listado enorme. La presentación comercial de algunas llegará a deshoras, o como fondo de armario, pero con la seguridad de que tendrá a un espectador esperando para recoger el guante. La misión de EAM es y será siempre apoyar este tipo de trabajos. Representan el cine no condicionado, filmes de autoría que no ceden, que saben que la batalla es otra. Por desgracia, hay otras propuestas que esperan encontrar ese sendero que les lleve a los espectadores. Con ello, en EAM hemos elegido diez películas que no tienen todavía distribución en España o que simplemente jamás pasarán por una pantalla mayor de cuarenta pulgadas. En esta relación (cuyo puesto es lo de menos) cohabitan tres grandes, siete debutantes y un tipo con un móvil. Distribuidores, tomen nota.

Menciones de honor: Babai (Visar Morina); Boi neon (Gabriel Mascaro); Bob and the trees (Diego Ongaro); No home movie (Chantal Ackerman); Queen of Earth (Alex Ross Perry); In Jackson heights (Frederick Wiseman); Paris of the North (Hafsteinn Gunnar Sigurðsson); The summer of Sangaile (Alanté Kavaité); The wave (Roar Uthaug); The Fencer (Klaus Härö); Theeb (Naji Abu Nowar); y Box (Florian Serban).

por Emilio M. Luna
diciembre 30, 2015

Resumen 2015 | Las 10 mejores películas inéditas del año

por Emilio M. Luna | diciembre 30, 2015

El culmen de la cromatología iconolingüística

Anuario 2015 | Los 10 mejores trabajos de fotografía cinematográfica del 2015.

Es obligado comenzar este artículo, dedicado a la fotografía cinematográfica de este 2015 al borde de la expiración, hablando de uno de los depuradores de la técnica. Hace unas horas, perdíamos a Haskell Wexler, considerado uno de los grandes operadores del cine moderno. Bajo su lente se articularon filmes como Quién teme a Virginia Woolf, American graffiti, Alguien voló sobre el nido del cuco, En el calor de la noche, Matewan, Colors, La brigada del sombrero o Días de cielo. Wexler, como otros muchos virtuosos, idearon y perfeccionaron un nuevo lenguaje a través de la luz y la sombra que dio un nuevo sentido a la mirada del cineasta. Un sentido que en el Nuevo Milenio ha adquirido una semántica que supera, incluso, a cualquier libreto. La estética, sin importar demasiado el género, se ha convertido en factótum de las nuevas tendencias cinematográficas, en el otro camino que busca con celeridad la retina del espectador y, tras ella, su memoria. Así pues, no es ninguna sorpresa que este 2015 haya estado trufado de impresionantes ejercicios de cámara. De tal nivel, que resulta harto complicado poder seleccionar sin dudar, sin volver la vista atrás, sin pulsar una antepenúltima vez el rewind.

Y lo que queda por llegar. Ya que aún hay obras que, por avatares del marketing, no arribarán a la cartelera española hasta el primer trimestre del próximo curso. Con seguridad, en la clasificación del próximo año estarán largometrajes como El renacido (The Revenant), con el gran Emmanuel Lubezki; o Carol, con la inspiración clásica de un gigante, Edward Lachman. Precisamente, este hecho lo auguramos en el compilatorio del 2014 con la labor de ‘El chivo’ Lubezki en Birdman, rodada en 35mm con una Arri Alexa M y lentes Zeiss Master Prime. El mayor falso plano-secuencia de la Historia del Cine, completado digitalmente en sala de montaje. Algo que también han tenido presente John Seale (Mad Max, Arri Alexa M), Rob Hardy (Ex machina, Sony CineAlta F65) y Adam Arkapaw (Macbeth, Arri Alexa XT Plus) para recrear paisajes y atmósferas irreales, casi oníricas. Steven Soderbergh (Red Epic Dragon), uno de los magos del audiovisual de nuestro tiempo, no solo completa en la sala de edición el Nueva York de principios del siglo XX, también se erige como un enorme prestidigitador con su trabajo en The Knick, la serie de Cinemax incluida en este listado. Puro cine. De tono mucho más clásico, pero no menos diestro, son las composiciones del fotógrafo chino Mark Lee (The Assassin, Arricam LT); un habitual en estas lides, Roger Deakins (Sicario, Arri Alexa XT M), y los rusos Vladimir Ilin y Yuri Klimenko, secuaces del difunto Aleksei German en la ciclópea Qué difícil es ser un dios, sin vacilar, una de las grandes películas sobre el medievo que nos ha regalado el cine. Y entre el clasicismo, el digital y las vanguardias, otro autor mayúsculo: el belga Benoît Debbie (Arricam LT), uno de los pocos méritos subrayados por la mayoria de la ópera prima de Ryan Gosling, Lost River. No están en la lista final pero pudieran filmes como 45 años, It follows (imagen de cabecera), Puro vicio, Amama, El hijo de Saúl, Victoria, Lejos del mundanal ruido, Nightcrawler o Timbuktú. Un 2015 lleno de brillos y claros y, claro está, los eternos pasajeros Lubezki y Deakins. Los volveremos a ver en el anuario 2016. A continuación, los 10 mejores trabajos de fotografía cinematográfica del año:

por Emilio M. Luna
diciembre 29, 2015

Resumen 2015 | Los 10 mejores trabajos de fotografía cinematográfica del año

por Emilio M. Luna | diciembre 29, 2015

El deslenguado documentalista busca un segundo Óscar con esta sátira sobre las deficiencias económico-sociales del sistema estadounidense.

Existen pocos directores de documentales con el palmarés de Michael Moore. Una Palma de Oro (por Fahrenheit 9/11 en 2004) y un Óscar (por Bowling for Columbine en 2002) otorgan algo más que prestigio a este cineasta sin pelos en la lengua que reformuló las reglas del formato. Y lo hizo atizando a todos los estamentos de su país: la invasión de Irak, la globalización y la tiranía de las grandes corporaciones, la violencia armada, las políticas de la familia Bush o el sistema sanitario estadounidense no han escapado a sus duras críticas. Algo que le ha granjeado tantos enemigos como admiradores a lo largo de su dilatada carrera. Tras los tropiezos que supusieron Sicko (2007) y Capitalism: A Love Story (2009) parece que retoma la senda del éxito con Where to Invade Next, una mirada comparativa de los problemas internos de Norteamericana con las dinámicas de otras naciones de occidente como Finlandia, Francia o Italia. Un políptico que le ha valido buenas críticas tras su paso por Toronto y ha superado varios cortes camino al Óscar pero que parece también alejado de sus proyectos más ambiciosos. Aun así, su nominación al Óscar no parece descabellada. La estatuilla dorada es otro tema con filmes como La mirada del silencio, Listen to me Marlon o Amy como contendientes. Where to Invade Next se proyectó en algunas salas de Los Ángeles y Nueva York el 23 de diciembre por temas clasificatorios y llegará a 400 salas para el gran público el 12 de febrero. Produce IMG Films. | Póster |

por Emilio M. Luna
diciembre 29, 2015

Michael Moore asalta Europa en el tráiler de 'Where to Invade Next'

por Emilio M. Luna | diciembre 29, 2015

El retorno imperfecto

crítica de La odisea de Alice (Fidelio, l’odyssée d’Alice, Lucie Borleteau, Francia, 2014).

Dice el cantautor uruguayo Jorge Drexler que cualquier viaje es, sobre todo, un viaje interior. El estado mental se altera en la ceremonia de interrupción de la rutina, del cotidiano, estimulándose a cada paso ante la contemplación de los lugares y paisajes desconocidos, la curiosidad humana innata que ha provocado todo el desarrollo del progreso mundial, tal y como hoy lo conocemos, con sus miserias y sus grandezas. Allá en la antigua Grecia, en las plazas, los espacios públicos, pronto tomó fuerza la proliferación de una literatura oral que aglutinaba la pasión del Hombre por el conocimiento con la mitología clásica —esa gran fuente de búsqueda de sabiduría—, la narración de las innumerables aventuras del guerrero Ulises (u Odiseo, según traducción del griego), aquel protagonista que se embarcó hacia la guerra de Troya, dejando atrás su zona de confort, su familia. Ulises tardó veinte años en regresar a su Ítaca natal, ese símbolo de hogar que ha generado tanto léxico intraducible pero con una sensibilidad supralingüística —véanse, por ejemplo, el vocablo alemán “Heimat”, o la palabra más definitoria de la idiosincracia portuguesa, “saudade”—. Allí lo esperó, durante tanto tiempo, su esposa Penélope, quien ha pasado a formar parte de la Historia Universal como la paciencia encarnada, la inconmensurable voluntad de aferrarse a una causa con la dignidad del estoicismo. Y el retorno de este viaje, de todo viaje, supone llegar a una concepción no de circularidad, sino más bien de una estructura espiral, pues es en el regreso donde se comprueba la mácula tanto en la sensibilidad del viajero como en la del que espera, el abandonado. La obra magna atribuida a Homero ha permeado enormemente la manera de concebir los acontecimientos posteriores a lo largo del devenir de la civilización, tanto que cualquier relación del individuo con el mar, un paseo insustancial o un viaje inacabable adquieren dimensiones épicas, pues en la conciencia colectiva están presentes estos sacrificios del que abandona el hogar sin conocer la fecha de retorno.

La actriz Lucie Borleteau se enfrenta a la dirección (y guion) de su primer largometraje con La odisea de Alice (Fidelio, l’odyssée d’Alice, 2014), una película ambiciosa en la temática elegida —que, en principio, estaba concebida como un documental inspirado en la situación profesional de una amiga cercana—. Este filme podría catalogarse como un estudio de personaje, pues sube y baja el telón con la cámara atenta a su protagonista absoluta, Alice (excelsa interpretación de Ariane Labed), joven ingeniera que se embarca en el carguero Fidelio para realizar una sustitución tras la muerte accidental de su antecesor. El propio título ya arroja algo de luz acerca de las intenciones de su directora, dado que Fidelio es, además del nombre del barco, el título de la ópera compuesta por el genio Ludwig Van Beethoven —la que el propio autor describió, por cierto, como “el hijo que me ha costado los peores dolores, el que me ha causado más penas; pero por ello también el más querido”—, aquella historia en la que la heroína Leonore se infiltra, vestida de hombre, en la prisión donde ha sido injustamente encarcelado su esposo, con intención de rescatarlo. Y es que la absoluta mayoría del filme transcurre en un espacio cerrado, como guiño al teatro, al espacio físico de la ópera homónima. Nuestra protagonista emprende este largo viaje transmutada en el propio Ulises, dejándolo todo tras de sí, la familia y un novio-Penélope que aguanta paciente; se enfrenta a los duros embates que toda épica debe contener. Al alistarse en el Fidelio, Alice se encuentra repentinamente en una situación tremendamente opresiva en tres distintos niveles: primero, el encierro en medio de la inmensidad del mar, asunto casi paradójico; segundo, la sustitución del fallecido, lo cual la erige en algo así como una vaga e imperfecta imitación del original; y, por último, y no menos importante, la cuestión de género para la única mujer de la tripulación en un entorno contaminado por las representaciones socioculturales más machistas acerca del tópico del marinero. Esta falsa apariencia de calma ante la contemplación del mar oculta la angustia del prisionero, del que se halla a merced de elementos que no es capaz de controlar del todo. Alice es sorprendida, además, por la presencia del capitán Gaël (Melvil Poupad), por artificios de la casualidad; un personaje del pasado, el primer amor, aquella idealización del despertar sexual en la dinámica —griega también, claro está— profesor/alumno. Y he aquí cuando asoman los cantos de sirena, la persuasiva Calipso de la isla de Ogigia, que pretende contaminar la mente de nuestra heroína. Resulta muy tentativa la posibilidad de refugiarse, en medio de aquel entorno patibulario y hostil, de hallar un cuerpo cálido, un lugar amable de contornos redondeados que recuerde al hogar, a ese “Heimat” tan lejano.

por Luis Enrique Forero Varela
diciembre 29, 2015

Crítica | La odisea de Alice

por Luis Enrique Forero Varela | diciembre 29, 2015

La reconstrucción de un genio

crítica de Steve Jobs (Danny Boyle, 2015).

El biopic puede considerarse como un auténtico género cinematográfico pues, aunque se salga de una clasificación que atiende más bien a la temática o al tono, presenta una serie de características propias. Al retratar la vida de un personaje de mayor o menor celebridad, según su época, su profesión y sus demás rasgos, existe ya una base bastante sólida desde la cual se diseña el guion y a partir del mismo su producción, sobre todo si se parte de un texto previo que ya había recogido la biografía en cuestión. Hay también unas cuantas pautas que suelen observarse en la industria (en particular norteamericana), ya se trate de aspectos técnicos como las largas transiciones o la voz en off, o de detalles finales como los créditos e imágenes de archivo que nos terminan contando en qué acabó la vida del sujeto que se ha resumido en pantalla. Sin embargo, este tipo de cine suele ser más eficaz cuando no pretende recoger una serie de experiencias y esperar con ello proporcionarnos una visión más o menos completa de su referente, sino más bien ofrecer una interpretación concreta, que permita circunscribir el drama y desarrollarlo con mayor profundidad. En otras palabras, con frecuencia es más ilustrativo centrarse en un acontecimiento en que se conjugaron los rasgos definitorios del personaje enfocado, que intentar acumular los pensamientos y acciones que se sucedieron desde su nacimiento hasta su muerte. De hecho, esta opción presenta ventajas prácticas, es decir al menos presupuestarias, y sería incluso más acertada cuando el protagonista es un icono reciente, del que ya se han realizado las oportunas crónicas y elegías.

Este sería el caso de Steve Jobs, referente indiscutible del último tercio del siglo XX y de lo que llevamos del XXI, al tratarse de uno de los pioneros de la tecnología y el entretenimiento actuales, mediante sus contribuciones en Apple y Pixar, entre otras compañías. Tras su muerte en 2011, lamentada por otros gurús de la informática como Bill Gates o Mark Zuckerberg, contamos ya, ciñéndonos al terreno audiovisual, con varios largometrajes sobre su persona y sus innumerables aportaciones. Son entre otros los documentales: Steve Jobs: The Lost Interview (Paul Sen, 2012) o Steve Jobs: The Man in the Machine (Alex Gibney, 2015), así como el drama Jobs (Joshua Michael Stern, 2013). Steve Jobs (Danny Boyle, 2015) ha sido el último en llegar, y debería ser el definitivo. No tanto por su carácter comprensivo, que también, sino por su gran calidad y por seguir precisamente esa lectura más original y provechosa a la que antes hacíamos referencia, hasta el punto de que la estructura diseñada por Aaron Sorkin, partiendo del libro de Walter Isaacson, se aleja de todo acercamiento convencional. Sorkin se ha forjado un nombre en las adaptaciones en torno a individuos y decorados reales que suelen tener un alto componente burocrático, laboral o empresarial. Es en los despachos y en las oficinas donde este guionista encuentra el marco idóneo para desarrollar su elocuencia trágica y su verborrea técnica, ya sea en la Casa Blanca, en unos estudios de televisión, en la trastienda del mundo del béisbol o en la prestigiosa universidad de Harvard. En esta última era donde se situaba la primera mitad de La red social (The Social Network, David Fincher, 2010), magnum opus con la que su última obra deja entrever varias similitudes.

por Ignacio Navarro
diciembre 28, 2015

Crítica | Steve Jobs

por Ignacio Navarro | diciembre 28, 2015

Pequeñas obras de arte

Anuario 2015 | Los 11 mejores episodios televisivos del año.

Un año más, El antepenúltimo mohicano ofrece su selección de los mejores episodios televisivos de 2015, aquellos que por diversas razones son perfectas narraciones audiovisuales. Que funcionan como ejemplo de lo mejor que puede ofrecer una serie. Puede ser el principio o final de una temporada, o estar marcado por haber recogido un acontecimiento clave en el desarrollo de la serie. O todo lo contrario. En un momento donde muchas series funcionan como una historia tan precisa y retroactiva que no se pueden sacar partes y destacarlas sobre otras, tratamos de reivindicar los logros individuales. Las aportaciones más o menos concretas de un equipo técnico y artístico entregado a la causa de ofrecer el mejor rato posible. Sea como fuere, estas entregas de todo tipo y condición, que están ordenadas cronológicamente porque una no es mejor que otra, dejan testimonio del excelente estado de salud de la televisión y de que la magia es posible si se juntan las circunstancias creativas y de producción adecuadas. A continuación, los 11 mejores del año según EAM.

| Orden cronológico de emisión, tanto en drama como en comedia |

por Anónimo
diciembre 28, 2015

Resumen 2015 | Los 11 mejores episodios de televisión del año

por Anónimo | diciembre 28, 2015

Decepcionó en Toronto y dividió en Donostia. Pese a ello, la adaptación de la novela homónima de Ballard no dejará indiferente. En España aún no tiene distribución.

James Graham Ballard, escritor inglés especializado, sobre todo, en ciencia ficción, autor de obras que han servido de base a películas como Crash (David Cronenberg, 1996) y El imperio del sol (Steven Spielberg, 1987) —autobiografía de su infancia en un campo de concentración japonés—, mostró en su novela Rascacielos (1975) una historia de distopías ambientada en Torre Elíseo, una enorme ciudad vertical construida en mitad del océano, que alberga en su interior, con todo lujo de comodidades, una sociedad idílica en la que cada planta representa una metáfora de las distintas clases sociales. Un argumento similar al visto en la notable Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), donde la lucha entre ricos y pobres se desarrollaba a través de los distintos vagones de un tren futurista. El interesante director Ben Wheatley —Kill List (2011), Turistas (2012), A Field in England (2013)— es el encargado de dirigir a un excelente reparto que incluye a Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss, James Purefoy y Sienna Guillory en una de las apuestas más inteligentes y visualmente sugestivas que nos depara el género en los próximos meses, ya disfrutada en la sección oficial del Festival de San Sebastián 2015. Por lo pronto, su fecha de estreno en Reino Unido es el 18 de marzo de 2016. | Póster | Crítica |

por José Martín León
diciembre 28, 2015

Tráiler de High-Rise, ciencia ficción distópica de Ben Wheatley

por José Martín León | diciembre 28, 2015

Si existe alguna mínima posibilidad de que 'Inside Out', la última maravilla de Pixar, no consiga el Óscar, esta debe llegar con la nueva creación de Charlie Kaufman (apoyado en Duke Johnson), Gran Premio del Jurado de la Mostra.

De la alucinada y brillante mente de la que salieron las historias de genialidades de la categoría de Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze, 1999), Adaptation (Spike Jonze, 2002) u ¡Olvídate de mí! (Michel Gondry, 2004) llega la cinta de animación más adulta e ingeniosa del año, ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia de 2015 tras un triunfal bagaje por otras citas festivaleras como Sitges o Toronto. La historia de un hombre que se dedica a motivar a los demás pero que no encuentra sentido a su propia existencia hasta que se enamora de la voz de una chica especial promete tener la misma carga de profundidad que aquellos títulos protagonizados por actores de carne y hueso, hablando, una vez más de los temas que siempre han inquietado a Kaufman, tales como el miedo a la soledad, las relaciones de pareja, la monotonía o el dolor. Esta divertida y visualmente prodigiosa película, co-dirigida por Duke Johnson y el propio Kaufman, cuenta con la voz de la excelente Jennifer Jason Leigh que, con el estreno de Los odiosos ocho (The hateful eight, Quentin Tarantino, 2015) confirma su estupendo momento profesional. El estreno de Anomalisa en Estados Unidos está previsto para el 30 de diciembre; mientras que en España tendremos que esperar hasta el 26 de febrero. | Póster | Crítica |

por José Martín León
diciembre 28, 2015

Tráiler de 'Anomalisa', la genialidad animada de Charlie Kaufman

por José Martín León | diciembre 28, 2015

La luz del debutante

Anuario 2015 / Las 10 mejores películas españolas del año.

Los impresionantes datos de la taquilla del cine español durante el año pasado —ese desorbitado 25,5 % de cuota de pantalla alcanzado, sobre todo, gracias al fenómeno sociológico que supuso Ocho apellidos vascos (Emilio Martínez-Lázaro)— dejaron el listón demasiado alto a la cosecha que llegaría en 2015. Sin embargo, hay que valorar muy positivamente el 18,9% —el estreno de Palmeras en la nieve (Fernando González Molina), en calidad de superproducción con Mario Casas como cabeza de cartel, puede hacer que esa cuota suba algo más antes de cerrar el año— que, a fecha de 20 de diciembre lleva alcanzado por nuestras películas. Es cierto que no ha sido un año especialmente memorable en cuanto a excelsa calidad —se echan en falta grandes obras como sí lo fueron La isla mínima (Alberto Rodríguez), Loreak (José María Goenaga, Jon Garaño) o la rompedora Magical Girl (Carlos Vermut) el año pasado— , pero tampoco se puede tachar de decepcionante. Echando un vistazo a los títulos que mayor número de espectadores arrastraron a las salas de cine, queda de manifiesto la cada vez más patente falta de comunión entre las opiniones de los críticos y los gustos del público. Rápida y eficaz, con el mismo plantel de actores (a los que se suman Berto Romero y una Rosa María Sardà en su salsa) y repitiendo los mismos esquemas que hicieron de la primera parte un éxito, Ocho apellidos catalanes (Emilio Martínez-Lázaro), como no podía ser menos, es ya, con sus casi 30 millones de euros recaudados hasta el momento, la tercera película más taquillera de la historia del cine español, para desconsuelo de muchos. Detrás, otro proyecto apadrinado por Telecinco, la animada Atrapa la bandera (Enrique Gato), vuelve a demostrar, al igual que la anterior Las aventuras de Tadeo Jones (2012), que hemos avanzado muchísimo en cuanto a gráficos pero que aún se pueden mejorar el diseño de los personajes y, sobre todo, los guiones. Con todo, sus 11 millones de euros de recaudación no son nada despreciables.

El largamente esperado regreso de Alejandro Amenábar a la dirección —seis años han pasado desde el estreno de Ágora (2009)— se produjo, al fin, con Regresión, un thriller terrorífico en su vertiente satánica al que ni la presencia de dos estrellas internacionales del nivel de Emma Watson y Ethan Hawke consiguieron salvar de una acogida más bien tibia por parte de la crítica y, en menor medida, del público. También con actores de Hollywood (Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko) sacó adelante Fernando León de Aranoa su interesante pero irregular Un día perfecto, una curiosa comedia dramática con la Guerra de Yugoslavia como telón de fondo. Juliette Binoche y Rinko Kikuchi se pusieron a las órdenes de la incansable Isabel Coixet en la gélida Nadie quiere la noche, que, sin estar a la altura de sus mejores trabajos, sí logró suavizar el mal sabor de boca dejado por sus últimos proyectos. Por su parte, Álex de la Iglesia nos volvió a deleitar con uno de esos caóticos espectáculos llenos de humor y mala baba que tan bien se le dan. Mi gran noche, con un Mario Casas divertidísimo en plan superestrella de la música y la arriesgada (y finalmente triunfal) elección de Raphael para encarnar a un villano memorable, deja constancia, una vez más, del genio de su realizador. La esperada reunión de dos talentos como el realizador Julio Medem y Penélope Cruz en ma ma fue recibida con más pena que gloria, pese a la gran labor interpretativa de la oscarizada actriz. Felices 140 (Gracia Querejeta), con su excelente reparto coral encabezado por Maribel Verdú; Truman (Cesc Gay), con un duelo interpretativo de altura entre Ricardo Darín y Javier Cámara; la jovial y fresca Isla bonita (Fernando Colomo); el drama familiar vasco Amama (Asier Altuna); la comedia con temática terrorista Negociador (Borja Cobeaga),con un gran papel de Ramón Barea; o La novia (Paula Ortiz), sentida adaptación de las Bodas de Sangre de Lorca, con una prodigiosa Inma Cuesta, fueron algunos de los títulos a tener más en cuenta.

por José Martín León
diciembre 27, 2015

Resumen 2015 | Las 10 mejores películas españolas del año

por José Martín León | diciembre 27, 2015

Austin acogerá el estreno mundial del nuevo filme de Richard Linklater; un desenfadado retrato de la etapa preuniversitaria estadounidense trufado de pop y hormonas.

El South by Southwest (SXSW), que cada marzo convierte a Austin (Texas) en el epicentro cultural estadounidense, es la plaza elegida para la premiere mundial (el día 11) del nuevo filme de Richard Linklater, Everybody wants some. Un hecho, alejado del mainstream de Utah (Sundance) o Berlín, que define las prestaciones de una obra que parece una simple apuesta personal y sin pretensiones de su autor. Autodenominada como «secuela espiritual» de Movida del 76 (Dazed and confused, 1993), Linklater aborda, como hiciera George Lucas en 1973 con American Graffiti, el existencialismo posadolescente personificado en unos jugadores de béisbol de último año que vislumbran un horizonte de incertidumbre. Ambientada en los años ochenta, y atendiendo a su primer anticipo, encontraremos extensos diálogos naif, rebobinado de casetes (póster) y reparto de rostros desconocidos: Ryan Guzman, Zoey Deutch, Tyler Hoechlin, Wyatt Russell, Adriene Mishler, Blake Jenner, Jonathan Breck, Jessi Mechler, Glen Powell y Will Brittain. Produce Annapurna Pictures. Con Everybody wants some, que llegará a las pantallas norteamericanas el 16 de abril, no podemos esperar nada más que un descanso artístico para Linklater tras la pequeña decepción que supuso la corriente negativa y posterior derrota en los Oscars de la excelente y minusvalorada Boyhood.

por Emilio M. Luna
diciembre 27, 2015

Tráiler de 'Everybody wants some', la nueva película de Richard Linklater que abrirá el SXSW 2016

por Emilio M. Luna | diciembre 27, 2015

Los fantasmas del pasado

crítica de 45 años (45 Years, Andrew Haigh, 2015).

Una película es por definición un trabajo de síntesis. En ella se conjugan una larga serie de elementos, desde las elipsis, transiciones y otras técnicas de montaje, hasta el decorado y la puesta en escena, pasando por el sonido y la música, que tratan de transmitir la mayor cantidad de información en el menor tiempo y espacio posibles. Con todo, el efecto no debe ser cargante ni abrumador, sino lograr que todos estos factores le lleguen al espectador de forma imperceptible y orgánica. En otras palabras, son raros los filmes cuyas coordenadas espacio-temporales coinciden con las reales, pero son muchos más las que tienen esa intención, pues al fin y al cabo se trata de captar un fragmento de la realidad para inmediatamente trascenderla. Y más difícil y meritorio todavía es introducir elementos añadidos que expresamente ciñen la narración para a través de ello contarnos algo más profundo, que va más allá de los límites que se ha trazado el propio cineasta. Para mayor concreción, estamos hablando de un tipo de cine que ya casi constituye un subgénero, cuya tradición puede remontarse a las obras de Bergman o Fassbinder: piezas de cámara que en torno a las relaciones de pareja pueden abarcar toda una vida, con un discurso que enseguida se vuelve universal. En efecto, las escenas de un matrimonio nos muestran unas vivencias muy personales, con las que a la vez nos podemos sentir también muy identificados, al tratarse de un marco tan familiar como repleto de conflictos latentes y experiencias compartidas.

Pues bien, este escenario es el que reconstruye Andrew Haigh en 45 años (45 Years), presentada con gran éxito este año en la Berlinale. En su trabajo anterior, Weekend (2011), Haigh ya había demostrado una visión propia y sensible, que también tuvo un gran reconocimiento en los certámenes que recorrió, para retratar la intimidad de seres a menudo marginales, aprovechando su aislamiento para sacar a relucir sus deseos y traumas más internos. Sin embargo, tanto en esa película anterior como en su ópera prima, Greek Pete (2009), las historias y los personajes eran más cercanos a su propia biografía. Y es que estamos hablando de un cineasta gay y aún joven (tiene 42 años), que ahora sin embargo se atreve con la adaptación de un relato sobre una pareja heterosexual a punto de celebrar su 45º aniversario. La sensación de retraimiento es en cualquier caso parecida, pues estos protagonistas también viven apartados de gran parte de la sociedad, tanto por su edad y sus hábitos como por su propia y elegante morada, situada en la campiña inglesa de Norfolk. Y como adelantábamos, el enfoque cerrado se acentúa con ciertas pautas exógenas, en este caso por ejemplo mediante rótulos que nos indican cada día que pasa en la semana en la que transcurre toda la película, aquella que culmina en el sábado al que corresponde la apuntada celebración. Al mismo tiempo, desde un comienzo una noticia trastoca este apacible entorno, de manera que en él se desarrollan dos líneas paralelas: la que sigue las coordenadas físicas que se han marcado, y la que se retrotrae a más atrás y nos dibuja el periplo de todo un matrimonio.

por Ignacio Navarro
diciembre 24, 2015

Crítica | 45 años

por Ignacio Navarro | diciembre 24, 2015

Se siguen desvelando tempranas notas de los primeros festivales del próximo año. Ahora turno de uno de los páramos para propuestas más experimentales y underground. El Festival de Róterdam (IFFR) ha apostado desde sus inicios por un cine alejado de los cánones comerciales y más orientado al art house cinema y las vanguardias, siempre teniendo en cuenta al director novel o a segundos creadores. De este modo, su máximo galardón, el Hivos Tiger Award, entregado a un trío de ganadores, aparte de conseguir una pequeña distribución europea, supone el espaldarazo para carreras neonatas. Un empujón que, sin embargo, no necesita el autor de la apertura de la 45ª edición anunciado ayer. Boudewijn Koole debuto con loas y premio (a la mejor ópera prima) en la Berlinale de hace dos años con la fresca Kauwboy. Una preciosa carta de presentación que ponía sobre el mapa al no tan joven cineasta neerlandés. Tras el éxito de este modesto filme, que recordaba levemente al Kes de Ken Loach, se dispararon las opciones de Koole tanto en la producción como en la dirección. Así pues, nacieron dos largometrajes pendientes de estreno: Disappearance y Beyond Sleep, ambos filmados en Noruega y con reparto conformado por actores del país escandinavo. Esta última, ha sido la elegida para abrir el fuego del IFFR. La película adapta la novela homónima de W.F. Hermans y su primera sinopsis la define como una aventura de supervivencia encabezada por un geólogo que busca con ahínco un meteorito que podría un suponer hallazgos científicos capitales. Beyond Sleep está protagonizada por Reinout Scholten van Aschat y Pål Sverre Hagen (Kon Tiki). Se esperaba que el segundo trabajo de Boudewijn Koole se estrenara en Berlín pero, en esta ocasión, Koole jugará en casa. Llegará a las pantallas de la nación oranje el 11 de febrero. Durante los próximos días debe llegar su primer adelanto en forma de tráiler.

Fuente: IFFR.

por Emilio M. Luna
diciembre 24, 2015

Beyond Sleep, de Boudewijn Koole, abrirá la 45ª edición del Festival de Róterdam

por Emilio M. Luna | diciembre 24, 2015

La balada del Cola Cao

crítica de Palmeras en la nieve (Fernando González Molina, España, 2015).

Nos creíamos reyes y resulta que sólo éramos bufones con ínfulas en la corte ingobernable del África. Recolectábamos cacao, slaps de látigo y violaciones furtivas bajo la luna cubierta de okumes verdes sin esperanza, a mayor gloria del expolio que oculta verdades como el alumno sus fallos con tipp-ex. Con Franco en El Pardo y la nieve en Huesca, la depresión se adivinó un Tourmalet con triciclo y chanclas de dedo. En esas nos veíamos, a oscuras y sin poder alzar la voz, mientras el nodo pregonaba las virtudes del caudillo y su España de la autarquía y el siempre cavernario rosario de la caverna fascista. Qué no hubieran dado algunos por despeñarse montados en la noria de la República. Pero no. Pasó la guerra. Llegó el año 1953 y soplamos el 54, unos resistiendo a duras penas el hambre y otros atusándose el bigotito marcial. Así descienden Kilian y Jacobo la quebrada, no sin antes despedirse y repartir abrazos a su madre y su hermana pequeña, que los miran desde arriba disiparse igual que luminarias en la oscuridad creciente. Saluden al invierno ya casi abril, pues al cabo de unos minutos desembarcamos en Guinea Ecuatorial, y el crepitar de leña española se convierte en danza aborigen y putiferio y caritas de niño sin su Cola Cao "del África tropical". Kilian saluda a su padre, que ya estaba allí desde hace tiempo, sancionando al esclavo por incomparecencia: este buen hombre se dedica únicamente a granjearse la hospitalidad de los nativos de una aldea próxima al campamento. Su hijo Jacobo (el mayor y más pendenciero) no es ningún novel y saluda a los amigos con gestos displicentes de barbilla, en parte porque ya está tramando la siguiente travesura: cogerse una buena cogorza, echar un polvo felino y, entretanto, darle largas a la atractiva mujer —hija de papás españoles, con un moreno español fabuloso y una sonrisa que descoloca por angelical y repipi— que abastece un comercio también español y a la que conoció cuando pequeño allá en Huesca, donde otra película más apasionante se desarrolla sin nosotros saberlo. Así es. En otro tiempo, esta película —basada en el libro homónimo de Luz Gabás— hubiese situado el foco sobre las penurias de aquel caserío oscense, evocando al cazador furtivo de José Luis Borau o simplemente avivando el fuego de la verdadera tragedia nacional: el patriotismo sin entrañas, de cuscurro de pan y servidumbre latente. A simple vista. O mejor: a salto de mata.

Palmeras en la nieve bien podría haber sido una fastuosa miniserie de tres capítulos, pero finalmente ha cristalizado en un largometraje de casi tres horas cuya narración padece del sobrepeso y la banalidad ingénita a su línea temporal del siglo XXI, en 2012 o 2013. No tanto por lo que en ella se cuenta sino por lo que el guionista —Sergio G. Sánchez— y el director —Fernando González Molina— muestran casi a voz en cuello, sin personalidad ni elegancia, borrando de un plumazo cualquier indicio de argumentación sutil. Importan el romance, vagamente sinuoso, y el alud de sentimientos con las tildes mal colocadas. «Esto es Guinea Ecuatorial y sin permiso hemos venido a fornicar», vendría a ser el poético cántico de colono "aguerrido", o sea racista y empapado de alcohol, que se oye de tanto en tanto por entre los cacaoteros como una atávica letanía. La secuencia inicial es toda una declaración de intenciones. Kilian y una mujer presumiblemente indígena yacen juntos en una cama deshecha a zarpazos. Es de noche, y la lluvia repiquetea sobre ellos, y un claro artificial ilumina sus escorzos desnudos, y ya no quedan serpientes ni ataúdes. Alcanzado el clímax, lloran en silencio porque, me malicio, esta será la última vez que se encuentren así: recién traídos al mundo. Como dos fantasmas errantes en la ruta de la seda descrita por Baricco, pero sin ese diván improvisado que sugiere la literatura con su carrusel de imágenes personalizadas, siempre distintas y siempre cambiantes según el estado de ánimo del lector merced al momento en que se disfruten/padezcan. Él es Mario Casas y ella, Berta Vázquez, a la que reconocerán (o no) por su trabajo en Vis a vis, donde interpreta a La Rizos en un San Quintín ibérico lleno de mujeres tras la pista de un tesoro perdido. No hablamos ya de libertad, que también, sino de algo aún más democrático: la huida sin mirar atrás, visa mediante.

por Anónimo
diciembre 24, 2015

Crítica | Palmeras en la nieve

por Anónimo | diciembre 24, 2015

La Academia ha publicado una nueva shortlist de la categoría de mejores efectos visuales. Se caen En el corazón del mar, Furious 7 y Jupiter Ascending. Siguen otros filmes cuya presencia de CGI es mucho menor como El renacido o Ex machina.

■ Ant-Man
■ Vengadores: La era de Ultrón
■ Ex machina
■ Jurassic World
■ Mad Max: Furia en la carretera
■ Marte
■ El renacido
■ Star Wars: El despertar de la Fuerza
■ Tomorrowland
■ The Walk

por Emilio M. Luna
diciembre 24, 2015

10 películas entran en la shortlist de la categoría de mejores efectos visuales de los Oscars 2016

por Emilio M. Luna | diciembre 24, 2015

Phoenix Film Critics Society (PFCS, 2000).

■ Mejor película: Spotlight, de Tom McCarthy.
■ Mejor director: Ridley Scott por Marte.
■ Mejor actor: Leonardo DiCaprio por El renacido.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Mark Rylance por El puente de los espías.
■ Mejor actriz de reparto: Alicia Vikander por La chica danesa.
■ Mejor guion original: Inside out.
■ Mejor guion adaptado: La gran apuesta.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: Él me llamó Malala.
■ Mejor película extranjera: El hijo de Saúl de Lázsló Nemes (Hungría).
■ Mejor fotografía: Emmanuele Lubezki por El renacido.
■ Mejor diseño de producción: Colin Gibson por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor película más desapercibida: Yo, él y Raquel.
■ Mejor montaje: Margaret Sixel y Jason Ballantine por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejores efectos visuales: Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor soundtrack: El puente de los espías.
■ Mejor intérprete joven: Jacob Tremblay por La habitación.
■ Mejor intérprete revelación: Alicia Vikander por Ex machina.
■ Mejor canción: See you again de Furious 7.
■ Mejor reparto: Spotlight.

Vancouver Film Critics Circle (VFCC, 2000).

■ Mejor película: Spotlight, de Tom McCarthy.
■ Mejor director: George Miller por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor actor: Michael Fassbender por Steve Jobs.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Mark Rylance por El puente de los espías.
■ Mejor actriz de reparto: Alicia Vikander por Ex machina.
■ Mejor guion: Charlie Kauffman por Anomalisa.
■ Mejor película documental: Amy de Asif Kapadia.
■ Mejor película extranjera: The assassin de Hou Hsiao Hsien (Taiwán).

Utah Film Critics Association (UFCA, 2005).

■ Mejor película: Mad Max: Furia en la carretera, de George Miller.
■ Mejor director: George Miller por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor actor: Leonardo DiCaprio por El renacido.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Sylvester Stallone por Creed.
■ Mejor actriz de reparto: Rose Byrne por Espías.
■ Mejor guion original: Inside out.
■ Mejor guion adaptado: Marte.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: The Hunting Ground.
■ Mejor película extranjera: Timbuktú de Abderrahmane Sissako (Malí).
■ Mejor fotografía: John Seale por Mad Max: Furia en la carretera.

Florida Film Critics Circle (FFCC, 1996).

■ Mejor película: Mad Max: Furia en la carretera, de George Miller.
■ Mejor director: George Miller por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor actor: Paul Dano por Love and mercy.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Oscar Isaac por Ex machina.
■ Mejor actriz de reparto: Kristen Stewart por Viaje a Sils María.
■ Mejor guion original: Spotlight.
■ Mejor guion adaptado: La gran apuesta.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: Amy.
■ Mejor película extranjera: The assassin de Hou Hsiao Hsien (Taiwán).
■ Mejor fotografía: John Seale por Mad Max: Furia en la carretera..
■ Mejor diseño de producción: Colin Gibson por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor dirección artística: Carol.
■ Mejor revelación: Daisy Ridley por Star Wars: El despertar de la fuerza.
■ Mejores efectos visuales: Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor soundtrack: Love and mercy.
■ Mejor reparto: Spotlight.

por Emilio M. Luna
diciembre 24, 2015

'Mad Max' (con victorias en Utah y Florida) y 'Spotlight' (ídem en Vancouver y Phoenix) siguen su duelo en los Premios de la Crítica

por Emilio M. Luna | diciembre 24, 2015

El cíclope entrañable

Retrospectiva dedicada a Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack en la 63ª edición del Festival de Cine de San Sebastián.

Y llegó el final del ciclo dedicado a estos dos grandes directores, Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, y el de esta edición número 63 del Festival de Cine de San Sebastián. Era inevitable sentir un poco de tristeza al tiempo que una gran alegría por haber podido disfrutar de esta maravillosa colección de películas que casi con toda seguridad jamás volveremos a ver en una pantalla de cine. Pudimos asistir a otras proyecciones, hasta dio tiempo para vivir un día inmerso en el devenir normal del festival: el de las películas a competición y aquellas en otras secciones que todos esperaban ver en colas interminables. Era extraño pasar de una sala pequeña semi vacía a un teatro inmenso abarrotado de público, espectadores ávidos de la última novedad pero impermeables al pasado que levantó y ayudó a crear ese universo maravilloso del cine que se desplegó durante ocho días intensos y emocionantes. Una organización eficaz y atenta, una ciudad volcada con su festival que sabe amarlo hasta cuando señala algo que no le gusta y una retrospectiva ejemplar de la que solo lamentaríamos la pobre calidad de algunas de las copias exhibidas. Fue hermoso poder admirar a Fay Wray en todo su esplendor, a Albert Dekker encarnando al más frágil de los científicos locos, al gorila más impresionante de todos los tiempos, a Leslie Banks como el conde más sádico al que jamás podríamos enfrentarnos y a ese aventurero inasequible a la derrota y siempre sonriente que solía ser Robert Armstrong en los filmes de Cooper y Schoedsack. La fascinación de mundos misteriosos y tierras inhóspitas y vírgenes por hollar desplegándose ante nuestros asombrados ojos con el amor y la pasión de los pioneros, con su inocencia y candidez también, pero jamás distante o ajena al sentir profundo del ser humano enfrentado con lo salvaje, con lo desconocido, con lo más oscuro y lo más brillante que anida en el corazón de los hombres. Películas que encierran verdad en cada uno de sus fotogramas porque nacen de una mirada que no renuncia en ningún momento a buscarla. Terminan nuestros días en el festival y toca enfrentarse a la realidad. Nunca nos pareció tan fría, pero al tiempo pocas veces nos sentimos con tanta fuerza para enfrentarla como al final del ciclo dedicado a esos dos héroes del cinematógrafo que fueron Cooper y Schoedsack.

En esta última entrega de las reseñas de todas las películas que han compuesto la retrospectiva clásica de este año, abrimos con un filme heredero del colosal italiano mudo, de esas películas “de romanos” que cimentaron una época gloriosa del cine de este país hasta que su trono fue arrebatado por el nuevo titán norteamericano, pero también del cine de desastres y las películas bíblicas que siempre han fascinado a Hollywood. Continuamos con una de las más maravillosas y entrañables películas de ciencia ficción protagonizada por el ya clásico carácter dentro del género del científico loco con anhelos de conquistar el mundo y domeñar a la humanidad. O enriquecerse hasta el tuétano, que es lo mismo. Después asistiremos a un ejemplo diáfano de cinta de serie B de aventuras tan encantadora como carente de medios. Y terminaremos con un documental, este no realizado por ellos sino dedicado a repasar su vida y obra tomando como protagonista a Merian C. Cooper y sus desbordantes carrera y personalidad, si bien para hablar de él jamás se podría olvidar nombrar a su eterno compañero Schoedsack. Iniciemos ya juntos, si así os place, este postrero paseo.

por José Luis Forte
diciembre 23, 2015

63SSIFF | Retrospectiva Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack (V)

por José Luis Forte | diciembre 23, 2015

La sinfonía del 2015

Anuario 2015 | Las 10 mejores bandas sonoras del año.

El marcado carácter narrativo de los scores nos hacen diferenciar de maneras significativas lo que, por una parte representa una buena música de cine, y por la otra, lo que debe ser una adecuada e incidental banda sonora. Es llamativo, y cada día más evidente, comprobar como la integración cinética del sonido en las películas ya no pueden delimitarnos solo al análisis individual o anexo de una partitura fuera del contexto fílmico al que deben aplicarse. Precisamente por esto, en el repaso de lo que han sido algunas de las mejores composiciones del curso 2015 para cine hemos querido destacar, en la manera de lo posible, obras analizadas tanto en derredor del conjunto audiovisual al que pertenecen, como en los valores musicales de construcción melódica y orquestal de su escucha. El 2015 parece ser el regreso de una música sinfónica con mayor determinación extra diegética y un renacimiento interesante por las instrumentaciones envolventes con claro protagonismo en las películas. En este apartado destacamos por derecho propio al compositor Michael Giacchino, que nos ha brindado hasta cuatro scores este año (Jupiter Ascending, Tomorrowland, Jurassic World, Inside Out), dentro de su labor de compositor en progreso y casi único heredero natural de los estallidos musicales de la era Williams. De todos ellos, resaltaría su interesante música para Inside Out, en la que ofrece un variado repertorio de cálidas notas jazzísticas con elegantes paralelismos a Henry Mancini y bellas melodías de carácter sentimental arropadas por un gran uso del piano y un tema principal extraordinario. Más que posible nominación al Oscar.

Al hablar de Giacchino resulta imposible no mencionar a John Williams, el maestro vuelve después de un pequeño descanso por problemas de salud con la nueva entrega de Star Wars dejándose la piel en una brillante banda sonora capaz de integrar la continuidad de temas anteriores de la saga con novedosas melodías que logran hacer de The Force Awakens un score radiante que, aun sonando familiar, parece fluir como algo nuevo. Destacaríamos sobre todo el track Rey´s Theme, ejemplo de contratema de personaje donde lo retentivo, lo lirico y épico nos ofrece ese Williams clásico que tanto echábamos de menos. Este año ha sido también la consolidación de Alexandre Desplat (tras su merecido Oscar por El gran hotel Budapest). El francés encadena proyectos con firmes propósitos de autor y profesionalidad sabiendo mimetizarse a todo tipo de obras, géneros o estilos, sin renunciar nunca a su particular universo sonoro. Para nosotros, sin duda, The Danish Girl es su mejor obra del curso: hermosa, suave, ambiental y delicada. Nos devuelve al Desplat más cercano a los tiempos de La joven de la perla, principalmente marcado en el corte The Mirror, uno de los temas imprescindibles del año.

por David Tejero Nogales
diciembre 23, 2015

Las 10 mejores bandas sonoras del 2015

por David Tejero Nogales | diciembre 23, 2015

Comprensión y denuncia

Especial Festival de Sundance 2016 | U.S. Documentary Competition.

Asomarse al escaparate documental de Sundance puede resultar un ejercicio tan interesante como arriesgado, sobre todo si no estamos dotados de una entereza a prueba de historias tan dramáticas como la de Audrie y Daisy, (Audrie & Daisy). Los directores Bonni Cohen y Jon Shenk nos introducen por completo en el sórdido y despiadado mundo del ciberbullying. Explorando la historia de las dos chicas que dan título al filme, los realizadores proceden a narrar, a golpe de testimonio, esta (re)construcción de unos hechos que nos enfrentarán de nuevo al mundo de las redes sociales y al gran problema de la educación adolescente en el primer mundo. La problemática pubertad siempre nos ha ofrecido historias tan escalofriantes y descorazonadoras como la de J.T. Leroy, un joven hijo de puta (literalmente y sin ánimo de frivolizar en el doble sentido), que posteriormente también se dejaría arrastrar por el mundo del comercio sexual a causa de una infancia turbulenta llena de abusos y sin ningún modelo ejemplar al que aferrarse. La novela autobiográfica, Sarah, helaba la sangre de millones de lectores, que encumbraron la prosa de Leroy a la exclusiva y admirada categoría de culto. No obstante, seis años después, se descubrió que ese introvertido autor no se trataba sino del alter ego de Savannah Knoop, la verdadera escritora de una historia completamente sacada de su fantasiosa imaginación. Jeff Feuerzeig muestra, con Author: The JT LeRoy Story, el revuelo montado por el fraude que rompió el corazón de miles de admiradores y el de productoras y editoriales, que no dudaron en presentar acciones legales al asumir la caída de su mártir icono.

Siguiendo con la educación de los “jóvenes problemáticos” Keith Fulton y Lou Pepe presentarán The Bad Kids, una cinta que explora las diferentes e insólitas técnicas educativas adquiridas, en un instituto de una remota población del Desierto de Mojave, por los profesores con el fin de garantizar una alternativa al oscuro futuro que se prevé para los adolescentes. No mucho más claro lo vio el jugador de fútbol americano Steve Gleason cuando, con 34 años, los médicos le diagnosticaron ELA y le dieron una esperanza de vida de dos a cinco años. En una enorme demostración de coraje, el deportista optó por saltarse el autocompadecimiento y se dedicó por completo a su familia y a tratar de ayudar a futuros jóvenes que, como él, padecieran esa enfermedad degenerativa. Gleason es el homenaje que Clay Tweel ha ofrecido al jugador de Nueva Orleans. Y como estas secciones siempre suelen discurrir entre los extremos sociales más asombrosos, de un caso de valentía extrema, pasamos ahora, con Holy Hell, a otro caso de extremismo fundamentalista, gracias al testimonio de un realizador que decidió unirse y capturar, durante 20 años, las vicisitudes diarias de una secta religiosa y los secretos más oscuros —y promesas más disparatadas— con los que los líderes espirituales consiguen atrapar a miles de ingenuos adeptos que llegarán a convertirse en fieles devotos.

por Alberto Sáez Villarino
diciembre 22, 2015

Especial Festival de Sundance 2016 (II) | U.S. Documentary Competition

por Alberto Sáez Villarino | diciembre 22, 2015

La dirección de la Berlinale ha liberado los primeros trece títulos que compondrán el apartado dedicado a óperas primas y segundas películas con temática juvenil. A destacar la vuelta de la neozelandesa Tammy Davis, que ya estuvo en Generation 14Plus en 2010 con Ebony Society, y la chilena Las plantas, de Roberto Doveris. Conoceremos el resto de filmes a mitad de enero.

Generation 14plus

■ Ani ve snu!, dirigida por Petr Oukropec (República Checa).
■ Born to Dance, dirigida por Tammy Davis (Nueva Zelanda).
■ Girl Asleep, dirigida por Rosemary Myers (Australia).
■ Las plantas, dirigida por Roberto Doveris (Chile).
■ Sairat (Wild), dirigida por Nagraj Manjule (India).
■ Triapichniy Soyuz (Rag Union), dirigida por Mikhail Mestetskiy (Federación Rusa).
■ What’s in the Darkness, dirigida por Yichun Wang (China).

Generation Kplus

■ ENTE GUT! Mädchen allein zu Haus, dirigida por Norbert Lechner (Alemania).
■ Genç Pehlivanlar (Young Wrestlers), dirigida por Mete Gümürhan (Turquía).
■ Rauf, dirigida por Barış Kaya, Soner Caner (Turquía). 
■ Siv sover vilse (Siv Sleeps Astray), dirigida por Catti Edfeldt, Lena Hanno Clyne (Suecia).
■ Ted Sieger’s Molly Monster – Der Kinofilm, dirigida por Ted Sieger, Matthias Bruhn, Michael Ekbladh (Alemania).
■ Zud, dirigida por Marta Minorowicz (Alemania).

por Emilio M. Luna
diciembre 22, 2015

Berlinale 2016 | Se anuncian las primeras películas de la sección Generation

por Emilio M. Luna | diciembre 22, 2015

«Fritz Lang es uno de los grandes directores de la historia de Alemania. Estoy especialmente emocionado de ofrecer a nuestro público la oportunidad de descubrir su primera obra maestra, Las tres luces (1921), en una brillante y nueva restauración digital (a cargo de la Murnau Foundation desde un duplicado del máster alojado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York) acompañada por una excelente partitura musical», afirmaba orgulloso Rainer Rother, director de programación de las Retrospectivas del certamen germano y también máximo directivo del Deutsche Kinemathek. Y así será. El 12 de febrero en el Friedrichstadt-Palast se proyectará, en plena celebración de la 66ª entrega del Festival Berlín, la primera gran película de uno de los genios del cine mundial. Lo hará en alta definición, respetando su tonalidad original (a cargo de Bruno Mondi, Erich Nitzschmann, Herrmann Saalfrank, Bruno Timm, Fritz Arno Wagner), el blanco y negro, ya que para su estreno en salas fue tintado y tonificado. Por tanto, estamos ante una nueva vida del clásico protagonizado por Lil Dagover, Walter Janssen, Bernhard Goetzke y Rudolf Klein-Rogge. El filme, además, contará una nueva banda sonora, creada por Cornelius Schwehr, compositor de Friburgo, y auditada por el canal ZDF/ARTE. En su exhibición, la orquesta será dirigida por Frank Strobel, que ya puso sonido a la restauración de Octubre de Sergei Eisenstein el pasado año. Estamos, de esta manera, ante un acontecimiento único del que esperemos que tomen nota las Filmotecas y Cinetecas españolas.

por Emilio M. Luna
diciembre 22, 2015

La Berlinale 2016 proyectará la versión restaurada de 'Las tres luces' (Der müde Tod, 1921), la primera obra maestra de Fritz Lang

por Emilio M. Luna | diciembre 22, 2015

St. Louis Gateway Film Critics Association (SLFCA, 2004).

■ Mejor película: Spotlight, de Tom McCarthy.
■ Mejor director: Tom McCarthy por Spotlight.
■ Mejor actor: Leonardo DiCaprio por El renacido.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Sylvester Stallone por Creed.
■ Mejor actriz de reparto: Alicia Vikander por Ex machina.
■ Mejor guion original: Thomas McCarthy, Josh Singer por Spotlight.
■ Mejor guion adaptado: Drew Goddard por Marte.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: Amy de Asif Kapadia.
■ Mejor película extranjera: Goodnight mommy de Severin Fiala y Veronika Franz (Austria).
■ Mejor fotografía: Emmanuele Lubezki por El renacido.
■ Mejor diseño de producción: Colin Gibson por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor música: Ennio Morricone por Los odiosos ocho.
■ Mejor montaje: Margaret Sixel y Jason Ballantine por Mad Max: Furia en la carretera.
 ■ Mejores efectos visuales: Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor soundtrack: Love and mercy.
■ Mejor comedia: Trainweck.
■ Mejor escena: El renacido.

Kansas City Film Critics Circle (KCFCC, 1967).

■ Mejor película: Mad Max: Furia en la carretera, de George Miller.
■ Mejor director: George Miller por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor actor: Leonardo DiCaprio por El renacido.
■ Mejor actriz: Charlize Theron por Mad Max: Furia en la carretera.
■ Mejor actor de reparto: Michael Shannon por 99 homes.
■ Mejor actriz de reparto: Alicia Vikander por Ex machina.
■ Mejor guion original: Thomas McCarthy, Josh Singer por Spotlight.
■ Mejor guion adaptado: Adam McKay, Charles Randolph por La gran apuesta.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: Amy de Asif Kapadia.
■ Mejor película extranjera: Phoenix de Christian Petzold (Alemania).
■ Premio Vince Kohler: Ex machina.

Nevada Film Critics Society (NFCS, 2006).

■ Mejor película: Spotlight, de Tom McCarthy.
■ Mejor director: Alejandro G. Iñárritu por El renacido.
■ Mejor actor: Leonardo DiCaprio por El renacido.
■ Mejor actriz: Brie Larson por La habitación.
■ Mejor actor de reparto: Tom Hardy por El renacido.
■ Mejor actriz de reparto: Alicia Vikander por Ex machina.
■ Mejor reparto: Spotlight.
■ Mejor guion original: Thomas McCarthy, Josh Singer por Spotlight.
■ Mejor guion adaptado: Emma Donoghue por La habitación.
■ Mejor película de animación: Del revés (Inside out) de Pete Docter.
■ Mejor película documental: Amy de Asif Kapadia.
■ Mejor fotografía: Emmanuele Lubezki por El renacido.
■ Mejor diseño de producción: Brooklyn.
■ Mejores efectos visuales: Ex machina.

por Emilio M. Luna
diciembre 22, 2015

Spotlight vence en los premios de la crítica de Nevada y San Luis; Mad Max en Kansas

por Emilio M. Luna | diciembre 22, 2015

Ver póster.

El 14 de enero llegará a Italia la nueva película de Giuseppe Tornatore con, de nuevo, reparto internacional pero un estilo inconfundible. Con la dirección de fotografía de Fabio Zamarion y la música del gran Ennio Morricone. Produce Paco Cinematografica.

por Emilio M. Luna
diciembre 21, 2015

Vuelve Giuseppe Tornatore con el tráiler de 'La Corrispondenza', protagonizada por Jeremy Irons y Olga Kurylenko

por Emilio M. Luna | diciembre 21, 2015

La siembra independiente del 2016.

Especial Festival de Sundance 2016 | U.S. Dramatic Competition.

Del 21 al 31 de enero se celebrará la 33ª edición del Festival de Sundance, el primer gran certamen del 2016 que nos presentará a algunos de los títulos protagonistas durante los siguientes doce meses. Esta nueva entrega del célebre evento dirigido por el eterno Sundance Kid, Robert Redford, buscará retomar el camino perdido este año, con títulos de muy buen nivel pero que han pasado bastante desapercibidos tanto en su recorrido europeo como en su estreno comercial. Y es que la etiqueta Sundance ya funciona como un subgénero del drama y la comedia, y no siempre en términos positivos. Es por ello que el festival necesita con urgencia una renovación en sus apartados principales y no estancarse en el simple estilema impostado. De las últimas selecciones de sección oficial, la U.S. Dramatic Competición, la de 2015 es la que más críticas ha recibido a posteriori. Prueba de ello es su escasa relevancia en los premios destinados al cine independiente.

Todo comenzó con su ganadora: la emotiva e infravalorada Yo, él y Raquel (Me and Earl and the dying girl). Su paso por Park City fue un auténtico cañón. El público y la crítica se entregaron a la segunda película de Alfonso Gomez Rejon; el jurado así también lo estimó con los galardones de Gran Premio del Jurado y premio del público. De este modo, el filme emulaba a la hazaña de Whiplash un año antes y le auguraba el mismo recorrido que a la ópera prima de Damien Chazelle con un broche en forma de nominación al Óscar. Desgraciadamente, todas esas alabanzas se quedaron en Utah. Sus screenings por el resto del país y las reseñas tibias provenientes de algunos festivales anunciaron que estábamos ante una ganadora menor. Fox Searchlight Pictures la estrenó en junio, en temporada baja. Su acogida en el viejo continente fue más que positiva pero sin ruido. Algo que también le ha ocurrido a otro filme de temática adolescente, The Diary of Teenage Girl, hit en Park City difuminado en lugares como Berlín, Zúrich o Gijón. Esta misma línea han seguido propuestas como The result, Unexpected, The overnight, I smile back (que, eso sí, podría otorgarle una nominación al Óscar a su protagonista, Sarah Silverman), Z for Zachariah o Dope. Largometrajes interesantes pero de impacto medio-bajo. Mucho peor les fue a obras como la comedia The D Train, The Stanford Prison Experiment, Stockholm, Pennsylvania o People, places, things, machacados por la prensa y con ratios por salas demasiado pobres para películas presentes en una sección oficial. Falta por testear el alcance de The Witch, que llegará a Estados Unidos y Europa durante el primer semestre de 2016. Con seguridad, será todo un éxito, el debut de Robert Eggers es un caballo ganador, como demostró en Sitges. No será la única. The Bronze (que llegará a USA en marzo) y el sci-fi Advantageous (y su posible arribo a Europa) son algunas de las incógnitas aún por resolver.

por Emilio M. Luna
diciembre 20, 2015

Especial Festival de Sundance 2016 (I) | U.S. Dramatic Competition

por Emilio M. Luna | diciembre 20, 2015