Microcosmos de violencia

crítica a The Tribe (Plemya, Miroslav Slaboshpitsky, Ucrania, 2014).

Si la adolescencia ya es de por sí un campo minado gobernado por leyes no escritas, complejos códigos de conducta y pulsiones que campan a sus anchas atrincherándose por los diferentes órganos del cuerpo, imaginemos a un grupo de jóvenes sordomudos en un centro escolar aislado donde el crimen se institucionaliza como modus vivendi y la ética brilla por su ausencia. ¿No parece una opción demasiado pragmática a la hora de sobrevivir, verdad? Un entorno salvaje, desangelado y sórdido, de tintes deshumanizados es el escenario que el ucraniano Miroslav Slaboshpitsky escogió para contarnos The tribe (Plemya en su versión original), un largometraje denso y pesado de más de dos horas de duración que salió de la Semana de la Crítica de Cannes con el premio a Mejor Película. La premisa de esta, a priori, original ópera prima era perseguir a su protagonista Sergey (Grugoriy Fesenko) por un mar de simétricos y estáticos planos secuencia que nos muestran la vida y el día a día en esta cruenta institución en la que el muchacho es internado. El instituto es la metáfora de una pequeña ciudad sin ley donde los más fuertes se comen a los débiles y la compasión no existe.

Es necesario puntualizar previamente que nos hallamos ante una cinta única en su especie y nada sencilla en su visionado, puesto que se presentaba como la primera ficción cinematográfica de la historia interpretada en su totalidad por un reparto de personas sordomudas, y, por lo tanto, narrada a lo largo de todo su desarrollo en lenguaje de signos. Esto podría constituir un valor añadido o dibujar un esqueleto narrativo original, pero lo cierto es que The tribe se queda en agua de borrajas, salvando un par de momentos tremendistas donde gobiernan el instinto y el impulso físico. La película nos sume en un silencio casi absoluto, sin banda sonora ni ningún tipo de música de acompañamiento, y es por eso que todo el peso narrativo y expresivo de la historia recae en el lenguaje corporal y silente, que provoca que el filme articule un universo de emociones propio, pero que lo deja un tanto huérfano de diálogo al hallarse exento de subtítulos. Los planos en los que la carga dramática se concentra en la gestualidad y la comunicación no verbal son un poco más digeribles para el espectador, pero éstos se intercalan con otros de varios minutos de duración en los que presenciamos conversaciones en lengua de signos de las que apenas podemos extraer información alguna, lo cual hace que su transcurso discurra a trompicones y la mayoría de pasajes resulten arduos y frustrantes, estériles en cuánto a contenido y además, bastante pobres a nivel estético. En definitiva, si al comienzo del filme nos inyectasen un suero de paciencia, no quedaría nada de él al rebasar la primera hora de metraje.

por Anónimo
diciembre 26, 2014

Crítica | The Tribe

por Anónimo | diciembre 26, 2014

Homo homini lupus

crítica a White God (Fehér isten, Kornél Mundruczo, Hungría, 2014).

Si alguien me preguntase qué tienen en común Corre, Lola, corre (1998), Lilya Forever (2002), Closer (2004), Shortbus (2006), Canino (2009), Shame (2011) o esta reciente White God (2014) de la que voy a hablar a continuación con irremediable entusiasmo, reconocería que comparten escasas similitudes, a excepción de que todas ellas forman parte de mi lista de películas favoritas y tienen algo en su esencia que a mi parecer las hace diferentes, especiales y perdurables en el tiempo, algunas de ellas admirables y transgresoras en su género y argumento. Todas las aquí nombradas poseen secuencias y momentos que, de una u otra manera, siempre acaban volviendo a mi memoria sin pretenderlo, como el catecismo a la cabeza de un monaguillo o las olas a la retina del surfero. Violenta, genuina y áspera aterrizaba en las pantallas del festival Cineuropa esta magnífica y rabiosa White God (Fehér isten en su título original), sexto filme del cineasta Kornél Mundruczo, con los alicientes de haber sido laureada en la última edición de Cannes como mejor película de la sección Un Certain Regard y de ser la próxima representante húngara de cara a los Oscars de 2015.

Definir en pocas palabras el envoltorio, el argumento e incluso el género mismo de esta cinta tan peculiar se me antoja complicado, precisamente porque Mundruczo da pie a un amplio abanico de interpretaciones y lecturas; y amparada en una estética oscura y urbana de regusto tormentoso, incluso apocalíptico, construye un atrapante juego mental para el espectador del que no es nada sencillo salir. Apostando por un camino difícil y pocas veces recorrido en el séptimo arte, el director nos inyecta en vena un drama subversivo mezclado con acción trepidante que funciona en nuestra mente como un cóctel molotov de desamparo, pánico, venganza e instinto de supervivencia. Así, esta White God, impactante y ruda de principio a fin, gira las tornas habituales en términos de elenco para situar a un can sin pureza de raza y sus camaradas callejeros como protagonistas de la historia, cuestionando desde los primeros instantes si es el hombre merecedor de llamarse mejor amigo del perro, y empleando el paso de la trama para (de)mostrar la crueldad tiránica y las relaciones de dominación y autoridad que son el pan de cada día de una sociedad deshumanizada: la nuestra, claro. Las preguntas en torno a la desembocadura de este río de sangre serán muchas, pero sin duda nos sentiremos partícipes de esta particular toma canina de la Bastilla extendida por los barrios aquineos, un ladrido desde el cine en el que caben todas las minorías étnicas, raciales y espirituales del mundo. Porque, a pesar de que las cámaras de Mundruczo apunten hacia la rebelión de los chuchos, en el mordaz punto de mira del húngaro está ese autoencumbrado hombre blanco, como emblema de falsa superioridad moral. Y bajo su subyugación, el resto de seres enjaulados que protagonizan esta película.

por Anónimo
diciembre 21, 2014

Crítica | White God

por Anónimo | diciembre 21, 2014

Obsesión, sexo y fatalismo a la francesa

crítica a La habitación azul (La chambre bleue, Mathieu Amalric, Francia, 2014).

Comenzar a ver La habitación azul, el nuevo largometraje de Mathieu Amalric, es sumergirse en un óleo desaliñado donde el azul manda; zambullirse en un thriller elíptico e hipnótico donde convive un tono sensual, fatalista y burlesco distanciado, por fortuna, de la frialdad propia de sus colegas de género. La historia facturada en esta ocasión por el director de la laureada en Cannes Tournée (2010), que traslada del papel al celuloide la novela homónima de Georges Simenon, se subordina de pleno a un complejo formato de puzle, un relato en flashback encadenado de forma brillante que exige una elevada atención por parte del espectador. Estamos ante una obra inusual e intensa, rendida por completo a una estética fascinante y original hija de la Nouvelle vague y al imaginario de la pintura impresionista; una cinta que basa su magnetismo en la plasticidad de planos arrítmicos e irregulares y contrastes cromáticos agudos. Amalric inunda la música de significados evocadores, y buena muestra de ello es la primera secuencia surcada por la bella sinfonía de Grégoire Hetzel. También emplea con astucia la imagen como músculo vital de expresión, impregnándola de símbolos acerca de las intrigas acontecidas en torno a los frenéticos amantes protagonistas. Y les anticipo que el resultado global es una gran película que rompe el empobrecido corsé del thriller judicial que, dicho sea de paso, se usa más como pretexto que como cimiento, y que lejos de hacernos cavilar exclusivamente acerca del supuesto asesinato y pertinente investigación policial, ronda temas más profundos y psicológicos como la interrelación estrecha entre amor y odio, el pecado de la tentación extraconyugal y el destino inexorable, ese temible pathos tan propio de la literatura grecolatina ligado a los protagonistas. También es destacable la constante contraposición de dos deseos encontrados: la comodidad y cariño de la vida familiar y la irresistible atracción sexual que conduce a las ganas de huir. En medio de ambos anhelos, un hombre acorralado por las acusaciones ofensivas del juez y el réquiem sentimental en el que se ha visto implicado.

El arranque de La habitación azul nos aclara que estamos ante una cinta hipervitaminada y sometida a la máxima condensación, de saltos temporales regresivos tan arremolinados como simbólicos y ritmo veloz. La conversación inicial ya tiene un regusto, que desde el futuro del protagonista se nos antoja melancólico, incluso premonitorio. En la primera secuencia vemos a un hombre y a una mujer despojados de todo contexto externo a esa habitación azul de hotel que da nombre a la historia. Los observamos desearse sin tapujos, morderse con desesperación, desgastar sus cuerpos en una fiesta pirotécnica de hormonas, para luego intercambiar unas palabras de las que extraemos que su situación se trata de una aventura fuera de los lindes de sus respectivos matrimonios. «¿Si yo consiguiera la libertad, ¿te liberarías tú también?», fabulan los amantes en la penumbra tras el orgasmo, quién sabe si realmente enamorados o sugestionados por la euforia del momento. El caso es que el filme nos traslada de inmediato a un despacho de interrogatorios en comisaría, donde el misterioso y perplejo Julien, interpretado a la perfección por el propio Amalric, comienza a recapitular el comienzo de su idilio amoroso varios meses atrás. Mientras el juez de instrucción (Laurent Poitrenaux) le realiza preguntas con severidad para investigar un informe de autopsia cuyos datos desconocemos, Julien, turbado, se atasca para encontrar las palabras salvadoras que lo expíen de culpa, argumentando que «la vida es diferente cuando la vives que cuando la cuentas después».

por Anónimo
diciembre 04, 2014

Crítica | La habitación azul

por Anónimo | diciembre 04, 2014

La felicidad efímera

crítica a Girlhood (Bande de filles, Céline Sciamma, Francia, 2014)

Cuando las luces se apagaron y comenzaron los primeros minutos de proyección de Bande de filles, el tercer largometraje de la francesa Céline Sciamma, súbitamente se vienen a la cabeza reminiscencias a los libros de Rebeldes (llevado a la pantalla grande por Coppola) y La ley de la calle, ambos escritos por Susan E.Hinton. ¿Una simple coincidencia o una certera similitud en la manera de contagiar una historia? En este par de novelas dirigidas a adolescentes, la autora norteamericana contaba historias genuinas acerca de la supervivencia, las preocupaciones juveniles, los férreos vínculos de amistad y la problemática lucha de bandas callejeras. Volando entre sus páginas, Susan registraba con realismo esas sensaciones de plenitud, duelo, euforia y dolor que caracterizan a la etapa adolescente, con el mérito extra de hacernos entender realmente a los lectores las prioridades y códigos internos que rigen la existencia de sus protagonistas. El ansia de aceptación social y de liberación también caracterizan a Marieme (Karidja Touré), la protagonista de este largometraje que nos cuenta su historia, secuenciada mediante pantallazos en negro que representan los saltos temporales en esa franja de su vida. Nos hallamos frente a una chica que se nos antoja algo antipática, asilvestrada e incompleta, manchando por momentos de ternura, agresividad y obsesión por encajar su particular búsqueda de identidad. A sus dieciséis años, las prohibiciones constantes y los problemas familiares salpican de pesimismo el día a día de Marieme, sumadas al desencanto causado por su fracaso escolar y las implacables leyes de los chicos del barrio. Sin embargo, un encuentro fortuito con un trío de chicas de espíritu libre que coquetean con la ilegalidad, el alcohol y el abstentismo lo cambiará todo. Abandonando el instituto y tomando el nuevo nombre de Vic, relegando sus viejos chándals y su indumentaria masculina para adoptar el look que impera en el seno del grupo, la protagonista halla la felicidad adoptando este nuevo rol y sintiéndose aceptada por esta nueva pandilla, encabezada por la atractiva y deslenguada Lady.

Este puñado de chicas con coraza optan por el descaro, la fiereza y hasta la violencia para sobrevivir en esa jungla cualquiera que es el ajetreado entramado de calles donde habitan; ríen alto, hablan sin delicadeza, participan en peleas, alzan sus copas y sueñan con el París de la Torre Eiffel, los amores exquisitos y las compras lujosas. Y la vida se reduce a eso, a eludir prohibiciones, sentir la amistad como un potente motor de conexión humana y alcanzar el cénit de la libertad y la independencia, además de mantenerse en el puesto de reinas del mambo del barrio, no permitir que nadie les tosa y por supuesto, pasarlo de perlas, divertirse a todo trapo, pasar olímpicamente de ese espejismo llamado futuro. Carpe diem, carpe noctem. Hedonismo, nihilismo y un humanismo descarnado confluyen en otra película más de Sciamma, cuya aplaudida filmografía se esfuerza en desentrañar la configuración de la identidad de las mujeres a lo largo de su infancia y adolescencia, con más o menos acierto. Una nota común a su trilogía es la evolución, el cambio profundo que vivimos con sus protagonistas, el riesgo que asumen, los encarnizados obstáculos que sortean. Y en Bande de filles consigue ese realismo característico sobre todo en la primera parte del metraje, pues cierto es que en la segunda se desinfla y pierde un poco de fuelle. Sciamma traza con habilidad las luces y sombras de estas protagonistas juveniles encomendadas a buscar ese chispazo de felicidad efímera en un mundo plagado de problemas. La realidad es el mayor enemigo de esta banda de chicas, y adaptarse a los códigos que la calle impone, la única salida posible.

por Anónimo
noviembre 30, 2014

Crítica | Girlhood

por Anónimo | noviembre 30, 2014

¿Madre no hay más que una?

crítica a Goodnight Mommy (Ich seh, Ich seh, Severin Fiala, Veronika Franz, Austria, 2014).

Una de las sorpresas más gratas del festival Cineuropa llegaba con nombre de lúgubre y retorcida cinta de terror austríaca. A decir verdad, se echaba en falta una buena historia de tintes maquiavélicos y alma de thriller psicológico en esta edición, y, afortunadamente, en este largometraje hallamos un cóctel incendiario de drama familiar, pánico, turbación y conflictos identitarios manchados de tortura. Goodnight Mommy, título paradójico, juguetea con un espectador ávido e inteligente, explota al máximo los rincones de la lujosa vivienda de diseño donde acontecen los hechos y no renuncia a una violencia obscena y explícita casi gore que, sin embargo, nunca resulta gratuita. Tampoco desdeña la polarización en cuanto a sus personajes, ya que los contornos entre víctimas y verdugos se difuminan a lo largo de una narración con pulso y taquicardia que aprieta, estresa y nos conduce a una irremediable pulsión escópica, puesto que, aunque horrorizados y sorprendidos, no querremos apartar la mirada de la pantalla.

Deudora de ese tipo de violencia perturbadora y salvaje de obras maestras del séptimo arte como La naranja mecánica o la brillante Funny Games de Haneke, esta obra nos aprisiona dentro del lento tic-tac de un cuento de terror doméstico en el que los silencios pesan demasiado y mamá ya no da las buenas noches como antes. Nos trasladaremos a una casa donde los gatitos no son bien recibidos, donde es bastante complicado dormir tranquilo, y donde los juegos más divertidos son aquellos que acaban en ensañamiento. En definitiva, estamos ante una respuesta europea aguda y valiente para revitalizar con sangre fresca el panorama de un género de terror empachado en los últimos años de propuestas comerciales manidas y reiterativas, con guiones tan pobres y reciclados como la recientemente estrenada Annabelle o la absurda hispano-canadiense Mamá, por poner los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza. Así, Goodnight Mommy nos introduce desde su inicio en los terrenos de la somatización, la pérdida de control y las torturas más atroces, e incrementando progresivamente su potencial, plantea un argumento cruel e inquietante tras el cual es imposible no abrir debate. Cuestiona la maternidad de manera macabra, cambia al malo de bando y convierte la rutina cotidiana en un campo minado de enajenaciones mentales plagado de trampas.

por Anónimo
noviembre 30, 2014

Crítica | Goodnight Mommy

por Anónimo | noviembre 30, 2014

El extraño que vive en nosotros

crítica a Sorrow and Joy (Sorg og glæde, Nils Malmros, Dinamarca, 2013).

Nils Malmros recibía en esta edición del festival compostelano uno de los tres premios Cineuropa (los dos restantes caen en manos del productor Paolo Branco y de la actriz Barbara Lennie protagonista de Magical Girl). En su discurso previo al visionado de esta gélida y brillante Sorrow and Joy (Sorg og glæde en su danés original), este cineasta de la Europa septentrional, con más de una decena de títulos a sus espaldas, nos contaba que todas sus películas versan en el fondo sobre el amor no correspondido, la imposibilidad de amar o la necesidad de aprender a querer. Y nos advertía, con razón, de que su nueva obra no es una de esas historias que hacen sentir bien a los espectadores, pero que esperaba que este drama infundiese en nosotros una catarsis. Si existen filmes capaces de liberar la angustia que anida en su público o que funcionan como una pastilla para quitar penas colocada debajo de la lengua, este trabajo no pertenece a esa clase. Tras los créditos finales, regresaremos a la realidad con un considerable peso en los hombros y una comezón en las tripas, en parte porque Malmros confirma con serenidad lo autobiográfico de una historia capaz de estremecer al más imperturbable. Imposible no sentirse afligido o furioso ante lo que vemos, una odisea conyugal contada con acierto desde un distanciamiento estético y narrativo que la hace fría y a la vez sobrecogedora. El creador danés nos lleva de la mano a las peores cicatrices de su propio febrero de 1984, momento en el que su mujer, conducida por la enajenación mental, degolló a su hija de nueve meses en su hogar mientras el director impartía clase en una universidad en la isla de Fionia. Es paradójico el hecho de que a priori el argumento nos pueda resultar una losa insoportable, una idea incluso demasiado retorcida para germinar una película, y descubramos de antemano que precisamente, nos hallamos frente a una creación artística fruto del dolor y ula experiencia que desemboca en una cinta con ineludible trasfondo metacinematográfico. Un reflejo catártico de algo terrible, un intento de canalizar la rabia y demostrar la supervivencia del amor doméstico bajo las peores circunstancias. Una triste alegoría que hace justicia a ese sabio dicho de que la vida sigue.

Partir de una vivencia tan traumática, tomar la decisión de llevarla al cine con otros nombres y escoger un tratamiento adecuado para que la historia permanezca pura y no se corrompa en un afectado melodrama o se empape de morbo ya es de por sí un ejercicio complicado. Malmros halla afortunadamente el tono adecuado y nos sumerge (y aquí el verbo sumergir es casi literal, porque visionar Sorrow and Joy es bajar a las profundidades abisales de un infierno cotidiano, y penetrar en el subconsciente y en la memoria de unos personajes perversos y destruidos) en un relato circular cuya sordidez reside en una marcada óptica impersonal. Malmros prefiere no adornar con artificios ni recursos lacrimógenos aquella fracción espantosa de su propia vida trasladada a la de otros y decide escribir un guión escandalosamente perturbador, un texto inteligente que nos horroriza primero con la consciencia de la trágica muerte de Marie y luego nos permite desentrañar los altibajos matrimoniales, el trastorno bipolar y la alexitimia emocional que atraviesa la relación de pareja. Precisamente, el poso que deja el filme al finalizar se fundamenta más en el amor que en la tragedia, en ese amor enfermo, vapuleado y flaco que sobrevive a meses de pesadilla e insomnio. Los escenarios semiluminados, las potentes secuencias invernales, los colores gélidos y los días oscuros que bajo la dirección fotográfica de Jan Weincke acogen los encuadres de la historia corroboran el estado psíquico de sus personajes y pesan en la retina del espectador.

por Anónimo
noviembre 25, 2014

Crítica | Sorrow and Joy, de Nils Malmros

por Anónimo | noviembre 25, 2014

Hecatombe blanca

crítica a Fuerza mayor (Turist, Ruben Östlund, Suecia, 2014).

Los esquimales pueden ver hasta treinta tipos de tonalidades de blanco. Para este pueblo, diferenciar cada minúsculo matiz de este color constituye un sistema fundamental de defensa y de supervivencia, mientras que para el occidental, que vive rodeado de croma, toda masa blanca resulta practicamente idéntica a las demás. A veces, es una situación cotidiana y anodina la responsable de visibilizar la eterna gama de grises que mancha el lienzo de una relación familiar que, lejos de lucir ese luminoso blanco que sus miembros intentan proyectar hacia fuera, de puertas para dentro esconde demonios, vilezas e imperfecciones. Con el objeto de demostrarnos que las familias felices no existen y dibujar un retrato lleno de sátira, vértigo y disección emocional llega Turist (Force Majeure —fuerza mayor— en versión francesa), el nuevo largometraje del sueco Ruben Östlund que, aunque aliñado con elegantes litros de humor negro, nos salpica de crítica rabiosa mediante una mayor carga dramática que cómica. Su sólido resultado se ampara en un triángulo compuesto por una estética arrolladora, unos diálogos como armas de doble filo, y un inteligente distanciamiento que obliga al espectador a cambiar sus juicios morales y ponerse en el papel de cada uno de los protagonistas. El comienzo nos traslada a una situación de lo más convencional, en la que un matrimonio encantador y adinerado con una hija y un hijo llega a un lujoso resort turístico en plenos Alpes franceses para disfrutar de unas vacaciones de relax y esquí. El primer y gran detonante del filme tiene forma de alud. Cuando varios huéspedes almuerzan algo en una terraza del complejo una avalancha se aproxima, aterrorizando a la multitud, pero quedándose finalmente en un susto. ¿Qué sucede durante? Ebba, la madre, cubre aterrorizada a los niños con sus brazos, mientras que Tomas, agarra su iPhone y sale corriendo, poseído por un irremediable instinto de supervivencia. Esta experiencia desagradable comenzará a agrietar las relaciones familiares de una forma irreversible, fenómeno que Östlund desmenuzará a lo largo de los siete días que forman este grotesco paréntesis vacacional. Un paraíso artificial que hará las veces de purgatorio bajo la nieve.

El director de Play envuelve Turist con un halo de tenebrismo en carne viva parecida al del mejor Michael Haneke, una irónica autopsia sentimental de la institución familiar con un aire a Thomas Vintenberg, y por encima de todo, conduce al espectador desde el minuto uno a un clima de incomodidad absoluta. Östlund nos fuerza a rendirnos a la dicotomía constante y a una crítica maliciosa que explora con humor los peores miedos de una burguesía europea que no soporta sentirse fracasada, avergonzada ni nerviosa. ¿Es el amor suficiente, la voluntad de haber formado una institución familiar sólida, la felicidad en torno a sus hijos lo suficientemente inquebrantable como para rescatar al matrimonio de esta crisis post-catástrofe? El planteamiento polarizado en torno a la familia nos remite a los conceptos respectivos de negación y condena, pues mientras Tomas niega los hechos acontecidos y es incapaz de aceptar su instintivo acto de cobardía, su esposa Ebba se obsesiona con el reproche constante y con que sus amigos comunes se suban al carro de emitir juicios éticos ante un marido cuyo ego ya tiene un pie en el precipicio. Así, la vida después del alud nunca volverá a ser la misma.

por Anónimo
noviembre 25, 2014

Crítica | Fuerza mayor, de Ruben Östlund

por Anónimo | noviembre 25, 2014

Una explosión de lenguaje

crítica a La historia de Marie Heurtin (Marie Heurtin, Francia, 2014), dirigida por Jean-Pierre Améris.

Pocas películas han sido capaces de transmitirúltimamente una carga emotiva y una sensación de plenitud tan intensa como La historia de Marie Heurtin. Y todo, a pesar de que, a priori, su argumento huela a cuento moralista católico y se acerque peligrosamente al reciclaje del mensaje de clásicos cinematográficos en torno a la discapacidad y el aprendizaje. Por el contrario, el resultado de su visionado fue completamente diferente a las expectativas generadas, y una buena muestra de que es necesario liberarse de todos los prejuicios posibles antes de ocupar la butaca para no perderse joyas tan interesantes como ésta que nos ocupa. El director Jean-Pierre Améris cuenta una fábula sobre el poder arrollador de la educación envuelta con esmero en un cuidado tratamiento estético de drama de época. Situada a finales del siglo XIX y rescatando del olvido esta historia tan asombrosamente real, el filme francés comienza por presentarnos a su dúo de valientes protagonistas, entregadas con esfuerzo espartano al cumplimiento de un desafío que al resto se le antoja imposible:

Marie es una niña invidente y sordomuda de catorce años (interpretada por la también sordomuda Ariana Rivoire, magnífica en este papel), cuyo proyecto de vida es complicado dada la incapacidad de sus progenitores para comunicarse con ella o transmitirle las mínima pautas sociales y educativas. De conducta salvaje como un animal asustado e incomunicado, y solamente capaz de calmarse cuando olfatea y toca su objeto preferido, un pequeño cuchillo metálico, Marie es todavía una niña capaz de encontrar una vía para expresar sus sentimientos, pero estigmatizada como discapacitada mental a ojos de la sociedad y la medicina de por aquel entonces. Sus padres, desesperados, deciden internarla en el convento de Larnay, donde es rechazada por la madre superiora al considerarla un caso demasiado complicado. Por otro lado, en dicha congregación religiosa reside la hermana Marguerite, (la otra piedra angular de la cinta, y excelente interpretación bajo el hábito por parte de Isabelle Carré) que apostará por intentar salvar a la niña y desentrañar sus gustos a través de la sensibilidad perceptiva y el lenguaje gestual. Toda una revolución de prioridades para la época decimonónica, pues Marguerite parece sentirse más “llena de gracia” mediante este labor empírica e innovadora, que entonando salmos o cultivando en el huerto. El empeño de esta mujer anticipada a su tiempo y motivada por una intensa vocación didáctica, será fundamental para que la pequeña Marie consiga salir de su aislamiento.

por Anónimo
noviembre 20, 2014

Crítica | La historia de Marie Heurtin

por Anónimo | noviembre 20, 2014

Atlas de geografía humana

crítica a Class Enemy (Razredni sovraznik, Eslovenia, 2013), dirigida por Rok Bicek.

La mayor sorpresa en lo que va de Cineuropa aterrizó en forma de cinta eslovena, perteneciente a la Sección Oficial, titulada Razredni Sovraznki (Class Enemy) y firmada por un joven y carismático Rok Bicek que a sus 28 años ya ha sido candidato al Premio Luigi de Laurentiis a la mejor ópera prima de la 70º Mostra de Venecia, certamen del que salió con el premio FEDEORA de la Semana de la Crítica. Desde las entrañas de su país natal luce su primer largometraje, candidata de la nación balcánica en la próxima entrega de los Óscar, engendrando una historia inspirada en vivencias personales, capaz de hablarnos al mismo tiempo de los problemas educativos, sociales, morales e interpersonales que atañen a un interesante grupo de personajes. Y lo hace partiendo de las dinámicas, revoluciones y guerras internas que surgen en la reducida aula de su instituto. La atmósfera de conflicto que se respira en cualquier escuela y la mezcolanza de inquietudes y perfiles que los alumnos exhiben son los puntos clave para generar un clima inicial que prepara al espectador para zambullirse en un intrincado torbellino psicológico.

El detonante inicial que marca el comienzo es la llegada de un nuevo profesor de alemán al instituto, el rígido y estricto Robert Zupan (Igor Samobor), que llega para suplir la baja de maternidad de la anterior maestra (Masa Derganc), de talante más dulce y permisivo con los escolares. Es importante apuntar que el responsable del naturalismo a raudales que emana de Class Enemy es un reparto mixto entre actores profesionales y alumnos escogidos por el propio director, ajustados a las características que demanda cada personaje. El mosaico de personalidades dibuja desde el comienzo un caleidoscopio genuino, donde no existen secundarios planos ni subordinados a la mera repetición de los típicos estereotipos de escuela de chico o chica matón, alternativo, estudioso o marginado, sino que el trío de guionistas (a Bizek se suman Nejc Gazvoda y Janez Lapajne) se ha esmerado en conseguir un microcosmos de roles complejos y llenos de matices que muestren actitudes contrastadas ante temas como la muerte, el nazismo, la voluntad de superación o el espíritu de cambio educativo.

por Anónimo
noviembre 20, 2014

Crítica | Class Enemy

por Anónimo | noviembre 20, 2014

Tres son multitud

crítica a El lobo detrás de la puerta (O lobo atrás da porta, 2013), dirigida por Fernando Coimbra. | ★★★★ |

El Antiguo Testamento constituye un catálogo plagado de bonitas premisas sobre como devolverle al prójimo la puñalada trapera. Desde el primitivo código de la Babilonia de Hammurabi a la Blutrache o venganza de sangre de los pueblos germánicos, pasando por diversos ordenamientos jurídicos que los países musulmanes conservan en la actualidad, la famosa Ley del Talión ha abogado por establecer cierta proporcionalidad entre el daño recibido en la afrenta y el daño infligido en el castigo posterior. Vamos, que el clásico “ojo por ojo, diente por diente” ha materializado en el subconsciente colectivo la justificación moral de una venganza idéntica al crimen causado, que suele ser más divertida e instintiva que poner la otra mejilla. Sin embargo, durante la puesta en marcha de nuestra vendetta, qué difícil nos resulta no aspirar a superar la cota de sufrimiento del otro, subir un poquito el nivel de maldad cuando devolvemos la pelota ensangrentada al campo contrario. Hay algo de liberador y de catártico en la venganza, e incluso los que nunca hacen uso de sus macabras posibilidades saben que una patadita, un minúsculo desencadenante de fatalismo o un navajazo invisible, calmaría su desconsuelo y les haría soltar parte del lastre.

En las relaciones personales más tóxicas, aquellas que mezclan sexo y chantaje, amor y violencia o sumisión y posesión, la venganza es una herramienta de uso común, un ring deslizante donde los amantes bailan, retozan y se tiran de los pelos, una pista de discoteca donde los contrincantes se ven obligados a dormir, como las liebres, con un ojo abierto. Esperando siempre ser más fuertes y más invencibles que el otro, pero nunca separarse de sus fauces. Una especie de Síndrome de Estocolmo doméstico que hace justicia a “lo que mal empieza, mal acaba.” Con un intenso tira y afloja entre las piezas básicas de su puzle comienza El lobo tras la puerta, el primer largometraje que he tenido ocasión de disfrutar en esta vigésimo octava edición de Cineuropa. Su primerizo creador, el brasileño Fernando Coimbra, trae un drama punzante ataviado de thriller que revuelve atracción fatal con desasosiego, mentiras conyugales con interrogatorios policiales, y exquisitos cambios de punto de vista narrativo que obligan a mantener la atención del espectador activa en todo momento. Este multiperspectivismo enriquece la obra, la llena de lecturas y la diferencia de otras coetáneas más lineales o simplonas, generando una singular propuesta a caballo entre el romance truculento, y un cuento de hadas maquiavélico, basado en un secuestro real acontecido en los años sesenta. Sin lugar a dudas, una grata sorpresa para comenzar el festival.

por Anónimo
noviembre 14, 2014

Crítica | El lobo detrás de la puerta

por Anónimo | noviembre 14, 2014