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    Turquía
    Turquía

    Stray cat strut

    Crítica ★★★★ de Kedi (gatos de Estambul) (Kedi, Ceyda Torun, Turquía, 2016).

    En la relación entre lo urbano y lo salvaje, la figura del gato constituye uno de los puntos de unión más ambiguos. El cambio constante en esta relación, a marchas forzadas por los cada vez más imparables procesos de expansión de las grandes urbes, tiende a generar sentimientos de pérdida. Cada metro cuadrado de naturaleza inalterada que claudica bajo el cemento puede ser percibido como un nuevo paso que nos aleja cada vez más de una armonía antigua. Quizá Pompoko de Isao Takahata sea una de las obras fílmicas que mejor recoja este tropo. La lucha de sus mapaches protagonistas por evitar la expansión de Tokio a sus verdes montañas contiene de forma clara la pugna (con la derrota prefijada) entre un Japón tradicional y mitológico y un nuevo Japón moderno y materialista. Ambos mundos se definen por infinidad de signos japoneses, pero la retórica de opuestos es universalmente reconocible. Los mapaches de Takahata, asumida la pérdida de su hábitat, solo disponen de dos opciones: el transformismo como forma de infiltración entre los humanos o la búsqueda de nuevas tierras aún no alteradas por ellos. La integración de las dos especies, como animales salvajes que son los mapaches, no es una posibilidad. Ahí radica, decíamos, lo especial del caso de los gatos. A priori, encajan en la categoría del animal doméstico. Esto es, aquel que ha adaptado su comportamiento a la vida urbana y sus normas. Pero la domesticación implica un proceso de sometimiento a dichas normas que termina convirtiendo al animal en dependiente de lo humano. Y ese es un proceso que el gato nunca termina de completar, ni en consecuencia de fijar en su genética: este pequeño felino tiene una capacidad única para convertir la ciudad y sus dinámicas internas en su propia jungla, en un ecosistema propio en el que el contacto con los humanos no es evitado sino integrado según sus propias reglas.

    Es decir, que el gato (y en especial el callejero) cuenta con el suficiente instinto cazador como para sobrevivir de forma independiente, pero a la vez con una capacidad para ahorrarse el molesto trabajo de conseguir alimento mediante la explotación del humano, como si el minino fuera consciente de su capacidad para fascinar a esa especie que dedica numerosas horas de su vida a la contemplación de vídeos protagonizados por sus sus congéneres (hay una lógica hilarante en que YouTube, la mayor canalizadora de la pasión por los vídeos de gatitos, sea una de las distribuidoras de Kedi). Y es la peculiaridad de esta relación humano-animal la que el documental que nos ocupa explora con una dedicación extraordinaria. Inspirada por los propios recuerdos de su infancia en Estambul, la directora Ceyda Torun nos presenta la capital turca como una ciudad en la que el fenómeno de los gatos callejeros, por su número y su perfecta integración en los barrios populares, supone una parte vital de la idiosincrasia del lugar. En su afán por trascender la mera condición de anecdotario, Kedi apuesta por la coralidad narrativa y por la supeditación de su fotografía a la perspectiva felina. Respecto a esto último, la cinta despliega su faceta más resultona en un logrado trabajo de cámara conducida por numerosos travellings de seguimiento a la altura del paso de los gatos e incluso una escena en la que se graba bajo el alcantarillado los (perezosos) intentos de caza de ratas de uno de sus protagonistas. Estos viajes entre los zapatos estambulíes se intercalan con amplios planos de drone que, ejerciendo como puntuaciones entre las diferentes microhistorias, recorren otro de los escenarios predilectos de los mininos: los tejados de la ciudad. Además, dan cuenta de la voluntad de Torun por elevar la entidad de sus imágenes a retrato social. Ahí entra en juego la coralidad que mencionábamos. Kedi se limita, libre cual felino, a deambular por la ciudad saltando de relato en relato, observando cómo, mientras sus protagonistas cuadrúpedos ensayan poses de eficaz indiferencia, sus contrapartes humanas proyectan sobre ellos inquietudes, afectos, necesidades de autoestima e incluso reflexiones teológicas. He ahí lo que hace de la experiencia de Kedi algo con mucha más sustancia que el vídeo de gatitos de ochenta minutos que puede parecer. Más allá de los momentos «ooooooh» (que los hay, inevitablemente), su interés radica en cómo descubre a los animales como extensiones de la personalidad de los humanos a la vez que en personalidades fuertes por sí mismas, una faceta que extrae de su observación detenida, tanto a través de sus planos como a través de los testimonios que recoge de sus diversos padrinos, hábiles conocedores de sus costumbres y maneras. Retratos felinos como el de la madre coraje, la celosa dominante o el pedigueño orgulloso son magnéticos, entre otras cosas, porque no resuelven el eterno dilema de hasta qué punto las personalidades (la propia raíz de la palabra ya es elocuente) de los gatos son auténticas expresiones de carácter o proyecciones de formas humanas de entender los comportamientos. O, como parece más posible, ambas cosas a la vez dada la propia integración del gato en los dominios humanos.

    por Miguel Muñoz Garnica
    julio 21, 2017

    Crítica | Kedi (Gatos de Estambul)

    por Miguel Muñoz Garnica | julio 21, 2017

    Cuando el infierno nos alcance

    crítica de Baskin (Baskin, Can Evrenol, Turquía, 2015).

    Cada vez son más los realizadores que, tras llamar la atención en festivales gracias a impresionantes cortos de género fantástico, los convierten en las semillas sobre las que edifican sus debuts en el largometraje. Esto, la mayoría de las veces, es un arma de doble filo, ya que crean altas expectativas, pero, al mismo tiempo, deben luchar contra la alargada sombra de la obra original y conseguir un resultado que no cree la sensación de corto alargado. Andrés Muschietti o David F. Sandberg, por ejemplo, se quedaron en tierra de nadie con sus versiones ampliadas de Mamá (2008) y Lights Out (2013), dos pequeñas perlas que, en escasos minutos, resultaron espeluznantes, pero que perdieron fuelle en su versión extendida al venderse a los convencionalismos propios del cine de terror de multisalas. El turco Can Evrenol causó sensación con su corto Baskin en el Festival de Sitges de 2013, relatando la pesadilla en la que se veían inmersos cuatro agentes de policía cuando acudían a una misión rutinaria, y también ha escogido volver sobre los pasos de aquella historia para construir su ópera prima, con la que regresó a la ciudad catalana dos años después, despertando aplausos y animadversiones a partes iguales, aunque, eso sí, siempre sin dejar indiferente a nadie.

    Baskin, al igual que el corto homónimo, presenta a una patrulla de policías (cinco, en este caso) durante una noche de servicio como tantas otras, en donde las conversaciones sobre fútbol o iniciaciones sexuales, salpicadas de un humor un tanto soez que es interrumpido, de manera abrupta, por un imprevisible estallido de violencia, parecen querer remitirnos a los primeros tiempos del cine de Tarantino –el de Reservoir Dogs (1992)–, pero sin acercarse al ingenio de los diálogos del cineasta de Knoxville. Cinco hombres de personalidades dispares, entre los que sobresalen el jefe Remzi (Ergun Kuyucu) y el agente más joven del grupo, Arda (Gorkem Kasal), con el que mantiene una estrecha relación de afecto y protección casi paternal, que ven como su rutinaria guardia se convierte en una auténtico infierno cuando acuden a una antiguo cuartel policial abandonado, en medio de un apartado lugar de pasado de lo más turbulento, después de recibir una llamada de socorro. Evrenol y su grupo de guionistas (tres, nada menos) no consiguen eludir la antes mencionada sensación de haber tenido que recurrir a relleno de metraje innecesario, sobre todo en su primera mitad, con una presentación de personajes demasiado dilatada, mucho diálogo superfluo e, incluso, un chirriante episodio pseudomusical en el interior del furgón policial, con los policías animándose a canturrear un tema que suena en la radio. Parece que a la película le cuesta entrar en materia, pese a que en el camino se cuelen un par de escenas impactantes –el prólogo son el niño y sus "terrores nocturnos"; el cruce de confesiones entre jefe y discípulo en la mesa del bar–, de las que logran que se te erice el vello y que sirven para sobrellevar con mayor interés un primer acto titubeante.

    por José Martín León
    septiembre 29, 2016

    Crítica | Baskin

    por José Martín León | septiembre 29, 2016
     Mustang de Deniz Gamze Ergüven

    De jaulas a pájaros

    crítica de Mustang (Denis Gamzer Ergüven, Francia, 2015).

    Nacemos como piezas de un engranaje, afectadas por el entorno cultural y el sistema ideológico imperante en la sociedad que nos ve crecer. Si en países como el nuestro la libertad y el margen de acción y decisión de las mujeres se ven limitados por la violencia estructural del patriarcado, ¿qué decir de la falta absoluta que niñas, adolescentes y mujeres experimentan en otros regímenes de auténtica represión, privadas de sus derechos humanos más básicos y despojadas de cualquier intento de individualismo, de cualquier posibilidad de guiar su cuerpo, su sexualidad y sus decisiones laborales o sentimentales por el sendero de su voluntad? Desde los matrimonios pactados de conveniencia, hasta las lapidaciones, las violaciones ejercidas por familiares, los frenos al desarrollo de los impulsos sexuales o la virginidad como muestra obligatoria de pureza, existe un escalofriante abanico de muestras de la suerte que correrás en muchos lugares del mundo según lo que tengas entre las piernas. Dichas aberraciones pueden encontrar en el cine un vehículo para darse a conocer, para modificar conciencias y permitir que un poco de luz sea arrojada en las mentes más oscuras y cerradas. Como alegato crítico, fascinante y conmovedor llegaba a las pantallas del Festival Cineuropa Mustang, una ópera prima con mayúsculas firmada por la turca Deniz Gamze Ergüven, nominada a los premios LUX del Parlamento Europeo junto a las cintas Mediterránea y Urok. Esta directora novel nos ofrece una historia atrevida y rupturista cargada de emociones fuertes, de preguntas incómodas, de salvaciones, condenas y sobre todo, una representación en miniatura de la sociedad y el entorno familiar de cinco hermanas de Oriente Medio que nos pone los pelos de punta.

    Como si de la casa de Bernarda Alba de Lorca se tratase, nos encontramos desde el comienzo de la narración de Mustang con un escenario cerrado de connotaciones claustrofóbicas correspondiente a una casa del ámbito rural ubicada cerca de un pueblecito turco, en la que viven cinco hermanas huérfanas de diferentes edades —comprendidas entre los 12 y los 16 años— junto a su abuela abnegada y estricta y el déspota salvaje de su tío. Educadas en el hogar con mano dura y privadas del contacto social externo, el quinteto de niñas vive bajo el yugo constante de la represión, estando condenadas por su género a una privación total de libertades con el objetivo de preservar su castidad y encontrarles marido lo antes posible por orden de edad. El detonante de la expropiación extrema de libertad de estas jóvenes, abocadas a ser lolitas complacientes vendidas al mejor postor, se muestra al comienzo de la historia. Cuando las cinco hermanas celebran en la playa el fin del curso escolar tras despedir a su maestra, el simple hecho de estar jugando subidas a los hombros de unos compañeros de clase hace estallar la ira de su abuela, que, avergonzada por la supuesta obscenidad de sus nietas, decide acotar su espacio vital y comenzar a prepararlas para su destino: el matrimonio y ergo, la maternidad. Dictados y normas impuestas, obligatorias e incuestionables, como esa sábana que el himen debe manchar de sangre tras el primer coito, como el repulsivo derecho de pernada envuelto en el veto del silencio, como la reja que separa el cautiverio de los bosques y playas, que aleja una vida triste de la bulliciosa y multicultural Estambul. La ciudad que las protagonistas vislumbran como la única escapatoria a la desdicha de su encierro.

    por Anónimo
    noviembre 26, 2015

    Crítica | Mustang

    por Anónimo | noviembre 26, 2015
    Ben O Değilim

    Círculo identitario

    crítica a Yo no soy él (Ben O Değilim, Tayfun Pirselimoglu, Turquía, 2014)

    En un momento de la cinta, cuando ambos protagonistas están sentados en el sofá frente al televisor, ella le comenta que lo que están viendo es mentira, que los que aparecen en pantalla son solo actores y que, por tanto, están actuando. Nihat y Aysa, los protagonistas de la película turca Ben O Değilim («yo no soy él»), son lo mismo para nosotros. Es un trato tácito entre el espectador y el autor: aceptamos el mundo de ficción propuesto y le damos el beneficio de la veracidad para disfrutar de la historia. Los mismos protagonistas del universo ideado por el Tayfun Pirselimoglu desmoronan las reglas de un juego del que ellos mismos son partícipes. Puede que este hecho sea simplemente un simple guiño divertido; o también podemos leer entre líneas y entender que el realizador nos está diciendo que esto es solo otro divertimento, que hay tanta realidad como nosotros, los espectadores, queramos y que sus mentiras (o verdades) son relativas y dependen del nivel de implicación de cada uno. Y esta última idea está presente en la cinta: hay tanto cine en el quinto largometraje de Pirselimoglu que las referencias que extraemos de ella dependen de la experiencia de cada espectador al visualizar el filme.

    La primera referencia, y la más clara de todas, la tenemos en el clásico de Hitchcock, Vértigo. Los cambios de identidad y la creación del conflicto a través de los doppelgänger tienen un claro precedente en la historia protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Si bien es interesante esta revisión del clásico y su actualización y adaptación a tierras turcas, finalizar aquí el análisis formal de la cinta sería quedarse corto. La sombra de la historia hitchcockiana es alargada en la confección del guión, pero el estilo y puesta en escena que despliega Tayfun Pirselimoglu poco tienen que ver. La limpieza del plano, totalmente desprovisto de elementos superfluos o de un acercamiento extraño, indaga en la aburrida cotidianeidad de los protagonistas para romperla a través de situaciones ridículas. Los personajes se ven abocados a los límites de su desgraciada existencia desde lo cómico y lo grotesco, incluso desde la caricatura de sí mismos. La impasividad que demuestran frente a los hechos, y en general frente a la vida, junto su falta de empatía hacia sus propios sentimientos dibujan la ausencia total de identidad. La nitidez en la composición de la escena y del plano y esos tintes grotescos de ridiculización del personaje acercan el resultado al estilo de los Coen, pero con una sensibilidad y un tempo en la contemplación de las situaciones y los personajes totalmente distintas al pulso de los hermanos. Pirselimoglu consigue aunar de manera sutil rasgos del cine clásico, sobre todo en su estructura y en la concepción del guión, con otros del cine contemporáneo para construir una película de múltiples capas que, tal y como comentábamos al principio, le confiere de tantas lecturas y referencias como el espectador quiera.

    por EAM
    diciembre 01, 2014

    Crítica | Yo no soy él (Ben O Değilim)

    por EAM | diciembre 01, 2014
    Winter Sleep

    La commedia dell’arte

    crítica a Sueño de invierno (Winter Sleep, Kış Uykusu, 2014), dirigida por Nuri Bilge Ceylan | ★★★★ |

    Las espectaculares ruinas de Anatolia continúan enhiestas en el desértico paisaje de la sección asiática de Turquía, como recordatorio de lo majestuoso que un día fue su acervo, pero también como lacerante memorándum del despiadado deterioro sufrido durante tiempos inmemoriales y que llegó a un irreversible colapso con la caída del Imperio Otomano en el siglo XIX. Es frecuente ver en las películas de Nuri Bilge Ceylan a personajes deambulando a través de esas ruinas dejadas por algunas de las mayores construcciones de todos los tiempos, figuras melancólicas que absorben la nostalgia de tamañas obras arquitectónicas reducidas a cenizas, y la exteriorizan por medio de sus inestables acciones, las cuales parecen siempre conducir al más absoluto fracaso y a la soledad. Personas como los protagonistas de Winter Sleep, incapaces de sustituir ese vacío patrimonial con buenas intenciones, ocupando irremediablemente su vacuidad existencial con relaciones infructuosas carentes de amor, y destinadas a saciar el impulso egoísta de obtener un beneficio personal a costa del prójimo. A menudo esas relaciones se complican por la participación de una tercera persona, lo que lleva a una situación insostenible de reproches y autodestrucción que, pese a traer más angustia que felicidad, son asumidas como ley de vida. Una vida marcada por el sufrimiento atávico que les ha sido impuesto y el cual aceptan como forma penitente de existencia. Los que se resistan a aceptarlo tendrán que emigrar lejos de Turquía y buscar la desconexión con sus raíces, tal y como muestra el exiliado Fatih Akin en su filmografía.

    Con la impronta emocional de los cuentos de Chéjov y la trascendencia narrativa del relato naturalista de Dreyer, Ceylan plantea una dilatada obra introspectiva estructurada en cuatro historias correspondientes a las diferentes relaciones entre los personajes principales. Así encontramos a Aydin, el propietario de un hotel y arrendador de diferentes inmuebles obtenidos de una herencia familiar. Él será el nexo de los cuatro relatos, identificables por los diferentes diálogos entre el gerente y su joven mujer, Nihal; su hermana recientemente divorciada, Necla; los inquilinos de una de sus casas, y como historia subsecuente encontraremos la de Necla y Nihal, como confrontación de los dos personajes femeninos que representan momentos culturales diferentes. Las cuatro historias se irán alternando a lo largo del metraje y seguirán el patrón de los dramas clásicos, como bien podemos deducir por el nombre del hotel del protagonista: “Hotel Othello”. Los celos, el choque entre estratos, la servidumbre y la falsa cortesía de las clases inferiores, que se deshacen aparentemente en agradecimientos y muestras desmesuradas de respeto, pero albergan un terrible y secreto odio interior hacia la clase alta, hipócritas por naturaleza; la figura de la mujer desdichada que sufre las malas decisiones de un matrimonio precipitado… todo se irá presentando de manera reflexiva y sin eufemismos.

    por Alberto Sáez Villarino
    octubre 15, 2014

    Crítica | Sueño de invierno (Winter Sleep)

    por Alberto Sáez Villarino | octubre 15, 2014
    Érase una vez en Anatolia
    DESTRIPANDO LA NATURALEZA HUMANA
    crítica de Érase una vez en Anatolia | Bir Zamanlar Anadolu'da, Nuri Bilge Ceylan, 2011)

        De vez en cuando surgen películas con vocación de obras totales, aunque a menudo su distribución se vea limitada al circuito festivalero y a las pantallas alternativas. Hace un par de años se produjeron algunos ejemplos de este tipo de obras, siendo el más reconocible el de El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011), ganadora de una tan discutida como merecida y lógica Palma de Oro en el festival de Cannes correspondiente. Pero esa edición de la Croisette acogió y premió otra película de altas pretensiones y profundo calado, aunque disimulados bajo una apariencia más sobria e intimista. Hablamos de Érase una vez en Anatolia (Bir Zamanlar Anadolu'da, 2011), un largometraje de dos horas y media de duración cuyo propio título invita a la prosopopeya fabulesca, y con el que el reconocido cineasta turco Nuri Bilge Ceylan se hizo con el Gran Premio del Jurado, quizás un premio paradójicamente pequeño si prestamos oídos a los que vaticinaban que Ceylan se podía llevar el premio gordo, aunque solo fuese por insistencia (pues ésta era su cuarta participación en la sección oficial de Cannes, sin irse nunca de vacío).

    por Ignacio Navarro
    marzo 09, 2013

    CRÍTICA | ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA

    por Ignacio Navarro | marzo 09, 2013
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