Cannes 2021 (#5)

Quinta crónica de la 74ª edición del Festival de Cannes.

Ecuador del festival. Todo transcurre con cierta calma. La tensión de los primeros días ha dado paso a una cotidianidad que roza la monotonía, en la que el crítico repite los mismos patrones y tiene en el cine la ruptura de los procesos habituales; la vida misma por otra parte. En un festival como Cannes si la ficción falla es cuando el tiempo parece tener otra dimensión; en la que distinguimos los arañazos que tiene la esfera de nuestro reloj; en la que lo mejor del día siempre es bien elegir una buena compañía, bien elegir un buen restaurante, o ambas. ¿Qué puede fallar cuando se nos presentan los últimos filmes de cineastas como Ryûsuke Hamaguchi, Leos Carax o Wes Anderson? Nada. El problema está siempre más allá. El cine de autor contemporáneo se ha vuelto apático y confuso. Donde se confunden conceptos y envoltorios –las tendencias que comentábamos crónicas atrás— y donde todo parece firmado por la misma persona o grupos de personas. Es por ello, que el cronista festivalero acaba frustrado tras asistir a una retahíla de títulos bien facturados pero sin alma alguna, sin la capacidad de separarse lo más mínimo de su referencia más cercana. Por suerte, que no es poca, siempre hay un plan B.

Este lo pueden encontrar en el ya mentado timeline de Twitter de nuestro compañero Miguel Muñoz Garnica, que visita con asiduidad las proyecciones de Cannes Classics, la casa de curación para cualquier cinéfilo cuando quiebra su fe en la contemporaneidad. En esta edición se exhiben versiones restauradas o remasterizadas de filmes de autores como Max Ophüls, David Lynch, Kinuyo Tanaka, Jacques Doillon, Roberto Rossellini, Orson Welles, Michael Powell, Emeric Pressburger, Marcel Camus, Alain Resnais o Gilles Grangier. Bellas oportunidades de ver en pantalla grande obras relevantes de un arte que no puede dejar de mirar al pasado. Un verdadero placer que cambia ritmos y motivaciones en un certamen como este.

▼ Críticas
«Drive my Car», Ryûsuke Hamaguchi.
«Tre piani», Nanni Moretti.
«Bergman Island», Mia Hansen-Løve.
«Flag Day», Sean Penn.
«Evolution», Kornél Mundruczó.

por VV. AA.
julio 12, 2021

Cannes 2021 (#5) | Críticas: «Drive my Car», «La isla de Bergman», «Tres pisos», «Flag Day» & «Evolution»

por VV. AA. | julio 12, 2021

Ruido y señal

Crítica ★★★☆☆ de «Fragmentos de una mujer», de Kornél Mundruczó.

Canadá, Hungría, 2020. Dirección: Kornél Mundruczó. Guion: Kata Wéber. Producción: Little Lamb (Kevin Turen, Ashley Levinson), BRON, Proton, Aaron Ryder, Martin Scorsese. Montaje: Dávid Jancsó. Diseñador de producción: Sylvain Lemaitre. Fotografía: Benjamin Loeb. Sonido: Polina Volynkina. Música: Howard Shore. Diseño de vesturario: Rachel Dainer-Best, Véronique Marchessault. Sonido: Christopher Scarabosio. Reparto: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Jimmie Fails, Molly Parker, Sarah Snook, Iliza Shlesinger, Benny Safdie. Duración: 128 minutos.

Cómo encuadrar un suceso traumático, delicadísimo, es una de las cuestiones más apremiantes del cine como generador de espectáculo, así como el centro de las tres últimas películas de Kornél Mundruczó junto a la guionista Kata Wéber. Desde White God, el realizador húngaro ha desarrollado una propuesta coherente de acercamiento a la idea del trauma, en la que no renuncia al despliegue audiovisual de recursos impactantes, que usa para construir y relacionar todo un aparato dialéctico alrededor de aquello que puede ser vivido, pero no contado. En este sentido, Mundruczó edifica sus películas sobre la base de unas pocas secuencias capitales, memorables, ejes alrededor de las cuales orbitarán el resto de imágenes de la cinta.

En Pieces of a Woman, este acercamiento se evidencia desde el suceso que motoriza o, más bien, congela la diégesis de la pareja protagonista. Se trata, sin desvelar demasiados detalles, de una secuencia en la que el parto de la criatura que Martha (Vanessa Kirby) y Sean (Shia Labeouf) estaban esperando toma un camino nefasto, concluyendo en la muerte del bebé. Mundruczó apuesta, ante todo, por el impacto emocional; por el trabajo, desde la misma planificación, alrededor de la idea de aquello que no tiene nombre pero que, no solo merece ser visto, sino también recordado, a modo purgativo. Esgrime el director un énfasis expreso con respecto al proceso de aprehensión de lo que sucede delante de nuestros ojos, como si hablara directamente sobre los procesos de la memoria, sobre aquello a lo que nos aferramos y a lo que no. Los mecanismos del recuerdo se llevan al nivel superficial, táctil, de la imagen a partir de un trabajo de cámara completamente opaco; este partirá del artificio del plano secuencia para oscilar entre el mood y el detalle, siendo estos algunos de los elementos principales de la semántica de la evocación. A nivel formal, pendulamos entre dos polos. Uno, el detalle: la mano crispada de Martha, la mirada angustiada de Sean o la expresión de puro pavor de Eva, la doula, al darse cuenta de que algo va mal. Aquella mancha de mostaza que Walter White vio en la bata del doctor que le diagnosticó cáncer terminal.

Por otra parte, el mood, encarnado en el vértigo de los cuerpos danzantes de los intérpretes y la cámara, que por momentos se unen y se separan, se persiguen, deshacen sus pasos y van al unísono. En el Mundruczó más reciente (puedo identificarlo, como mínimo, desde White God) nos encontramos de forma constante con el uso del movimiento, de la coreografía de los cuerpos fílmicos –también la cámara–, como elemento principal de significación en la construcción iconográfica de estas pocas secuencias capitales. En White God, la culminación de la rebelión canina se da en la pura carrera hacia ninguna parte y acaba en el parón, sentades todes en el suelo; en Jupiter’s Moon, en cambio, la acción de cuerpo imparable y tomcruisero, propio del cine de atracciones, se veía alterada, deformada ante la imposibilidad del refugiado protagonista de moverse libremente. Pieces of a Woman también castiga a sus personajes al parón, encerrándolos en coches, despachos y ascensores, en una puesta en escena, por lo general de corte transparente, que relega el baile formalista a dos secuencias principales. Serán la de la muerte del bebé y la de la reunión familiar, ambas narrativamente claves, pues, al desenlace de cada una de ellas habrá una revelación que cambiará las normas del juego de forma radical e inesperada.

por Mariona Borrull Zapata
enero 08, 2021

Crítica | Fragmentos de una mujer / Netflix

por Mariona Borrull Zapata | enero 08, 2021

Hibridación genérica

Crónica de la segunda jornada de la 70ª edición del Festival de Cannes.

La septuagésima edición del festival ha arrancado con un considerable incremento de la seguridad en los controles previos a cada proyección, lo que ha originado atascos significativos esta mañana a la altura del Grand Théâtre Lumière. Superado ese momentáneo trance matutino, hemos podido disfrutar de Wonderstruck, una fábula edificante y con cierto aire naíf que posiciona a Todd Haynes como uno de los grandes autores románticos del siglo XXI. Con Western hemos asistido a una singular visión femenina de un conflicto puramente masculino en una región fronteriza entre Bulgaria y Grecia y, en el extremo opuesto de la perspectiva, encontramos a Barbara, un mockumentary metacinematográfico sobre Monique Andrée Serf, de nombre artístico Barbara, que se presenta como la visión masculina de la famosa cantante parisina. El imprevisible Mathieu Amalric logra aportar toda la originalidad y la confusión a un relato que inauguraba la sección paralela, Un Certain Regard. De ahí nos hemos desplazado hasta Chile para presenciar el fantástico drama social que Marcela Said ha enarbolado sobre la lacerante situación que el país acarrea desde la dictadura de Pinochet: Los perros. No ha faltado la acción más brutal con la presentación de la nueva película de Takashi Miike quien, con Blade of the Immortal, alcanza el centenar de películas. Una nueva historia sobre el honor y la venganza en el Japón del período Edo que adapta el manga homónimo de Hiroaki Samura. Por último nos despedíamos, no sin antes adentrarnos en ese oscuro e inenarrable ejercicio de experimentación genérica llamado Sicilian Ghost Story, con la última película de Kornél Mundruczó, Jupiter's Moon, una alegoría pseudo-bíblica que ha generado el principal gran debate del certamen por la notable discrepancia de opiniones y la división de críticas que ha recibido.

por EAM
mayo 19, 2017

Festival de Cannes 2017 | Día 2. Críticas: Wonderstruck / Jupiter's Moon / Western / Los perros / Barbara / Blade of the Immortal

por EAM | mayo 19, 2017