|| Críticas | ★★★★★

El agente secreto

Kleber Mendonça Filho

La luz del proyector

David Tejero Nogales

Badajoz |

ficha técnica:
Brasil, Francia, Alemania, Países Bajos, 2025. Título original: «O Agente Secreto». Dirección y guion: Kleber Mendonça Filho. Compañías: CinemaScópio Produções, MK Productions, One Two Films, Lemming Film, Arte France Cinéma. Festival de presentación: 78.º Festival Internacional de Cine de Cannes (Competición Oficial - Premio al mejor director y Premio al mejor actor para Wagner Moura). Distribución: Elastica Films, La Aventura Audiovisual. Fotografía: Evgenia Alexandrova. Montaje: Eduardo Serrano, Matheus Farias. Música: Tomaz Alves Souza, Mateus Alves. Reparto: Wagner Moura, Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Udo Kier, Isabél Zuaa, Alice Carvalho, Thomás Aquino, Hermila Guedes, João Vitor Silva, Suzy Lopes, Rubens Santos. Duración: 158 minutos.

Desde su mismo principio el cine posee algunas características que van mucho más allá del arte en movimiento; tienen más que ver con un tipo de verdad oculta, velada, que se nos escapa del análisis y que lo transforma en un espacio sagrado de reunión. No se trata de las películas, se trata de lo que no vemos. Los rincones de un cine ignoran los aspectos artísticos expresivos del propio medio dejándose filtrar por unas extrañas fantasmagorías. En Retratos fantasmas (Kleber Mendonça Filho, 2023) los cines de barrio y periferias acompañan la cotidianidad de los habitantes de Recife, capital brasileña de Pernambuco, lugar de nacimiento del propio cineasta y mapa donde reflejar las huellas de unos edificios que tienen vida propia en el imaginario social del país. Las marquesinas de los cines de antes, con sus carteleras y fotocromos, nos evadían de la cruda realidad abriendo un campo de fantasía en nuestra imaginación mucho antes de poder ver las películas que anunciaban. Un afiche o cartel ignora el contenido, solo acaricia ideas que nuestro subconsciente se permite intuir o soñar. De niños muchas veces mirábamos un cartel sin ni siquiera tener posibilidades de entrar al cine. Cuando podíamos hacerlo articulábamos miles de opciones alternativas en nuestra memoria para describir lo que sentíamos con las películas.

Hay algo en la extraordinaria El agente secreto (Kleber Mendonça Filho, 2025) más lejos de su discurso político y de sus laberintos sociales, que la convierten en un relato de cortinas rasgadas en donde el cine no solo sirve de marco creativo o de espacio histórico, sino de trasunto hacia la prestidigitación suscitadas por las imágenes, imágenes de simbologías construidas fuera de tiempo. Pese a ubicarse en un momento muy preciso de la dictadura brasileña, año 1977 para ser exactos, la película de Mendonça Filho observa con temple y cuidado la naturaleza sísmica de un terremoto emocional que se nutre, como no podía ser de otra manera, del cine y sus recuerdos. El montaje del filme lleva a cabo una narrativa fragmentada de saltos temporales en forma de muñecas rusas al borde de un relato excitante en el que concursamos como pasajeros de un fastuoso viaje. Seremos viajeros de ese tiempo en el que nuestro protagonista se mueve, suda, ríe y llora.

La película se abre y se cierra en derredor de dos secuencias portentosas que sugieren un cuidado especial por los colores y por la puesta en escena. Nada más abrirse el telón, el escarabajo amarillo que conduce Marcelo (Wagner Moura) se detiene a repostar en una gasolinera en las afueras de Recife. Los tonos terrosos y ocres de la tierra y la polvareda y humedad ambiental están perfectamente descritas en las imágenes. El sol abrasador inunda de tintes amarillentos toda la escena que siente en todo momento la presencia de un cadáver en medio de la carretera. La cámara nos remite al mejor Hitchcock en la planificación de los recursos manejados con un dominio brutal del tiempo y del espacio. El espectador siente la angustia, el miedo, de unos primeros minutos métricamente perfectos. Por otro lado la escena final, que guarda una importancia esencial en el sentido del lugar como herencia, tiende a dejarse llevar por los rojos, colores relativos a la sangre y a las conexiones sanguíneas con los antepasados. Esos dos tiempos, que abarcan casi 50 años entre unas imágenes y otras, transfieren una geografía que pone de relieve la dispersión de cualquier suceso y de su importancia en el planisferio de unos estados universales que no distan tanto de una apoca a otra y que nos revelan la emergencia de resistir. Por tanto brotará en El agente secreto una bella metáfora de conjuro intemporal que se parece a las de un puzle, o cubo de Rubik, con millones de piezas y colores por completar.

Hablamos de colores, y no es casual que sea el amarillo el que domine con fuerza y personalidad el tono de la película. Es el amarillo del giallo italiano, el amarillo de las equipaciones de futbol o de baloncesto brasileño, el del escarabajo que conduce Marcelo, o el de las cabinas telefónicas, las cintas de casete BASF, y sobre todo, el de la bandera del país siendo ese color el emblema de una cultura de diversas resonancias. La maravillosa fotografía de Evgenia Alexandrova circula en sintonía con la idiosincrasia de una nación, de sus pueblos y de sus tradiciones (sin ir más lejos la cinta transcurre durante la celebración del carnaval). Al excelso trabajo de diseño y colorimetría tenemos que añadirle el sobresaliente manejo de todas las herramientas fílmicas que Mendonça Filho superpone y acierta en cohesionar con ingenio y gran pulso narrativo. La diversidad de texturas, y la imagen ligeramente granulada, evoca a las películas de espionaje de los años setenta. El virtuosismo de la cámara flotante y paneos circulares, así como los recursos de la pantalla dividida y del plano con split diopter avivan parábolas fronterizas con el cine de Brian De Palma (con el que también existen claras analogías). La película arrastra un documentalismo de engranajes propios del cine de ficción paseándose con melancolía por la heterogeneidad de los géneros cinematográficos. Naturalmente nos encontramos con el magma social de todas esas historias de desaparecidos que tan bien han fraguado cineastas como Costa-Gavras, o el indudable compromiso político de Gillo Pontecorvo o Sidney Lumet. Las citas al cine estadounidense manifiestan un deseo narrativo más cercano al espectáculo adulto – su caligrafía es deudora de la época dorada de ese tipo de cine, y las citas y homenajes europeos tienen un interés burlesco y satírico como pueden intuirse en la música – el tema preexistente de Ennio Morricone para la cinta Grazie Zia (1968) – o en el segmento de la pierna zombie que desde luego comparte ese gusto por el giallo mediterráneo de serie B-. Es una obra que se escucha y siente gracias a las músicas y temáticas de arraigo popular. Una noria que gira dando vueltas sin parar. Las comentadas referencias fílmicas son todas excelentes y nada gratuitas pues hacen de El agente secreto una cinta colosal, y en muchos sentidos una experiencia épica.

Siendo niño me gustaba imaginarme mi propio cine en casa. Cine en su totalidad, no el poner películas en un VHS o en otro reproductor y verlas con la luz apagada. Colgaba afiches de las paredes del patio, carteles de películas que mi abuelo o mi padre me traían de los cines donde trabajaban. La mayoría eran películas de Kung-Fú, de Bruce Lee o Jackie Chan, y también los posters más llamativos de la época, como los de Indiana Jones o Karate Kid. Los solía intercambiar haciendo mis propias sesiones dobles. La ventanita que daba a la terraza la usábamos de taquilla y jugaba con mi hermana con esos cines de andar por casa y sábanas blancas que no proyectaban nunca nada. Como muchos carteles no los teníamos pues nos los inventábamos pintándolos en cartulinas con las letras del título bien grandes. Me hace ilusión que sea Spielberg, y más concretamente Tiburón (1975), la película sobre la que Mendonça Filho edifique el constructo de su obra. La famosa cinta de Spielberg es algo más que un fenómeno de masas, un acontecimiento que ha calado en los imaginarios de generaciones enteras. Ese gesto se convierte en el leitmotiv de El agente secreto, y por ende en su corazón narratológico. Tenemos al hijo de Marcelo pintando y coloreando carteles de Tiburón, fijándose en los recortes de prensa y anuncios en los periódicos – más adelante se hace hincapié en el anuncio del estreno de La profecía (1976) – y otras referencias paralelas o indirectas a la película de Spielberg, como la pierna encontrada en la playa o el personaje de Euclides (Robério Diógenes), un jefe de policía que representa la corrupción sistémica y abuso de poder y que se parece bastante a la figura del irresponsable alcalde de Amity Island en Tiburón. El agente secreto manifiesta un amor por el cine que hacía tiempo no vivíamos con tanto apremio y devoción.

Todos los momentos del filme deben enfocarse con las lentes de esa identidad difusa correspondidos a esa presencia fantasma que notamos dentro de los cines, o en nuestra mente. Espíritus convocados en la oscuridad de sus edificios y de sus escombros. Percibimos una película que se atiende a los principios básicos de la melancolía, al menos, su fórmula, luciente pero afligida, se inclina bajo sus signos más incuestionables. Por eso el relato se vaporiza sobre el haz de luz del proyector, bailando junto a las partículas de polvo envolvente que arrastran y encapsulan sus mecanismos. Una pantalla que se dobla y se abre en otras muchas, en las remotas posibilidades de un tiempo flexible que no se ciñe a lo material o a lo físico. Es por supuesto una película de viajes temporales y también de ciencia ficción, sí, porque no evade salidas pop y contraculturales.

A la hora de la verdad las imágenes, y solo ellas, son las que nos permiten sobrevivir según nuestros sentidos o recuerdos. La historia es como el propio cinematógrafo; una sucesión de imágenes sujetas a interpelarse por unos y por otros, imágenes que cambian, mutan y desenfocan, fotogramas que se hacen más grandes o más estrechos. Durante su metraje contamos con escenas geniales pilotadas por los sonidos, por ejemplo, esa en la que escuchamos fuera de campo los gritos del publico mientras ven El resplandor y que sucede en paralelo a una de las escenas más importantes de la película: aquella en donde se desvelan detalles del pasado de Marcelo. De esas conversaciones, en pequeñas habitaciones de la misma cabina de proyección, surgen puertas interdimensionales en la relación entre la verdad y la ficción.

El agente secreto es una hermosa odisea. En el visionado final nos quedamos con el carisma e importancia de muchos de sus personajes, un trabajo de casting envidiable y que lo ha llevado a optar a una de sus 4 candidaturas al Oscar de la Academia. Nadie sobra y nadie falta, aunque habríamos de destacar dos que serán ancla y faro de la historia: uno Alexandre (Carlos Francisco), el suegro de Marcelo, y el operador de cabina del Cinema Säo Luiz que maneja el celuloide y guarda en los fotogramas la huella inviolable de su hija muerta. Su rol se ajusta como anillo al dedo a los retratos fantasmas del propio Mendonça Filho. Y otra, Sebastiana (Tânia Maria), anclaje principal del grupo de refugiados. La cinta apela al grupo humano, a la comunión entre personas de distintas culturas y procedencias con vasos comunicantes hacia una tautología del cine (meta). Esa idea, preciosa que va de lo individual, del niño al adulto, a lo colectivo, de la historia de unos pocos a la de un país entero. No se la pierdan. ♦

por David Tejero Nogales
febrero 25, 2026

Crítica (II) | El agente secreto

por David Tejero Nogales | febrero 25, 2026

|| Críticas | Cannes 2025 | ★★☆☆☆

El agente secreto

Kleber Mendonca Filho

La narración intrincada

Rubén Téllez Brotons

Cannes (Francia) |

ficha técnica:
Brasil, Francia, Países Bajos, Alemania, 2025. Título original: «O Agente Secreto». Dirección y guion: Kleber Mendonça Filho. Compañías: CinemaScópio Produções, Arte France Cinéma, Black Rabbit Media, Itapoan. Festival de presentación: Festival de Cannes. Distribución en Brasil: Vitrine Filmes. Fotografía: Evgenia Alexandrova. Montaje: Eduardo Serrano, Matheus Farias. Música: Tomaz Alves Souza, Mateus Alves. Reparto: Wagner Moura, Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Udo Kier, Isabél Zuaa, Alice Carvalho, Thomás Aquino, Hermila Guedes, João Vitor Silva, Suzy Lopes, Rubens Santos. Duración: 158 minutos.

Película desconcertante e intrincada, El agente secreto se abre con la imagen de un cadáver que lleva tirado en la puerta de una gasolinera varios días y que alguien ha tapado con unos cartones para evitar que los clientes que vayan a llenar el depósito de su coche se enfrenten a la imagen de la carne en pleno proceso de putrefacción. La acción narrativa sucede en Brasil, en plena dictadura militar (año 1977). La portada de un periódico informa de que, desde que empezaron los carnavales, han muerto noventa y una personas; un hombre apuesta a que antes de que se terminen la cifra habrá ascendido hasta los cien, otro comenta que la policía está desbordada y que por ello todavía no han acudido a levantar el cuerpo de la gasolinera. Acto seguido, un coche de policía entra en escena y registra con violencia y arbitrariedad el vehículo del protagonista buscando drogas, armas o algún motivo con el que puedan justificar su detención. El cuerpo tumefacto del suelo no les interesa, tampoco los derechos de los ciudadanos: tienen completa impunidad para extender la ley del terror. Kleber Mendonca Filho le impone a la secuencia un extraño tono cómico: los registros interpretativos de los actores se elevan por encima de una línea naturalista para abrazar cierto exceso gestual, y la exageración en los movimientos y reacciones sugiere que la película avanzará por los meandros de la sátira política.

El director, sin embargo, rompe el ritmo cómico de la escena a través de bruscos cortes de montaje: de grandes planos generales pasa a primeros planos que quiebran la noción espacial interna y evitan que haya un crescendo cómico orgánico. Las disonancias entre los diferentes tonos por los que transita la escena se repetirán y acentuarán a medida que el metraje avance, al tiempo que el discurso político se diluirá entre los diferentes quiebros argumentales que marcan el devenir de la narración. El agente secreto es una película errática que, de manera confusa, arroja sobre la pantalla durante su primera hora de metraje a una decena de personajes sin presentarlos ni definirlos y rompe con su propia lógica interna cambiando el punto de vista de forma arbitraria y, en algunos momentos, incluso problemática, puesto que se acerca a la mirada de unos asesinos a sueldo contratados por una gran multinacional con la misma cercanía con la que se posa sobre la del protagonista, un profesor universitario al que dicha multinacional quiere matar para quedarse con la patente de una investigación científica realizada con financiación pública. Cada personaje sobre el que Mendonca coloca la cámara abre una nueva vía narrativa que no tarda en abandonar. La construcción por acumulación que propone no funciona porque las diferentes partes con las que diseña el edificio fílmico están tan dispersas y son tan inconexas que nunca consiguen ensamblarse: la cinta termina así convertida en una serie de sketches que se mueven con absoluta independencia.

La heterogeneidad tonal tampoco ayuda: de la sátira se pasa al drama más seco y descarnado, de ahí al thriller político y, finalmente, al fantástico. La película transmite una ansiedad narrativa, una necesidad de inmediatez que determina sus esfuerzos por contar muchas cosas en el menor tiempo posible —aunque el metraje bordea las tres horas. A eso hay que sumarle que el trabajo con la cámara opera a un nivel puramente superficial que no le da hondura a las cuestiones que el argumento plantea: la focalización en el cuerpo y el rostro de los actores rige unas composiciones a menudo forzadas para que los personajes se sitúen —de forma mecánica— o en los laterales del encuadre o en su mismo centro, pero la idea que justifica dicha decisión resulta inaprensible. El uso de un gran angular en espacios interiores aporta una gran profundidad de campo —que el cineasta desaprovecha—, pero también aplana la imagen, la estira y distorsiona, generando un ligero extrañamiento visual que tampoco encuentra resonancias en el discurso. ¿Qué dice la película sobre la dictadura militar o sobre la actualidad brasileña? Prácticamente nada: más allá de los breves apuntes que hace sobre la brutalidad policial y sobre las formas espurias y criminales que las compañías privadas utilizan para hacerse con el control del país, para enriquecerse a costa de los servicios públicos —universidades, investigaciones científicas, hospitales, etc. ♦

por Rubén Téllez Brotons
febrero 19, 2026

Crítica | El agente secreto

por Rubén Téllez Brotons | febrero 19, 2026

|| Críticas | ★★★★☆

Retratos fantasma

Kleber Mendonça Filho

Un acto de resistencia

Álvaro Guerrero

Santiago (Chile) |

ficha técnica:
Brasil, 2023. Título original: Retratos fantasmas. Duración: 93 minutos. Dirección y guion: Kleber Mendonca Filho. Música: Tomaz Alves de Souza. Compañías: CinemaScópio Producoes, Vitrine Filmes.

Retratos fantasma es un documental que desde el primer plano ya se sitúa en el pasado. El viejo departamento donde el cineasta Kleber Mendonça Filho vivió con su madre en pleno centro de Recife, las fotos en blanco y negro del lugar donde se construyó ese edificio, la iglesia que había antes, la madre desaparecida tempranamente (a los 56 años); la vuelta a la democracia, ese departamento nuevamente, sus remodelaciones, sus espacios como itinerario por lo más sentimental del cineasta: el lugar donde Mendonça Filho hizo sus primeras películas, cortos, durante casi veinte años, su familia, los fantasmas (literales) humanos y animales, la reconstrucción de escenas de la vida, tétricas (un asalto a la casa vecina) a través del ejercicio de hacer cine, y el salto desde ese lugar hacia el centro avejentado de Recife y las ruinas de los viejos cines desaparecidos de la ciudad.

Mendonça Filho puebla el marco visual con fragmentos para ir y venir de la ficción a la realidad y de un pasado a otro pasado distinto. Tanto así, que el presente pareciera otro estado del tiempo pasado más, y los gestos de los seres confundirse levemente con los sueños de algo que existió, que se siente casi imposible de que haya existido, y que parece a la vez, y paradójicamente, casi irreal que haya desaparecido en este presente ruinoso. El pasado es cine pensé hace un tiempo como epígrafe para definir a Belfast, la cinta en blanco y negro con la que Kenneth Branagh reconstituye su infancia, su calle, su Dublín e Irlanda imaginarios, idealizados. El pasado es real y el presente fantasmal, diría ahora, pensando en este documental nacido en el corazón del nordeste brasileño, como toda la obra de Mendonça Filho, y que a diferencia de Branagh que se fue a trabajar a Londres y a Hollywood, narra ese presente desde adentro, del hombre que aún vive en su ciudad natal, a 2.600 kilómetros del centro económico y cultural del Brasil, Sao Paulo.

El cineasta recorre un centro descascarado, donde, como el confiesa, el dinero se fue hace mucho a otra zona de la ciudad. La narrativa se detiene en los viejos cines que en alguna época fueron símbolo de un perdido esplendor o influjo histórico: la visita de Janet Leigh y Tony Curtis en los 60, una de las salas elegida por la UFA hitleriana para difundir propaganda nazi desde los años 30 en Brasil, en un cine levantado por un arquitecto judío, las fastuosas galas de estrenos, las luces y los títulos de películas. Las marquesinas que fueron mutando de lo manual a lo electrónico y que, a decir de Mendonca Filho, parecían jugar con un lenguaje misterioso y público, comunicar frases cuyo sentido se hace igual de fantasmal que la extraña e inexplicable presencia en una de las fotografías que alguna vez tomó en ese viejo departamento. Inexplicable, lúdico, y lleno de afecto, un misterio por donde se mire.

El cierre de Retratos fantasma recuerda una frase dentro del documental, un fragmento de ficción de entre los múltiples registros fragmentarios de las mismas películas cortas que Mendonça Filho realizó en su juventud, o de algún otro: la ficción es el mejor documental. Esa última escena representada entre el director y un conductor de Uber actualiza nuevamente la vieja magia de la ilusión que jamás debe abandonar toda la práctica del cine, desde la primera idea, el esbozo de guion, hasta llegar al espectador anónimo, el que a fin de cuentas vive y hace posible que esa magia tenga algún poder, incluso colectivo, esto último uno de los temas que más le importan a Mendonça Filho a través de su filmografía (con Aquarius y Bacurau como principales exponentes).

Retratos fantasma es un homenaje fundamentalmente al humano, al ser más extraño al que se le ocurrió en algún momento inventar el conocimiento y padecer la memoria, y que está hecho no solos de recuerdos, ruinas y nuevos templos y reactualizaciones de mitos sino también de agonismo. El cierre de la película se convierte así en un acto de resistencia ante fenómenos que pueden oscilar entre el desencantamiento del mundo y el desvarío de la magia sencilla, incluso infantil (de lo niños que todos queremos ser, y una sala oscura que nos lo permite) hacia el dinero en estado bruto, desnudo. No son casuales obviamente las farmacias que desfilan, una tras otra, ante la ventana y la mirada del cineasta pasajero-ciudadano y vecino de la ciudad: los síntomas de la enfermedad en esos edificios muy modernos y en serie que ofrecen farmacología y la magia del cine como primer acto de resistencia cultural. Cabe entonces hacer una pregunta competitiva: ¿quién es más fantasma en la noche de Recife?, ¿Los que entran prácticos, raudos y decididos a esas farmacias o los que aparecen y desaparecen dentro de un taxi, sin querer volver aún a casa (al presente quizá)?

Finalmente, Retratos fantasma también es un acto de nostalgia, no podría serlo de otra manera. El mundo va desapareciendo a medida que se envejece, no sabemos bien cómo son los ojos de los otros humanos más nuevos que vienen a quedarse en él, qué y cómo miran. Por eso el crear, inventar, y soñar son tanto antídotos a esa angustia como sitios desde donde hablar sin culpas y observarse sin tanto asombro o perplejidad. ♦

por Álvaro Guerrero
noviembre 05, 2023

Crítica | Retratos fantasma

por Álvaro Guerrero | noviembre 05, 2023

Violencia contra la violencia de estado

Crítica ★★☆☆☆ de «Bacurau», de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles.

Brasil, 2019. Título original: Bacurau. Dirección y guión: Kleber Mendonça, Juliano Dornelles. Compañías Productoras: SBS Productions, ARTE France Cinéma, CinemaScópio (BR), Globo Filmes (BR). Presentación: competición del Festival de Cannes 2019. Productores: Tiago Melo, Saïd Ben Saïd, Michel Merkt. Producción Ejecutiva: Emilie Lesclaux. Fotografía: Pedro Sotero. Edición: Eduardo Serrano. Música: Gustavo Montenegro. Intérpretes: Udo Kier, Sonia Braga, Barbara Colen, Jonny Mars, Chris Doubek, Karine Teles, Alli Willow, Brian Townes, Antonio Saboia, Silvero Pereira. Duración: 132 minutos.

Macondo, Santa María, Comala. Territorios que estarían en el inconsciente de este Bacurau, un lugar que, de repente, deja de aparecer en los mapas, como si el espacio, las casas, los habitantes, nunca hubieran existido como un preámbulo al olvido interesado. Y en el inicio de Bacurau, última película del director brasileño Kleber Mendonça Filho, en esta ocasión a cuatro manos con Juliano Dornelles, transpira esa esencia literaria del realismo mágico, de lugares donde la realidad puede verse superada por cualquier hecho inexplicable que pasa a formar parte de la colectividad con la mayor de las naturalidades. Un funeral en el que los asistentes previamente toman una poderosa droga alucinógena, una muerta insultada en su propio funeral, un ovni que sigue a un lugareño, un profesor incapaz de encontrar junto con sus alumnos el pueblo vía satélite porque éste ha desaparecido. Parecería que nos movemos en el espectro de lo inexplicable, de lo carente de lógica, más cerca del espíritu de Chuva e cantoria na aldea dos mortos que de la narrativa reconocible y amable de la anterior película de Mendonça, Doña Clara.

Pero esta impresión inicial queda despejada muy pronto, el envoltorio que adorna los primeros minutos de película muta de lo fantástico o irreal a la fábula, y dentro de ésta a la de contenido político, acercándose a las anteriores películas del director aunque nos hubiera podido parecer que había un cambio de registro. Lo onírico, lo intangible, lo irreal, da paso a lo material, a lo tribal, a lo indigenista, aunque maquillado para hacerlo más contemporáneo. Si en Doña Clara o en O som ao redor la lucha se individualizaba, el sistema era enfrentado por voluntades individuales resistentes y dispuestas a no dejarse quebrar fácilmente, en Bacurau es la existencia del grupo la que justifica y refuerza esa lucha que, individualmente, estaría condenada al fracaso. La primera escena de presentación es sintomática, un cielo estrellado va dando paso, gradualmente, a un acercamiento al planeta Tierra, al continente sudamericano, a Brasil y al pequeño pueblo que se debate ante una crisis de subsistencia, organizado para que la falta de agua provocada por los poderes de siempre no determine su abandono. Sería como la creación de Uderzo y Goscinny, aquel mapa de la Galia que iniciaba todas las aventuras de Astérix donde la irreductible aldea era aumentada con una lupa para que supiéramos que ahí estaba el objetivo a seguir y el germen de la resistencia.

por Miguel Martín Maestro
febrero 23, 2020

Crítica | Bacurau

por Miguel Martín Maestro | febrero 23, 2020