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La patria perdida
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    Cine Alemán Siglo XXI

    FESTIVAL DE CANNES 2012: SEXTA JORNADA

    In Another Country
    In Another Country (Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2012)
    Día cargado de proyecciones en la sección oficial con tres películas en cartel y tres veteranos a escena. Dos con varias décadas de rodaje, Alain Resnais y Abbas Kiarostami, y otro que ha envejecido por su ritmo implacable de creación – a cinta por año – el coreano Hong Sang-soo. Los tres han presentado sus nuevas creaciones con parecido resultado: no han conseguido unanimidad y han dividido a la prensa acreditada. ¿Decepcionante? ¿O todos contentos? La alegría va por bandos y queda la sensación que solo el paso “comercial” definirá que camino toman estas películas. Como siempre será el espectador quién decida.

    En Una cierta mirada se exhibió otro trío de películas: Djeca de Aida Begic, Después de Lucía de Michel Franco y la esperada Elefante blanco de Pablo Trapero. Fuera de competición aparece un clásico, el inefable Takashi Miike con la inclasificable Ai to Makoto. Una jornada muy completa y densa que en lo mediático bajó el nivel a la espera de la llegada mañana de Brad Pitt con Killing Them Softly. Eso sí, la clase de Isabelle Huppert alegra un lunes a cualquiera. Comenzamos el repaso a la sexta jornada de Cannes 2012.

    In Another Country photocall
    Isabelle Huppert con el equipo de In Another Country en la jornada de la tarde
    SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

    LIKE SOMEONE IN LOVE (Abbas Kiarostami, Japón, 2012)

    A priori una de las cabezas de cartel, Like Someone in Love de Abbas Kiarostami ha decepcionado por su paso en Cannes. Un filme de aparente encanto inicial que, sin embargo, ha sido tachado de frívolo y aburrido. La historia entre una prostituta accidental y un anciano daba para mucho más que simples paseos en coche. Porque Like Someone in Love tira por la borda un buen comienzo con interminables travesías y el reflejo de la luz en la luneta del automóvil. De manera casi irreverente se escucharon numerosos abucheos en varias de sus proyecciones. Es un caso particular este viaje del cineasta persa a tierras niponas porque un sector – pequeño eso sí – de la prensa la ha valorado como la mejor película del festival hasta el momento.

    Una aparente división de opiniones para un ejercicio de estilo inconfundible sea cual sea el lugar de rodaje. “Ninguna historia tiene comienzo ni fin. Las cosas comenzaron antes de nosotros. En mi película, falta el comienzo y el fin. El espectador es capaz de adivinar lo que ocurre al final…” declara el cineasta de Teherán. Haciendo referencia a su título, idéntico a uno de los clásicos del jazz de Chet Baker, Kiarostami comentó en la rueda de prensa: "la historia de unos personajes universales que deben ser accesibles para todos. Hay una universalidad de sentimientos. Las alegrías y las penas humanas son la materia de nuestro trabajo. Un realizador debe pensar internacionalmente cuando hace un filme internacional y encontrar un denominador común". A tenor de lo acontecido ayer lunes, sin éxito para el señor Kiarostami.

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    Like Someone in Love de Abbas Kiarostami
    “Hace dos años concibió en la Toscana Copia certificada. Ahora ha decidido expresarse en Japón. Lo que no tengo claro, como casi siempre en su cine, es qué ha pretendido narrar. En cualquier caso la anécdota que desarrolla esta película es de una levedad alarmante y el estilo para hacerlo aún más plúmbeo que cuando rodaba en Irán. Un adinerado cliente convence a una chica que además de estudiante ejerce de puta para que vaya a casa de un anciano profesor. Pero él solo quiere hablar y ella lógicamente se duerme. Al día siguiente, el novio de la dama, le cuenta su torturada relación con ella al anciano, creyendo que este es su abuelo. El malentendido se aclarará violentamente. Fin. Son dos horas de planos morosos en los que no ocurre nada que despierte el menor interés, diálogos absurdos, momentos pretendidamente dramáticos que resultan involuntaria y grotescamente cómicos. He creído escuchar algún abucheo en la sala, algo insólito en un festival que considera a Kiarostami como una de las tres o cuatro cosas más sublimes que le han ocurrido al cine actual. Ellos sabrán por qué.” Carlos Boyero (El País).

    “La historia de un profesor solo y maduro y una prostituta sola y joven (de por medio hay un chulazo violento) podría haber sido mucho más si Kiarostami se hubiera implicado de la misma forma que lo hizo (sin irse muy lejos) en su último trabajo con Juliette Binoche. En aquella ocasión, localizada en la Toscana, resonaban desde los modelas de Rossellini a la más sincera reflexión sobre el valor original de la obra arte. Una reflexión que era a la vez invitación al espectador. Tal cual, tan agudo, tan, otra vez, moderno. Esta vez, la cosa se queda en algo más pedestre. Intenso, sin duda, pero muy lejos de la promesa de un título tan engolado.” Luis Martínez (El Mundo).

    “Maestro del tiempo real, el cineasta iraní consigue introducirnos en el reino del “in medias res” en dos largas secuencias que son una lección de cine. En esa primera media hora, Kiarostami insiste en mostrarnos la imagen y su reflejo, las apariencias cultivadas por una mirada que se desliza sobre la superficie del mundo. Se me ocurren pocos directores capaces de convertir una carrera de taxi en la síntesis perfecta de los afectos que una nieta siente por su abuelo. Es cierto que el filme pierde un poco de gas cuando aparece un personaje secundario (el novio de la prostituta) que quebranta la atmósfera íntima y relajada creada hasta el momento, pero poco se le puede reprochar a un veterano que, en el exilio, ha decidido empezar desde cero, probando cosas nuevas hasta que el cuerpo aguante.” Sergi Sánchez (La Razón).

    “Hay algunas ideas interesantes, buenas interpretaciones y depurado estilo. Hay potencial pero Kiarostami baja el telón con un innecesario giro convirtiendo en un drama fácil tan sugerente camino”. Peter Bradshaw (The Guardian).

    “La película juega constantemente con las expectativas de los personajes y el público. Transforma una clásica historia de tres vías en algo inquietante y misterioso.” Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter).

    IN ANOTHER COUNTRY (Da-reun na-ra-e-suh, Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2012)

    Mucho mejor acogida ha tenido esta comedia dirigida por el fructífero Hong Sang-soo. In Another Country permite además la triple interpretación de la siempre magnífica Isabelle Huppert. Este relato sobre una francesa en Corea ha sido recibido con aplausos alabando ante todo su frescura. El director surcoreano, fiel a su idiosincrasia, hace de los encuentros causales una joya en ciernes. In Another Country está aderezada con unas gotitas de humor elegante que han hecho las delicias del público en esta jornada tan cargada de planos vacíos.

    Sang-soo declaró antes del primer pase que “Quería contar las aventuras, la experiencia de Anne en un país extranjero y espero que el público pueda compartir el sentimiento de estar dentro de un universo desconocido estando sola". La propia Huppert definió la elaboración de su papel en In Another Country "de exotismo y extrema familiaridad, Fue una especie de encantamiento para mí. Partí sola sin saber lo que me iba a encontrar. Sangsoo trabaja de manera muy particular. No había guión, interpretaba tres personajes en el filme". Huppert-Sang-soo, una extraña conexión que funciona.

    In Another Country
    In Another Country, una divertida y dulce comedia la servicio de Isabelle Huppert
    “In Another Country” aspira a ser el ejercicio estructuralista más divertido, frívolo y alegre proyectado en un festival de cine. Hong Sang Soo divide su lúdico experimento en tres historias protagonizadas por los mismos elementos–Huppert, un faro, un memorable socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa- que, recombinados, demuestran que el orden de los factores nunca altera el producto, ni siquiera cuando el cine se topa con las contingencias de lo real.” Sergi Sánchez (La Razón).

    “Siempre muy próximo a Eric Rohmer, la cámara navega sin obstáculos por la frágil existencia de las existencias frágiles. Dicho así suena poético, incluso estúpido, pero no. El director recrea tres veces una historia, digamos común, que 'recuenta' febril en una suerte de bucle delirante y feliz. Y lo más gozoso es que todo discurre con una divertida y falsa liviandad. El truco está en el dificilísimo y cautivador oficio de 'metteur-en-scène' (hemos llegado) para hacer desaparecer la cámara. La idea es implicar al espectador en cada una de las locuras que por culpa de los malentendidos del idioma se ve envuelta la protagonista. ¿Hemos dicho ya que es divertidísima?” Luis Martínez (El Mundo).

    “Ligera, divertida y fácil de olvidar”. Peter Bradshaw (The Guardian).

    “Pura alegría de vivir filmado en 35mm”. Neil Young (The Hollywood Reporter).

    VOUS N’AVEZ ENCORE RIEN VU (Alain Resnais, Francia, 2012).

    Gran alboroto para recibir la vuelta del octogenario director francés Alain Resnais. Todo un clásico del certamen que presentaba su último largometraje, No habéis visto nada. Como citábamos en la previa, un producto de carácter teatral que se inspiraba en la obra Eurídice de Jean Anouilh. Con la muerte como fondo en realidad el filme es un canto a la vida. “Que estamos aquí aún es uno de esos regalos de la vida, de esas coincidencias de las que estamos hablando esta mañana constantemente”, comentaba Resnais. Numerosos aplausos tanto en la proyección principal como en la sala de prensa hacían augurar una crítica excelente. Sin embargo, tras el caminar del día y con los textos llegando a las agencias el resultado ha dejado una acogida simplemente positiva. Básicamente porque es un Resnais contemplativo y reflexivo a la enésima potencia. Entre el culto y el bostezo se cerraba el día en una sección oficial más espesa que nunca.

    You Aint Seen Nothing yet
    Matthieu Amalric es uno de los protagonistas de "No habéis visto nada"
    “Me ocurría antes, cuando la crítica aseguraba que era el gran mago lírico que jugaba enigmáticamente con el espacio y el tiempo, pero mi estado no ha cambiado en las últimas décadas de su cine, en las que habla fundamentalmente del teatro, sus misterios y su profunda relación con la vida. Los viejos actores reflexionan sobre el amor, la vida, el paso del tiempo, la muerte y demás trascendentes cuestiones. Creo que pillo el mensaje, pero aún así, tengo que luchar durante toda la proyección para que no se me cierren los párpados. Al encenderse las luces de la sala, deduzco que no lo he conseguido.” Carlos Boyero (El País).

    “Resulta increíble la exhibición de músculo, de fuerza visual, de un hombre que ha inventado, desde 'El año pasado en Marienbad' a hoy, casi todo lo que hoy admitimos sin pestañear por moderno. La película no puede ser a la vez más complicada, más delirante y más virtuosa. Y, por añadidura, resplandece. Se podrá acusar la película de artificiosa, teatral, complicada... Hágase, libérense la laringe, y, acto seguido, admítase con la misma contundencia el indistuble estado creativo de un Resnais definitivamente eterno.” Luís Martínez (El Mundo).

    “Un texto con fuerza, el resultado vivido y fascinante”. Sergi Sánchez (La Razón).

    “A pesar los momentos de encanto el film es inerte e indulgente”. Peter Bradshaw (The Guardian).

    “Esta reflexión sobre el pasado, del amor y la muerte a través del prisma teatral es a la vez serio y disfrutable. También refinado pero frustrante por su limitada profundidad.” Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

    UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

    DJECA (Aida Begic, Bosnia-Herzegovina, 2012)

    La cineasta bosnia-musulmana Aida Begic, visita por segunda vez Cannes – la primera fue en la Semana de la Crítica en 2008 con First Snow – con Djeca. Un drama que habla dos hermanos huérfanos, Rahima y Nedim que tras la cruenta guerra civil han sobrevivido una apoyada en el Islam y otro en la delincuencia. Rahima intentará que su hermano menor se acoja a la religión como modo de progreso. Djeca posee todo el estilo de las cintas balcánicas: realismo, crudeza y un peculiar sentido del humor. Es algo que ha justificado su autora: “Siento no haber traído una película más feliz pero esto es la realidad para muchos niños de mi país”. La acogida ha sido bastante positiva, destacando su franqueza y las interpretaciones de los jóvenes actores.

    Djeca
    Una de las mejores películas hasta el momento en Una cierta mirada, Djeca de Aida Begic
    “Excelente en la forma y el fondo, un filme profundo y humano”. (The New Current).

    “Fascinante relato de una heroína dotado de gran intensidad y un final delicado y hermoso”. Emmanuelle Spadacenta (Cinemateaser).

    ELEFANTE BLANCO (Pablo Trapero, Argentina, 2012)

    Se esperaba mucho de la película de Pablo Trapero (que ya participara en la sección oficial en 2008 con Leonera), interpretada por dos grandes actores como Jérémie Renier y Ricardo Darín. Un drama que une religión, compasión y amistad que recibió numerosos aplausos en su primera proyección en la ciudad francesa. Se ha valorado por encima de todo, a su dúo protagonista. Darín que ya trabajó con Trapero en la irregular Carancho (2010) da perfecta réplica al joven actor belga que encabezó en 2005 El niño (L’enfant), ganadora de la Palma de Oro. La música está a cargo de Michael Nyman.

    Elefante blanco
    Jérémie Renier deja, un momento, a los hermano Dardenne y viaja a Buenos Aires en una maravillosa historia de amistad
    “Ricardo Darín aporta presencia y humanidad al corazón de una película algo turbia que nos traslada a una zona marginal bonaerense”. Peter Bradshaw (The Guardian).

    DESPUÉS DE LUCÍA (Michel Franco, México, 2012)

    La otra representante suramericana del día también acaparó numerosos elogios. Dirigida por Michel Franco, esta modesta cinta mexicana es un duro relato sobre la pérdida familiar y la violencia en las aulas. Un tratamiento del bullying que ha emocionado a la platea y ha elevado a la intérprete protagonista Tessa La González. Franco, en su segunda película, apunta maneras de gran realizador. Con tan sólo treinta y tres años, el futuro es suyo.

    Después de Lucía
    Después de Lucía (Michel Franco, México, 2012)
    “Franco navega con elegancia por una temática muy complicada en un retrato tan catártico como doloroso del bullying”. David Poland (Movie City News).

    FUERA DE COMPETICIÓN

    AI TO MAKOTO (The Legend of Love of and Sincerity, Takashi Miike, Japón, 2012)

    Como cada año el director nipón Takashi Miike aporta su granito cinematográfico a cualquiera de las secciones de Cannes. En Ai To Makoto vuelve a su leitmotiv preferido: la venganza. Un joven estudiante, criminal y ultraviolento se instala en Tokio para poner fin a una afrenta de su pasado. Deudora de la estética manga, el filme reune todas las virtudes del autor japonés: gran factura técnica, belleza y poesía tanto en imágenes como en esencia. La película ha gustado a los especialistas, entregados a la maestría tras la cámara de Miike.

    Ai to Makoto
    Ai to Makoto (Takashi Miike, Japón, 2012), presentada fuera de concurso
    “Thriller romántico inteligente y apasionante, con acertados momentos de humor que podía haber sido una perfecta competidora por la Palma de Oro”. Chris Haydon (Filmoria).

    Con la violencia y la lírica de Miike ponemos punto y final al repaso de la sexta jornada. Hoy en Cannes, dos grandes propuestas para la sección oficial: Killing Them Softly de Andrew Dominik (y con Brad Pitt) y la británica The Angels' Share de Ken Loach. En Una cierta mirada desfilarán Le grand soir de Benoît Delépine & Gustav Kervern y À perdre la raison de Joachim Lafosse. Toda la información de la séptima jornada en El antepenúltimo mohicano.
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