Pompones sangrientos

crítica de All Cheerleaders Die | dirigida por Lucky McKee y Chris Sivertson, 2013

Dentro de la comedia adolescente que se factura en Estados Unidos, rara vez aparece una película que no caiga en todos los arquetipos y lugares comunes del microcosmos de un instituto norteamericano. El capitán del equipo de fútbol con más músculos que cerebro, la capitana del equipo de animadoras guapa y popular que mira a todo el mundo por encima del hombro, la chica rarita e inadaptada enamorada en secreto de algún guaperas o los descerebrados que solo piensan en juerga son personajes a los que ya estamos muy familiarizados. Gracias a títulos como A por todas (2000, Peyton Reed) –y sus 4 secuelas– o la muy divertida y corrosiva Ingenuas y peligrosas (2001, Francine McDougall), las animadoras han encontrado su propio subgénero en los últimos años. En 2001, los recién salidos de la universidad Lucky McKee y Chris Sivertson ofrecieron una original aportación al mismo con All Cheerladers Die, cinta de escaso presupuesto pero mucha imaginación que mezclaba con descaro humor irreverente y terror. Se trata de una obra bastante difícil de encontrar a día de hoy, por lo que sus creadores se decidieron a rodar un remake homónimo que se pudo ver en el Festival de Sitges de 2013 con bastante buena aceptación por parte del público.

En estos doce años que separan al filme original de la nueva versión que nos ocupa, Lucky Mckee se ha convertido en uno de los cineastas independientes más interesantes del género de terror, con algunos títulos de culto como May (2002) o la brutal The Woman (2011), mientras que Chris Sivertson dilapidó el prestigio obtenido con The Lost (2006), pergeñando uno de los bodrios más infumables de Lindsay Lohan, Sé quién me mató (2007). Pese a que ambos directores (y amigos) se encuentran en posiciones bien diferentes dentro de la industria, no ha sido impedimento para que vuelvan a unir sus talentos en esta All Cheerladers Die (2013) mucho más sofisticada y comercial que su modelo original. La película se abre con la muerte accidental de la egocéntrica capitana de las animadoras del instituto Blackfoot en “acto de servicio”. Su vacante queda ocupada por Maddy, una joven que ha trazado un oscuro plan para arruinar la vida de Terry, el capitán del equipo de fútbol. Una serie de desafortunadas circunstancias y la intervención de Leena, una muchacha marginada por todos y aficionada a las ciencias ocultas, convertirá a Maddy y tres compañeras del grupo de animadoras en unos seres sedientos de sangre y venganza que comenzarán una encarnizada lucha a muerte contra Terry y sus amigos. La primera parte del filme transcurre dentro de los cánones habituales de la comedia adolescente, potenciando la imagen de chicas fáciles y ambiciosas que se tiene de las animadoras y el narcisismo y chulería propios de los idolatrados deportistas, siempre machacando sus cuerpos en el gimnasio y rompiendo corazones de ingenuas y virginales estudiantes que caigan en sus redes. A pesar su tono aparentemente ligero, se intuye en los diálogos una dosis considerable de humor negro y mordaz –muy en la línea de la fallida Jennifer´s Body (2009), con guión de Diablo Cody– y cierta intención de trasgredir (esas relaciones lésbicas entre compañeras de pompones) que redimen rápidamente al producto de la vulgaridad. Desde el momento en que hace entrada el ingrediente fantástico, sin abandonar del todo su vis cómica, All Cheerleaders Die muta en una película de terror con todos los ingredientes típicos del género, pero, a diferencia de cosas más planas como Sé lo que hicisteis el último verano (1997, Jim Gillespie) o Jóvenes y brujas (1996, Andrew Fleming) –con las que comparte más de un elemento narrativo–, se las arregla para darles la vuelta y sorprender a la audiencia con algunos audaces giros.

por José Martín León
julio 22, 2014

Crítica | All Cheerleaders Die

por José Martín León | julio 22, 2014

Borderline en fase REM

crítica de El doble | The Double, de Richard Ayoade, 2013

El ser humano ha fantaseado con la idea de un superyó desde que sus limitaciones —tanto físicas como intelectuales— le han impedido desempeñar con eficacia determinadas tareas concretas, provocando de esta manera una humillante decepción (propia o ajena) que le conduzca a la especulación figurativa de un “Yo” superior que logre resarcirle del agravio sufrido. Fiódor Dostoyevski llevó esta entelequia al papel por medio de su novela El doble (1846). Incomprendida por sus contemporáneos, fue injustamente tachada de plagio malogrado de la obra de Nikolái Gógol —imaginamos que refiriéndose a El capote— ya que éste utilizaba una de las figuras más representativas de la literatura de aquél como protagonista: El funcionario público de clase baja. Este dato no hace sino enaltecer la agudeza del escritor moscovita que, como todo genio, se adelantó a su época para crear un estudio —con base ficticia— de lo que posteriormente serviría de pilar para uno de los avances más importantes en la historia de la psiquiatría. Y es que, teniendo en cuenta que fue escrita en el periodo pre-freudiano —casi medio siglo antes de que el padre del psicoanálisis explicara la conducta irracional y los efectos de la esquizofrenia— los, no tan perspicaces, coetáneos no tenían forma de comparar su “doble” con ese superego (todavía inexistente) al que un servidor ha recurrido para abrir el presente texto y que protagoniza la versión cinematográfica que Richard Ayoade hace de este The Double.

El guion, escrito por el propio director con la colaboración de Avi Korine, permanece muy fiel al libro y, si exceptuamos los inevitables desengaños por la diferencia entre cómo imaginábamos a los personajes y cómo aparecen realmente en pantalla —Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska en una rejuvenecida versión de Golyadkin y Klara—, la atmósfera en general consigue su principal propósito de sumergirnos en el oscuro mundo del frío existencialismo soviético y los inexpugnables secretos de la condición humana. Los claroscuros sirven de soporte para la fotografía empleada por Erik Wilson, sobre todo en las escenas en las que se enfrentan directamente Simon y el “doppelgänger”, donde una sombra cubre parcialmente el rostro de James (doble) para inferir ese irónico y maléfico aspecto tan característico de la deshumanización a la que se enfrenta en su descenso a la locura. El sonido es una pieza clave en la cinta: los frecuentes cambios de intensidad, y la aparición de ruidos estridentes —tren a gran velocidad sobre las vías—, relajantes —brisa del mar—, o simplemente la ausencia sonora absoluta, dependiendo del grado de paroxismo que sufre el protagonista, consiguen el propósito de acentuar los brotes psicóticos predominantes en el trastorno de identidad disociativo que padece el personaje, tanto en la novela como en la presente adaptación.

por Alberto Sáez Villarino
abril 15, 2014

Crítica | El doble (The Double), de Richard Ayoade

por Alberto Sáez Villarino | abril 15, 2014

Terapia de choque

crítica de Starred Up | de David Mackenzie, 2013

La tradición cinematográfica, respecto a delincuentes juveniles, ha mostrado que la secuencia lógica y probable para estos jóvenes descarriados es la de Crimen y castigo —ejercido éste mediante una autoridad competente (código penal) o un homólogo facineroso ofendido (ley del Talión)—. Starred Up el último hito británico en el subgénero carcelario, sin embargo, no tiene nada que ver con la obra de Dostoyevski salvo, quizá, la gran cantidad de fallos a los que tienen que hacer frente sendos protagonistas. Si Raskólnikov justificaba su comportamiento con la convicción de un régimen enfermo, donde los fundamentos sociales básicos estaban mal planteados —de ahí la idea de “matar un principio”—, Eric ni tiene, ni le es requerida explicación alguna, dado que su actitud responde a la condición atávica que cabría esperar de una persona cuya educación ha estado marcada por una suerte de dificultades tan desagradables como condicionantes del temperamento: ambiente marginal, madre prematuramente fallecida y padre —no menos prematuramente— encarcelado. Con un historial así, es lógico que el sujeto en cuestión acabe bajo la tutela de una institución (y no nos referimos precisamente a una universidad).

El propio título de la película ya revela un error en el sistema penitenciario británico, una macabra frivolidad (ya conocemos el humor inglés) que podría ser literalmente traducida como “lanzar al estrellato”, y consiste en la reubicación de menores en cárceles para adultos debido a un comportamiento excesivamente violento. Esto atenta contra el principal significado de correccional, privándole de su característica primordial —la de corrección— y rechaza la necesaria pedagogía que estas personas requieren, dejándolas de lado en un ambiente en el que posiblemente no logren sobrevivir. Pese a ello, el protagonista deja claro, desde la primera escena, que no va a tener muchos problemas para defenderse y moverse como pez en el agua en su nuevo entorno. Un rápido vistazo a su celda y a sus objetos personales —estrictamente examinados por los guardias de seguridad (fallo número dos)—, e instantes después ya tiene en su poder un arma mortífera y un escondite para ocultarla. Y no pasará mucho tiempo hasta que disfrute de la primera ocasión para usarla. El nivel de hostilidad que se respira en el ambiente, amplificado a consecuencia de la asfixiante y cruda fotografía llevada a cabo por Michael McDonough (similar a la que empleó en el sensacional thriller Winter’s Bone, 2010), deja al descubierto una atmósfera incómoda a la que cuesta acostumbrarse. Sólo una persona que reúna las cualidades defensivas necesarias, podría hacer frente a la terrible lucha territorial que plantea David Mackenzie.

por Alberto Sáez Villarino
abril 15, 2014

Crítica | Convicto (Starred Up)

por Alberto Sáez Villarino | abril 15, 2014

La extraña historia del señor Disney y Mrs. Travers

crítica de Al encuentro de Mr. Banks | Saving Mr.Banks, de John Lee Hancock, 2013

Debo reconocer que Mary Poppins no es una de mis películas Disney favoritas (que las tengo, y son varias). Sin embargo, como más o menos todo hijo de vecino desde los años '60, formó parte de mi infancia; muchas de sus canciones están en mi banda sonora sentimental particular, y, quieran que no, he aprendido a verla con otros ojos a medida que me he ido haciendo adulta. Digo esto porque es importante entender que Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr.Banks) no puede ser apreciada enteramente si no se ha visto Mary Poppins (algo que puede resultar extraño hoy día, pero de todo hay en este mundo): son tantísimas las referencias, directas o no, que acumula la cinta de John Lee Hancock, que un buen tercio de ella se pierde si no sabemos de qué nos están hablando. Recomiendo, por tanto, echarle un vistazo previo a la película protagonizada por Julie Andrews y Dick van Dyke antes de ir a ver la protagonizada por Emma Thompson y Tom Hanks.

A diferencia de lo que se ha comentado, Al encuentro de Mr. Banks no se centra en el rodaje de Mary Poppins (crítica), sino en sucesos algo anteriores, y bastante más espinosos: las negociaciones que Walt Disney (Tom Hanks) en persona tuvo que llevar a cabo con la autora de la novela original, P.L. Travers (Emma Thompson), para que ésta le cediese los derechos sobre su creación. Durante más de veinte años, Travers se negó categóricamente a que nadie que no fuese ella pusiese las manos sobre su libro; cuando finalmente aceptó viajar a Los Angeles para negociar, movida esencialmente por la necesidad de dinero, sus reticencias y su difícil carácter convirtieron la negociación en un auténtico infierno para todos los que tuvieron que lidiar con ella: el guionista, Don DaGradi (Bradley Whitford), los compositores, Robert (B.J. Novak) y Richard Sherman (Jason Schwartzman), y hasta el mismísimo Disney sufrieron las iras de la autora, bien documentadas en las casi cuarenta horas de grabaciones que sirvieron de inspiración para las guionistas Kelly Marcel y Sue Smith. La ordalía de Disney y los suyos se alterna con los recuerdos de la infancia de Travers en Australia a principios de siglo, cuando se llamaba Helen Goff y vivía con una madre atribulada (Ruth Wilson, la Alice de Luther) y un padre borrachín y fracasado, pero cariñoso (Colin Farrell) que, andando el tiempo, serviría a la autora como inspiración para crear a Mr.Banks, el padre de la familia protagonista de Mary Poppins.

por Unknown
octubre 31, 2013

Crítica | Al encuentro de Mr. Banks

por Unknown | octubre 31, 2013

PAWLIKOWSKI SIGUE SUMANDO EN LONDRES

palmarés y Top 10 del 57ª BFI London Film Festival

Las predicciones se hicieron buenas. Ida, del director polaco afincado en el Reino Unido Pawel Pawlikowski, se alzó con el galardón a la mejor película de la 57ª edición del BFI London Film Festival —coincidiendo, además, con su triunfo en el Festival de Varsovia—. Había sido la gran favorita desde los primeros pases de prensa, y ha terminado imponiéndose, aunque en los últimos días los rumores señalaban la posibilidad de que fuera The Selfish Giant quien ganase. La española La herida, de Fernando Franco, que optaba al premio a la mejor ópera prima, se ha ido finalmente de vacío al ganar la singapurense Ilo Ilo, de Anthony Chen. El BFI Fellowship, premio honorífico del festival, le fue entregado a Sir Christopher Lee de manos de Johnny Depp. A continuación, el palmarés.

Mejor Película

Ida, de Pawel Pawlikowski

Mejor Ópera Prima

Ilo Ilo, de Anthony Chen

Mejor Documental

My fathers, my mother and me, de Paul-Julien Robert

Mejor Debutante Británico

Jonathan Asser (guionista), por Starred Up

por Unknown
octubre 20, 2013

Londres 2013 | Top 10 & Palmarés: 'Ida', Mejor Película

por Unknown | octubre 20, 2013

STEVE McQUEEN ARRASA

crónica de la décima jornada del BFI London Film Festival 2013 | críticas de 12 Years a Slave y Blackwood

Llegó, vio y venció. En el día en que se conmemora la abolición de la esclavitud en el Reino Unido, Steve McQueen presentó LA película del festival. 12 Years a Slave se ganó, no sólo una clamorosa ovación en su pase público, sino también otra por parte de la habitualmente fría prensa, que hasta ahora sólo había dedicado unos pocos tímidos aplausos a Capitán Phillips. McQueen pone así el broche de oro al festival, cuyo palmarés se conocerá el sábado por la noche en una ceremonia celebrada en Banqueting House, para el que la favorita parece ser The Selfish Giant, de Clio Barnard. El próximo domingo, la 57ª edición del BFI London Film Festival cerrará sus puertas de la mano, de nuevo, de Tom Hanks, quien volverá a la ciudad para la premiere mundial de Saving Mr.Banks.

por Unknown
octubre 19, 2013

Londres 2013 | Día 10: críticas de '12 años de esclavitud' y 'Blackwood'

por Unknown | octubre 19, 2013

RALPH FIENNES CONVENCE (SI ERES INGLÉS)

crónica de la novena jornada del BFI London Film Festival 2013 | críticas de The Invisible Woman e Ida

La estrella del día ha sido sin duda Ralph Fiennes, quien presentaba su segunda película como director, The Invisible Woman, que también protagoniza. La película ha gustado en general entre la crítica británica, quizás más aficionados a esto de los romances victorianos, mientras que ha dejado fría a la concurrencia extranjera. El documental The Armstrong Lie (Alex Gibney), sobre el caso Lance Armstrong, y la cinta de terror Blackwood (Adam Wimpenny), que comentaremos mañana, han sido lo más destacado de la jornada, donde también hemos conocido el título de la película sorpresa: The Grandmaster, de Wong Kar-wai. Mañana llega la que probablemente es la película más esperada del festival, y gran favorita a la próxima temporada de premios: 12 Years a Slave, de Steve McQueen.

por Unknown
octubre 18, 2013

Londres 2013 | Día 9: críticas de 'The Invisible Woman' e 'Ida'

por Unknown | octubre 18, 2013

SU MAJESTAD MRS. DENCH

crónica de la octava jornada del BFI London Film Festival 2013 | críticas de Philomena y Teenage

Como anticipábamos ayer, hoy ha sido el día de Dame Judi Dench en el festival. Philomena, de Stephen Frears, se ha llevado aplausos durante y después de la película, y parece confirmarse como una de las grandes favoritas a los próximos Oscar. La Sección Oficial prácticamente se despide ya de la mano de Tracks, que cosecha un buen puñado de alabanzas para Mia Wasikowska (otra de las reinas del festival, con tres películas estrenadas), y, en la sección Cult, Ti West presenta The Sacrament, película que clausurará el Festival de Sitges. A partir de mañana, algunos documentales y varias cintas menores acompañarán a los grandes nombres que quedan por venir: Ralph Fiennes con The Invisible Woman, Steve McQueen con 12 Years a Slave y, para acabar como empezó todo, Tom Hanks, que clausurará el festival con Saving Mr.Banks.

por Unknown
octubre 17, 2013

Londres 2013 | Día 8: críticas de 'Philomena' y 'Teenage'

por Unknown | octubre 17, 2013

EL FESTIVAL SE DESINFLA

crónica de la séptima jornada del BFI London Film Festival 2013 | críticas de Parkland, Le Passé y Mystery Road

Jornada en general aburrida en Londres. El cansancio empieza a hacer mella en los asistentes a medida que van quedando menos películas interesantes, pero, sobre todo, por unos horarios de proyecciones un tanto caóticos. La representante de la Sección Oficial, Parkland, deja un regusto a oportunidad no perdida, pero sí desaprovechada, mientras la gran estrella del día Le passé, de Asghar Farhadi, cosecha halagos hacia sus actores, y no tantos hacia la película en sí. En la próxima jornada, con la llegada de Judi Dench y Philomena, se espera una pequeña remontada de cara a los últimos días del festival.

por Unknown
octubre 16, 2013

Londres 2013 | Día 7: críticas de 'Parkland', 'El pasado' y 'Mystery Road'

por Unknown | octubre 16, 2013

EL DÍA DE SCARLETT

crónica de la quinta jornada del BFI London Film Festival 2013 | críticas de Inside Llewyn Davis y Don Jon

Primer domingo del festival, dominado por dos factores: la intensa lluvia, que ha deslucido bastante las alfombras rojas, y la omnipresencia -más o menos- de Scarlett Johansson, con dos películas a presentar, a pesar de que no haya asomado por la capital británica. La comedia Don Jon, debut en la dirección del actor Joseph Gordon-Levitt, ha cosechado en general una buena acogida y bastantes risas en su pase para prensa, mientras que de Under the Skin, esa versión a la intelectual de Species dirigida por Jonathan Glazer (Sexy Beast), de momento poco se sabe, ya que a la hora de escribir estas líneas aún se estaba proyectando por primera vez, sin que haya habido ni un solo pase de prensa ni prácticamente acceso de la misma a los pases públicos, a pesar de que forma parte de la Sección Oficial. Dentro de las cintas a competición también han pasado Ida, de Pawel Pawlikowski, que se perfila como una de las favoritas al palmarés y de la que os hablaremos en próximas crónicas, y Of Good Report, de Jahmil X.T. Qubeka, que llega precedida por la polémica al haber sido prohibida en su país de origen, Sudáfrica. También ha pasado la última película de Lukas Moodysson (Lilya 4-Ever), We Are the Best!, oda a la adolescencia punk cuyas tres jóvenes protagonistas han conquistado a público y crítica de forma unánime; y Dos madres perfectas, de Anne Fontaine, drama Sundance protagonizado por Robin Wright y Naomi Watts (crítica). Mañana será el turno de Jason Reitman (Labor Day) y Jim Jarmusch (Only Lovers Left Alive), y, en la Sección Oficial, de Catherine Breillat (Abuse of Weakness) y Clio Barnard (The Selfish Giant) (crítica).

por Unknown
octubre 13, 2013

Londres 2013 | Día 5: Críticas de 'Inside Llewyn Davis' y 'Don Jon'

por Unknown | octubre 13, 2013