|| Críticas | ★★★☆☆

El especialista

David Leitch

Cómo molamos, ¿no?

Raúl Álvarez

Madrid |

ficha técnica:
EE.UU. 2024. Título original: The Fall Guy. Director: David Leitch. Guion: Drew Pearce. Productores: Paul Barry, Guymon Casady, Peter Cramer, Ryan Gosling, Glen A. Larson, David Leitch, Kelly McCormick, Cecil O’Connor, Drew Pearce, Matt Relly, Geoff Shaevitz. Productoras: 87North, Entertainment 360, Universal Pictures. Fotografía: Jonathan Sela. Música: Dominic Lewis. Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir. Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Hannah Waddingham, Aaron Taylor-Johnson, Teresa Palmer, Stephanie Hsu, Winston Duke, Zara Michales, Ben Knight, Madeleine Jones.

Pocas cosas resultan más frustrantes para el público como el hecho de que una película traicione su premisa a los diez minutos de metraje. Diez no, quizá quince o veinte, pero por ahí ronda el tiempo que tarda El especialista (The Fall Guy, David Leitch, 2024) en convertirse en todo aquello que pretende discutirle al cine comercial contemporáneo de las Marvel, DC y compañía. Colgada del brazo de una antigua serie de televisión creada por Glen A. Larson –sí, el mismo que poblaba los créditos de las decenas de series que consumimos en los años ochenta–, la nueva película de David Leitch quiere presumir de entretenimiento ligero y desenfadado, sin mayor ambición que el disfrute y las ganas de molar a toda costa, a la manera del modelo de blockbuster de los años noventa. Pero hete aquí que su Especialista resulta aburrida, morosa y repetitiva. Estira la broma de su argumento hasta las dos horas y cuarto, y explota de forma machacona, hasta desactivarla, la única baza visible con la cuenta: la química entre Ryan Gosling y Emily Blunt.

Más allá de ellos –ese beicon crujiente que necesitan todas las películas para vender su mensaje, según cuenta el personaje de Gail (Hannah Waddingham) en la escena más sincera de este film, porque revela el poso meta de su guion– se extiende un erial de situaciones y personajes secundarios sin interés, mal ensamblados en el argumento principal y que no propician una progresión dramática convincente, al contrario, avanzan de manera torpe entre explosiones, disparos y acrobacias circenses; es decir, en medio de la marea que El especialista se propone combatir con su supuesta joie de vivre. A la hora de jaleo y tralla, queda meridianamente claro que el tono paródico de la historia, el humor de sitcom, los guiños a la tele norteamericana de los ochenta y la caracterización «cartoonesca» de sus protagonistas es, en efecto, un beicon rico y sabroso. Sin embargo, el resto del bocadillo está gomoso y se atraganta. Muy poco o nada pasa entre la primera y la última escena, y esa es la mejor evidencia de que la idea de Leitch es tramposa como ella sola.

La historia de amor (de película) de Colt Seavers (Ryan Gosling) y Jody Moreno (Emily Blunt) –él, un especialista de acción, ella, una directora primeriza; los dos liados en el típico enredo del falso culpable– pedía a gritos un espíritu genuinamente lúdico y vacilón, como el de las primeras producciones de Don Simpson y Jerry Bruckheimer. Un Michael Bay, un Simon West e incluso un Antoine Fuqua habrían entendido mejor un material que nunca trasciende la pose molona de sus implicados y el afán enfermizo de Leitch por epatar en cada plano. Aquellos viejos roqueros nunca se tomaron demasiado en serio, y así salían sus dulces golosinas: un pepino de acción tras otro que, a lo tonto, reinventaban las reglas del género de acción y se inventaban una nueva manera de rodar la velocidad y el vértigo. Leitch, como le pasa a veces a Rian Johnson, a Matthew Vaughn y a Chad Stahelski, termina creyéndose sus propias bromas, y las consecuencias se traducen en películas más tontorronas de lo que él cree. Porque al beicon le hace falta una loncha de queso (una idea original, no un refrito de otras), y eso es lo que aún no ha sabido encontrar.

Un modelo para planificar estos ejercicios tan autoconscientes de sus referentes son los tebeos de J. Scott Campbell, un talento colosal por desgracia cada menos prolífico. Viendo El especialista no podía dejar de acordarme del primer Danger Girl (1998), esta sí, una parodia de las películas de acción, a costa del imaginario de James Bond, que funciona sin desmayo por tres motivos. Uno: diálogos, personajes y estilo gráfico están en la misma onda juguetona. Dos: la historia es una anécdota. Y tres: la comprensión de que la parodia es el mejor de los homenajes posibles. Quien dice Campbell, dice Joe Madureira o Humberto Ramos, sus compañeros de aventuras en los añorados Wildstorm y Cliffhanger, gente realmente dotada para conjugar registros pero nunca, nunca, nunca situándose por encima de sus mayores. A Leitch lo que le pierde es precisamente eso, una obsesión insana por ser, aparentar y creerse el tipo más guay del universo.

Los títulos de crédito finales –tráiler fake incluido de la película de Jody Moreno, con un cameo espantoso de Jason Momoa– vienen a ser como uno de esos rotuladores gigantes de Stabilo que uno usa cuando no quiere aceptar la presbicia. Por si no había quedado claro, Leitch se encarga de decirnos unas cuentas veces más lo bien que se lo han pasado todos durante el rodaje, insertando imágenes «detrás de las cámaras» pródigas en abrazos, saludos entre colegas, risas, felicitaciones, más risas y más felicitaciones. La puntilla final es la breve escena que muestra el presunto estreno de la película de Jody en la Comic-Con, evidencia máxima del ego de Leitch y sus intenciones crematísticas. El mensaje es irritante: mi película lo tiene todo para ser un éxito, así que sígueme el rollo. El único que merece ese esfuerzo es Aaron Taylor-Johnson, cuyo personaje –sospechosamente reducido– demuestra que ahí había otra película. ♦

«Estira la broma de su argumento hasta las dos horas y cuarto, y explota de forma machacona, hasta desactivarla, la única baza visible con la cuenta: la química entre Ryan Gosling y Emily Blunt».

por Raúl Álvarez
abril 26, 2024

Crítica | El especialista

por Raúl Álvarez | abril 26, 2024

|| Críticas | ★★★★☆ |

Bullet Train

David Leitch 🇺🇸

Ultima estación: Morioka

José Martín

Telde |

ficha técnica:
Estados Unidos, 2022. Título original: «Bullet Train». Dirección: David Leitch. Guion: Zak Olkewicz (Libro: Kotaro Isaka). Producción: Antoine Fuqua, David Leitch, Kelly McCormick. Productoras: 87North, CTB Inc, Fuqua Films, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Fotografía: Jonathan Sela. Música: Domini Lewis. Montaje: Elisabet Ronaldsdóttir. Reparto: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Bad Bunny, Logan Lerman, Zazie Beetz, Sadra Bullock, Masi Oka, Channing Tatum. Duración: 126 minutos.

1991 fue un año decisivo en la carrera como actor de Brad Pitt, después de unas primeras incursiones ochenteras que le presentaban como una cara bonita y efímera más, que corría el peligro de no tener recorrido suficiente como para ser recordada tres décadas después. Por un lado, ser el autoestopista macizo que hacía perder la cabeza a Geena Davis en Thelma y Louise (Ridley Scott), le encumbraría como mito erótico en ciernes de los noventa, mientras que en la indie Johnny Suede (Tom Dicillo) demostró que tras aquella coraza de rubio guaperas se escondía un innato talento para la comedia. Claramente, le era más rentable potenciar lo primero y, salvo su pequeño papel de fumado en la tarantiniana Amor a quemarropa (Tony Scott, 1993), no volvimos a ver la versión más gamberra de Pitt hasta que se cruzó en su camino Guy Ritchie, ofreciéndole el personaje bombón del gitano Mickey O´Neil en la genial Snatch: Cerdos y diamantes (2000). Después de aquello, la estrella alternó con más frecuencia el humor –comedias comerciales como The Mexican (Gore Verbinski, 2001) o Sr. y Sra. Smith (Doug Liman, 2005), donde formó pareja con divas como Julia Roberts y Angelina Jolie, respectivamente, o sus incursiones con Steven Soderberg en la trilogía Ocean´s, los hermanos Coen en Quemar después de leer (2008) o Quentin Tarantino en Malditos bastardos (2009)– con sus habituales proyectos más dramáticos en los que perseguía ansiosamente una estatuilla dorada. No puso ser más revelador que, finalmente, el Oscar le llegara a Pitt con un antológico personaje de doble de escenas de riesgo en la brillante comedia negra Érase una vez en Hollywood (2019), dirigida por (¡sorpresa!) Tarantino, un experto en sacar el talento oculto de sus actores (ahí están John Travolta o Pam Grier, también). Tras aquel merecidísimo premio, el actor ha tardado tres años en aparecer por la gran pantalla y, cuando lo ha hecho, ha sido con un celebrado personaje secundario en la comedieta de aventuras La ciudad perdida (Aaron Nee, Adam Nee, 2022), donde se comía a los protagonistas, Sandra Bullock y Channing Tatum, en cada aparición, y en la recién estrenada Bullet Train (David Leitch, 2022), ese gran título que la vis cómica de Pitt llevaba pidiendo a gritos tres décadas.

Un director como Leitch, tan cualificado para los brillantes espectáculos de acción –John Wick (2014), que rodó junto a Chad Stahelski, Atómica (2017)– como para aquellos en los que el humor tiene un gran protagonismo –Deadpool 2 (2018), Fast & Furious: Hobbs & Shaw (2019)–, es el encargado de ponerse tras las cámaras de una adaptación de la novela Maria Beetle, del escritor japonés Kōtarō Isaka, sobre una serie de sicarios que coinciden ¿por casualidad? a bordo de un sofisticado Tren Bala que viaja desde Tokio a Morioka, cada uno de ellos encargado de una misión distinta. Desde el mismo inicio, queda claro que Leitch ha impregnado a su nueva cinta de ese humor gamberro y deslenguado de Deadpool 2 y que Brad Pitt tiene la oportunidad de desmadrarse como nunca en un rol de lo más divertido. Este inseguro y algo desastroso agente secreto, caracterizado por la mala suerte que le persigue y que hace que cualquier cosa pueda suceder durante sus trabajos, es apodado por su jefa como Mariquita, y se gana la simpatía del espectador desde su primera aparición, al son del mítico Stayin' Alive. Pocos minutos hacen falta para que el estilo de Bullet Train recuerde irremediablemente al cine de Guy Ritchie o Tarantino, empezando por la presentación que se realiza de cada uno de los personajes, a cuál más pintoresco, que acabarán cruzando sus caminos en el tren. El guion de Zak Olkewicz acierta a la hora de otorgar suficientes minutos de lucimiento a cada uno de ellos, haciendo de la película una historia mucho más coral de lo que el protagonismo de una estrella como Pitt pudiese dar a entender. Y es que todos los actores están perfectos y saben sacar auténtico oro de unos personajes con múltiples capas, que se mueven en torno al líder de una banda criminal japonesa, conocido como Peste Blanca (Michael Shannon, en su salsa). Sí, incluso el cantante Bad Bunny sale airoso en su breve desempeño, si bien su asesino es el que menos se luce de todos. Por el contrario, la joven Joey King se revela como una auténtica robaescenas en su rol de Príncipe, una letal combinación de rostro angelical y maldad sin límites.

Ahora bien, aparte de un Brad Pitt desbordante de carisma, amo y señor de todos los planos en los que aparece como ese Mariquita empeñado en hacerse con un maletín de contenido incierto, es la sorprendente pareja formada por Aaron Taylor-Johnson y Brian Tyree Henry quienes se llevan los mejores diálogos de la función, encarnando a los “hermanos” Mandarina y Limón, respectivamente. Unos personajes memorables que casi remiten a aquellos Vincent Vega y Jules de John Travolta y Samuel L. Jackson para Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994), por su mezcla de violencia e ironía. También en esa narración tan fragmentada y rica en flashbacks y saltos temporales, así como en los ambientes asiáticos en los que se mueven sus criaturas, Bullet Train posee bastante del espíritu libre y juguetón del díptico Kill Bill. Afortunadamente, a pesar de todas estas referencias, Leitch sabe otorgar su propia personalidad a su obra, especialmente en sus espectaculares escenas de peleas, donde no faltan buenas dosis de gore, algo por lo que la cinta ha recibido la calificación R en su estreno en Estados Unidos. Las secuencias de acción, sobre todo el catastrófico clímax final, están rodadas con gran inventiva visual y sin miedo a resultar excesivamente fantásticas. Es por todo ello que el nuevo filme de Brad Pitt lo tiene todo para ser uno de los blockbusters más divertidos y adrenalínicos de la temporada, dotado de un ritmo tan vertiginoso como el del propio tren bala que sirve de escenario. Un verdadero soplo de aire fresco que solo busca un sano escapismo de dos horas, repleto de acción, humor y una banda sonora tan ecléctica que incluso hay lugar para un tema musical de Alejandro Sanz en ella. Si, además, posee detrás un guion muy bien armado, donde los diálogos ingeniosos tienen tanto peso o más que las vibrantes escenas físicas, y las sorpresas no dejan de sucederse a lo largo de todo el metraje (atención a los geniales cameos y a la presencia de un peligroso reptil que tiene bastante peso en la trama), no cabe duda de que Bullet Train ha encontrado la receta perfecta (y muy original) para el éxito, dentro de una cartelera veraniega dominada por secuelas y más secuelas. ⁜

por José Martín León
agosto 19, 2022

Crítica | Bullet Train

por José Martín León | agosto 19, 2022

El triunfo de la heroicidad irreverente

Crítica ★★★ de Deadpool 2 (David Leitch, Estados Unidos, 2018).

Estados Unidos. 2018. Título original: Deadpool 2. Director: David Leitch. Guion: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds (Cómic: Rob Liefeld, Fabian Nicieza). Productores: Simon Kinberg, Ryan Reynolds, Lauren Shuler Donner. Productoras: Marvel Entertainment / 20th Century-Fox / Donners' Company / Kinberg Genre. Fotografía: Jonathan Sela. Música: Tyler Bates. Montaje: Craig Alpert, Elísabet Ronaldsdóttir, Dirk Westervelt. Diseño de producción: David Scheunemann. Reparto: Ryan Reynolds, Josh Brolin, Zazie Beetz, Julian Dennison, Morena Baccarin, Brianna Hildebrand, T.J. Miller, Karan Soni, Eddie Marsan, Bill Skarsgård.

Cuando aún no se han apagado los ecos del descomunal triunfo (crítico y comercial) de Vengadores: Infinity War (Anthony Russo, Joe Russo, 2018) –aún permanece en pantalla y sin síntomas de querer abandonarla a corto plazo–, Marvel no baja la guardia y nos lanza la segunda entrega de uno de los éxitos más sorprendentes que ha dado la casa en los últimos años. Hace un par de años, Ryan Reynolds consiguió sacarse la espinita que tenía clavada tras haber sido uno de los superhéroes peor recibidos de la Historia del Cine en la, por otra parte, entretenida Green Lantern (Martin Campbell, 2011), gracias a su personaje del ex-operativo de fuerzas especiales Wade Wilson, reconvertido en antihéroe con el poder de la curación rápida (consecuencia de un brutal experimento) en la divertidísima Deadpool (2016). Aquella película supuso un soplo de aire fresco dentro del género de adaptaciones de cómics al cine, dando prioridad a un humor de lo más gamberro, repleto de diálogos políticamente incorrectos y algo de sexo desvergonzado –la cinta obtuvo la calificación R–, sin escatimar en dardos envenenados a sus camaradas mutantes (en especial a los X-Men), por encima de la acción en sí. Una producción relativamente modesta (58 millones de dólares) que acabó siendo de lo más rentable, gracias a los 783 millones de dólares amasados en todo el mundo. Para la secuela, sus responsables han tratado de corregir aquellas deficiencias que evitaron que la primera entrega llegase a ser la parodia superheroica definitiva, sustituyendo al poco experimentado director de aquella, Tim Miller, por el más curtido en el campo David Leitch, autor de dos vehículos de acción tan estilosos como John Wick (2014) –co-dirigida junto a Chad Stahelksi– y Atómica (2017), aquella aventura en la que Charlize Theron fue una letal espía bisexual en el Berlín de la Guerra Fría. Esto, unido a un presupuesto que dobla al de su antecesora, ha favorecido que Deadpool 2 sea una continuación más grande y espectacular, sin descuidar, claro está, aquel ingrediente que hizo de aquella un singular triunfo: el modo en que el héroe rompe la cuarta pared para dirigirse directamente al público y hacerle cómplice de sus pensamientos.

Deadpool 2 comienza por todo lo alto, con nuestro protagonista riéndose del destino de Lobezno en Logan (James Mangold, 2017), mientras se dispone a volar por los aires sobre unos bidones de gasolina al son del All Out of Love de Air Suple, antes de remontarnos a seis semanas atrás en el tiempo para conocer el origen de su desdicha. Esta utilización de temas musicales ñoños en los momentos claves de la historia vuelve a ser una de las apuestas del filme para generar risas (nada mejor que una canción anticlimática para conseguir que una escena de peligro resulte graciosa) y aquí podemos disfrutar de unos hilarantes títulos de crédito que parodian a los de la saga de James Bond (con la balada Ashes de Celine Dion), el Tomorrow del musical Annie acompañando a algunos momentos “dramáticos” o el mítico Take on Me de A-Ha arropando a Ryan Reynolds y Morena Baccarin en una de las escenas más románticas de la función. Una BSO a la altura, sin duda. Con respecto a la historia, esta vuelve a ser funcional y bastante tópica, recurriendo a la sucesión de gags, muy afortunados en su mayoría, y al drama personal sufrido por el protagonista y su consiguiente búsqueda de venganza como desencadenante de la trama. De nuevo, la arrolladora personalidad de Deadpool y su irreverente manera de comportarse ante las adversidades son suficientes para sostener por sí solos un espectáculo de dos horas sin tiempos muertos. Al contrario de lo que sucedía con la primera parte, Leitch sabe mantener un ritmo incesante de principio a fin, sin altibajos, gracias a un guion ágil y generoso en referencias a la cultura freak. Ryan Reynolds se lo pasa muy bien embutido en el disfraz de este personaje y aprovecha la ocasión para lucirse a lo grande, desplegando su ilimitado talento para la comedia física y la verborrea incontrolada. A su lado repiten aquellos X-Men de segunda que fueron Coloso y Negasonic Teenage Warhead, y son presentados nuevos “héroes” como el Cable interpretado por Josh Brolin, otro tipo en busca de venganza tras haberlo perdido todo y que tiene la capacidad de viajar en el tiempo, y la sexy Domino (Zazie Beetz), dotada de una buena suerte extraordinaria que es un poder en sí misma, en un primer acercamiento a lo que será el esperado equipo X-Force.

por José Martín León
mayo 28, 2018

Crítica | Deadpool 2

por José Martín León | mayo 28, 2018

Al servicio secreto de su majestad.

Crítica ★★★★ de Atómica (Atomic Blonde, David Leitch, Estados Unidos, 2017).

Convertida en pocos años en todo un título de culto para los amantes del cine de acción más estiloso y gamberro, John Wick (Chad Stahelski, David Leitch, 2014) llegó a nuestras vidas sin grandes alardes. 20 millones de presupuesto y una estrella que no pasaba por su mejor época, Keanu Reeves, fueron las armas de una historia tan sencilla como funcional: la de un letal asesino a sueldo que se cobra una sangrienta venganza contra los gángsters que mataron a su perro. El éxito de la ecuación fue tal que Reeves hoy vive una segunda juventud como actor, repitiendo rol en John Wick: Pacto de sangre (2017), la inevitable secuela que dirigió, esta vez en solitario, Stahelski, aún con mejores resultados comerciales y críticos. Por su parte, el codirector de la primera cinta, David Leitch, todo un especialista en escenas de acción, tampoco parece resignado a dormirse en los laureles y se ha lanzado a la dirección en solitario con otro producto, Atómica (2017), donde repite gran parte del equipo creativo de John Wick y que, decididamente, sigue los mismos patrones de aquella para volver a dar en la diana. La novedad radica en que, en esta ocasión, la estrella sobre la que gira todo el espectáculo es una mujer, la imponente Charlize Theron, reconvertida aquí en esa heroína de acción con la que muchos soñábamos desde que la disfrutamos como esa Emperatriz Furiosa capaz de eclipsar al auténtico protagonista de la magna Mad Max: Furia en la carretera (George Miller, 2015) y, en menor medida, como la reciente villana de Fast & Furious 8 (F. Gary Gray, 2016), donde, en honor a la verdad, estuvo un tanto desaprovechada a la hora de ser parte activa de los momentos más vertiginosos. Theron obtiene, al fin, ese vehículo para su absoluto lucimiento (físico e interpretativo, que para eso es una de las actrices más bellas de la meca del cine y tiene en su haber un Óscar) sobre el que se pueda edificar una nueva franquicia.

Adaptación de la novela gráfica de Antony Johnston La ciudad más fría, la historia nos sitúa en el Berlín de 1989, con el desplome del comunismo y la caída de su muro como telón de fondo. Hasta esa ciudad llega la agente del MI6 (Servicio de Inteligencia Secreto del Reino Unido) Lorraine Broughton, con la misión de hacerse con una importante lista que incluye los nombres de todos los espías encubiertos de Berlín y hacerla llegar a Occidente, enfrentándose a una peligrosa maraña de traiciones, agentes dobles (y triples) y asesinos que no pararán hasta acabar con su vida y arrebatarle tan valiosa información. El relato está contado a modo de flashbacks desde un despacho en el que la protagonista es interrogada por sus superiores y la CIA sobre ese trabajo que no ha salido como se esperaba, haciendo que el relato acabe resultando un tanto enrevesado y con demasiados giros argumentales que pueden dificultar su seguimiento, sobre todo en un tramo final que busca el factor sorpresa a toda costa. Atómica es una suerte de puesta al día de aquellos thrillers de espionaje que hicieron furor en los 60 y 70, con todos los lugares comunes y clichés (ese mcguffin por el que todos matan) habituales del género pasados por el tamiz de la acción más vibrante, esa que ha encontrado ilustres abanderados en héroes como el Ethan Hunt de Misión imposible o en Jason Bourne. Leitch sustituye el blanco y negro de las viñetas del cómic para llenar la pantalla de color y luces de neón (la sombra de Nicolas Winding Refn es alargada), imprimiéndole a su obra una estética ochentera de lo más atractiva, aquella que también derrochaba John Wick. Pocas veces un actor ha significado tanto para su película como Charlize Theron para Atómica, auténtico animal cinematográfico que, por sí solo, es el mayor reclamo y principal artífice de que todo lo que rodea a su figura sea tomado poco menos que como mero ornamento. Ya sea desnuda y amoratada, sumergida en una bañera llena de cubitos de hielo; con peluca rubia o cabello oscuro; luciendo lencería fina mientras pega micrófonos a lo largo de su cuerpo, o subida sobre enormes zapatos de tacón rojo que no duda en utilizar como infalible arma de matar, Theron desborda magnetismo, carisma y sensualidad, consiguiendo que la feminidad no vaya reñida con la dureza y frialdad de su personaje.

por José Martín León
agosto 05, 2017

Crítica | Atómica

por José Martín León | agosto 05, 2017

Soy John Wick. Tú mataste a mi perro... ¡prepárate a morir!

crítica a John Wick (Chad Stahelski, 2014) | ★★★★★ |

En El último gran héroe (Last Action Hero, John McTiernan, 1993), la reivindicable joya protagonizada por Arnold Schwarzenegger en el punto álgido de su carrera, se exponía con sorna la fragilidad de algunas de las excusas que les servían a los héroes de acción de los 80 y 90 para liarse a tortas y a tiros con el villano de turno. El guion de Shane Black y David Arnott hacía buen uso de una ficticia saga que servía para reflexionar con ironía sobre este asunto. Así, en la cinta de McTiernan, Arnold Schwarzenegger interpretaba (además de a una versión deformada de sí mismo) a Jack Slater, un superpolicía que en su cuarta aventura cinematográfica debía vengar la muerte de nada más y nada menos que su primo segundo… Con esto, El último gran héroe se convertía también, de algún modo, en la última gran película de acción de la historia tal y como concebíamos el género hasta entonces. En el mismo año en el que triunfaba Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993), la infografía comenzó a ganarle terreno a los efectos especiales tradicionales, de forma que para presentar una explosión gigantesca ya no era absolutamente necesario acordonar varias calles, contratar a un equipo de expertos en explosivos, a un equipo de seguridad especializado y a doscientos especialistas dispuestos a salir huyendo de las llamas. Bastaba con recrear todo aquello mediante un ordenador.  

Independence Day (íd, Roland Emmerich, 1996) podría ser uno de los mejores ejemplos de cómo el cine de acción asimiló las nuevas tecnologías para hacer más fácil lo imposible, culminando poco después en Matrix (The Matrix, Larry & Andy Wachowski, 1999), película que no sólo dio carpetazo a un milenio, sino a una manera de hacer (y entender) el cine espectáculo. A partir de entonces, las action movies se convirtieron (moviéndonos siempre en el terreno de las superproducciones de Hollywood, ojo) en aparatosos catálogos digitales en los que el píxel sepultó a la pólvora, buscando una sofisticación visual que conectara con los gustos de un nuevo público y haciendo posible que actores no especialmente capacitados para la acción física se convirtieran en nuevos reyes del género. Seguramente sin proponérselo, Keanu Reeves estuvo presente en dos grandes hitos de ambas concepciones del cine testosterónico: por una parte recogió un proyecto rechazado por Jean-Claude Van Damme, Speed (íd, Jan DeBont, 1994), que se convirtió en una de las grandes referencias de la acción de aquella década, a pesar de que su director no volviera a estar nunca jamás a la altura de esa ópera prima; por otra, fue el mejor ejemplo de que, con un arsenal de efectos de ordenador bien mezclados con efectos de cable tradicionales, cualquiera podría lucir en la pantalla como un implacable luchador de artes marciales. Algo que, por mucho que le desagrade a los fans de Matt Damon, desvirtuó la esencia del cine de acción intentando recuperar el favor de las masas.

por Unknown
marzo 04, 2015

Crítica | John Wick

por Unknown | marzo 04, 2015