|| Críticas | ★★★☆☆

John Wick 4

Chad Stahelski

Puño de hierro, chaqueta metálica

Ignacio Navarro Mejía

Madrid |

ficha técnica:
Estados Unidos, 2023. Título original: John Wick: Chapter 4. Presentación: Festival South by Southwest 2023. Dirección: Chad Stahelski. Guion: Shay Hatten y Michael Finch. Producción: 87Eleven Entertainment / Lionsgate / Summit Entertainment / Thunder Road Pictures. Fotografía: Dan Laustsen. Montaje: Nathan Orloff. Música: Tyler Bates y Joel J. Richard. Diseño de producción: Kevin Kavanaugh. Decorados: Rand Abdel Nour y Mark Rosinski. Vestuario: Paco Delgado. Reparto: Keanu Reeves, Ian McShane, Bill Skarsgård, Laurence Fishburne, Donnie Yen, Shamier Anderson, Clancy Brown, Lance Reddick, Marko Zaror, Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Scott Adkins, Natalia Tena. Duración: 169 minutos.

Cuando en 2014 se estrenó John Wick, un intrascendente thriller de acción sobre un asesino retirado que vuelve al ruedo para vengar la muerte de su perro, nadie imaginaba que casi diez años más tarde sería solo la primera de una serie de gran éxito que ya va por su cuarta entrega. Aquella cinta de 2014 podía hermanarse con esas otras películas del género más o menos coetáneas protagonizadas por Liam Neeson, aunque con un sentido más extravagante y estilizado de su componente de acción. Su protagonismo a cargo de otro curtido veterano como Keanu Reeves, conocido sobre todo por su papel de Neo en Matrix, introducía una referencia inconsciente a este universo, convertida luego en consciente en la secuela, John Wick 2, gracias a la presencia de Laurence Fishburne. Esta segunda parte suponía una expansión de la primera, pues la escueta y ceñida intriga de la misma daba ahora pie a todo un mundo alternativo, regido por una organización criminal clandestina y universal, con sus reglas y su jerarquía. Derek Kolstad, el creador de la historia y los personajes, seguía al mando del guion, por lo que dicha expansión no traicionaba directamente el espíritu del original. Pero ya era otra cosa. John Wick perdía con ello todo ápice de realismo, si es que lo tenía para empezar, e incluso de conexión con la violencia más cruda y descarnada, para pasarse casi al género fantástico, o al menos a un diseño de esa violencia, y de toda la acción, centrada ante todo en la coreografía, no en su riesgo, sus heridas u otras repercusiones. Y esto, claro está, la separaría de la realidad.

Después de John Wick 3, en esta misma línea, John Wick 4 da otro paso más en esa exageración, aunque esto le permite sortear toda acusación de falta de verosimilitud. La amplificación es patente desde la propia duración del metraje, superior a las dos horas y media, pues Stahelski y su equipo, viendo que la fórmula funciona, piensan que cuanto más ofrezcan de ella, mejor. La estilización está más marcada (mención aparte merece la llamativa fotografía de Dan Laustsen), las coreografías son más largas y complejas, y John Wick pasa por más situaciones al límite de todo lo que ya habíamos visto antes. No es una persona de carne y hueso, sino una especie de mito, una idea absoluta hecha persona, y en consecuencia da igual que caiga de una altura de tres pisos o centenares de escalones abajo, o sea golpeado, apuñalado, disparado o herido de cualquier forma: siempre saldrá más o menos ileso, capaz de seguir adelante y seguir peleando. El suspense, incluso el temor ante la incertidumbre sobre si sobrevivirá o no, se convierte más bien en una fascinación ante el espectáculo que ofrece. Que al menos la mitad del prolongado metraje se centre en este espectáculo, frente a las obligadas secuencias de diálogo o transición, produce entonces un efecto curioso, y es que la sensación del paso del tiempo queda distorsionada. Su percepción es distinta ante una secuencia, digamos, más ortodoxa, de plano/contraplano u otra planificación al uso, de varios personajes interactuando, incluso luchando, que ante este otro tipo de secuencia cuya progresión depende de cada golpe y movimiento, como parte inherente de toda una coreografía. Lo interesante es que el foco no está tanto puesto en esa coreografía de conjunto (salvo en una increíble secuencia tardía con un par de planos cenitales, cuya coreografía ya no es asumida por los personajes, sino por la propia cámara), sino en cada uno de los golpes o disparos, movimientos o fintas, y su mera sucesión y montaje, acentuando cada uno de ellos. De hecho, hay una secuencia, en una discoteca en Berlín, en que el uso de la cámara lenta refuerza esta impresión.

El espectador queda entonces en vilo, manteniendo ese estado mucho más tiempo del habitual, pero no es consciente de ello, precisamente por esa percepción temporal distinta. El resultado es que la película parece más corta de lo que es, el metraje extendido no parece tal, pero era esencial su extensión para poner a prueba la mencionada fascinación en que nos puede atrapar dicho espectáculo, y cuánto puede durar. La prueba es superada con creces, y ahí radica el principal mérito de este experimento. A partir de ahí, la historia es lo de menos, teniendo en cuenta, precisamente, que a la historia como tal apenas se le dedica la mitad del metraje. Wick sigue enfrentado a un sinnúmero de criminales y asesinos a sueldo, aunque piensa que por fin puede escapar de toda esta espiral de violencia y destrucción si reta a duelo al marqués francés (Bill Skarsgård) que la máxima jerarquía de la organización (llamada High Table) ha puesto al frente. Para ello, contará de nuevo con la ayuda de Winston (Ian McShane), agraviado después de ser expulsado de su hotel y excomulgado de la mentada organización, y de Bowery King (Laurence Fishburne), aunque la aparición de este último es más propia de un cameo. Al margen de ello, destaca en el reparto la incorporación de Donnie Yen como el ciego y peligroso Caine, amigo y enemigo a partes iguales de Wick, y no podemos dejar de mencionar a Natalia Tena, aquí a cargo de la inquietante Katia, gitana y noble mafiosa de ascendencia rusa (otra seña de identidad de John Wick es el juego con los idiomas y subtítulos). De hecho, la participación española se extiende al apartado técnico, pues a cargo del vestuario figura nada menos que Paco Delgado. En suma, estamos ante una auténtica superproducción que cuida cada detalle, lo que no impide que, al mismo tiempo, no se tome en serio a sí misma, por su propia naturaleza cercana a la parodia. En todo caso, es entretenidísima, es probable que recaude mucho en taquilla y deja la puerta abierta a una quinta entrega, aunque por ahora Stahelski y Reeves han manifestado que se tomarán un merecido descanso… Y es que hasta John Wick lo puede llegar a necesitar.

por Ignacio Navarro
marzo 27, 2023

Crítica | John Wick 4

por Ignacio Navarro | marzo 27, 2023

Apología de la imagen en movimiento

Crítica ★★★★ de John Wick: Pacto de sangre (John Wick: Chapter 2, Chad Stahelski, Estados Unidos / Hong Kong, 2017).

Los amantes del cine de acción, nosotros, que todavía tenemos en nuestras guaridas un altar en el que ponemos velas a Bruce Lee y Charles Bronson, y que aún sentimos un ligero cosquilleo en el estómago cada vez que sabemos de la existencia de una nueva película de Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone o Jean-Claude Van Damme (aunque, reconozcámoslo, a veces nos lo pongan muy difícil para seguir disfrutando de sus correrías), llevamos años echando de menos los viejos (buenos) tiempos en los que cada semana se estrenaba un actioner en pantalla grande y el género no estaba copado por superhéroes y efectos digitales. Por eso, la llegada de una película como John Wick (Chad Stahelski y David Leitch, 2014) fue recibida por nuestra tribu con vítores y entusiasmo generalizado: era una cinta hecha por especialistas que conocían las herramientas necesarias para hacer lucir las secuencias de acción como sólo unos pocos elegidos saben hacer, con un protagonista absolutamente entregado a la causa (y que, sin que se le tome demasiado en cuenta, se las ha apañado para encabezar el reparto de algunos de los clásicos más importantes del género desde los 90 hasta hoy), y que no necesitaba ninguna coartada posmoderna o irónica para funcionar a la perfección, por mucho que la premisa fuera tan básica, tan primitiva —recuerden: “has matado a mi perro, prepárate a morir”—, que algunos espectadores ajenos al género no fueron capaces de entender que algo tan elemental pudiera servir como excusa argumental para ningún largometraje medianamente serio. Pero, además de toda la cinética aportada por sus directores, el guion que Derek Kolstad escribió para John Wick se las apañaba para crear un universo paralelo cuyo epicentro era un hotel Continental de Nueva York por el que pululaban asesinos profesionales regidos por un código de honor inquebrantable. Una idea muy interesante que merece la pena seguir explotando, como demuestra el hecho de que se prepare una serie de televisión basada en este microverso titulada The Continental.

Siguiendo esa lógica, y muy conscientes de que el factor sorpresa ya se ha evaporado (que es, y lo digo ya, el único inconveniente de esta secuela), Kolstad y Stahelski profundizan en ese sistema de hoteles francos (descubrimos que no hay un único Continental, sino que hay varios repartidos por todo el planeta) e intentan desmontar la imagen de John Wick como alguien sobrehumano a quien todos temen, para ponerlo aquí en una situación de clara desventaja al volverse en su contra un código de honor discutible y convertirse en el objetivo de la organización para quien antes había sido su mejor arma letal. De un modo trágico e irremediable, Wick se ve forzado a matar una última vez para poder ser un hombre libre, pero a lo largo de la película aprende que no puede escapar de su destino: ha nacido para aniquilar y para evitar ser aniquilado una y otra vez. La película se convierte así en una yincana que va de Nueva York a Roma y de vuelta a Nueva York, en la que Wick pasa de verdugo a potencial víctima y que abunda en el submundo de traiciones, conspiraciones y trabajos peligrosos en los que se desenvuelve el protagonista y del que intenta infructuosamente escapar. Otra premisa de lo más sencilla que sirve como excusa para ofrecernos un nuevo chute de adrenalina, coreografías alucinantes y mucha pólvora.

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Así que todo sigue igual: los detractores de la primera parte que se escudaban en la escasa profundidad de su argumento para poder mirarla por encima del hombro pueden respirar tranquilos, porque aquí también tienen motivos para sentirse intelectualmente superiores al film. Del mismo modo, los que aplaudimos la propuesta de 2014 por ser una celebración del actioner hecha desde el conocimiento, el amor y la honradez, tenemos los mismos argumentos para defenderla, disfrutarla y utilizarla como ejemplo de cómo deberían ser todas las películas de acción. El principal de todos ellos: es una apología de la imagen en movimiento, es decir, de la misma esencia de un cine que en sus inicios apenas necesitaba palabras para ser entendido. No es nada casual que uno de los carteles oficiales del film rinda homenaje a una imagen promocional del cortometraje Two-Gun Gussie (Alfred J. Goudling, 1918) en la que Harold Lloyd aparecía rodeado por pistolas que le apuntaban a la cara; ni tampoco lo es que, a los pocos segundos de comenzar la película, veamos proyectadas sobre un edificio escenas que pertenecen al clímax final de El moderno Sherlock Holmes (Sherlock, Jr., Buster Keaton, 1924). Las deudas que el cine de acción tiene con la época del Hollywood silente es algo contrastado y reconocido por estrellas como Jackie Chan, quien debe buena parte de su imaginería y de la construcción de momentos de riesgo a Lloyd, Chaplin o Keaton. Como experto en la materia, Chad Stahelski evidencia también a esta conexión mediante la referencia explícita. Y, aunque su película dure dos horas, narrativamente está muy cerca de la concreción y economía de aquellos clásicos.

«Acción de verdad, física, violenta, explosiva y sorprendente. Desde la persecución inicial hasta el homenaje final a Operación Dragón (Enter the Dragon, Robert Clouse, 1973), pasando por la exhibición de autos de choque a lo Destruction Derby o los vibrantes enfrentamientos contra el asesino interpretado por el rapero y actor Common (nombre artístico de Lonnie Rashid Lynn), John Wick: Pacto de sangre funciona como el mejor showreel confeccionado hasta la fecha por la compañía de especialistas y diseñadores de escenas de acción 87Eleven».

No hay subtramas, todos los personajes secundarios interactúan con John Wick y cuando este no aparece en pantalla es porque se está hablando de él. Aunque los enfrentamientos entre asesinos se produzcan en lugares públicos como una estación de metro, el interior de un vagón o una plaza llena de gente, los transeúntes permanecen ajenos a la acción o, como mucho, se sitúan en nuestra misma posición de espectadores y se limitan a contemplar (cuando no directamente ignorar) lo que está sucediendo frente a ellos. La policía parece no existir, salvo en la figura de ese viejo amigo de Wick que va a visitarlo a su casa después de que ésta vuele por los aires, o en unas sirenas lejanas que se escuchan en Roma. Todo esto podría parecer un problema si no fuera porque, desde el mismo prólogo, Stahelski nos deja claro que sólo le preocupa aquello que le ocurra a John Wick y todo lo demás va a ser pura abstracción. Y acción. Acción de verdad, física, violenta, explosiva y sorprendente. Desde la persecución inicial hasta el homenaje final a Operación Dragón (Enter the Dragon, Robert Clouse, 1973), pasando por la exhibición de autos de choque a lo Destruction Derby o los vibrantes enfrentamientos contra el asesino interpretado por el rapero y actor Common (nombre artístico de Lonnie Rashid Lynn), John Wick: Pacto de sangre funciona como el mejor showreel confeccionado hasta la fecha por la compañía de especialistas y diseñadores de escenas de acción 87Eleven, que son los únicos en occidente que pueden equipararse a lo que hacen sus compañeros de profesión en Hong Kong, Corea del Sur o Indonesia. A eso añádanle gotas de sofisticación en la forma de escenarios elegantes y lujosos y nombres en el reparto como Ian McShane o Claudia Gerini. Y sumérjanlo todo en un universo con reglas propias y personajes tan peculiares como ese rey de los mendigos al que da vida Laurence Fishburne o la asesina muda a la que encarna Ruby Rose. El resultado es un triunfo casi absoluto. Y si no es total es porque, como dijimos al principio, el factor sorpresa se ha esfumado, y también porque quizá, sólo quizá, se pueda echar en falta algún villano más emblemático o la construcción de set-pieces que ofrezcan algo que no hemos visto antes, y no simplemente la ejecución perfeccionada y pulida hasta la extenuación de otros que hemos visto ya. Pero son nimiedades que no consiguen empañar la eficacia de un largometraje arrebatador y que promete un John Wick: Chapter 3 todavía más intenso que, si todo sale bien, debería estrenarse en 2019 y por el que muchos estamos suspirando ya | ★★★★

Pedro José Tena

© Revista EAM / Badajoz

por Unknown
octubre 10, 2017

Cine online: John Wick: Pacto de sangre

por Unknown | octubre 10, 2017

Soy John Wick. Tú mataste a mi perro... ¡prepárate a morir!

crítica a John Wick (Chad Stahelski, 2014) | ★★★★★ |

En El último gran héroe (Last Action Hero, John McTiernan, 1993), la reivindicable joya protagonizada por Arnold Schwarzenegger en el punto álgido de su carrera, se exponía con sorna la fragilidad de algunas de las excusas que les servían a los héroes de acción de los 80 y 90 para liarse a tortas y a tiros con el villano de turno. El guion de Shane Black y David Arnott hacía buen uso de una ficticia saga que servía para reflexionar con ironía sobre este asunto. Así, en la cinta de McTiernan, Arnold Schwarzenegger interpretaba (además de a una versión deformada de sí mismo) a Jack Slater, un superpolicía que en su cuarta aventura cinematográfica debía vengar la muerte de nada más y nada menos que su primo segundo… Con esto, El último gran héroe se convertía también, de algún modo, en la última gran película de acción de la historia tal y como concebíamos el género hasta entonces. En el mismo año en el que triunfaba Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993), la infografía comenzó a ganarle terreno a los efectos especiales tradicionales, de forma que para presentar una explosión gigantesca ya no era absolutamente necesario acordonar varias calles, contratar a un equipo de expertos en explosivos, a un equipo de seguridad especializado y a doscientos especialistas dispuestos a salir huyendo de las llamas. Bastaba con recrear todo aquello mediante un ordenador.  

Independence Day (íd, Roland Emmerich, 1996) podría ser uno de los mejores ejemplos de cómo el cine de acción asimiló las nuevas tecnologías para hacer más fácil lo imposible, culminando poco después en Matrix (The Matrix, Larry & Andy Wachowski, 1999), película que no sólo dio carpetazo a un milenio, sino a una manera de hacer (y entender) el cine espectáculo. A partir de entonces, las action movies se convirtieron (moviéndonos siempre en el terreno de las superproducciones de Hollywood, ojo) en aparatosos catálogos digitales en los que el píxel sepultó a la pólvora, buscando una sofisticación visual que conectara con los gustos de un nuevo público y haciendo posible que actores no especialmente capacitados para la acción física se convirtieran en nuevos reyes del género. Seguramente sin proponérselo, Keanu Reeves estuvo presente en dos grandes hitos de ambas concepciones del cine testosterónico: por una parte recogió un proyecto rechazado por Jean-Claude Van Damme, Speed (íd, Jan DeBont, 1994), que se convirtió en una de las grandes referencias de la acción de aquella década, a pesar de que su director no volviera a estar nunca jamás a la altura de esa ópera prima; por otra, fue el mejor ejemplo de que, con un arsenal de efectos de ordenador bien mezclados con efectos de cable tradicionales, cualquiera podría lucir en la pantalla como un implacable luchador de artes marciales. Algo que, por mucho que le desagrade a los fans de Matt Damon, desvirtuó la esencia del cine de acción intentando recuperar el favor de las masas.

por Unknown
marzo 04, 2015

Crítica | John Wick

por Unknown | marzo 04, 2015