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    Seminci 2013 | Día 4: críticas de 'Una familia de Tokio', 'Centro Histórico', 'Papusza', 'Las búsquedas' y 'Rock the Casbah'

    Una familia de Tokio, de Yôji Yamada

    De Polonia a Japón

    crónica de la cuarta jornada de la 58ª Semana Internacional de cine de Valladolid | crítica de Una familia de Tokio, Papusza, Centro Histórico, Las búsquedas y Rock the Casbah

    Hoy he llegado a la conclusión de que no voy a hablarles del clima castellano en la introducción. Y no voy a hablarles de ello por tres motivos: porque es un cliché de inicio, porque aquí siempre hace frío, y porque ustedes, imagino, han entrado aquí para leer de cine. Y estando ahora Valladolid en plena Seminci, lo justo es que pasemos desde ya mismo a hablar de las películas que he visto hoy.

    Papusza

    PAPUSZA

    de Joanna Kos-Krauze, Krzysztof Krauze
    intérpretes: Jowita Budnik, Antoni Pawlicki, Zbigniew Walerys, Artur Steranko, Andrzej Walden
    Polonia, 2013 | Argomedia Productions.
    Sección Oficial

    Como en el oeste de Ford, caravanas recorren infinitas y solitarias llanuras, sólo que los hombres y mujeres que van en ellas no buscan un lugar en el que establecerse, sino que huyen continuamente del pasado que jamás podrán reflejar los libros. La verdadera historia comenzó en el neolítico, momento en el que el hombre se estableció y empezó a escribir los grandes relatos de su tiempo, hasta ese momento todas las tribus nómadas fueron condenadas a desaparecer en el olvido. ¿Qué es mejor, desaparecer o desentrañar el misterio propio? Papusza, personaje real en el que se basa la película, fue la primera mujer gitana (de etnia romaní para ser más concretos) que puso por escrito sus poemas yendo en contra de la imagen tradicional de la mujer en la sociedad gitana. El filme del matrimonio Krauze cuenta su historia y la del poeta polaco Jerzy Ficowski, su descubridor y principal mecenas. Paradójicamente el éxito literario de Papusza fue la desgracia que la llevó a ser rechazada por su comunidad por haber traicionado los secretos tan codiciosamente protegidos durante generaciones.

    La película, que tiene momentos intensos, juega su mejor baza en una más que trabajada fotografía en blanco y negro, motivo suficiente para justificar su visionado, aunque en general puede pensar (con razón) el espectador experimentado que al fin y al cabo el tratamiento estético que ofrece es una clara influencia de La cinta blanca. La cinta es una obra profunda y con varios subtextos o temas debajo de la línea cronológica de la gitana protagonista. El principal es el racismo, el odio al diferente, el odio al multiculturalismo promovido por la sociedad de la época (y todavía por la nuestra) hacia una etnia como es la gitana. Viviremos el fin de una época para los personajes protagonistas: pertenecen a un mundo de reyes y libertad de movimiento, un mundo en el que el nomadismo es posible, un mundo que no existe. El nazismo gana cada vez más poder y se promueven leyes en contra de las distintas minorías, que llevarán a los gitanos a renunciar a su estilo de vida tradicional para afincarse en fríos edificios. El principal problema de Papusza es que, a pesar de que está perfectamente ambientada (gran trabajo de fotografía, vestuario, efectos especiales), acaba haciéndose larga. Eso es debido a que tiende a ser tremendamente redundante, volviendo a las mismas ideas que ya se han expuesto, y a que no son pocas las escenas que no aportan nada a la trama y que, de hecho, le quitan ritmo. ★★★crítica de Ignacio Navarro | Karlovy Vary 2013

    Aki Kaurismäki, Pedro Costa, Víctor Erice, Manoel de Oliveira.

    CENTRO HISTÓRICO

    de Aki Kaurismäki, Pedro Costa, Víctor Erice, Manoel de Oliveira
    Portugal, 2013 | Fundação Cidade de Guimarães.
    Sección Oficial (Fuera de Concurso)

    Me imagino que a estas alturas ustedes saben lo que son las películas turísticas de encargo. Me imagino también que han visto los últimos trabajos de Woody Allen y que tienen un ligero sentido artístico y estético como para considerarlos como poco buenas películas. Pues bien, el pasado 2012 la ciudad portuguesa de Guimarães fue elegida Capital Cultural Europea, y a algún geniecillo trajeado se le ocurrió la feliz idea de realizar una película coral ambientada en la ciudad en la que cuatro directores de suficiente renombre, dieran su visión acerca de la misma. La lista de elegidos la verdad es que impresionaba: Kaurismäki, Pedro Costa, Victor Erice y Manoel de Oliveira. Sin embargo el resultado final es decepcionante. La cinta se divide, por tanto, en cuatro cortos totalmente independientes entre sí y cada uno a cargo de uno de los citados directores. Es Kaurismäki el primero que nos ofrece su propuesta con El tabernero, una simpática historia de un camarero de un bar en decadencia. Fiel a su estilo el finlandés refleja en la figura de su protagonista un retrato de las clases bajas y menos favorecidas que luchan por sacar adelante sus ilusiones y sus deseos. Su propuesta estética juega, como es habitual en él, un inteligente juego de colores gracias a una correcta puesta en escena y a una iluminación eficiente. El resultado final es agradable, un corto por momentos simpático, y por momentos triste. Sin embargo, la segundo pieza, a cargo de Pedro Costa, titulado Dulce exorcismo es un total y verdadero despropósito. Narra la historia de un eterno viaje en ascensor entre un emigrante de Cabo Verde y un soldado portugues. No hay más. Un corto que marea, que irrita al espectador y que tiene poco o nulo sentido, como las peores páginas de La Broma Infinita. De foto tuvo que ser la cara que puso el pobre hombre que eligió a Costa para promover su bonita ciudad al encontrarse con una pieza tan insólita.

    Pero llega el corto de Erice Cristales rotos y el tiempo se para. En este pequeño documental Erice homenajea a una hace años cerrada fábrica textil de la ciudad entrevistando a sus ex trabajadores. O mejor dicho, poniéndoles el micro delante y dejándoles hablar. Es sorprendente la capacidad de expresión verbal que muestran los ya mayores habitantes del pueblo en sus monólogos improvisados, perfectamente dignos de los más grandes filósofos: hablan de la vida humana, del capitalismo, del trabajo alienador, de la felicidad, del sufrimiento, del dolor… Sin duda alguna una joya de cortometraje y, realmente, la principal pieza que al menos puede justificar el visionado de la obra entera. La única parte que ha sido aplaudida esta mañana en el pase de prensa. Y para acabar le tocaba el turno al veterano Manoel de Oliveira, que plasma en imágenes el encargo turístico de la manera más explícita posible: mostrándonos a un gran grupo de turistas entrando por las calles de la ciudad y haciendo fotos a todo lo que se encuentran a su paso. Un trabajo basado en una idea bastante pobre y que parece más bien el anuncio que en el fondo es. ★★★★

    Una familia de Tokio, de Yôji Yamada

    TOKYO KAZOKU (UNA FAMILIA DE TOKIO)

    de Yôji Yamada
    intérpretes: Isao Hashizume, Kazuko Yoshiyuki, Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Masahiko Nishimura, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya.
    Japón, 2013 | Shochiku Company.
    Sección Oficial

    He de empezar confesando que el cine japonés no es uno de mis puntos fuertes, ni en conocimientos, ni en afición, ni en interés. Es por ello, además de por el hecho de que la historia es un remake de Cuentos de Tokio de Ozu, que he entrado a la sala con ciertos prejuicios ante lo que iba a ver. Y nada más lejos de la verdad, estamos ante una de las sorpresas de esta edición. Una familia de Tokio es uno de los más dulces retratos de la vejez que se han hecho en el cine reciente. De la vejez y de la actitud de la familia al respecto, de cómo cuando se crece lo suficiente la vida, por mucha familia que se tenga, se vuelve solitaria como era al principio. La trama narra la historia de un viejo matrimonio que vive en una pequeña isla de Japón y que, por petición de sus hijos, deciden hacerles una visita a la gran y caótica ciudad de Tokio. La película es un acierto de principio a fin, una paleta multitonal con la que su director plasma distintas sensaciones y sentimientos en las relaciones que mantienen sus personajes. Hay que destacar por encima de todos a la pareja de ancianos protagonista, completamente fuera de sitio, en una modernidad para la que se han quedado viejos, simbolismo perfecto el de la noche que pasan en el hotel contemplando como gira la enorme y coloreada noria.

    El tono del filme es semejante al de las obras de Alexander Payne, comedias trágicas, o dramas cómicos si se prefiere. Al igual que en el cine de este, lo que se nos cuenta no tiene nada de divertido o de gracioso, son situaciones que van de complicadas a muy difíciles y dolorosas, son los personajes los encargados de contrarrestar todo el insoportable peso que el mundo ejerce sobre ellos sonriendo y aceptando las cosas tal y como son. Encontrando si se quiere decir de otro modo, el patetismo que todo ser humano guarda dentro de sí mismo y aceptándolo como un valor personal irrenunciable, sobretodo en el caso del hijo joven. En definitiva estamos ante un filme sólido con una excelente propuesta pictórica formada por bellísimos planos de la urbe nipona. Una película sencilla y brutalmente sincera, sin trucos ni trampas, aunque si hay que ponerle un pero que sea el de tirar de cierto efectismo en su parte final. Efectismo que todo sea dicho, queda bastante natural. ★★★

    Las búsquedas, de José Luis Valle

    LAS BÚSQUEDAS

    de José Luis Valle
    intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez, Gabino Rodríguez, Martín Acosta.
    México, 2013 | Caverna Cine.
    Punto de Encuentro

    Elegí está película de la sección Punto de Encuentro, dedicada a primeras y segundas películas, porque me pareció arriesgada y rompedora. Resumiendo su argumento tenemos un thriller en el que por un lado un hombre se suicida dejando a su mujer viuda; y por el otro, a Ulises, el principal protagonista, le roban la cartera en la que guardaba la única foto de su hija fallecida. Hasta ahí la película puede resultar más o menos atrayente, pero es que el gran mérito de esta cinta mexicana es que está rodada en siete días, con material prestado y con un gasto total de tan sólo 1.500 dólares. Su director, José Luis Valle, como ya hiciera en su tiempo su compatriota Robert Rodriguez, no ha dudado en realizar un coloquio posterior a la película exponiendo su principal tesis: Si quieres, puedes. De hecho el motivo de que emprendiera el rodaje ha sido, tal y como el mismo ha confesado, que no recibía dinero para un proyecto de mayor envergadura. Así que junto a sus amigos, escribió un guión acorde a sus posibilidades, y aquí ha llegado de momento.

    La cinta tiene una propuesta alternativa completamente radical, digna de alguien que sabe que puede experimentar con una película como esta: blanco y negro en todo su metraje y escasos cortes, con predominio de planos secuencia de varios minutos de duración. Esto puede provocar que el espectador más impaciente pida a gritos en determinadas ocasiones un cambio de plano, cambio de plano que normalmente no se produce cuando la costumbre dictamina que se debe producir. Como Valle ha reconocido, crear suspense con cortes es muy fácil, crearlo con planos largos es el reto. Y la verdad es que la cinta mantiene la atención del espectador desde el primer momento hasta el impactante final. ★★★★

    Rock the Casbah, de Yariv Horowitz

    ROCK THE CASBAH

    de Yariv Horowitz
    intérpretes: Yon Tumarkin, Yotam Ishay, Angel Bonanni, Roy Nik, Iftach Rave.
    Israel, 2013 | Topia Communications.
    Punto de Encuentro

    La última película del día ha sido la israelí Rock the Casbah. Ambientada en Gaza, narra la historia de unos soldados que se encuentran de inspección cuando uno de ellos es herido por una lavadora que cae desde un tejado. El soldado muere y sus compañeros, ordenados por su capitán, se apostan en la azotea de la vivienda palestina con el fin de vigilar y encontrar a los responsables. La obra de Yariv Horowitz no aporta muchas novedades al subgénero. Decorada de estereotipados personajes, desde el capitán hipócrita y malhumorado, hasta el soldado que no cree en lo que está haciendo. La principal novedad del asunto radica en la situación geográfica del conflicto, no estamos ante un escenario en guerra, y, sin embargo, la actitud que muestran los soldados parece indicar que así fuera. Es por ello por lo que a medida que avanza la trama y sus personajes evolucionan, mostrarán un amplio cuestionamiento no tanto del sinsentido de la guerra, sino sobre todo del sinsentido Israelí. Reflejado con sencillez en la relación que mantienen desde la azotea con la familia que vive debajo, o en las ganas que tienen de comer humus palestino. Para acabar, y aunque no suele ser habitual decirlo, quiero señalar el corto alemán que se proyecta junto con esta película (en Seminci, en las secciones a competición es normal la proyección de cortos antes de largos), El pingüino. Señalarlo porque es un corto de dibujos animados muy especial, gamberro y divertido. Uno de los mejores hasta el día de hoy. ★★★

    Álvaro Martín
    redacción Valladolid | enviado especial a la 58ª Semana Internacional de Cine de Valladolid

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