Introduce tu búsqueda

El último verano
FICX Imatge Permanent
  • [8][Portada][slider3top]
    Cine Alemán Siglo XXI

    Sarajevo 2013 | Séptima jornada

    Blue Jasmine

    Y LLEGÓ EL CINE AMERICANO

    crónica del séptimo día en Sarajevo 2013 | Críticas de In Bloom, Runaway Day, Short Term 12, Stop the Pounding Heart & Blue Jasmine.

    Estamos ya en la recta final de esta 19ª edición del festival de Sarajevo, y aunque los problemas técnicos o más ampliamente extra-cinematográficos siguen sucediéndose (como el retraso sistemático en el horario de los pases competitivos y del Open Air), la calidad del cine propiamente dicho va subiendo. Y lo ha hecho manifiestamente en esta jornada, en la que tres de las cinco películas visionadas; casualmente las tres americanas, pueden considerarse grandes trabajos, mientras que las otras dos; casualmente las dos competitivas, son probablemente las dos mejores de su sección. Pero reservamos la evaluación del nivel general de la selección competitiva para el final: hoy toca simplemente reseñar los cinco títulos apuntados, que en aproximado orden de mejor a peor serían: Stop the Pounding Heart (Roberto Minervini, 2013), Short Term 12 (Destin Cretton, 2013), Blue Jasmine (Woody Allen, 2013), Runaway Day (Dimitris Bavellas, 2013) e In Bloom (Nana Ekvtimishvili & Simon Groß, 2013).

    In Bloom

    IN BLOOM

    de Nana Ekvtimishvili & Simon Groß
    Intérpretes| Lika Babluani, Mariam Bokeria, Zurab Gogaladze, Data Zakareishvili, Ana Nijaradze
    Georgia
    Selección Oficial | Competición

    Aunque acabamos de enumerar este título en último lugar, la cinta de Ekvtimishvili y Groß sigue siendo el segundo mejor filme que en visto en la competición de largometrajes de ficción este año. Y lo es porque sabe desarrollar con criterio su historia sobre la pérdida de la infancia en tiempos de guerra, con paciencia pero también con ritmo, hilando los distintos conflictos y dibujando adecuadamente cada personaje. Dicha historia gira efectivamente en torno a las vivencias de dos amigas, compañeras en la escuela, que deben afrontar las rencillas de sus respectivas familias, los primeros amores y celos y en general las penurias que el enfrentamiento bélico está dejando en su pequeña ciudad, patentes por ejemplo en el racionamiento del pan. Esto último trae causa del contexto en que se ambienta el relato; en el interior georgiano de 1992, lo cual aporta indudable tensión a la narrativa y es ilustrado con una cuidada fotografía en tonos sepia. Exhibir aquí una película de época es casi excepcional teniendo en cuenta el bajo presupuesto y la escasez de medios mayoritarios en las participantes en este festival, y por ello desde un principio este filme destaca por sus superiores valores de producción. Pero también es meritorio su trabajo con los actores, la mayoría de ellos niños de una generación posterior a la de la guerra civil que sin embargo actúan con plena credibilidad y sentimiento, así como su ajustada elaboración del guion o su igualmente elaborada planificación de cámara, con planos duraderos ricos en detalle y movimiento. Con todo, no conviene sobredimensionar estas cualidades pues pese a ellas la película no es especialmente memorable visualmente ni su narrativa nos cuenta algo realmente novedoso, pero en cualquier caso es de apreciar este tipo de trabajo en medio de los irregulares y a menudo huecos ejercicios que suelen poblar el panorama. ★★★★★

    Runaway Day

    RUNAWAY DAY

    de Dimitris Bavellas
    Intérpretes| Maria Skoula, Makis Papadimitriou, Eva Vogli, Errikos Litsis
    Grecia
    Selección Oficial | Competición

    Esta es para mí, sin duda, la película más valiosa y recomendable de la sección oficial, y lo es por una sencilla razón: porque sabe extraer el mayor jugo posible de sus limitados recursos o, dicho de otra forma, porque nos cuenta algo novedoso partiendo precisamente de unas imposiciones similares a las de otros contendientes. Estos casi siempre se ambientan en un mundo urbano o rural y nos cuentan las vicisitudes y los traumas de unos personajes enfrentados al drama más o menos cotidiano que sea. Bavellas en cambio opta por un tratamiento de actualidad pero también de ciencia ficción y terror, utilizando decorados naturales de la ciudad de Atenas para darles la vuelta con ingenio y valentía. Y lo hace simplemente vaciándolos de gente, pues su historia trata sobre ciudadanos atenienses que de repente deciden huir de su ciudad, abandonando sus familias, responsabilidades y concretamente deudas financieras. El comentario sobre la crisis helena es pues acidísimo, espeluznante, contraponiendo un brillante e hilarante prólogo documental en el que un periodista destaca las virtudes de la capital griega con la dura realidad del resto del metraje, que se desarrolla con una fotografía en blanco y negro y una estética desnuda y granosa. Con todo, es cierto que la película no consigue estar a la altura de su valiente y original premisa, pues va decayendo hacia un surrealismo un poco torpe, que falla al intentar aportarnos nuevos datos y que no logra mostrarnos con suficiente incisión la supuesta vuelta al estado de la naturaleza de estos asustados personajes. Es más, algunas escenas del resto del metraje parecen estar ahí simplemente para rellenar tiempo y espacio, y es una pena porque con un poco más de ingenio y atrevimiento podríamos estar hablando de una gran película. Pero, aun así, me quedo con la inteligente capacidad de Bavellas por transformar decorados ordinarios en escenarios inquietantes, apocalípticos incluso, sin efectos especiales de por medio, consciente de que el cine es ante todo manipulación de la realidad. ★★★★★

    Short Term 12

    SHORT TERM 12

    de Destin Cretton
    Intérpretes| Brie Larson, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Rami Malek, Keith Stanfield
    Estados Unidos
    Sección Kinoscope

    El debut del americano Destin Cretton llegaba con varios parabienes de festivales previos, por lo que mis expectativas eran altas. Y puedo adelantar ya que las mismas se han cumplido, pues Short Term 12 es una cinta bastante redonda, una valiosa muestra de lo mejor que el cine indie americano puede ofrecer. En efecto, últimamente en este sector alternativo de la industria se suelen desarrollar trabajos que combinan con aparente desenfado y con visible naturalidad el humor y el drama, realizando también con ello un comentario engañosamente liviano sobre los problemas que pueden afectar a determinado sector de la sociedad. Utilizo estos calificativos para indicar que el mayor mérito de estas películas es la facilidad con que parecen estar concebidas, sin renunciar nunca a un camino comercial aunque no estén hechas bajo el amparo de las grandes productoras, y a la vez aportando una sinceridad y una amplitud de miras que no suelen encontrarse en otro tipo de cine, donde se puede apostar más por lo didáctico o lo solemne. Pues bien, en realidad lo anterior es mucho más difícil y por ello más meritorio. En consecuencia, lo que esta reflexión inicial viene a decir es que los cineastas del circuito independiente americano saben que antes que nada deben contar con un buen guion, y en sus parámetros un buen guion es aquel que sabe explotar los conflictos de sus personajes de una manera lógica pero a la vez imprevisible, que sabe unir la repetición con la novedad en localizaciones casi siempre familiares. Y esto es lo que ocurre en el filme de Cretton, caracterizado por una estructura simétrica como las que mejor funcionan, una protagonista (maravillosamente interpretada por esa revelación que es Brie Larson) con un conflicto latente del que se nos van dando pistas poco a poco, con una progresión dramática tan clara como invisible en la que no faltan las carcajadas pero sin que éstas se salgan nunca del tono global del metraje, último acierto que resulta de unos diálogos rápidos, perspicaces y eficaces, donde cada réplica aporta información de una manera indirecta. Luego el resto de elementos de la película, desde unas sentidas interpretaciones por parte del elenco más secundario hasta la dirección transparente de Cretton, pasando por una amena banda sonora y una luminosa fotografía, están sencillamente al servicio de ese guion que con un mínimo saber hacer asegura la plena satisfacción del espectador. ★★★★

    Stop the Pounding Heart

    STOP THE POUNDING HEART

    de Roberto Minervini
    Intérpretes| Sara Carlson, Colby Trichell, Tim Carlson, LeeAnne Carlson
    Estados Unidos, Italia & Bélgica
    Sección Kinoscope

    Aviso para navegantes: esta película, cuyo paso ya por un par de festivales, incluido el de Cannes, se ha desarrollado incomprensiblemente en un segundo plano, es un diamante en bruto y una bendición para los fans de Terrence Malick (entre los que me encuentro incondicionalmente). Ya comenté tras mi visionado de Ain’t Them Bodies Saints (David Lowery, 2013) que la herencia del cineasta de Illinois es cada vez más amplia, y esta película de Minervini es una muestra incluso más clara que la de Lowery. El cineasta retrata aquí las vivencias cotidianas de una comunidad conservadora del interior de Texas, en la que casi todas las actividades consisten en cuidar del rebaño lechoso o domar toros desbocados, y lo hace con un estilo quizás más terrenal que el de Malick aunque uno de sus temas más insistentes sea el de la devoción católica. Con todo, la completa ausencia de música y el tempo de las escenas apuntan hacia una intención más documental, lo cual queda por otro lado patente por el carácter no profesional de unos actores que se interpretan a si mismos, por lo improvisado de unos diálogos repetitivos y en ocasiones superfluos o por la inclusión de acciones como un parto real en directo, cosa inédita en una película de ficción. Sin embargo, además del mencionado sustrato divino, la cadencia de dichas escenas y de la cámara que las recoge es una copia casi fidedigna del estilo de Malick, aunque ello como ya dije en su momento no es un defecto, tanto porque aquí se corresponde plenamente con el carácter tan etéreo como biográfico de la historia que nos cuenta Minervini, como en general porque es un estilo que personalmente me parece fascinante, por lo que bienvenidas sean propuestas semejantes. En definitiva, estamos ante un trabajo crudo y a la vez bello, complejo y a la vez sencillo, que va alternando escenas protagonizadas con espontaneidad y trascendencia por adultos, niños o animales hasta un poético desenlace que da pie a una apropiada interpretación sobre lo que se ha presenciado hasta entonces. ★★★★

    Blue Jasmine

    BLUE JASMINE

    de Woody Allen
    Intérpretes| Cate Blanchett, Sally Hawkins, Alec Baldwin, Bobby Cannavale, Andrew Dice Clay, Peter Sarsgaard
    Estados Unidos
    Sección Open Air
    crítica

    Finalmente, ha habido un cambio de planes debido al agotamiento de las entradas y en vez del último filme de Jim Jarmusch he visto el último de Woody Allen, el cual en cualquier caso también estaba en mi agenda. Y con razón, pues se trata de uno de los más divertidos y a la vez incisivos esfuerzos de este cineasta genial e incansable, apoyado sobre todo en una demoledora interpretación de Cate Blanchett pero también en el dinamismo y la intensidad de unos diálogos y unas acciones movidas por la pasión irremediable. En efecto, la película trata principalmente sobre las aventuras y desventuras amorosas de la neurótica y elegante Jasmine, interpretada por Blanchett, y sobre las de su hermana Ginger, interpretada con mérito comparable por Sally Hawkins (con la dificultad añadida de transformar su acento británico en americano). Sin embargo, la gracia de la cinta proviene también de su contexto “post-crisis financiera”, plasmado en los engranajes fraudulentos del exmarido de Jasmine, episodios que son plasmados mediante bruscos pero a la vez fluidos flashbacks por Allen. La película entonces va y viene entre tiempos y espacios distintos, superponiendo distintos niveles narrativos e introduciendo sucesivos personajes para conformar un fresco progresivamente apasionante de un mundo absurdo y delirante pero trágicamente real. Dicho esto no me extiendo más pues comparto plenamente las impresiones de mi compañera Inés Esteban que recientemente ha reseñado esta película. ★★★★

    La octava jornada no se anticipa tan buena como ésta pero aún así parece contar con propuestas interesantes: por la mañana podrá verse la última película en competición, Wolf (Bogdan Mustață, 2013), y por la tarde habrá otras dos integrantes de la sección Kinoscope, ambas italianas: Alì tiene los ojos azules (Claudio Giovannesi, 2012) y El intervalo (Leonardo di Costanzo, 2012). Finalmente, el cierre de la jornada vendrá con la proyección nocturna de The Broken Circle Breakdown (Felix Van Groeningen, 2012). Como siempre les transmitiremos nuestras reacciones para cada una de ellas aquí, en El Antepenúltimo Mohicano.

    Ignacio Navarro.
    enviado especial a Bosnia y Herzegovina | crítico cinematográfico. 

    Obala Art Center | sff.ba
    El perdón Fantasías de un escritor Memoria Clara Sola
    Montessori
    Hate songs
    Rosalie
    La chica que sanaba

    Estrenos

    Amouras neves
    Rosalie

    Streaming

    Amour fou
    Ti Mangio
    De humanis El colibrí

    Inéditas

    Bulle Ogier