Especial Skyline Benidorm Film Festival

Parte III | 9ª edición

La última jornada de proyección de cortometrajes concluyó la Sección Oficial del festival Skyline Benidorm Film Festival. Lejos de cualquier declive en sus compases finales, la programación ofreció propuestas de una calidad incuestionable, como las premiadas en previos festivales Cura Sana, de Lucía G. Romero, aproximación autobiográfica a las dificultades sociales de las comunidades migrantes en riesgo de exclusión, o Tito, un sólido y redondo thriller rodado en plano secuencia sobre la confrontación inevitable entre dos enemigos obligados por circunstancias socioeconómicas. De igual modo, destacaron Carmela, de Vicente Mallols, una interesante incursión con stop motion en la lucha feminista durante la Guerra Civil, o Una cabeza en la pared, de Manuel Manrique, historia sobre la gloria perdida por un ex-matador condenado a vivir en una España sin tauromaquia.

Els buits

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Els buits». Dirección: Sofia Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca. Guion: Sofia Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca. Producción: Carlotta Schiavon, Laura Rubirola Sala. Compañías: Vayolet Films, Nocturna Pictures. Fotografía: Sofia Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca. Edición: Sofia Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca. Sonido: Joan Cabré Miret, con la colaboración de las directoras. Reparto: Mariona Roca Tort, Marina Freixa Roca. Duración: 19 minutos y 20 segundos.

Isa Luengo, Sofía Esteve y Marina Freixa Roca construyen con Els buits una crónica crónica cruda y directa, cuya su sobriedad formal no opaca en absoluto la intensidad de los hechos narrados. Este documental —en sentido estricto, sin más artificios estéticos de los mínimos necesarios— dirige sin distracciones la mirada hacia una de las múltiples formas que la represión política y machista puede tomar. Mariona Roca Tort, durante su adolescencia tardía, fue enviada por su propia familia bajo tutela del Patronato de Protección de la Mujer (1941-1985), un organismo utilizado por la dictadura franquista para “reformar” a las mujeres consideradas rebeldes, disidentes o de moral cuestionable. En la práctica, sus centros, hospedados bajo la tutela de diversas agrupaciones católicas, ejercían una violencia sumamente cruel, utilizando tratamientos como la terapia de electroshock o la inducción a sus pacientes al coma con altas dosis de insulina. Mariona cuenta sin eufemismos a su hija Marina (Freixa Roca, una de las directoras) la tortura sistemática sufrida con la aquiescencia familiar y el apoyo del régimen dictatorial. La dureza del relato habla por sí misma. La inteligencia en la arquitectura de este documental al dar buen orden a los hechos, así como a la entrevista a su protagonista absoluta, hace de Els buits una obra sólida.

Tito

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Tito». Dirección: Javier Celay. Producción: Raquel Domínguez. Compañía: Astronaut Films. Música: Versión del 'Baga Biga Higa' de Mikel Laboa, adaptada con música cofrade de la Semana Santa de Sevilla. Reparto: Roman Rymar, Ane Gabaraín, Bruno Ciordia. Duración: 12 min.

El director Javier Celay, al ser preguntado en el coloquio posproyección de Tito acerca del uso de un solo plano secuencia como herramienta principal, justificó su decisión empleando la analogía del mago: los trucos ocurren frente a nuestros ojos y engañan al cerebro. Tal afirmación demuestra un ejemplar dominio de la construcción, pues configura la historia de un conflicto, con un texto y un subtexto interesantes, y además recoge todos los elementos sembrados, alcanzando la circularidad narrativa. El cartel de un perro extraviado, una conversación en el espacio neutral del bar del pueblo, la falta de apoyos estatales para asistir a las personas dependientes o la precariedad de la jubilación. Estas pocas piezas se organizan con impecable ejecución para la germinación de un conflicto mucho mayor entre la propietaria Filo (Ane Gabaraín) y Tito (Roman Rymar), arrendatario moroso en una situación de vulnerabilidad comparable a la de ella misma; coyuntura que, a pesar de sus similitudes, los enfrenta, colocando a los espectadores en un complicado y frágil territorio ético. Tito asombra por la clarividencia de su composición, no solamente por obra de su guion sin esquinas, obra del propio Celay, ni su excelente planificación, aprovechamiento de recursos y dirección de actores: es su visión de conjunto lo que convierte a esta película en una propuesta sobresaliente.

Carmela

ficha técnica:
España, 2025. Título original: «Carmela». Dirección: Vicente Mallols. Guion: Helena Sánchez Bel. Producción: Leticia Montalvá, Vicente Mallols, Iván Madolell, Pablo Muñoz, David Castro González, Ilan Urroz, Charli Bujosa Cortés. Compañías: Pangur Animation, Mansalva S.L., Foliascope. Fotografía: Pablo Muñoz. Música: Jérôme Nicolas. Edición: Vicente Mallols. Reparto: Empar Ferrer, Gloria March, Mireia Palau. Duración: 15 minutos.

En opinión de quien escribe estas letras, resulta fascinante asistir al ejercicio de una actividad que parece condenada a la desaparición. Hay algo heroico en dedicar esfuerzos y recursos a una manera de hacer las cosas, despreciando tendencias o soluciones más cómodas, más centradas en el efectismo o la inmediatez. Por lo tanto, ya el mero hecho de asistir a la proyección de Carmela supone una experiencia reconfortante. El director Vicente Mallols y el equipo de Pangur Animation Studios utilizan el stop motion como herramienta primordial con una confianza conmovedora para dar vida a esta historia de resistencia republicana, sí; pero además, de lucha feminista. Mediante una estructura epistolar, este cortometraje relata el camino de despertar social de su protagonista, una costurera española durante los años de la Segunda República —inspirada por la lucha sociopolítica de Clara Campoamor— quien, tras el estallido del golpe de estado franquista, decide comprometerse hasta las últimas consecuencias en su lucha contra la barbarie, a favor de los derechos conseguidos y el afán de proteger de la causa política y feminista. Carmela no persigue una ambición desmedida en el aparato argumental, y no parece hacerle falta: destaca por su sencillez, comprometida política y socialmente, así como por el empleo de esta técnica de animación artesanal, eligiendo el minimalismo aunque, eso sí, sin comprometer su discreta riqueza visual.

El cuento de una noche de verano

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «El cuento de una noche de verano». Dirección y guion: María Herrera. Producción: Stefan Schmitz, Emilia Fort, María Herrera. Compañía: Avalon. Fotografía: Ion de Sosa. Música: Elsa de Alfonso. Edición: Estel Román, Miguel A. Trudu. Dirección de arte: Marine Hercouët, Magdalena Orellana. Reparto: Olivia Delcán, Nacho Sánchez. Duración: 22 minutos.

Una sinopsis distraída del cortometraje de María Herrera podría conducir al error de pensar que estamos ante una propuesta simple. El cuento de una noche de verano se distancia de la obra casi homónima de Shakespeare cuando su aparente de ligereza y desenfado —en el caso presente, adaptado a la vida cotidiana— progresivamente van palideciendo hasta mostrar un mapa emocional de perversidad y abuso disfrazado de sutileza. Dos cuerpos se conocen, se acarician y recorren mutuamente, enroscados, mientras un ridículo ventilador con luces de colores gira la cabeza de aquí para allá. Inés (Olivia Delcán) y Guille (Nacho Sánchez) charlan desnudos en la cama, sudando, en un paisaje inocente y agradable. Todo parece estar en su lugar, hasta que un simple gesto rompe el pacto y reconfigura la situación hacia una zona tan horrorosa como frecuente. Entonces aparecen los mecanismos de autoinvisibilización, impuestos culturalmente, que dejan en estado vulnerable a la propia víctima: el shock, la culpa, la trivialización, la justificación de la agresión. La dirección de Herrera consigue expresar pura verdad tanto en las actuaciones de Sánchez y Declán como en lo complejo del contenido discursivo de la película; lo cual, de por sí, es una muestra de talento. El cuento de una noche de verano es, además, una obra excelente en su capacidad para comunicar los efectos abuso con tanta delicadeza como contundencia.

Las chicas

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España, 2024. Título original: «Las chicas». Dirección y guion: Laura Obradors. Producción: Zabriskie Films, Espurna Films, Escándalo Films, ESCAC Films. Fotografía: Andrea López. Música: Valen Haralambidis. Reparto: Zoé Arnao, Júlia Mascort, Nora Sala-Patau, Manel Llunell, Adrià Salazar. Duración: 16 minutos.

Laura Obradors orquesta con Las chicas un doble ejercicio: una suerte de homenaje a la cultura pop de finales de los 90 y principios de los 2000, y, además, una curiosa —e irregular— mezcla entre el coming of age, el terror sobrenatural y la comedia negra. No es casualidad que sus protagonistas, María (Zoe Arnao) y sus dos inseparables amigas (Júlia Mascort y Nora Sala-Patau), lean la revista Superpop o referencien Embrujadas (Charmed), una de las series noventeras por antonomasia. Aunque las tres chicas pasan unos apacibles días de verano en la playa aprendiendo a beber cerveza, leyendo el horóscopo y las revistas sobre lo paranormal, en la mente de María solo transitan los ojos de Rubén (Manel Llunell). Tras un fallido intento de atraerlo, María sufre una humillación imperdonable por el inalcanzable objeto de su deseo y sus vulgares amigos. A partir de aquí, se produce una progresión del complot hacia la venganza de la afrenta sufrida, que alcanza atropelladamente su clímax narrativo. Resulta singular esta aproximación al folklore —ya explorado en un tono distinto (y más profundo) por Robert Eggers con The vvitch (2015)— en un contexto distinto; sin embargo, en mi opinión, la solidez de palidece con rapidez. En cualquier caso (pesándole la reutilización la secuencia final de la obra de Eggers), Las chicas es menos interesante de lo que podría haber sido.

Buffet Paraíso

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España-Francia, 2024. Título original: «Buffet Paraíso». Dirección: Héctor Zafra y Santi Amézqueta. Guion: Júlia Francino y Elena Gobernado. Producción: Álex Cervantes, Roger Torras, Fabrice Otaño y Álvaro García. Compañías: Hampa Studio, WKND, DISNOSC. Fotografía: Animación. Música: Luc Suarez y Vicente Chust. Duración: 8 minutos.

Se encuentran en Buffet paraíso trazas, a modo de influencia o referentes, del estilo de animación del Studio Ghibli, sobre todo, en la maestría del estudio japonés por revestir de belleza a lo desagradable (aunque suene contradictorio). El cortometraje de los directores Héctor Zafra y Santi Amézqueta no oculta su predilección por cierta manera de retratar el feísmo, el exceso o la decadencia de sus personajes que estaba presente en, por ejemplo, El viaje de Chihiro (2001). La obra de Zafra y Amézqueta ostenta un muy buen uso de los recursos de animación digital para presentar el local homónimo: un restaurante por el que desfilan unos humanos inflados y paquidérmicos, de rostro grotesco, con un apetito a la altura de su avaricia y desprecio por quienes les sirven, pequeños camareros, débiles y sumisos. La facilidad con que se observa aquí el conflicto de lucha de clases no impide apreciar el despliegue técnico y artístico que Hampa Studio está orgulloso de mostrar. A pesar de que ni el contenido discursivo ni el aparato estético resulten novedosos, en conjunto Buffet paraíso supone una experiencia disfrutable.

Una cabeza en la pared

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España, 2024. Título original: «Una cabeza en la pared». Dirección: Manuel Manrique. Guion: Manuel Manrique e Itziar Sanjuán Sáenz de Urturi. Producción: Diego Saniz, Manuel Manrique, Jorge Acosta y Alberto Torres. Compañías: Kabiria Films, Inaudita, La Federal Films. Fotografía: Alejandro Buera. Edición: Pablo Barce. Sonido: Lucas Ariel Vallejos. Música: Alberto Torres. Reparto: Nacho Sánchez y Ángela Cervantes. Duración: 20 minutos.

En su conexión con la realidad sociocultural patria, Una cabeza en la pared, de Manuel Manrique, acaricia los límites del género de la Ciencia Ficción con una premisa que se ofrece como excusa para dotar a su protagonista de ciertos atributos, muy convenientes en el relato. Nacho Sánchez interpreta con soltura y convicción a un rey caído, a un ídolo derribado: en una improbable dimensión paralela, en la que España en bloque ha prohibido la tauromaquia, el ex-matador recorre los escombros de una gloria extinta. Condenado al ostracismo por su violento pasado —afirma en la secuencia de apertura, en la entrevista para adopción de un perro, que “no se le deja hacer su trabajo”—, acumula rabia y necesidad afectiva a partes iguales. Más allá de lo simpático de su propuesta, Manrique ha apostado por emplear a fondo sus recursos para crear un microcosmos alrededor de este villano en horas bajas, sirviéndose de una simbología evidente pero efectiva (la omnipresencia del color rojo), inventándose algo así como un nuevo género que podríamos denominar el “post-costumbrismo” o el “anti-costumbrismo”. Valga aclarar que Una cabeza en la pared toma algunas decisiones de montaje comprometedoras —como, por ejemplo, una alambicada secuencia final, quizás demasiado grande narrativamente para encajar en el escaso metraje—, lo cual, per se, no es un error grave: esto evidencia la ambición expansiva de un director con una mirada clara sobre su idea.

Cura Sana

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España, 2024. Título original: «Cura sana». Dirección y guion: Lucía G. Romero. Producción: Ruth Porro Gisbert y Borja Nández. Compañía: ESCAC Films. Fotografía: Gemma de Miguel. Música: Oriol Brunet. Edición: Marina Ayet. Reparto: Roser Rendon Ena (Jessica), Rasvely Lissette Donaire Restituyo (Alma), Yaneys Cabrera Ramírez (Madre), Leisam Ramos Rodríguez (Naty), Ana Barja (Trabajadora de Cáritas), Nora Guarro Molina (Amiga de Jessica), Evelyn Lissette Restituyo Niva (Peluquera). Duración: 18 minutos.

La ópera prima de Lucía G. Romero destaca no solamente como una sólida obra cinematográfica; demuestra una sensibilidad especial por parte de su directora a la hora de recorrer un camino transitado, siendo capaz de encontrar una mirada distinta. Cura sana trata temas como la identidad ambigua y compleja de las segundas generaciones de migrantes, la exclusión social, la fuerza de los vínculos familiares, o el descubrimiento de la propia sexualidad, todo bajo una mirada naturalista, optando por la improvisación y la cámara en mano. Esta es la historia de una precariedad transgeneracional que Jessica (Roser Rendon Ena) y su hermana pequeña Alma (Rasvely Lissette Donaire Restituyo) parecen condenadas a sufrir, moldeadas bajo la amenazadora presencia de un padre que parece compensar sus ausencias con maltrato y violencia física. La joven, quien desea huir de una vida de la que culpa a su madre (Yaneys Cabrera Ramírez), se ve obligada a cuidar de Alma una tarde de San Juan. Con esta premisa, Romero consigue explorar con inteligencia, de manera directa y también —en muchas ocasiones— implícita, los espacios culturales y afectivos que configuran la atribulada vida de una adolescente con el viento en contra; una historia que resulta conmovedora y tierna precisamente por su honestidad y su falta de soberbia.

por Luis Enrique Forero Varela
abril 07, 2025

Especial Festival Skyline Benidorm | Parte III

por Luis Enrique Forero Varela | abril 07, 2025

Especial Skyline Benidorm Film Festival

Parte II | 9ª edición

La segunda jornada de cortometrajes, dentro de la sección oficial nacional del festival Skyline de Benidorm ha intensificado su propuesta, tanto en contenidos como en números. Se han presentado diez nuevos cortometrajes, algunos de los cuales ya han recorrido exitosamente el camino de anteriores festivales y premios; es el caso de, por ejemplo, Semillas de kivu, descarnado retrato documental del drama de las mujeres congolesas de la mano de las milicias Hutus, dentro de un marco sociopolítico devastador para la población local, obra ganadora de los pasados premios Goya a mejor cortometraje documental. Asimismo, hemos podido ver dos interesantes obras de animación, como Tesoro (Carme Álvarez Muñoz) o Felina (María Lorenzo), así como films muy comprometidos, cada uno a su manera, con la visibilización y dignificación de la lucha del colectivo LGTBQ+: Violetas (Borja Escribano) o Còlera (José Luis Lázaro).

El Showman

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España, 2024. Título original: «El Showman». Dirección: Cristian Martínez Lozano. Guion: Cristian Martínez Lozano, Miguel López Lloret. Compañías: Socraty Films, Wayaba Arquitectos Audiovisuales, Juno Media, Arca Films. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Juan Francisco Giménez Pérez. Montaje: Cristian Martínez, Miguel López. Música: Adrián Berenguer. Reparto: Jorge Silvestre, Yala Romero, Alan Miranda, Sara Jiménez, Diego Juan. Duración: 18 minutos.

La propuesta discursiva que el director Cristian Martínez presenta con El showman pretende interpelarnos y cuestionar la entidad que tenemos como público en el consumo masivo del entretenimiento en sus diversas formas, además de la responsabilidad que debemos (o no) asumir al participar pasivamente de ciertos contenidos audiovisuales. Un desconocido llama a la puerta de una casa familiar durante el fallido golpe de estado del general Tejero, y pide ayuda, pues parece haber sufrido un accidente automovilístico. Este disruptor de la apacible rutina familiar muy pronto se desvela como el perverso showman al que alude el título, y, tras asesinar al padre (Diego Juan) —en el segmento “Golpe de estado”—, obliga a la reciente viuda y sus dos hijos a votar por quién de los tres restantes miembros debe morir —en el segmento “Democracia”—. Más allá del cierto interés que pueda generar la propuesta, así como de los correctos apartados técnicos, el principal inconveniente que presenta El showman es en lo vago, lo poco trabajado que es su contenido discursivo. Las rupturas de la cuarta pared y las diatribas morales que el perverso “entertainer” (Jorge Silvestre) plantea a la madre (Yala Romero) y sus dos hijos (Sara Jiménez y Alan miranda) en esta home invasion movie carecen de la profundidad necesaria para tratar el tema propuesto —una reflexión que ya realizó Michael Haneke con Funny Games (1997)— y se queda en un mero artefacto vacío.

Semillas de Kivu

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Semillas de Kivu». Dirección: Néstor López, Carlos Valle Casas. Guion: Teresa Bellón, Néstor López. Compañías: Auntie Films, Filmakers Monkeys. FFotografía: Pablo D. Solas. Montaje: Cristina Otero. Música: Arturo Cardelús. Reparto: Neema Byenda, Pepe Castro, Aliné Kanega, Denis Mukwege, Pilar Sancho, Charlotte Shamavu. Duración: 29 minutos. ​ IMDb+2

Los directores Néstor López y Carlos Valle invirtieron siete años de vida y esfuerzo para sacar adelante Semillas de Kivu, un documental sobrio, arriesgado y, sobre todo, dignificador, acerca del casi inenarrable sufrimiento de las mujeres de la provincia congoleña homónima. Un prólogo demoledor nos presenta la situación terrorífica a la que ha sido sometida la comunidad durante más de dos décadas. Las guerrillas Hutus han masacrado y humillado sistemáticamente a la población local (con la indiferencia o la connivencia del gobierno), destruyendo el tejido social. Las violaciones masivas se han convertido en el arma de tortura colectiva más utilizada, destruyendo cualquier posibilidad de futuro. En palabras del doctor Mukwege, director del hospital Panzi, único recinto que brinda ayuda psicológica y médica a las víctimas, estos actos atroces tienen consecuencias transgeneracionales. El principal acierto de López y Valle es dar un paso atrás y poner su cámara únicamente al servicio de las voces de las víctimas, quienes, en un acto de dignidad y fuerza inspiradoras, narran el daño, la herida insoportable, mientras intentan navegar el presente, reconstruyéndose física, mental y emocionalmente para sacar adelante a sus familias y resignificar el futuro de sus hijos, fruto del horror y a la vez símbolos de la inocencia pura y la esperanza de futuro. Semillas de Kivu es una obra brillante, audaz y sincera.

Ángulo muerto

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Ángulo muerto». Dirección: Cristian Beteta. Guion: David Verdugo. Compañía: La Dalia Films. Fotografía: Àlex D. Sala. Música: Beatriz López-Nogales. Reparto: Eva Llorach, Carlos Santos. Duración: 15 minutos.

Cristian Beteta se atreve con Ángulo muerto a explorar las consecuencias de la pérdida y los mecanismos del duelo en una situación de dolor, shock e imposibilidad emocional. Una pareja destruida se da cita clandestinamente en un lugar apartado para conversar acerca de la muerte reciente de su hijo adolescente, obligado a quitarse la vida tras sufrir una violenta agresión sexual. A partir de esta premisa, se ramifican las reacciones emocionales del padre (Carlos Santos) y la madre (Eva Llorach) ante la impotencia del suceso. El principal problema que presenta Ángulo muerto como conjunto no tiene que ver con las correctas actuaciones de Llorach y Santos, ni con la ejecución de Beteta, sino, más bien, con el guion de David Verdugo. Los diálogos del padre y la madre no responden a una dinámica de dos personas separadas y devastadas por la tragedia, con la sangre en los ojos y el deseo de venganza; cada línea parece destinada a nosotros, a explicarnos a los espectadores qué es lo que ha ocurrido, y, además, lanzando un giro narrativo con intención de generar sorpresa que, lamentablemente, se derrumba por su propio peso.

Felina

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España, 2024. Título original: «Felina». Dirección y guion: María Lorenzo. Producción: Enrique Millán. Compañía: Universitat Politècnica de València. Festival de presentación: Animac Lleida. Distribución en España: Institut Valencià de Cultura. Música: Armando Bernabeu Lorenzo. Sonido: Martí Guillem, Pedro Aviñó. Animación: Marta Gil, María Lorenzo, Alberto Sanz, Gael García, Carla Moliner. Dirección de arte: Julia Happymiaow. Voces: Laura Candela, Juan Sastre. Duración: 12 minutos.

María Lorenzo escribe y dirige Felina, un audaz cortometraje de animación, con un estilo minimalista y parco. Esta es la historia de una mujer que descubre una mañana su embarazo y, dada una condición muy particular en su propia situación vital, se siente incapaz de revelarle la noticia a su pareja, un pianista ciego. Su huida en mitad de la noche se verá atropellada por la irrupción de cierto personaje malvado, quien la secuestra y la obliga a exhibirse en un circense cabaret de animales. Porque la condición particular de su protagonista es que se transforma en una pantera. Bajo esta instrumentalización de su animalidad se oculta un subtexto de gran violencia, ejecutado con la suficiente sutileza para despertar la reflexión crítica. Lorenzo consigue no solamente homenajear a algunos de sus probables cineastas referentes (Todd Browning, F.W. Murnau), con una economía de medios que sorprende por su elegancia y sus toques de expresionismo, sino que además es capaz de narrar una historia que fluye entre el género fantástico y el drama emocional de quien no está seguro de si recibirá la ayuda y comprensión de su círculo íntimo, si se muestra, sincero y vulnerable, tal y como es.

Co-haunting

ficha técnica:
España, 2023. Título original: «Co-Haunting». Dirección y guion: Adrián Carande, Pepe Rico, Paula Sánchez Álvarez. Compañía: Corte A Films. Festival de presentación: TerrorMolins 2023. Fotografía: Albert G. Casademunt. Reparto: Morgan Bautista, Adrián Carande, Albert G. Casademunt, Carla Morales, Pepe Rico, Paula Sánchez Álvarez. Duración: 11 minutos.

Paula Sánchez, Adrián Carande y Pepe Rico escriben, dirigen y protagonizan una comedia simpática y ligera, sin ocultar cierta preocupación social, cierto anclaje en el zeitgeist en el que vivimos. Co-haunting, como neologismo, es una estrategia de las inmobiliarias barcelonesas para ofrecer vivienda en alquiler precaria a “bajo” precio, escondiéndose tras la condición particular para la habitabilidad: los inmuebles están encantados bajo el yugo de un fantasma. A modo de mockumentary, un equipo de rodaje se adentra en la vida cotidiana de Morgan (Morgan Bautista), Adrián (Adrián Carande) y Paula (Paula Sánchez), compañeros de piso en sus treintas, que han aprendido a aguantar el boicot constante del fantasma de su co-haunting, empeñado en convertir el agua del grifo en sangre o tirarles las cosas de las estanterías. En el límite de su paciencia, deciden hablar con una mediadora. Con un tono ligero que toma prestadas influencias de sitcoms recientes (The office, Parks and Recreation) o comedia independiente (Lo que hacemos en las sombras, de Taika Waititi), Co-haunting es una propuesta tan divertida como original. La idea original es tan autosuficiente, que sostiene el resto de elementos de su humilde arquitectura sin ningún problema, ofreciendo además una mirada a la precariedad socioeconómica de la generación millennial.

Cólera

ficha técnica:
España, 2025. Título original: «Còlera». Dirección y guion: Jose Luís Lázaro. Compañías: Aire de Cinema, Wicker Films. Festival de presentación: Festival de Málaga. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Josep H. Vallés. Música: Jorge Tórtel, Jordi Sapena. Montaje: Sergi Merchan. Reparto: Manuel Canchal, Jorge Motos, Nacho Fresneda. Duración: 9 minutos.

Filmado en un ensayado plano secuencia, Còlera, del valenciano José Luis Lázaro, presenta una premisa tan sencilla como aterradora: una pareja joven (Manuel Canchal y Jorge Motos), al regresar de la playa, se ve en una situación de necesidad (han dejado las llaves dentro del coche) y, al buscar ayuda, se topan con que la fachada del buen samaritano (Nacho Fresneda) que acude se derrumba, revelándolo como un agresivo y homófobo atacante. En solo nueve minutos, la dureza de las imágenes de la obra de Lázaro se sustenta en una muy buena construcción de la tensión —y un guion de su propia mano—, que escala desde la levedad hacia una situación que borda la tortura, de manera tan orgánica como desgraciadamente sospechada. El hecho de que el tranquilo día de Guillem y Nico se transforma en una pesadilla con pasmosa velocidad nos recuerda cuán frágiles son los derechos y las garantías del colectivo LGTBQ+, cuyos miembros no pueden estar nunca en calma, pues, en cualquier momento, en cualquier situación trivial o no, puede generarse una marabunta de puro odio e incomprensión que pretende negarles el derecho mismo de existir. Por lo tanto, si el horror presente en Còlera resulta tan real, tan poco artificioso, es porque lamentablemente se trata de un terror anclado en la realidad.

Violetas

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Violetas». Dirección y guion: Borja Escribano. Compañías: Etérea Films, Tinnitus. Festival de presentación: LesGaiCineMad - Festival Internacional de Cine Lésbico, Gay y Transexual de Madrid. Fotografía: Mario López. Música: [Información no disponible]. Reparto: Javier Pereira, Alfonso Bassave, Christian Sampedro, María Cantuel, Pablo Viña. Duración: 17 minutos.

La virtud principal que ostenta Violetas, cortometraje de Borja Escribano, tiene que ver con su montaje y con su tempo narrativo. El director, quien además es autor del guion, se aventura a narrar un cierto recorrido de la relación amorosa entre Juan (Javier Pereira) y Manuel (Alfonso Bassave) en tiempo de la dictadura franquista; a pesar de contar con las limitaciones propias del género y sus apenas diecisiete minutos de duración, consigue que la progresión temporal y las elipsis encajen con una lograda precisión. El romance doblemente peligroso y que viven Juan y Manuel clandestinamente, así como la actividad revolucionaria que este último desarrolla con sus compañeros de lucha solo parece augurar un desenlace posible; y, aun así, cuando llega, a pesar de lo predecible, golpea a los espectadores, siendo capaz de conmover con delicadeza emocional. Este film, cuya intención discursiva última es homenajear a todos aquellos disidentes de la moral de la época y la heteronormatividad, denominados entonces “violetas”, se sostiene además en las sólidas interpretaciones de sus actores protagonistas (especialmente Pereira), capaces de expresar contención, ternura y dolor con apenas unas pocas expresiones faciales. Un uso interesante del color como termómetro emocional completa en su conjunto una obra interesante y reivindicativa.

Puzzleak, El palacio de la violación

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Puzzleak, Bortxaketaren Jauregia». Dirección y guion: Kote Camacho. Compañía: Komiki Films. Distribución en España: Filmin, VeoMac. Fotografía: Kote Camacho. Música: Elena Setién. Reparto: Enara Martínez, Maddi Goikoetxea, Clara de Pin, Mikele Arizkorreta. Duración: 15 minutos.

Está claro, desde su mismo título, que el documental de Kote Camacho es un alegato de lucha por la justicia y un puñetazo sobre la mesa como denuncia, valiente y sin sutilezas ni dudas. La voz en off de Ane (Enara Martínez) narra sosegada pero decididamente los acontecimientos que antecedieron a la herida: un conocido fotógrafo donostiarra, de nombre Kote Cabezudo, se destapó como un depredador sexual, que no solamente utilizó su posición de poder e influencia para engañarla, sino que, además, difundió por todas partes las fotografías y videos de Ane y otras víctimas, sin la supuesta validez artística de la que Cabezudo parecía pretender recubrirlas. Comienza la reconstrucción del puzle, el mapa de estos abusos múltiples. Al verse no solo ultrajada sino, además, expuesta, Ane emprende una batalla por su dignidad, enfrentándose al criminal, la opinión pública, las instituciones y, peor aún, al silencio generalizado. Esta obra de Camacho se viste con pocos artificios formales, exceptuando alguna licencia más narrativa, para ceder el espacio a las víctimas y operar como un instrumento de denuncia, contra el violador y los sectores socioculturales, cuya impasividad es cómplice de los abusos.

De sucre

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «De sucre». Dirección y guion: Clàudia Cedó. Compañía: Lastor Media. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto: Andrea Álvarez, Marc Buxaderas, Genís Casals, Joan Manuel Gurillo. Duración: 25 min.

La valentía con la que la directora Clàudia Cedó orquesta De sucre merece inmediatamente un reconocimiento, a la altura de su talento, dada su sensibilidad, su contención, y, sobre todo, su mirada sincera y sin artificios ni prejuicios sobre la temática. Esta es la breve narración de los días veraniegos de Maria (Andrea Álvarez) y su grupo de compañeros en el camping de una zona costera. Van a la playa, comen juntos, disfrutan de las actividades de ocio. Bajo lo inocuo de esta cotidianidad, subyace un conflicto: Maria quiere ser madre; el Estado, sin embargo, se lo impide, dada su condición. Maria sufre una discapacidad cuya limitación parece tener que ver con los derechos inalienables de los que, como persona, debería gozar. El acto de reapropiación de su propio cuerpo, la rebelión personal la llevará a enfrentarse con la fundación que la protege y, a la vez, la mantiene en un estado de suspensión prácticamente patibulario. La adaptación de su propia obra de teatro Mare de Sucre (recuperando a los actures y actrices), destaca por su encomiable sobriedad, potenciando el mensaje. La potencia del relato y las actuaciones de Álvarez y el resto del elenco (Judith Pardàs, Mercè Mendez, Marc Buixaderas, Glòria March, Genís Casals, Joan Manuel Gurrillo) son más que suficientes para hacer brillar De sucre como lo que es: un grito de reivindicación y una pequeña joya.

por Luis Enrique Forero Varela
abril 07, 2025

Especial Festival Skyline Benidorm | Parte II

por Luis Enrique Forero Varela | abril 07, 2025

Charlamos con Àlex Sardà sobre su última película, El príncep, una obra que desarrolla en escasos treinta minutos de metraje una compleja red de dominaciones y sumisiones, de corrupciones, egoísmos y falsas inocencias que no proyectan sino la sombra de la mala conciencia de sus personajes; todo ello, tensado por una encrucijada moral alérgica a las respuestas fáciles y rápidas. Tras su paso por Seminci, El príncep compite en la 9ª edición del Skyline Benidorm Film Festival.

Entrevista a Àlex Sardà
Texto de Rubén Téllez Brotons | | Madrid.

Decía Rafael Chirbes que “el dinero compra inocencia”. Es algo que le pasa al protagonista, ya que si puede evitar los negocios sucios de sus padres, si puede mirar hacia otro lado, es precisamente porque ellos le sostienen económicamente y le permiten llevar la vida que quiere, una vida alejada de la corrupción familiar. ¿Cómo afrontas en el momento de escritura y de la puesta en escena dicha encrucijada moral del protagonista?

El objetivo siempre fue este, el de explorar y ver esta ignorancia autoimpuesta. Ver qué pasa cuando le das la espalda a lo que no te gusta de tu entorno en vez de mirarlo de cara y decir, “voy a tomar cartas en el asunto para tomar una decisión y alejarme de esto sabiendo las consecuencias”. Es verdad que siempre es difícil con temas familiares, porque hay que mover muchas cosas, pero al menos hay que tener claro dónde están ciertos límites y hasta dónde vas a llegar. Me interesaba mucho ver a un personaje que no se ha tenido que preguntar esto nunca, que pensaba que dándole la espalda y refugiándose en el mundo de las artes podía quedar ajeno a todo esto. Tenía ganas de explorar este tipo de dinámicas y de comportamientos porque creía era una muy buena vía para hablar de temas en torno a la masculinidad.

Es interesante, porque ese pasado que mencionas está presente en todo momento a través del fuera de campo. Nunca se llega a saber concretamente qué delitos ha cometido el padre, más allá de que tienen que ver con la especulación inmobiliaria, ni se le llega a ver a él en persona. La familia es, por tanto, un espectro pretérito que amenaza al protagonista constantemente. En cierto modo, la película habla de la imposibilidad de librarse del pasado.

Sí, también de la fuerza que tienen estos asuntos, porque no hace falta que estén allí para seguir teniendo tanto poder y moviendo tantas cosas a su alrededor. Tenía claro que quería empezar con un protagonista con el que se pudiese empatizar, para después hacer todo el cambio con el personaje y ver que la respuesta no puede salir de él, sino de su familia, y que, por tanto, debe entrar a participar de todo esto. La escena clave es cuando el protagonista necesita recuperar la imagen de su padre y busca la última nota de voz que se había cruzado con él. Me gustaba la idea de que desde la no acción se recuperase todo este peso. El padre ahí es una voz amable diciendo que le enviará el dinero cuando lo necesite. Al final, su padre es su padre y lo va a querer.

Me pareció muy sugestiva una decisión estética que marca toda la puesta en escena: el uso de teleobjetivos para reducir mucho la profundidad de campo y centrar toda la atención en la gestualidad del protagonista. ¿Cómo trabajaste esto tanto a nivel de cámara como con Enric?

A nivel de cámara, nos planteamos el corto como un campo de prueba, para jugar en cada escena con lo que fuese necesario. De ahí el uso de los zooms y del teleobjetivo. Queríamos generar un juego que nos permitiese explorar cada escena de la forma que mejor funcionase, aunque esto implicase utilizar muchos estilos. Enric y yo somos primos y hemos trabajado juntos antes. Esto nos permite construir los personajes con mucho tiempo. Él es partícipe del guion desde muy pronto, lo que nos permite ver cómo vamos creando el universo juntos. Sobre todo, buscábamos no hacer un relato sobre el pobre niño rico. En todo momento teníamos muy claro que sus actos eran suyos y que debía ser él quien los condujera. Él no acaba aceptando por manipulación, aunque haya manipulación; él no acaba fastidiando las cosas en su compañía porque todo se sobrepase, sino porque toma las decisiones concretas en cada momento de no confesar lo que le pasa; él tiene oportunidades para explicar lo que le ha pasado y poder hablar con su entorno de lo que está viviendo, pero la vergüenza le hace perder estas oportunidades. Esto también lo trabajamos a nivel de corporalidad, de cómo ocupar el espacio para ir dejando ver sus caras.

Es curioso lo que dices de que no querías hacer el retrato del pobre niño rico, porque en cierta forma el protagonista utiliza a la gente que le rodea (igual que su familia le utiliza a él), empezando por sus compañeros de la compañía de baile. Pienso, concretamente, en la última secuencia, en la que desobedece la decisión de la directora y toma el protagonismo de la obra.

El objetivo era ir viendo cómo transforma su espacio escogido. Por eso hay una ironía en la elección del título, porque al final resume su papel dentro de la familia y la compañía. Él actúa como un príncipe dentro de ese reino. Aunque para él tenga todo el sentido del mundo, no deja de ser un acto egoísta que compromete a toda la compañía; no porque haya sido muy grave, sino porque lo que ha hecho es romper la confianza de sus compañeros. Aunque no quiera aceptar eso de sí mismo, siempre se pone por delante y juega con su privilegio según le convenga.

por Rubén Téllez Brotons
abril 04, 2025

Especial Skyline Benidorm Film Festival | Entrevista a Àlex Sardà, director de «El príncep»

por Rubén Téllez Brotons | abril 04, 2025

Especial Skyline Benidorm Film Festival

Parte I | 9ª edición

Tras una sesión matinal dedicada a los encuentros entre profesionales de la industria (como parte de la sección Prisma), así como la exposición de los finalistas y premiación del Shortpitch —Ultra todo, de Amora Films y Peculiar Films—, ha arrancado en Benidorm la Sección Oficial Nacional de cortometrajes con las proyecciones de las últimas obras de cineastas como Elisa Lanzas, Alex Sardà, Julu Martínez y Candela Megido o Alba Lozano. La apuesta del festival por dar espacio a gran diversidad de voces creativas ha generado un bienvenido eclecticismo en las propuestas a competición, con apartados estéticos muy variados, temáticas discursivas amplias y una multitud de géneros digna de mención; una oferta muy bien acogida por el público asistente.

Mapa de la geografía emocional

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Mapa de la geografía emocional». Dirección y guion: Julu Martínez, Candela Megido. Compañías: Pico Tres Cine, Pantalla Partida. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Gijón. Distribución en España: Digital 104. Fotografía: Toni Sanz. Montaje: Ángela Delgado. Música: Guillermo Pita. Reparto: Iván Vígara, Valeria Sevillano, Sergio Reifs, Laura Urizar. Duración: 20 minutos.

Definido por su actor protagonista, Iván Vigara, como un “viaje expresivo”, el cortometraje Mapa de la geografía emocional es una aproximación no solamente al paisaje afectivo de Leo, sino, muy en consonancia con lo primero, al propio tejido del territorio en el que se inscribe, una región pesquera de Galicia. Julu Martínez y Candela Megido utilizan la narrativa fragmentada y la voz voluble de su personaje como artefactos que resuenan con la propia ambigüedad de las leyendas endémicas sobre criaturas marinas mitológicas, denominadas “nereidas”; seres marinos que protegen a los marineros, a quienes ofrecen una concha como regalo de amor.

Es en este contexto que Megido y Martínez se sumergen con lograda delicadeza en la mente de Leo, donde cualquier categoría lógica o incontestable se disuelve en el flujo mismo de su existencia, de su sensibilidad, en un afán prácticamente imposible de cartografiar una manera muy particular de procesar los estímulos, las emociones, el ejercicio de concebir el tiempo, cuyas categorías parecen superponerse en un continuum no lineal, lleno de simbolismo. En esta ausencia de cubículos estancos que es Mapa de la geografía emocional se pierde por momentos el complicado equilibrio entre forma y discurso, provocando tropiezos que empañan su ejecución.

Los cayucos de Kayar

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Los cayucos de Kayar». Dirección y guion: Álvaro Hernández Blanco. Compañías: Orbe Cinema, De la Reina, AMMA Productions. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Lanzarote. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Álvaro Hernández Blanco. Montaje: Álvaro Hernández Blanco. Música: Arturo Cardelús. Reparto: Thimbo Samb. Duración: 29 minutos.

Álvaro Hernández Blanco aborda acertadamente desde lo micro una temática macro con Los cayucos de Kayar. Estas barcas de madera vertebran la realidad social del pequeño pueblo senegalés al que alude el título; son a la vez instrumentos de pesca de supervivencia, de la cotidianidad más humilde, y a la vez son tentadoras promesas de futuro, vehículos que ofrecen la posibilidad de escape, también inscrita en el puro tejido social de la región. Los habitantes de Kayar, cuyas voces Thimbo agrupa en la suya propia, se arrojan a la empresa imposible de atravesar el océano, fracasando continuadamente como atormentados personajes de un castigo mitológico, a pesar del peligro de muerte, a pesar de la incertidumbre ignorada o disfrazada de porvenir.

Thimbo lleva consigo esta victoria como una cicatriz, sabiendo él en carne propia que llegar a las costas españolas es solo el inicio de una vida dura; porta las humillaciones sufridas con orgullo irreductible, porque ha conseguido prosperar aquí y procurarle una vida mejor a su familia en Senegal, pagando como precio su ausencia intermitente y convirtiéndose en un extranjero en todas partes. La potencia del relato se ve mermada por las decisiones estilísticas de su director —en especial, el uso de la música—, quien se convierte en el gran obstáculo de su propia obra. Sin estos artificios, el filme podría haber brillado aún más.

La niña tatuada

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «La niña tatuada». Dirección y guion: Elisa Lanzas. Compañía: ESCAC Films. Festival de presentación: Octubre Corto. Distribución en España: ESCAC Films. Fotografía: Silvana Valadez. Montaje: Fran Tudela. Reparto: Carla Quílez, Ramon Pujol, Elisabet Marí Francès, Júlia Carmona, Pep Linares. Duración: 14 minutos.

La directora Elisa Lanzas escribe y dirige una aproximación sutil y descarnada a una violencia tan incrustada en lo cotidiano, que acaba invisibilizándose. El Terror se presenta frente a los ojos de la pequeña Irene (Carla Quílez) mientras se encuentra esperando a su hermana (Júlia Carmona) en la plaza del barrio; en este entorno conocido y previsible acecha un hombre. La única respuesta posible de Irene ante la amenaza es recurrir a su padre (Ramón Pujol), decisión de la que se arrepiente de manera casi inmediata.

El ingenio de Lanzas consiste en fijar su mirada en la complejidad de la coyuntura emocional de su protagonista. Con apenas unos pocos elementos, es capaz de configurar un paisaje de confusión e inocencia a partes iguales por el que transita su protagonista, tan ajena a términos como “micromachismos” o “cultura de la violación” y, sin embargo, ya sexualizada, ya incapacitada por la mirada de los hombres que la rodean. El segundo tramo narrativo de La niña tatuada se convierte así en minúsculos thriller y road movie, sumergiendo a Irene en medio de una atropellada espiral de agresividad disfrazada de justicia, cuya única motivación responde a los mismos mecanismos que la han arrancado de su infancia.

La noche dentro

ficha técnica:
España, 2023. Título original: «La noche dentro». Dirección: Antonio Cuesta. Guion: Antonio Cuesta, Adrián Pino. Compañía: El Golpe Creativos SL. Festival de presentación: Festival de Cine de Sevilla. Distribución en España: LINE UP Film Agency. Fotografía: Manuel Montero ‘Monty’. Montaje: Ro Menéndez. Música: Fernando Infante. Reparto: Clare Durant, Ana Pariente, Rafa de Vera, Paula Díaz, Manuel Navarro, Lola Arellano, Mila Fernández Linares, José Rasero, Ignacio de la Puerta, Sofía Navarro. Duración: 24 minutos.

Antonio Cuesta decide emplear unos recursos estéticos y discursivos concretos para construir algo así como una estéril observación sobre agotamiento. Belén (Clare Durant) es enfermera, pero acaba de abrir los ojos sobre una camilla, en el mismo hospital en el que trabaja. Mientras se incorpora, con sus compañeros y compañeras alrededor, comienza a reconstruir lo acontecido hasta aquel instante, así como las implicaciones éticas, personales y sociales que se desdoblan progresivamente. Utilizando tropos comunes (la amnesia, la reconstrucción detectivesca de Belén, atravesando los laberínticos pasillos del hospital —que son los de su propia memoria— Cuesta consigue generar una atmósfera con recursos como el plano secuencia, la iluminación mortecina, haciendo brillar una economía de medios, que juega muy a favor del conjunto de la película.

Es en este espacio donde La noche dentro despliega su contenido discursivo como un golpe sobre la mesa. La precariedad de un sistema médico público, la falta de infraestructura y recursos humanos adquieren aquí casi un cariz apocalíptico y, sin embargo, están sujetos a una realidad social sin artificios. Cuando los profesionales de la salud colapsan, obligados a jornadas extenuantes, a volúmenes de trabajo inabarcables, colapsa nuestro sistema social y nos vemos absolutamente indefensos.

El príncep

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «El Príncep». Dirección y guion: Àlex Sardà. Compañías: 15L Films, Canada, Las Montañas del Canada. Festival de presentación: Festival de Cine de Sevilla. Distribución en España: Marvin & Wayne. Fotografía: Artur-Pol Camprubí. Música: Clara Aguilar. Reparto: Enric Auquer, Mona Martínez, Javier Beltrán, David Vert, Nora Sala-Patau, Daniela Brown, Elena Martín, Carla Linares. Duración: 29 minutos.

Un excelente Enric Auquer protagoniza El príncep, de Alex Sardà, una película casi al límite del mediometraje, acerca de la familia, la pertenencia y la culpa. Pero además es una reflexión sobre el poder. No en vano, el título deja bastante claras sus intenciones: por una parte, una descripción de su protagonista, diletante hijo menor y eslabón más frágil de una familia de acaudalados especuladores; por otra, la referencia hacia la obra de Machiavelli es transparente, sobre todo en lo concerniente a qué y cuánto debe hacerse pare conservar el statu quo, el papel estelar, para sobrevivir. La respuesta parece clarísima.

Artur comparte nombre con su padre y se niega a cargar con esta cruz impuesta como una fuente de orgullo. No quiere saber nada de las opacas actividades a las que se dedica su familia. Sin embargo, el mismo día del estreno del espectáculo de danza contemporánea que protagoniza —espacio sobre el que sí disfruta de la atención brindada—, su madre (una estupenda Mona Martínez), su hermano (Javier Beltrán) y el consigliere (David Vert) acuden a él para hacerle una oferta por su alma, que es a la vez una invitación al sacrificio y una amenaza disfrazada de cariño.

Sardà se sirve de un logrado diseño de producción y unas actuaciones muy destacables para edificar una película excelente, donde texto y subtexto resuenan con elegancia.

Capitanes

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Capitanes». Dirección y guion: Kevin Castellano, Edu Hirschfeld. Compañías: Inaudita Films, Malas Compañías P.C., Maluta Films, Vessmedia Producciones Audiovisuales. Festival de presentación: Cinema Jove. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Sara Gallego, Jorge Sirvent. Reparto: Héctor Juezas, Jorge Silvestre. Duración: 15 minutos.

El interés que confesaba Edu Hirschfeld, director, junto a Kevin Castellano, por hacer un cortometraje sobre el fútbol, auguraba una muy interesante reflexión acerca de los roles de género y las nuevas masculinidades. Capitanes es una película divertida y conscientemente tramposa; juega al engaño, presentándose en su primera parte con la estética exacta de la retransmisión de un partido de balompié, del que sus dos mejores jugadores han sido apartados a mitad del encuentro. Una vez dentro de los vestuarios, la cámara se centra en diseccionar los conflictos de dos jugadores (Héctor Juezas y Jorge Silvestre), líderes del equipo y amigos de infancia. Encerrados en este espacio que exhuma sudor y masculinidad tóxica, la conversación y la distancia personal van progresivamente tornándose hacia otra cosa.

Resulta refrescante este atrevimiento en observar con perspectiva queer este entorno, heteropatriarcal por antonomasia, y descubrir cómo su simbología y su estética ocultan una lectura alternativa, sumamente rica. El clímax de Capitanes (orquestado gracias a la buena elección de bailarines dentro del casting), muy físico, deriva hacia un enaltecimiento sin prejuicios de la belleza de los cuerpos, tomando prestados el tenebrismo y la composición de la pintura barroca italiana. Tal ejercicio de impacto visual obtiene un resultado más que destacable.

Mi juego

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Mi juego». Dirección, guion, ilustración y animación: David Navarro Bravo. Diseño de sonido: Nicole Madi. Actuación de voz: Óscar Nagar. Duración: 5 minutos.

David Navarro Bravo crea, mediante un muy efectivo uso de la animación digital, una pequeña obra divertidísima, tan perversa como inofensiva, tan perturbadora como lúdica. Mi juego describe en primera persona el horror asfixiante de la mente de un hombre alienado, aplastado por una rutina mundana y carente de estímulos, tan ajena a la sorpresa o el entretenimiento, como entorno para el despliegue de un inconfesable flujo de conciencia. Como toda buena obra que explora el desequilibrio de la mente, aquí es el propio protagonista quien decide tornarse confesional, narrador en primera persona.

El juego que titula la película es bastante sencillo: nuestro psicópata protagonista, empleado de un videoclub, guarda un arma cargada y amartillada en el cajón del mostrador, lista para ser descargada sobre él mismo o sobre uno de sus clientes, dependiendo únicamente de la arbitraria ¿voluntad? Del azar. Esta delirante dinámica de ruleta rusa, con influencias tarantinianas y de cultura pop supone un estímulo interesante, y su carácter lúdico la despoja de cualquier tipo de seriedad o discurso más complejo.

Utländsk

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Utländsk». Dirección y guion: Alba Lozano. Compañía: La Córnea Digital. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Cartagena. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Aitor Mendilibar. Montaje: Pepa Roig. Sonido: Iñigo Etxarri. Reparto: Izaro Nieto, Dorleta Urretabizkaia, Itziar Manero, Arnatz Puertas, Lur Korta, Gaizka Sarasua, Miguel Garcés, Luix Mitxelena, Nerea Mazo. Duración: 20 minutos.

La palabra sueca que da título a la película de Alba Lozano significa “extranjero”, en castellano. Para Esti (Izaro Nieto), su protagonista, Oiartzun, el hogar al que ha regresado desde Suecia tras años de ausencia, ya no representa un abrazo cálido, sino una más bien una fuente de cuestionamiento: la confrontación con su madre (Dorleta Urretabizkaia), y el encuentro con el fracaso. Parece no estar segura de haber cambiado tanto durante su tiempo fuera, o más bien acaso siempre fue distinta al territorio humano con el que comparte sus apellidos, sus documentos, su pasado. De modo que su propia tierra se torna una falacia, así como su vida inmediatamente anterior, fuera de su pueblo, comienza a querer desdibujarse.

Utländsk utiliza una sobriedad digna de mención para abordar la manera en la que mutan las relaciones familiares en la adultez temprana, y cómo cada parte debe entender y gestionar su propio espacio en la dinámica. Con honestidad y contención, Lozano cuestiona cómo se sostienen la identidad personal y cultural cuando el tiempo y las circunstancias modifican nuestra propia esencia. Todos los habitantes del pueblo, felices de verla, parecen empeñados en recordarle a Esti que la conocen muy bien, que es aquí donde debe estar cuando ella misma sabe, muy a su pesar, que esta tierra, de alguna manera dolorosa, ya no le pertenece.

por Luis Enrique Forero Varela
abril 04, 2025

Especial Skyline Benidorm Film Festival | Parte I

por Luis Enrique Forero Varela | abril 04, 2025